Ricciotto Canudo: La Historia del Cine
Si para Thomas Alva Edison el cine era un negocio, para los hermanos Louis y Auguste Lumière era un entretenimiento con el que capturar la realidad, o para Georges Méliès era un fascinante juguete con el que poder experimentar y ampliar sus trucos de magia, sería este crítico italiano el primero que utilizaría la expresión “Séptimo Arte” para referirse al cine, en una época en la que todavía no estaban asentadas ni su gramática, ni su estética, ni todos los aspectos morfológicos, sintácticos y semánticos que acabarían por configurar el lenguaje cinematográfico.
Ya por aquel entonces el teórico era capaz de separar lo que, en los Estados Unidos, ya comenzaban a llamar industria —-que se apropiaba del término “arte” para proporcionar a sus productos de un prestigio del que carecían—-, de aquellas otras muestras cinematográficas a las que se les podía atribuir ese mismo sustantivo por derecho propio, debido a su capacidad de elevar el sentimiento humano al “olvido estético”. A continuación, el primer fragmento de su manifiesto:
'La Teoría de las Siete Artes ha ganado rápidamente terreno, extendiéndose por todo el mundo. Ha aportado una clarificación a la total confusión de géneros e ideas, como una fuente de nuevo reencontrada. No voy a hacer alarde de dicho descubrimiento, porque toda teoría implica el descubrimiento de un principio fundamental. Me limito a comprobar su difusión; de la misma forma que, al enunciarla, hacía constar su necesidad.
Si bien los muchos nefastos tenderos del cine han creído poderse apropiar del término “Séptimo Arte” que da prestigio a su industria y a su comercio, no han aceptado, empero, la responsabilidad impuesta por la palabra “arte”. Su industria sigue siendo la misma, más o menos bien organizada desde el punto de vista técnico; su comercio se mantiene floreciente o en decadencia, según los altibajos de la emotividad universal. Su “arte”, salvo algún raro ejemplo en el que el cineasta es capaz de exigir e imponer su propia voluntad, sigue siendo prácticamente el mismo que inspiraba a Xavier de Montépin.
Pero este arte de síntesis total que es el Cine, este prodigio rechinó nacido de a Máquina y del Sentimiento, está empezando a dejar de balbucear ara entrar en la infancia. Y muy pronto llegará la adolescencia a despertar su intelecto y a multiplicar sus manifestaciones; nosotros le pediremos que acelere el desarrollo que adelante el advenimiento de su juventud. Necesitamos al Cine para crear el arte total al que, desde siempre, han tendido todas las artes.'
Manifiesto de las Siete Artes
A cien años de la creación de su manifiesto, y con ciento dieciséis trayectoria cinematográfica, aquellos que Ricciotto Canudo consideraba tenderos, comerciantes, o, en definitiva, industria, siguen ejerciendo esa misma apropiación indebida de lo “artístico”, para refiriese a sus obras más notorias. Aunque, hoy por hoy, esta apropiación también se sucede en otros campos artísticos como la música y la literatura, en la que conviven productos manufacturados y artificiales, con expresiones artísticas más personales. Habrá muchos que consideren el cine como un mero entretenimiento, y otros para los que sea una expresión artística, pero lo que no cabe duda es que aquellas obras que perduran en el tiempo, no siempre son las que más dinero recaudan, sino las que dejan una huella más profunda en el corazón del espectador.
Tal y como Canudo advierte, el cine se encuentra en un período de lactancia cuando escribe su texto, pero yo me pregunto ¿ha evolucionado realmente el cine en algo más de cien años de historia? Comparado con otras expresiones artísticas, podemos considerar al cine como una forma de expresión bastante joven, por lo que voy a aventurarme a identificar las diferentes edades y etapas de la Historia del Cine comparándolas con el crecimiento humano:
* Precedentes, gestación y nacimiento del cinematógrafo: un largo proceso de embarazo que comenzaría dando forma y cuerpo a la idea a través de precedentes como el mito de la caverna de Platón, la cámara oscura de Aristóteles, el movimiento virtual que proporciona la pintura, los precedentes de la construcción del relato que ofrecen tanto pintura como escultura, un proceso de gestación que si comienza en el renacimiento con los primeros inventos de Leonardo Da Vinci, se aceleraría a partir del nacimiento de la fotografía y conocería una rápida evolución con la revolución industrial, a través de múltiples juguetes y experimentos como las cronografías de Eadweard Muybridge o las de Étienne Jules Marey, para ver la luz, gracias a los inventos de Thomas Alva Edison, pero definitivamente en 1895 de la mano de los hermanos Lumiére.
* Aprendiendo a caminar: si primero tendríamos que hablar de los pioneros del cine como Georges Méliès, Pathé y Gaumont, Gelabert y Segundo de Chomón, Edwin S. Porter, Adolph Zuckor, David W. Griffith, Thomas H. Ince, Max Linder, Mack Sennett o Charles Chaplin, que asientan las bases del lenguaje y los géneros cinematográficos; después no podríamos dejar de hablar de todas las escuelas, tendencias, manifiestos y movimientos de vanguardia que terminan por proporcionar una estética, un estilo y un significado a ese recién nacido lenguaje, tales como la Film d’Art, la escuela documental británica, los manifiestos futurista y dadaísta, la escuela nórdica, las corrientes germanas, las vanguardias galas, la revolución rusa, el tradicionalismo español o el star system estadounidense.
* Primeros balbuceos con la llegada del sonoro, en 1927, el cine sufre un período de adaptación, como si tuviera que acudir al parvulario para adaptarse al lenguaje verbal.
* La escuela primaria que se extiende a lo largo de los años treinta y a la que asisten todas las cinematografías mundiales para construir una identidad nacional, adecuada a su propia cultura como sucede con el cine de la República en España, el fantasma Nazi en Alemania, la Edad Media del cine soviético, el naturalismo poético y su contraste con el realismo social francés, y, por último, la edad dorada de Hollywood y la fuerte influencia que ejerce el star system estadounidense, que termina por configurar lo que conocemos como cine clásico.
* Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial se produce una pérdida de la inocencia que provoca una maduración a marchas forzadas de las cinematográficas afectadas directamente por el conflicto, dando lugar a la qualité francesa, el cine de prestigio británico, el renacimiento nórdico, el neorrealismo italiano o los tormentosos años del cine de Hollywood que también se ve afectado por la contienda. Cinematografías como la española viven el receso de manera prematura debido a la Guerra Civil, aunque conseguirán remontar gracias a la influencia del movimiento italiano, como se podrá constatar en las Conversaciones de Salamanca.
* La hermana pequeña que surge con la televisión, que a a larga hará que hablemos de lenguaje audiovisual más que cinematográfico, así como la influencia de sus primos, los denominados cines menores que poco a poco van construyendo sus propias cinematografías tanto en Latinoamérica, sobre todo en México y Argentina, como en Asia, donde prosperan las cinematografías china, india y nipona. Mención aparte merece el cine de animación que evoluciona independientemente de los demás géneros y técnicas cinematográficas.
* Los rebeldes adolescentes que demandan nuevas formas de expresión tras el conflicto bélico, forzando una evolución que marca el inicio del cine moderno con la transformación del cine estadounidense y el New American Cinema, la nouvelle vague francesa, los Angry Young Men británicos, el manifiesto de Oberhausen en Alemania, el nuevo cine español y los nuevos cines latinoamericanos en los que afloran las cinematografías de Brasil, Cuba y Bolivia, además de surgir una renovación en el cine mexicano y el nuevo cine argentino.
* Asumiendo la mayoría de edad, podríamos decir que se encuentra la cinematografía estadounidense con la irrupción del cine independiente y colectivos como los cineastas del nuevo Hollywood, o e esplendor italiano de los años setenta, el cine que llega del este europeo, la edad moderna japonesa o el cine de la movida que llega con la democracia española.
* Actualmente parece que estamos en el camino a la madurez en el que se encuentra la comunicación audiovisual al establecer una correspondencia entre cine, televisión, nuevos formatos y nuevas tecnologías, que nos llevan a hablar de posmodernismo y del auge de un cine de autor facilitado por las convulsiones de la Europa comunista, la búsqueda de identidad del cine Latinoamericano, la invasión de los géneros japoneses, la apertura del cine chino tras la quinta generación y la proliferación de nuevos cines periféricos como el iraní, el africano, el árabe y otras identidades y voces solitarias.
* Aprendiendo a caminar: si primero tendríamos que hablar de los pioneros del cine como Georges Méliès, Pathé y Gaumont, Gelabert y Segundo de Chomón, Edwin S. Porter, Adolph Zuckor, David W. Griffith, Thomas H. Ince, Max Linder, Mack Sennett o Charles Chaplin, que asientan las bases del lenguaje y los géneros cinematográficos; después no podríamos dejar de hablar de todas las escuelas, tendencias, manifiestos y movimientos de vanguardia que terminan por proporcionar una estética, un estilo y un significado a ese recién nacido lenguaje, tales como la Film d’Art, la escuela documental británica, los manifiestos futurista y dadaísta, la escuela nórdica, las corrientes germanas, las vanguardias galas, la revolución rusa, el tradicionalismo español o el star system estadounidense.
* Primeros balbuceos con la llegada del sonoro, en 1927, el cine sufre un período de adaptación, como si tuviera que acudir al parvulario para adaptarse al lenguaje verbal.
* La escuela primaria que se extiende a lo largo de los años treinta y a la que asisten todas las cinematografías mundiales para construir una identidad nacional, adecuada a su propia cultura como sucede con el cine de la República en España, el fantasma Nazi en Alemania, la Edad Media del cine soviético, el naturalismo poético y su contraste con el realismo social francés, y, por último, la edad dorada de Hollywood y la fuerte influencia que ejerce el star system estadounidense, que termina por configurar lo que conocemos como cine clásico.
* Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial se produce una pérdida de la inocencia que provoca una maduración a marchas forzadas de las cinematográficas afectadas directamente por el conflicto, dando lugar a la qualité francesa, el cine de prestigio británico, el renacimiento nórdico, el neorrealismo italiano o los tormentosos años del cine de Hollywood que también se ve afectado por la contienda. Cinematografías como la española viven el receso de manera prematura debido a la Guerra Civil, aunque conseguirán remontar gracias a la influencia del movimiento italiano, como se podrá constatar en las Conversaciones de Salamanca.
* La hermana pequeña que surge con la televisión, que a a larga hará que hablemos de lenguaje audiovisual más que cinematográfico, así como la influencia de sus primos, los denominados cines menores que poco a poco van construyendo sus propias cinematografías tanto en Latinoamérica, sobre todo en México y Argentina, como en Asia, donde prosperan las cinematografías china, india y nipona. Mención aparte merece el cine de animación que evoluciona independientemente de los demás géneros y técnicas cinematográficas.
* Los rebeldes adolescentes que demandan nuevas formas de expresión tras el conflicto bélico, forzando una evolución que marca el inicio del cine moderno con la transformación del cine estadounidense y el New American Cinema, la nouvelle vague francesa, los Angry Young Men británicos, el manifiesto de Oberhausen en Alemania, el nuevo cine español y los nuevos cines latinoamericanos en los que afloran las cinematografías de Brasil, Cuba y Bolivia, además de surgir una renovación en el cine mexicano y el nuevo cine argentino.
* Asumiendo la mayoría de edad, podríamos decir que se encuentra la cinematografía estadounidense con la irrupción del cine independiente y colectivos como los cineastas del nuevo Hollywood, o e esplendor italiano de los años setenta, el cine que llega del este europeo, la edad moderna japonesa o el cine de la movida que llega con la democracia española.
* Actualmente parece que estamos en el camino a la madurez en el que se encuentra la comunicación audiovisual al establecer una correspondencia entre cine, televisión, nuevos formatos y nuevas tecnologías, que nos llevan a hablar de posmodernismo y del auge de un cine de autor facilitado por las convulsiones de la Europa comunista, la búsqueda de identidad del cine Latinoamericano, la invasión de los géneros japoneses, la apertura del cine chino tras la quinta generación y la proliferación de nuevos cines periféricos como el iraní, el africano, el árabe y otras identidades y voces solitarias.
Luego ¿donde estamos en estos momentos? Desde el punto de vista de muchos, estaríamos hablando del cine como una forma de expresión con una edad equivalente a los veintitantos, en la que todavía conviven películas que responden a criterios clásicos, modernos y posmodernos en función de cada cineasta, más que de la nacionalidad de las películas o su origen más o menos industrial. Si es arte o industria sería para mi lo de menos, pues lo cierto es que podemos encontrarnos con obras artísticas muy entretenidas y con productos comerciales de una estupenda calidad artística. Una cosa no excluye a la otra. Pero, como siempre, tienes la palabra para opinar lo que consideres oportuno: ¿arte o industria?
La pirámide de las siete artes
Ricciotto Canudo por Pablo Picasso
A través de la segunda parte de su teoría, la manera en la que Canudo incorpora las Siete Artes en una pirámide que será finalmente coronada por el cine como arte que engloba todas las demás formas de expresión artística:
'Y aqui va a ser necesario explicar una vez más, rápidamente, aquella teoría ya conocida en los círculos más iniciados como la Teoría de las Siete Artes. La fuente que hemos encontrado nos la revela en toda su claridad. Descubrimos que, en realidad, dos de estas artes surgieron originariamente del cerebro humano para permitirle fijar todo lo efímero de la vida, en lucha contra la muerte de las apariencias y de las formas, enriqueciendo a las generaciones con la experiencia estética. Se trataba, en los albores de la humanidad, de algo que completase la vida, elevándola por encima de las realidades fugaces, afirmando la eternidad de las cosas ante las que los hombres experimentaban una emoción. Así se crearon los primeros focos de emoción, capaces de irradiar sobre todas las generaciones lo que un filósofo italiano llama «el olvido estético», es decir, el goce de una vida superior a la vida, de una personalidad múltiple que cada uno puede crearse al margen y por encima de la propia.
En mi Psychologie musicale des Civilisations (París, Sansot, 1908) ya señalé que la Arquitectura y la Música habían expresado inmediatamente esta necesidad ineluctable del hombre primitivo, que intentaba “retener” para sí mismo todas las fuerzas plásticas y rítmicas de su existencia sentimental. Al construir la primera cabaña, al bailar la primera danza con el mero acompañamiento de la voz como pauta para mover los pies sobre el suelo, ya había descubierto la Arquitectura y la Música. Más tarde embelleció a la primera con la representación de los seres y de las cosas cuyo recuerdo deseaba perpetuar, mientras añadía a la danza la expresión articulada de sus movimientos: la palabra. De esta forma había inventado la Escultura, la Pintura y la Poesía; había concretado su sueño de inmortalidad en el espacio y en el tiempo. A partir de aquel momento el Ángulo estético había aparecido ante su espíritu.'
Si bien comparto la opinión del teórico italiano, con respecto a que en el cine podemos encontrar todas las formas de expresión artística englobadas en una sola, sí creo que hace falta puntualizar una sola cosa: que mientras las seis primeras formas de expresión son individuales, el cine es la única que se realiza de forma colectiva.
Si bien unas veces nos encontramos con obras en las que prevalece una forma de expresión artística sobre las otras, también es justo señalar que la mayoría de las veces una obra cinematográfica responde a las inquietudes de dos fuerzas intelectuales primigenias: el productor y el director. Mas remitiéndome a las palabras que escuchara una vez de boca de Bigas Luna en una clase magistral: “si el productor es el padre, el director es la madre”, me inclino a pensar que la responsabilidad final de cada propuesta es producto de la unión entre estos dos profesionales, o del mayor peso o influencia que uno de ellos tenga sobre el otro.
Por citar dos claros ejemplos de cada una de las figuras, pocos podrán contradecirme si afirmo que las producciones de David O. Selznick respondían más a su criterio colosal y grandilocuente que al de la mayoría de los directores que puso al frente de sus proyectos, siendo el ejemplo más claro el de “Gone with the Wind”. En el polo opuesto tenemos a Alfred Hitchcock, ejemplo de cineasta que se apodera de cualquier proyecto que aborda, haciéndolo suyo al incorporar su personal concepto estético. Curiosamente, podemos encontrar una obra que se beneficia de ambas personalidades, una hija que tiene tanto de su padre, como de su madre: “Rebecca” pues podemos considerarla tanto un exacerbado melodrama del estilo del productor estadounidense, como una obra llena del morbo, misterio y suspense del cineasta británico.
En cualquier caso, y tratando de justificar la pirámide de Ricciotto Canudo, propongo a continuación un esquema que establece, desde mi punto de vista, el vínculo de cada una de las principales disciplinas audiovisuales con las seis artes anteriores:
* La arquitectura visual que proporciona, desde un punto de vista interno, el diseñador de producción, bajo cuya responsabilidad se desarrolla la dirección artística, los decorados y el vestuario; pero también desde un punto de vista externo, de cara al producto final que veremos en pantalla y la organización de los diferentes elementos como el plano, el punto de vista de la cámara, el encuadre o la composición, que organizan el espacio según el criterio y la concepción visual del director de la película.
* La coreografía que nace de la acción, tanto por el movimiento dentro del plano con los movimientos de los actores, como fuera del plano con los movimientos de cámara.
* La palabra y poesía que proceden del guión: el primer elemento de la producción audiovisual que queda establecido por el guionista, único profesional de la cadena cinematográfica que no participa ni en el rodaje ni en la posproducción.
* La pintura que surge con las posibilidades plásticas que ofrecen la luz y el color, modelados por el director de fotografía, siguiendo unos preceptos marcados en colaboración por el diseñador de producción y siguiendo siempre los intereses del director.
* La música y los diferentes ritmos que proporcionan tanto la manipulación del tiempo a través del montaje, como el propio universo sonoro que se aporta con la llegada del sonido y la incorporación de voces, ruidos y sonidos diegéticos, además de la música y canciones que se incorporan a la banda sonora.
* La escultura y el sentimiento que aportan actores y actrices de escuelas tan dispares como las rusas con los diferentes métodos de Stanislawski, Meyerhold o Eisenstein, el expresionismo de Reinhardt, el estereotipo del star system, el sentimiento del Actor’s Studio, el naturalismo y otras maneras de transmitir la emoción a partir no sólo de la palabra, sino, casi más importante, del cuerpo del actor.
* La coreografía que nace de la acción, tanto por el movimiento dentro del plano con los movimientos de los actores, como fuera del plano con los movimientos de cámara.
* La palabra y poesía que proceden del guión: el primer elemento de la producción audiovisual que queda establecido por el guionista, único profesional de la cadena cinematográfica que no participa ni en el rodaje ni en la posproducción.
* La pintura que surge con las posibilidades plásticas que ofrecen la luz y el color, modelados por el director de fotografía, siguiendo unos preceptos marcados en colaboración por el diseñador de producción y siguiendo siempre los intereses del director.
* La música y los diferentes ritmos que proporcionan tanto la manipulación del tiempo a través del montaje, como el propio universo sonoro que se aporta con la llegada del sonido y la incorporación de voces, ruidos y sonidos diegéticos, además de la música y canciones que se incorporan a la banda sonora.
* La escultura y el sentimiento que aportan actores y actrices de escuelas tan dispares como las rusas con los diferentes métodos de Stanislawski, Meyerhold o Eisenstein, el expresionismo de Reinhardt, el estereotipo del star system, el sentimiento del Actor’s Studio, el naturalismo y otras maneras de transmitir la emoción a partir no sólo de la palabra, sino, casi más importante, del cuerpo del actor.
De espectador pasivo a crítico activo
Concluyo hoy con mi personal homenaje a Ricciotto Canudo, primer crítico y teórico cinematográfico, al que se le atribuye el término Séptimo Arte para referirse al Cine, frente a la concepción inicial de algunos que lo entendían más como un entretenimiento, más cercano al circo o a un parque de atracciones, que a una elevada forma de expresión artística como un concierto o la lectura de un libro. En la tercera parte del Manifiesto de las Siete Artes, Canudo defiende la necesidad del ser humanos por buscar una belleza que le lleve al “olvido de sí mismo”, llegando a comparar al cinematógrafo como un invento que proporciona VIDA:
Querría señalar ya ahora que si bien la Arquitectura, surgida de la necesidad material de protegerse, se afirmó netamente individualizada frente a sus complementarias, la Escultura y la Pintura, la Música, en cambio, ha seguido a través de los siglos un proceso completamente inverso. Surgida de una necesidad enteramente espiritual de elevación y de superior olvido, la Música es realmente la intuición y la organización de los ritmos que rigen toda la naturaleza. Pero primero se manifestó en sus complementarias, la Danza y la Poesia, hasta llegar miles de anos después a la liberación individual, a la Música sin danza y sin canto, a la Sinfonía. Como entidad determinante de toda la coreografía del lirismo, existía ya antes de convertirse en lo que nosotros llamamos Música pura, precediendo a la Danza y a la Poesía.
Así como las formas en el Espacio son fundamentalmente Arquitectura, los ritmos en el Tiempo, ¿no son sobre todo Música?
Finalmente el «círculo en movimiento» de la estética se cierra hoy triunfalmente en esta fusión total de las artes que se llama Cinematógrafo. Si tomamos a la elipsis como imagen perfecta de la vida, o sea, del movimiento — del movimiento de nuestra esfera achatada por los polos —, y la proyectamos sobre el plano horizontal del papel, el arte, todo el arte, aparece claramente ante nosotros.
Centenares de siglos humanos han proyectado sobre esta elipsis en movimiento su mayor aspiración común, mantenida siempre por encima del tumulto de los siglos y de las alteraciones del animo individual. Todos los hombres, bajo cualquier clima histórico, geográfico, étnico o ético, han hallado el placer más profundo, que consiste simplemente en el mas profundo «olvido de sí mismos», dejándose envolver por las tenaces espirales del olvido estético. Este sublime olvido es reconocible en el gesto del pastor, blanco, negro o amarillo, que esculpe una rama de árbol en la desolación de su soledad. Pero, a lo largo de todos estos siglos hasta el nuestro, entre todos los pueblos de la tierra, las dos Artes y sus cuatro complementarias, han seguido siendo siempre las mismas. Lo que contingentes internacionales de pedantes han creído poder llamar «la evolución de las artes» no es más que logomaquia.
Nuestra época es incomparable desde el punto de vista de la fuerza interior y exterior, de la nueva creación de un mundo interior y exterior, del descubrimiento de energías hasta ahora insospechadas: interiores y exteriores, físicas y religiosas.
Nuestro tiempo ha sintetizado en un impulso divino las múltiples experiencias del hombre. Y hemos sacado todas las conclusiones de la vida práctica y de la vida sentimental. Hemos casado a la Ciencia con el Arte, quiero decir, los descubrimientos y las incógnitas de la Ciencia con el ideal del Arte, aplicando la primera al último para captar y fijar los ritmos de la luz. Es el Cine.
El Séptimo Arte concilia de esta forma a todos los demás. Cuadros en movimiento. Arte Plástica que se desarrolla según las leyes del Arte Rítmica.
Ése es el lugar en el prodigioso éxtasis que la conciencia de la propia perpetuidad regala al hombre moderno. Las formas y los ritmos, lo que conocemos como Vida, nacen de las vueltas de manivela de un aparato de proyección.
Nos ha tocado vivir las primeras horas de la nueva Danza de las Musas en torno a la nueva juventud de Apolo. La ronda de las luces y de los sonidos en torno a una incomparable hoguera: nuestro nuevo espíritu moderno.
Riccotto Canudo también es recordado por ser el fundador del primer club de cine: Club des Amis du septième Art, así como las primeras publicaciones cinematográficas: Montjoie y La Gazette des Sept Arts. Por lo que si ya tuvimos ocasión de repasar las diferentes edades de la Historia del Cine, así como los principales puntos del Lenguaje Audiovisual al establecer la correspondencia entre el cine y las demás formas de expresión artística, quisiera hoy hacer hincapié en la necesidad de un mínimo rigor para alcanzar la verdadera comprensión de la obra fílmica, fomentando así la idea de que cada espectador debe convertirse en su propio crítico de cine, con su propia opinión personal de cada obra.
Porque en una aproximación al hecho cinematográfico desde un punto de vista, ya no sólo riguroso, sino más exigente, no basta con la contemplación y disfrute de la película. Es necesario aprender a juzgar por uno mismo. No debemos minitarnos a repetir lo que otros hayan dicho sobre una película:
ni la crítica, a la que se puede tener en cuenta, pero más como una orientación que como una resolución;
ni los profesionales involucrados en la creación de la obra, del producto, tengan como ejemplo los denominados making of, que se acaban convirtiendo en una herramienta más de promoción de la película, en lugar de ser un intento de aproximación al espectador, como parecía que iba a ser en un principio;
ni mucho menos las academias y festivales que coronan, más que premian, determinadas películas, casi siempre en función de unos parámetros más o menos establecidos de antemano. En cualquier caso, el espectador debería aprender a reconocer esos parámetros para poder encontrar su propio festival.
ni los profesionales involucrados en la creación de la obra, del producto, tengan como ejemplo los denominados making of, que se acaban convirtiendo en una herramienta más de promoción de la película, en lugar de ser un intento de aproximación al espectador, como parecía que iba a ser en un principio;
ni mucho menos las academias y festivales que coronan, más que premian, determinadas películas, casi siempre en función de unos parámetros más o menos establecidos de antemano. En cualquier caso, el espectador debería aprender a reconocer esos parámetros para poder encontrar su propio festival.
Me atrevo, aquí y ahora, a proponer al lector un modelo para el análisis fílmico en el que se tengan en cuenta los siguientes puntos, que trataré de explicar y completar en un futuro cercano:
1_El planteamiento del análisis fílmico visto como si fuera un comentario de texto, al que todos hemos debido tener acceso en nuestros respectivos procesos educativos, como propuesta básica para realizar una análisis intuitivo en el que se tenga en cuenta el tema que trata una determinada obra, una sinopsis que ordene las ideas de lo que hemos visto y nos lleve a una comprensión del contenido de la narración, así como el reconocimiento de la forma que han utilizado para desarrollar el relato, para poder llegar así a la interpretación personal de la película, el videoclip, o hasta el spot que hemos visto en televisión.
2_Para aquellos que tengan aspiraciones más profundas, deberían primero plantearse los fundamentos teóricos para el análisis fílmico que desean o pueden desarrollar, dependiendo de las características y cualidades intelectuales de cada uno y teniendo a su disposición teorías tan variadas como la lectura que propone Nazareno Taddei, el sencillo comentario de Ramón Carmona, el profundo análisis crítico de carácter formal de David Bordwell y Kristin Thompson, o el análisis textual por el que se decantan Jacques Aumont y Michel Marie, quizás el modelo más popular, que ya fuera utilizado por la publicación francesa Cahiers du Cinéma en los años sesenta, y que retomaba las reflexiones de Lev Kulechov y Sergei M. Eisenstein.
3_Pero en definitiva cada individuo debe escoger su modelo de análisis, de entre los que un servidor prefiere el que propone José Luis Sánchez Noriega en su Historia del Cine. Teorías y géneros cinematográficos, fotografía y televisión, que comienzan por el reconocimiento del contexto de producción de la obra y una ficha técnica y artística como introducción a una sinopsis argumental, para seguir con un ejercicio de reconocimiento de los elementos formales del texto, así como aquellos elementos formales que definen el relato, estableciendo la temática de la obra, para llegar así a una crítica personal en la que se hace una interpretación de la obra audiovisual motivo de análisis.
4_Es importante tener en cuenta la teoría de la comunicación que reconoce los diferentes agentes que intervienen en cualquier forma de comunicación, así como los procesos que intervienen en la asimilación de la información.
5_Es imprescindible tener la capacidad de reconocer y diferenciar los diferentes aspectos morfológicos (diferenciando entre los elementos visuales y los sonoros), sintácticos (para los que es necesario conocer el lenguaje audiovisual) y semánticos (teniendo en cuenta tanto el significado denotativo y connotativo de cualquier imagen, así como los diferentes recursos estilísticos que pueden modificar el significado denotativo de los elementos del mensaje, tales como los tropos, el tiempo del relato, las figuras deícticas —-deixis, anáfora y catáfora—-, los recursos morfosintáticos, los semánticos o diferentes figuras de las consideradas patéticas, lógicas, oblicuas, etc., etc. ), para alcanzar una comprensión ajustada de cada obra, independientemente de su estética y de su estilo, que también deberían ser considerados.
