George Frederick Watts, (1817-1904) fue un pintor y escultor inglés victoriano asociado con el movimiento simbolista.
Watts llegó a ser muy popular durante su vida por sus pinturas alegóricas, tales como Hope (Esperanza) y Love and Life (Amor y Vida). Estas obras fueron concebidas como piezas de un ciclo épico simbólico llamado “The House of Life” (La Casa de la Vida), en el que todas las emociones y aspiraciones de la vida serían representadas en una lengua simbólica universal.
Nació en Marylebone, Londres, en el hogar de un humilde fabricante de pianos. Se interesó por las artes desde muy joven; aprendió escultura a los 10 años con William Behnes, y se inscribió en la Royal Academy of Arts (Academia Real de Artes) a los 18. Comenzó entonces su carrera de retratista, amparado bajo el patrocinio de quien habría de ser su gran amigo, Alexander Constantine Ionides.
Obtuvo su primer reconocimiento por un dibujo titulado Caractacus, participando en una competencia de diseño de murales para el nuevo Palacio de Westminster. Desde entonces Watts concibió su proyecto de una edificación cubierta con murales que representara la evolución espiritual y social de la humanidad.
A mediados de la década de 1840, visitó Italia, donde fue profundamente impresionado por la Capilla Sixtina de Miguel Ángel y por la Capilla de los Scrovegni, de Giotto. Tras su regreso de Italia, la carrera de Watts estuvo largo tiempo dominada por la firme intención del artista de crear lo que podría describirse como una versión secular de la Capilla Sixtina en Inglaterra, para el solo beneficio del público. Este proyecto tomaría la forma del boceto del fresco “The House of Life”, que representa una imagen de la humanidad tal como ha llegado hasta nosotros a través de la historia bíblica, mítica, poética y verificable. Aunque el esquema nunca llegó a materializarse, Watts continuó desarrollando diseños en óleo sobre lienzo para el proyecto.
Hacia el 1860, el trabajo de Watts muestra la influencia de Rossetti, acentuando a menudo placer sensorial y riqueza en el color. Una década después, el vínculo con Rossetti y el Esteticismo se fue modificando y su obra comenzó a combinar progresivamente las tradiciones clásicas con una superficie deliberadamente agitada y perturbada, para sugerir las dinámicas energías de la vida y la evolución.
En 1891, Watts y su esposa Mary planificaron la construcción de la “Galería Watts” en las cercanías de Limnerslease. La idea era edificar un museo dedicado a su trabajo: la primera (y única aún) galería en Gran Bretaña dedicada a un único artista y construida con tal fin. Abrió sus puertas en 1904, poco después de la muerte del artista. Su esposa diseñó la capilla mortuoria que se encuentra en los alrededores.
Muchas de sus obras se exhiben actualmente en la Galería Tate, a quien Watts donó 18 de sus obras simbolistas. Fue elegido miembro Académico de la Royal Academy of Arts en 1867 y aceptó la “Order of Merit” en 1902.
Durante sus últimos años Watts incursionó en la escultura. Su obra escultórica más famosa fue una gran estatua de bronce llamada “Energía Física”: Fue creada originalmente en dedicatoria a Mahoma, Atila, Tamerlán y Gengis Kan, considerados por Watts como perfectos ejemplos de la cruda voluntad de poder.
En sus obras tardías, las imágenes de Watts mutaron a imágenes místicas, como en el caso de Sower of the Systems, en el cual parece anticiparse ya el arte abstracto.
Watts también fue muy admirado como pintor de retratos. Grandes personalidades de su época fueron retratadas con exquisita maestría por el pintor. Muchos de esos retratos integran hoy la colección de la National Portrait Gallery
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/George_Frederick_Watts
http://www.tate.org.uk/
http://www.wattsgallery.org.uk/
Algunas de sus obras
Hope (Esperanza)
Óleo, 1886 – 1422 x 1118 mm
En la Biblia (Hebreos 6:19), la Esperanza es “el ancla del alma, segura y firme, y que entra hasta en lo que está dentro del velo.” Aquí, la Esperanza tiene los ojos vendados; está sentada sobre un globo, tocando una lira cuyas cuerdas – excepto una – están rotas. Watts quería encontrar un enfoque original de la alegoría sobre temas universales. Pero los intentos por presentar a la música como algo fútil en “Esperanza”, sumado a los argumentos de varios críticos, afirmaron la idea de que la obra podría haber sido titulada más apropiadamente con el nombre “Desesperación". Watts explicó que “la Esperanza no tiene por qué significar necesariamente expectación. En este caso sugiere más bien la música que puede provenir del acorde restante.
La imagen integra una serie de temas alegóricos que Watts proyectó para su esquema decorativo “La Casa de la Vida”. Tradicionalmente, la figura de la Esperanza se identifica con un ancla, pero Watts buscaba un enfoque más fresco y original: Su ciega “Esperanza” inclina la cabeza para escuchar la tenue música, pero sus esfuerzos parecen desesperanzados; el ambiente general es de tristeza y desolación en lugar de esperanza. El efecto de melancolía del cuadro se refuerza por la pincelada suave y las translúcidas brumas que envuelven el globo flotante.
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Death Crowning Innocence (La Muerte coronando la Inocencia)
Óleo, 1886-7 – 1283 x 800 mm
El tema de esta pintura fue incitado por la repentina muerte del joven sobrino de María Watts, tras caer de un poni. Watts describe el diseño del cuadro en una carta a María: "Estoy haciendo un diseño que en lo sucesivo podrá trabajarse amorosamente bajo la forma de un monumento, El Ángel de la Muerte con un niño sobre su regazo en cuya cabeza ella coloca un anillo; El Ángel de la Muerte coronando la Inocencia”. María contestó: "Tengo muchos deseos de ver al ángel y al niño ...Estás muy equivocado al pensar que no eres más que una persona que sólo pretende resultar confortante, incluso para aquellos que se sienten profundamente consternados."
La representación que hace Watts de la Muerte como una figura benigna, angelical y además, femenina, rompe con la iconografía tradicional de la Muerte como un “espeluznante segador”. Aquí, la Muerte, una alada y entronizada figura femenina, sostiene a un bebé en su regazo, y Watts es claro sobre esa imagen: "incluso el germen de la vida descansa en el regazo de la Muerte". Años más tarde, Watts vuelve a referirse a “La Muerte coronando la Inocencia” como aquella suave enfermera que acomoda a los niños en la cama”.
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The Minotaur (El Minotauro)
1885, Óleo – 1181 x 945 mm
En la mitología griega el Minotauro, mitad hombre, mitad toro, era aplacado mediante el sacrificio anual de vírgenes traídas desde el continente, Atenas, a Creta. Watts muestra a la criatura mirando hacia el mar esperando ansioso su próxima presa; el pequeño pájaro aplastado por su poderoso puño simboliza la pureza y la vulnerabilidad de la juventud.
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Borges – en cuya obra, el laberinto, y también el Minotauro, son temas recurrentes – también ha hecho suyo este cuadro a través de un cuento: “La casa de Asterión”, en el libro El Aleph.
“A una tela de Watts, pintada en 1896, debo La casa de Asterión y el carácter del pobre protagonista” – señala Borges en el Epílogo de El Aleph.
“Sé que me acusan de soberbia, y tal vez de misantropía, y tal vez de locura. Tales acusaciones (que yo castigaré a su debido tiempo) son irrisorias. Es verdad que no salgo de mi casa, pero también es verdad que sus puertas (cuyo número es infinito) están abiertas día y noche a los hombres y también a los animales. Que entre el que quiera. No hallará pompas mujeriles aquí ni el bizarro aparato de los palacios pero si la quietud y la soledad” (J.L.Borges, La casa de Asterión. El Aleph, 1949)
Y la imagen de Watts todavía resuena en otro poema de La rosa profunda:
“¿De qué puedo quejarme? / En los atardeceres / me pesa un poco la cabeza de toro.” (Borges, Asterión. La rosa profunda, 1975)
Mammon (Mamón)
Óleo, 1884-5 – 1829 x 1060 mm
Mamón, el dios del dinero, es representado como un tirano en su trono. Está ocupado cuidando las bolsas de dinero que descansan en su regazo, mientras dos jóvenes son aplastados por su monstruoso poder. Este cuadro pertenece a una serie de pinturas en la que Watts critica el comercio moderno y el efecto de deshumanización que tiene sobre la nación. Watts subtitula el cuadro como “Dedicado a sus devotos”, como si se tratara de un monumento. Al parecer, tenía los planes de encargar una escultura de Mamón cuyo destino sería Hyde Park, donde esperaba que los seguidores del dios “serían al menos lo suficientemente honestos como para doblar su rodilla públicamente frente a él”.
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The All-Pervading (El omnipresente)
Óleo, 1887-90 – 2135 x 1120 mm
En esta pintura, Watts quiso expresar el espíritu que rige el sistema al que denominó “la extensión inconmensurable”. Una figura densamente drapeada, envuelta por grandes alas, mira profundamente en una esfera o bola de cristal ubicada en el centro de la composición. A pesar de sus pesadas ropas, la figura parece desafiar la gravedad cerniéndose misteriosamente en el espacio. Al igual que las sibilas de Miguel Ángel en el cielorraso de la Capilla Sixtina, la figura de Watts presenta una forma monumental y andrógina, cualidades que sugieren un conocimiento superior del universo.
En el catálogo de su muestra retrospectiva en la New Gallery en 1896, Watts describió la figura alada como “el Espíritu del Universo que todo lo penetra... sentado, sosteniendo en su regazo la “Esfera de los Sistemas”.
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Love and Life (Amor y Vida)
Óleo, c.1884-5 – 2222 x 1219 mm
De todas las obras que donó a la Tate Gallery, Watts declaró que “probablemente ‘Amor y Vida’ es la que mejor retrata mi mensaje a la época. La Vida, representada por la figura femenina, nunca podría haber alcanzado tales alturas sin la protección y guía del Amor”.
En el cuadro, el Amor se presenta guiando a una joven mujer desnuda y frágil por el ascendente camino rocoso de la existencia. A medida que van ascendiendo, las pequeñas violetas sobre las piedras puntiagudas y las nubes se dispersan para revelar un cielo azul claro. El Amor está entendido aquí como sinónimo de altruismo y compasión, en lugar de pasión física.
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Time, Death and Judgement (El Tiempo, la Muerte y el Juicio)
Óleo, 1900 – 2343 x 1676 mm
Watts escribió a Rickards Charles: «Actualmente, la alegoría ha caído en desgracia, condenada por la mayoría de la gente, que olvida que las ideas espirituales y aún las más intelectuales sólo pueden expresarse mediante símiles, y que las palabras en sí mismas no son más que símbolos. El diseño de ‘El Tiempo y la Muerte’ es una de varias sugerentes composiciones que espero legar como fundamento de mi pretensión de ser considerado un verdadero artista, y es únicamente por éstas que me gustaría ser reconocido”.
En ‘El Tiempo, la Muerte y el Juicio’, el Tiempo lleva el atributo habitual de la guadaña, pero aquí se presenta como una juvenil figura masculina en lugar de un viejo hombre barbudo: “Los ojos del Tiempo son pétreos”, escribió Russell Barrington, “con una juventud invariable e inagotable; su mirada no delata crueldad, sino tan sólo desatención frente a lo que pueda suceder ante su inevitable avance”. El Tiempo ha ligado sus manos con las de la Muerte, una figura femenina macilenta, cuyo regazo “está lleno de flores, yemas, ramilletes, hojas marchitas, todo junto, consumando”, según Barrington, “... su misteriosa misión de reunir para sí a los jóvenes, a los viejos, a los de mediana edad, indiscriminadamente”. La figura del Juicio se cierne sobre el Tiempo y la Muerte; extiende la balanza de la justicia y lleva una espada de fuego; su rostro ha oscurecido para sugerir imparcialidad. La Luna y el Sol, ascienden y descienden respectivamente, a derecha y a izquierda.
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Time, Death and Judgement (El Tiempo, la Muerte y el Juicio) - Boceto
Tiza roja, 1891
Victoria and Albert Museum
The Family of Alexander Constantine Ionides
Óleo, c. 1840
Victoria and Albert Museum
Neptune's Horses (Los Caballos de Neptuno)
1886-1887 Fenton House, London (Accredited Museum)
© National Trust
Little Red Riding Hood (Caperucita Roja)
1890 - 1890
© Birmingham Museums and Art Gallery
Clytie
1868, Yeso
The Art Institute of Chicago
Physical Energy
1908
Kensington Gardens, Londres
Sower of the Systems (El sembrador de Sistemas)
Óleo, 1902 – 66cm x 53.3 cm
Watts Gallery
Esta pintura representa a Dios como una forma apenas visible sobre un patrón de estrellas y nebulosas. Algunos otros trabajos tardíos de Watts también parecen anticipar las pinturas del período azul de Pablo Picasso.
http://es.wikipedia.org/wiki/George_Frederick_Watts
Ariadne (Ariadna)
1894
The Metropolitan Museum of Art
En esta escena de la mitología clásica, Ariadna, hija del rey Minos, yace abandonada en la isla de Naxos por Teseo de Atenas. Sostiene en su mano aquel hilo rojo que le había dado a Teseo para guiarlo fuera del laberinto del Minotauro. Un sátiro y una pantera juegan en el margen derecho del primer plano.
Fuente:
Head of a woman
Probablemente para 'Eve', 1860s-90s
Tiza blanca y negra sobre papel verjurado, 500 X 378 mm - Photo: R.A./John Hammond
© Royal Academy of Arts, London
Mrs. Watts in a Straw Hat (La Sra. Watts con sombrero de paja)
1887, Óleo sobre papel
Watts Gallery
Julia Margaret Cameron
Por George Frederic Watts
Óleo, 1850-1852
24 in. x 20 in. (610 mm x 508 mm)
© National Portrait Gallery, London
Thomas Wright
Por George Frederic Watts
Tiza, circa 1850-1851
24 in. x 20 in. (610 mm x 508 mm)
© National Portrait Gallery, London
Sir Austen Henry Layard
Por George Frederic Watts
Tiza negra, circa 1852
23 3/8 in. x 19 in. (593 mm x 484 mm)
© National Portrait Gallery, London
Ellen Terry ('Choosing')
Por George Frederic Watts
Óleo sobre carton montado en Gatorfoam, circa 1864
18 5/8 in. x 14 in. (472 mm x 354 mm)
© National Portrait Gallery, London
La influencia del estilo de Rossetti se hace patente en esta pintura: Un retrato de su joven esposa, la actriz Ellen Terry, casi 30 años menor que él. A los 17 años se casó con Watts, y no se había cumplido todavía un año de matrimonio, cuando decidió escaparse con otro hombre. Watts se divorció y en 1886 volvió a casarse, esta vez con Mary Fraser Tytler, una diseñadora y alfarera escocesa.
http://es.wikipedia.org/wiki/George_Frederick_Watts
Dante Gabriel Rossetti
Por George Frederic Watts
Óleo, circa 1871
26 in. x 21 1/8 in. (661 mm x 535 mm)
© National Portrait Gallery, London
Henry Edward Manning
Por George Frederic Watts
Óleo, 1882
35 1/2 in. x 27 1/2 in. (902 mm x 699 mm)
© National Portrait Gallery, London
Sir Austen Henry Layard
Por George Frederic Watts
Tiza, circa 1852
23 in. x 19 in. (584 mm x 483 mm)
© National Portrait Gallery, London
John Stuart Mill
réplica por George Frederic Watts
Óleo, 1873
26 in. x 21 in. (660 mm x 533 mm)
© National Portrait Gallery, London
Traducción y edición: Nhe
Comunidad:
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