Hola a todos, este post intenta dar una visión más allá de la pornografía al desnudo artístico, que siempre ha sido un blanco de ataque por la sociedad puritana.
El post contiene algunos desnudos, que vamos a ver cómo lo acepta la sociedad taringuera, si es lo suficientemente madura o lo borran y me mandan a Poringa.
Sin más preámbulos, el post.
Una breve reseña de la represión que se dió al desnudo artístico.
La representación artística del desnudo ha oscilado en la historia del arte desde la permisividad y tolerancia de sociedades que lo veían como algo natural, e incluso lo alentaban como ideal de belleza —como en la Antigua Grecia—, hasta el rechazo y la prohibición por sociedades de moral más puritana, donde generalmente desde unas premisas basadas en la religión el desnudo ha sido objeto de censura e incluso de persecución y destrucción de sus obras. En especial, el cristianismo ha sido una religión que no ha tolerado la representación del cuerpo humano desnudo excepto en imágenes de contenido religioso, donde algunos temas aislados estaban justificados por las sagradas escrituras, como los casos de Adán y Eva, la crucifixión de Jesús o la representación de las almas en el infierno. En la Edad Media, estas premisas estaban plenamente asumidas por artistas y la sociedad en general, y al no existir transgresiones a esta norma no se contabilizan numerosos casos de censura. Sin embargo, en el Renacimiento, la valoración de la cultura clásica y el retorno al antropocentrismo en la cultura comportaron un auge del desnudo, justificado tan sólo por motivos mitológicos o alegóricos, lo que propició el rechazo de la Iglesia especialmente desde la Contrarreforma. El Concilio de Trento (1563) reservó un papel destacado al arte, como medio de divulgación de la enseñanza religiosa, pero al tiempo lo constriñó a la más estricta interpretación de las escrituras, otorgando al clero la tarea de vigilar la correcta observancia de los preceptos católicos por parte de los artistas.
Tras el Concilio, el catolicismo contrarreformista censuró la desnudez. Un claro ejemplo es la orden del papa Paulo IV en 1559 a Daniele da Volterra de cubrir con ropas las partes íntimas de las figuras del Juicio Final de la Capilla Sixtina realizadas poco antes por Miguel Ángel —por esta acción Volterra fue llamado desde entonces il Braghettone, «el calzones»—. Poco después, otro papa, Pío V, encomendó la misma tarea a Girolamo da Fano, y no contento con esto Clemente VIII tenía deseos de eliminar por completo la pintura, aunque, por fortuna, fue disuadido por la Accademia di San Luca. Desde entonces, la Iglesia católica se encargó con esmero de cubrir las desnudeces de numerosas obras de arte, bien con telas o con la famosa hoja de parra, la planta con la que Adán y Eva se taparon después del pecado original. Otro ejemplo de rechazo del desnudo en el arte fue el de la famosa estatua de David de Miguel Ángel, que al ser colocada en la Piazza della Signoria de Florencia fue apedreada por el público que presenciaba la escena, aunque con el tiempo se acostumbraron a su presencia e incluso se ganó el afecto de los florentinos.
En España, defensora a ultranza de la Contrarreforma, la Inquisición fue la encargada de velar por la decencia y el decoro en el arte, designando inspectores para supervisar el cumplimiento de los decretos conciliares en el arte, como el suegro de Velázquez, el pintor sevillano Francisco Pacheco. En 1632 se publicó a instancias de un noble de origen portugués, Francisco de Braganza,nota 3 un documento titulado Copia de los pareceres, y censuras de los reverendísimos maestros, y señores catedráticos de las insignes Vniversidades de Salamanca y Alcalá, y de otras personas doctas. Sobre el Abuso de las figuras, y pinturas lascivas y deshonestas; en que se muestra, que es pecado mortal pintarlas, esculpirlas, y tenerlas patentes donde sean vistas, donde se expresaba la común opinión de la época —sobre todo en ámbitos eclesiásticos— de la inmoralidad de la representación del desnudo, cuando éste es lascivo y no tiene una justificación religiosa. Esta opinión generalizada explica el pequeño número de obras de desnudo producido en el arte renacentista y barroco español. Tiziano, por ejemplo, consciente del puritanismo de la corte española, cubrió con ramas de higuera los cuerpos desnudos de Adán y Eva antes de enviar el cuadro a Felipe II en 1571. En relación al desnudo, el Tribunal de la Inquisición tenía establecido que:
"Y para obviar en parte el grave escándalo y daño no menor que ocasionan las pinturas lascivas: mandamos que ninguna persona sea osada a meter en estos reinos imágenes de pintura, láminas, estatuas u otras de escultura, lascivas, ni usar de ellas en lugares públicos de plazas, calles o aposentos comunes de las casas. Y asimismo se prohíbe a los pintores el pintarlas, y a los demás artífices que no las tallen ni hagan, pena de excomunión mayor latae sententiae, trina canonica monitione praemisa, y de quinientos ducados por tercias partes a gastos del Santo Oficio, jueces y denunciador, y un año de destierro a los pintores y personas particulares, que las entraren en estos reinos, o contravinieran en algo de lo referido."
Novissimus librorum prohibitorum et expurgandorum index, Madrid, 1640.
Un caso que podría haber acabado en una pérdida irreparable de numerosas obras maestras de grandes artistas fue el protagonizado por Carlos III, quien en 1762 ordenó quemar por consejo de su confesor, el padre Eleta, todos los cuadros de desnudo pertenecientes a la colección real, y que con tanto esmero habían coleccionado los monarcas hispánicos desde Carlos I hasta Felipe IV. Entre las obras se encontraban, por ejemplo, Las tres Gracias y el Juicio de Paris de Rubens, Adán y Eva de Durero, Venus recreándose en la música y Venus y Adonis de Tiziano, Venus, Adonis y Cupido de Annibale Carracci, El tocador de Venus de Francesco Albani, Hipómenes y Atalanta de Guido Reni, Lot y sus hijas de Francesco Furini o la Lucrecia de Luca Cambiaso. En última instancia, estas obras fueron salvadas de la quema por el pintor de cámara del rey, Anton Raphael Mengs, que lo convenció para que sirviesen de modelos de estudio para la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Primero se llevó estas obras a su casa —quedándose para disfrute personal una Venus de Tiziano— y después al taller de los pintores de la Corte, la llamada Casa del Rebeque, junto al Alcázar Nuevo. Algunas de estas obras pasaron en 1827 al Museo del Prado, donde se confinaron en una sala especial cerrada al público, que sólo se visitaba con permisos especiales, y no fueron exhibidas públicamente hasta 1838.23 En recordatorio de este hecho, en 2004 el Museo del Prado organizó una exposición temporal llamada La Sala Reservada, con una selección de los mejores desnudos de los fondos de la institución.
Los procesos inquisitoriales afectaron incluso a un artista de la talla de Francisco de Goya, que fue denunciado al Santo Oficio por su obra La maja desnuda, la cual fue requisada por el tribunal en 1814. La Inquisición la calificó de «obscena», e inició un juicio a Goya, el cual logró la absolución gracias a la intervención del cardenal Luis María de Borbón y Vallabriga. Sin embargo, la obra quedó depositada fuera de la vista del público prácticamente hasta inicios del siglo XX. Esta obra generó otra polémica en 1927, cuando Correos de España emitió un sello con La maja desnuda, siendo la primera vez que aparecía un desnudo femenino en la filatelia, lo que resultó un gran escándalo.
Los ejemplos de censura y persecución del desnudo artístico son abundantes en toda la historia reciente del arte occidental: en el siglo XVIII, Luis I de Orleans destruyó a cuchilladas el cuadro Leda con el cisne de Correggio, ya que lo consideraba lascivo; sin embargo, los fragmentos fueron recogidos y ensamblados de nuevo, a excepción de la cabeza, que fue repintada posteriormente. En el siglo XIX, el artista estadounidense Thomas Eakins fue expulsado de la Pennsylvania Academy of Arts de Filadelfia por haber introducido la práctica académica del estudio del desnudo tomado del natural. En Bélgica, en 1865, Victor Lagye fue encargado de cubrir con pieles las figuras de Adán y Eva del Tríptico del Cordero Místico de la Catedral de San Bavón de Gante. En Gran Bretaña, por petición de la reina Victoria I, se creó una enorme hoja de parra para cubrir una réplica del David de Miguel Ángel, que aún se conserva en el Victoria and Albert Museum.
Venus (1532), de Lucas Cranach el Viejo, Städelsches Kunstinstitut, Fráncfort del Meno, censurada por el Metro de Londres en 2008.
En el siglo XX aún existieron numerosos casos de censura y agresiones a desnudos artísticos: en 1914, una sufragista británica llamada Mary Richardson agredió con un hacha de carnicero la Venus del espejo de Velázquez, ya que consideraba que ofrecía una imagen de la mujer como mero objeto. El acto vandálico se saldó con siete cortes en la pintura, causando daños en la zona entre los hombros de la figura, que afortunadamente fueron reparados con éxito por el restaurador jefe de la National Gallery, Helmut Ruhemann. Richardson fue sentenciada a seis meses de prisión, el máximo permitido por la destrucción de una obra de arte.
En 1917, la policía clausuró una exposición de Amedeo Modigliani en la galería Berthe Weill, el mismo día de la inauguración, por «ofensas al pudor», ya que los desnudos mostraban vello púbico. A causa del escándalo, el artista no vendió ningún cuadro. En 1927, en plena dictadura de Primo de Rivera, se produjo una gran polémica por la colocación de diversas esculturas de desnudo en la Plaza de Cataluña de Barcelona, en ocasión de su remodelación para la Exposición Internacional de 1929. En desagravio, en 1931 —ya en época republicana— se realizó una Exposición del Desnudo, organizada por el Cercle Artístic de Sant Lluc, a la que concurrieron los mejores artistas de toda España.
En el siglo XXI, aunque por lo general el desnudo es visto con naturalidad por la mayor parte de la población, aún se producen casos de censura artística: en 2001, el Secretario de Justicia de Estados Unidos, John Ashcroft, ordenó ocultar la estatua Spirit of Justice que preside la sala de conferencias del Departamento de Justicia en Washington, ya que mostraba los pechos desnudos. En 2008 se retiraron del Metro de Londres unos carteles publicitarios que reproducían una Venus desnuda pintada por Lucas Cranach el Viejo y que servían para anunciar una exposición dedicada al pintor renacentista alemán en la Royal Academy, ya que según la compañía «podría herir y ofender la sensibilidad de los usuarios del Metro». También en 2008, el primer ministro italiano, Silvio Berlusconi, ordenó cubrir un seno desnudo que mostraba la alegoría La Verdad desvelada por el Tiempo de Giambattista Tiepolo, ya que era la imagen central de la sala de conferencias de prensa del Gobierno, y aparecía al fondo del premier en sus comparecencias ante la televisión.
Ahora las imágenes:
David (1501-1504), de Miguel Ángel, Galería de la Academia de Florencia.
El Hombre vitruviano (1487), de Leonardo da Vinci, Galería de la Academia de Venecia. Estudio de las proporciones en el cuerpo humano
El estudio del pintor (1563), de Giorgio Vasari, Casa Vasari, Florencia.
El desnudo era aceptado por los que concurrían a los salones literarios franceses del siglo XIX, siempre y cuando el entorno fuera claramente «clásico», presentando personajes de una cultura en la cual la desnudez era usual, como en este cuadro de Jean-Léon Gérôme, Jóvenes griegos con pelea de gallos (Musée d'Orsay, París, 1846).
Fuente del Genio Catalán (Al Marqués de Campo Sagrado) (1856), de Fausto Baratta y Josep Anicet Santigosa, Pla de Palau, Barcelona. Tras su inauguración, «iban mujeres en procesión a tomar vistas de la gentileza de formas de la citada estatua», según relata el cronista Francesc Puig i Alfonso. Por ello, el obispo de Barcelona, José Domingo Costa Borrás, mandó castrarla y cubrirla con un taparrabos. En los años 1980 se retiró la tela y quedaron al descubierto sus genitales mutilados, mientras que en 1990 una nueva restauración le añadió un pene que parecía un tubo, hecho con resinas por un picapedrero. Por último, entre 2007 y 2008 se hizo una nueva restauración, decidiéndose retirar la prótesis del pene y dejarlo tal cual, como el Hermes de Praxíteles, ya que no se conserva ningún documento de la obra original y es imposible saber la forma y el tamaño que le dio su creador.
Venus (1532), de Lucas Cranach el Viejo, Städelsches Kunstinstitut, Fráncfort del Meno, censurada por el Metro de Londres en 2008.
El nacimiento de Venus
Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar: «cuando Cronos hubo cortado los genitales con el acero los lanzó inmediatamente a las aguas agitadas. El miembro de este poderoso dios quedó flotando y a su alrededor surgió una espuma blanca y resplandeciente de la que nació una muchacha». Hesíodo, Teogonía, 188-202
Por Sandro Botticelli, Uffizi, Florencia (1485)
Por François Boucher, Museo Nacional de Estocolmo (1740).
Por Eugène-Emmanuel Amaury-Duval, Palais des Beaux-Arts de Lille (1862).
Por Alexandre Cabanel, Metropolitan Museum of Art, Nueva York (1863).
Por William-Adolphe Bouguereau, Musée d'Orsay, París (1879).
Las Tres Gracias
En la mitología griega, las Cárites o Gracias (Gratiae en latín) eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana y la fertilidad. Eran tres hermanas: Aglaya (Belleza), Eufrósine (Júbilo) y Talía (Festividad). Habitaban en el Olimpo, y junto a las musas formaban parte del séquito de Apolo.
Mármol, copia romana de la Era Imperial de un original helenístico (siglo II)
Por Rafael, Museo Condé, Chantilly (1504).
Por Peter Paul Rubens, Museo del Prado (1636-1639).
Por Charles-André van Loo, Los Angeles County Museum of Art (1763).
Por Antonio Canova, Ermitage, San Petersburgo (1814-1817).
Juicio de Paris
Paris era el hijo menor del rey de Troya, y fue elegido para dirimir la disputa entre las diosas Atenea, Hera y Afrodita, enfrentadas sobre cuál de las tres era la más bella. Paris escogió a Afrodita, y su recompensa fue el amor de Helena, esposa del rey de Esparta, cuyo rapto provocó la Guerra de Troya. Entre los autores clásicos que trataron este tema se encuentran Homero (Ilíada) y Ovidio (Las metamorfosis).
Por Lucas Cranach el Viejo, Statens Museum for Kunst, Copenhague (1527).
Por Anton Raphael Mengs, Ermitage, San Petersburgo (1757).
Por Enrique Simonet, Museo de Bellas Artes de Málaga (1904).
Por Pierre-Auguste Renoir, Hiroshima Museum of Art (1908-1910).
Por Ernst Ludwig Kirchner, Wilhelm-Hack Museum, Ludwigshafen (1912).
Leda y el cisne
Leda era una princesa etolia que fue seducida por Zeus en forma de cisne, engendrando a los gemelos Cástor y Pólux, y a Helena, cuyo rapto por Paris inició la Guerra de Troya.
Por Leonardo da Vinci, Galería Borghese, Roma (1504-1506)
Por François Boucher, Museo Nacional de Estocolmo (1742).
Por Auguste Clésinger, Museo de Picardía, Amiens (1864).
Por Gustave Moreau, Museo Gustave Moreau, París (1865-1875).
Por Paul Cézanne, Barnes Foundation, Merion, Pensilvania (1880-1882).
Adán y Eva
Según la Biblia, «Jehová Dios hizo caer un sueño profundo sobre el hombre y, mientras este dormía, tomó una de sus costillas y entonces cerró la carne sobre su lugar. Y Jehová Dios procedió a construir de la costilla que había tomado del hombre una mujer, y a traerla al hombre»; «y ambos continuaban desnudos, el hombre y su esposa, y sin embargo no se avergonzaban» (Génesis 2, 21-25). Esta es la justificación para la desnudez de Adán y Eva, los primeros seres humanos, cuya desnudez era natural, no mancillada por el pecado, y así vivían en el Paraíso hasta su expulsión tras el Pecado Original
Por Masaccio, Capilla Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florencia (1425-1428).
Por Alberto Durero, Museo del Prado, Madrid (1507).
Por Lucas Cranach el Viejo, Uffizi, Florencia (1528)
Por Tiziano, Museo del Prado, Madrid (1550).
Por John Liston Byam Shaw (1911).
Alegorías
La alegoría es una figura literaria o tema artístico que pretende representar una idea valiéndose de formas humanas, animales u objetos cotidianos. Proviene de la Retórica de Aristóteles, donde especifica los instrumentos adecuados para que el arte pueda persuadir al espectador. Junto a otras figuras retóricas (metáfora, metonimia, paráfrasis, emblema, símbolo), la alegoría relaciona de manera intrínseca la forma y el contenido de una obra, de tal modo que pueda manifestar su esencia de una forma visible y coherente.
La verdad (1870), de Jules Joseph Lefebvre, Musée d'Orsay, París.
Los cinco sentidos (1884), de Hans Makart, Österreichische Galerie Belvedere, Viena.
Putti
Los putti (plural de putto, «niño» en italiano) son motivos ornamentales consistentes en figuras de niños, frecuentemente desnudos y alados, en forma de Cupido, querubín o amorcillo. Son abundantes en el Renacimiento y Barroco italiano, y forman parte de la recuperación de motivos clásicos típica de la época
Putto en equilibrio sobre un globo (1480), de Andrea del Verrocchio, National Gallery of Art, Washington D.C.
Amor y Psique infantes (1890), de William-Adolphe Bouguereau.
Copia de la estatua Fauno danzando, de Anton Raphael Mengs (1778).
Venus del espejo (1647-1651), de Diego Velázquez, National Gallery, Londres.
La maja desnuda (1797-1800), de Francisco de Goya, Museo del Prado, Madrid.
La fuente (1856), de Jean Auguste Dominique Ingres, Musée d'Orsay, París.
El sueño (1866), de Gustave Courbet, Museo del Petit-Palais, París.
El rapto de Europa (1994), de Fernando Botero, St. Petersburg, Florida.
Como pueden apreciar, por las leyendas de cada imagen, son obras de arte muy famosas, que se encuentran en Museos reconocidos a nivel mundial, a los cuales acuden miles de niños al año, llevados por visitas dirigidas de las escuelas.
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