Caravaggio y el apolo tocando el laud
Italiano: Suonatore di liuto
1596 Caravaggio, El tocador del laúd El Hermitage, St. Petersburg.jpg
ArtistaCaravaggio
Añoc. 1596
TipoÓleo sobre lienzo
Dimensiones100 cm × 126,5 cm (39 pulg × 49.8 in)
UbicaciónWildenstein Collection
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El jugador del laúd es una composición por el italiano barroco maestro Caravaggio . Existe en tres versiones, una en la colección Wildenstein, otras en la Museo del Hermitage , San Petersburgo y un tercero de Bádminton Casa , Gloucestershire, que salió a la luz en 2007.
Los primeros biógrafos de Caravaggio Giovanni Baglione da la siguiente descripción de una pieza realizada por el artista para su patrón el cardenal Francesco Del Monte :
E dipinse [per il Cardinale Del Monte] ... anche giovane un, che il sonava Lauto, che vivo, e vero il tutto parea estafa Una caraffa di fiori piena d'acqua, che Dentro il reflesso d'ua fenestra eccelentemente si scorgeva estafa altri ripercotimenti di quella cámara Dentro l'acqua, e sopra quei fiori eravi Una viva rugiada estafa ogni esquisita diligenza finta. E questo (Disse) fu che il piu bel pezzo, che mai facesse. ("Él también pintó [para el cardenal Del Monte] un hombre joven, tocando el laúd, que parecía del todo vivo y real con una jarra de flores llenos de agua, en la que se podía ver perfectamente el reflejo de una ventana y otras reflexiones de ese espacio en el interior del agua, y en esas flores que había un rocío animado representado con todo el cuidado exquisito. Y esto (dijo) era la mejor pieza que jamás pintó.) " [ 1 ]
Existe la pintura en tres versiones. Todos muestran un niño con rasgos faciales suaves y espeso cabello castaño, acompañándose con el laúd mientras canta un madrigal sobre el amor. Al igual que en el de los Uffizi Bacchus , el artista coloca un tablero delante de la figura. En las versiones Hermitage y Badminton House es de mármol desnudo, con un violín en un lado y un bodegón de flores y frutas en el otro. En la versión Wildenstein la mesa está cubierto con una alfombra y hacia delante extendidos para mantener una grabadora de tenor , mientras que la vida todavía se sustituye por un spinetta (un pequeño instrumento de teclado) y un pájaro enjaulado. Los instrumentos musicales son valiosas y probablemente vinieron de la colección personal de Del Monte.
El jugador del laúd (detalle de la versión Hermitage).
Las versiones Hermitage y Badminton House muestran madrigales por Jacques Arcadelt (1515-1568), y el texto visible en parte dice: "Vous savez que je vous aime et vous adore ... vôtre Je fus." ("Tú sabes que yo te amo y te adoro ... Yo era tuyo". La versión Wildenstein muestra canciones de un florentino nativo ( Francesco de Layolle ) sobre un texto de Petrarca : Laisse le voile ('Deja ir el velo') y Pourquoi ne vous pas donnez-vous? ("¿Por qué no le das a ti mismo?" ) por Giachetto Berchem (Jacquet de Berchem). Las flores y los frutos dañados, y el cuerpo agrietado del laúd, sugieren el tema de la fugacidad: amor, como todas las cosas, es efímero y mortal. La elección de los franco-flamencos compositores más de italianos nativos - sólo Layolle era un italiano nativo - sin duda refleja las afiliaciones culturales (y políticos) del círculo pro-francés Del Monte-Giustiniani.
Los elementos de la vida todavía son de un estándar muy alto en todas las versiones, la fruta finamente prestados y las flores en dos versiones igualado por las texturas de spinetta y flauta en el otro, y el artista ha reproducido las notas iniciales de los madrigales tan exactamente que uno puede reconocer la impresora romano Valerio Dorica.
El modelo bastante andrógino podría ser Pedro Montoya, un castrato conocido por haber sido un miembro de la familia Del Monte y una cantante en la Capilla Sixtina en esta época - castrati eran altamente estimados y el Cardenal fue un mecenas de la música, así como de la pintura. Más recientemente Caravaggio biógrafo Peter Robb le ha identificado como el compañero de Caravaggio Mario Minniti , el modelo para muchas otras pinturas de este período, incluyendo jugadores de cartas y una de las dos versiones de The Fortune Teller .
Las tres versiones demuestran el enfoque innovador de la luz que Caravaggio adoptó en este momento. Método de Caravaggio, como describe contemporáneo de Caravaggio , Giulio Mancini , era utilizar "una luz potente desde arriba con una sola ventana y las paredes pintadas de negro, por lo que el tener las luces brillantes y las sombras oscuras, le da profundidad a la pintura, pero con un método que no es natural ni hecho o pensado por cualquier otro siglo o pintores antiguos, como Rafael, Tiziano, Correggio y otros ". La habitación en sí parece ser el mismo que el de la Capilla Contarelli vocación de San Mateo , y el haz de luz a través de la pared trasera tiene un límite superior que parece ser que el obturador de la ventana por encima de la mesa en la llamada. La jarra es un motivo de "cortar y pegar" de otra imagen, donde la luz principal provenía de una ventana más o menos en el mismo nivel que la propia jarra. [ 2 ] una ilustración tan compleja de la luz refractada no tiene precedentes en la Cinquecento , y debe ser el resultado de la colaboración con los científicos en el círculo de Del Monte. Entre ellos Galileo Galilei , pero más notablemente Giovanni Battista della Porta , venerado como el vidente de la curiosidad científica en el cambio de siglo, que era el espíritu que guía la fundación en 1603 de la Accademia dei Lincei. Sus múltiples volúmenes De Refractione Optices (1593) fue particularmente a las materias ópticos, el segundo volumen está dedicado en su totalidad a la incidencia de la luz sobre las esferas llenas de agua y de vidrio. El círculo de Della Porta fue significativa para Caravaggio más tarde en Nápoles, donde la comisión de los siete actos de la misericordia parece haber emanado de Giovanni Batista Manso, marqués de Villa, cuyo amigo, el alquimista Colantonio Stigliola, fue miembro de la Accademia dei Lincei.
La aparición de segundos originales es una característica de una nueva comprensión de la obra de Caravaggio, y de hecho Vincenzo Giustiniani, cuya experiencia estaba estrechamente relacionado con la carrera del artista, describe en su sulla pittura Discorso desarrollo del pintor como principio con la copia de otros "trabajo - 'Procedimiento además, también puede copiar su trabajo, por lo que la réplica puede ser tan bueno, e incluso a veces mejor, que la primera ". El procedimiento para la fabricación de una segunda versión era, sin embargo, sustancialmente diferente que el a veces muy ardua tarea de construir un grupo de muchas observaciones separadas de la realidad, de figuras y objetos; es natural que el "segundo original" es a veces más fluido que la primera. Las anomalías anatómicas en las pinturas Wildenstein y Badminton House, como el ligeramente fuera de la línea de los ojos, o las vacilaciones en el perfil de la mano, se resuelven en la imagen Hermitage. Por el contrario, la versión Hermitage es más superficial en la pañería, menos insistente en el detalle, y no tiene los magníficos reflejos en la jarra, que eran específicas al contexto alquímico de la original. Esta es también la razón de la celo con el que el grupo de imágenes fue considerado por mecenas de Caravaggio Del Monte, y por el malentendido de que la búsqueda de la filosofía natural incurrió en la Roma de su tiempo.
Apollo jugador del laúd [detalle de flores cubiertas de rocío según lo descrito por Baglione en 1642]
La versión Wildenstein fue vendido por los herederos de Del Monte al cardenal Antonio Barberini en 1628, cuando fue descrito como "Un giovane che sona di clevo" (sin atribución) y se incluye con Santa Catalina y los jugadores de cartas (nombrados específicamente por Caravaggio) y varias otras pinturas. La pintura es iluminado por una suave claroscuro inspirado en los Brescia maestros del siglo 16 y característico de la fase inicial de desarrollo de Caravaggio. El catálogo de la exposición 1990 celebrada con motivo de la identificación de la Wildenstein jugador del laúd - que ya era conocida, pero piensa que es una copia de otra parte - comentó sobre el marcado diferente de iluminación utilizado para esta versión, afirmando que "marca un paso significativo hacia el estilo iluminado más dramáticamente altamente concentrado de la madurez de Caravaggio "- es decir, hacia el mayor contraste entre las sombras y la luz ( tenebrismo ) que marcarían pinturas como El martirio de San Mateo . Sin embargo, el crítico Jason Kaufman considera que la interpretación del niño en la versión Wildenstein era estéticamente inferior a la Ermita, "... la cara ... es difícil y la expresión menos dulce que la bovina ...
a cuenta .. . más claramente definidas, las cejas severamente geometrizado, y la tez de color rosa, en lugar de tono facial, "y David Van Edwards, observando cómo el laúd 14-PEG en la versión Wildenstein es un diseño más inusual para un laúd italiano en este momento, llegaron a la conclusión que la pintura no es de Caravaggio. [ 3 ]
La versión Hermitage es de la colección de otro patrón del artista importante de la época, amigo y vecino de Del Monte, marqués Vincenzo Giustiniani .
La casa del bádminton pintura salió a la luz en una subasta en Sotheby 's , Nueva York (25 de enero de 2001, mucho 179). Originalmente cubierto de un barniz amarillo espeso, se corresponde en todos los detalles con la descripción hecha por Baglione de la obra que vio en el palacio del cardenal Del Monte. Las flores se encuentran dispersas con gotas de rocío como observaciones Baglione, y la jarra de agua refleja la ventana y otras características de la sala. Estos elementos, así como el número considerable de pentimenti (incisiones hechas en la pintura con el mango de un cepillo, un signo de los métodos de trabajo de Caravaggio), establecen la Casa Badminton pintura, aparte de la versión Hermitage. Es ligeramente más grande que la obra Hermitage, cuyo original filo corta las flores de la izquierda y el desplazamiento de violín, y pintada con pinceladas densas.
Esta pintura parece ser la descrita en el 1627 el inventario de la colección de Del Monte. No era la pintura descrita en 1628 por los herederos como 'Un giovane che sona di clevo' (sin atribución) que se vendió junto con el de Caravaggio ' Santa Catalina y los ' jugadores de cartas (nombrados específicamente por Caravaggio) y varios otros cuadros a El cardenal Antonio Barberini , que ha llegado hasta nosotros en el trabajo en el Wildenstein colección, actualmente en préstamo al Museo Metropolitano de Arte . Pero los rasgos de la cara, con su ojo un poco fuera de línea y ancho mejilla, dejan claro que esta era la fuente de las otras versiones, en lugar de la pintura del Hermitage, en la que el propio Caravaggio introdujo modificaciones en el perfil y forrado hasta los ojos.
Apollo tocador del laúd
El flowerpiece es de gran importancia para la tradición aún-vida, no sólo en Italia, sino también en los Países Bajos, y hay una cierta relación a la pintura flamenca antes. Pero es interesante como el Dr. Sam Segal ha señalado (comunicación escrita) de que se trata de una verdadera selección de flores, como podría ser montado en la primavera, mientras que muchos de los pintores de flores flamencas, de Jan Brueghel a Ambrosius Bosschaert y Van der Ast, a menudo esperado para estudiar muestras separadas en diferentes estaciones del año, pero todos ellos incluyen en un conjunto ficticio. Del Monte estaba muy integrada, entre otros intereses, en actividades botánicas, tanto en el estudio de las plantas y su uso en medicamentos, y tenía a su alrededor a otros amigos que compartían estos intereses. Fabio Colonna fue el autor de una obra en el año 1592 que tiene las primeras ilustraciones botánicamente exactas de las plantas, y Federico Cesi , el joven hijo del duque de Acquasparta, tenía un jardín botánico apegado a su palacio de la Via dei Coronari. Ambos estaban interesados en las esencias que podrían extraerse de las plantas (Fabio Colonna era epiléptico y tomó la valeriana como un remedio); ellos también se unieron en la década de 1590 por Johann Faber de Bamberg que era un botánico célebre, más tarde médico Pablo V Borghese. Todos estaban en deuda con el farmacéutico Enrico Corvino, (Hendrick de Raeff) de Delft, que también llegó a Roma a principios de los años 1590, y cuyo gran premisas 'All' Aquila Imperiale 'son todavía visibles en Monte Giordano, en Roma, cerca de la Via dei Coronari. Los frutos de la Luteplayer, sin embargo, no son de la misma temporada como las flores, y otra característica interesante es que parecen haber sido colocados originalmente en un cuenco o canasta con una base, de los cuales sobrevive la sombra en la esquina de la partbook y la circunferencia alrededor de la propia fruta.
Las flores se corresponden con los mostrados por Giovanni Battista della Porta en su Magia Naturale (Nápoles, 1589), como los que corresponden a la visión, de la maravilla que se ve como el Sol, la harina de maíz amarillo que se ve como un ojo, a otra flor que se parece al eufrasia que fue desde la Edad Media un ingrediente en remedios oculares. Esto en cierta medida a explicar la naturaleza de la elección de las flores, que están dominados por el iris en la parte superior, y la Iris no sólo era el mensajero de los dioses, pero en el marco óptico representaba el arco iris y el espectro de colores que las diversas flores representan. Una vez más, De optices refractione de Della Porta tiene todo un libro dedicado a 'De Iride et colore', un intento de llegar a un entendimiento del arco iris. Pero el naturalismo de las flores, incluidas las vainas de los iris y los floretes arrugadas, muestra que Caravaggio estaba observando éstos a partir de muestras reales, y no mejora en lo que la naturaleza podría haber llegado a las circunstancias hubieran sido diferentes. La expresión tácita de la teoría de la segnatura, la correspondencia de ciertas formas de la naturaleza con los que en el hombre, es algo que une el pensamiento detrás de la pintura con la creencia de Paracelso. El interés de Del Monte en esto se manifiesta en el grupo de los retratos que colgaban en su Casino alquímico, que son de las mismas siete luminarias que se ilustran en la portada de Oswald Croll Basílica Chymica (Frankfurt, 1609). Sabemos que el Casino en el Pincio fue el centro de Roma de la práctica de iatrochymia o la medicina química, aunque este tipo de filosofía natural aumentaba bien visto y bien pudo haber desempeñado un papel en la memoriae condenación que Del Monte fue objeto. Pero Federico Cesi y su Accademia dei Lincei también fueron dedicados seguidores de lo que percibían como disciplinas de Paracelso.
Parece probable que el Luteplayer fue pensado originalmente como una decoración para el studiolo en el primer piso del Casino en el Pincio que Del Monte había adquirido en 1596, y donde Guercino más tarde pintar su fresco de Aurora para el Ludovisi. En la planta baja de Del Monte hizo su trabajo alquímico y la química; arriba, en el techo de la studiolo, Caravaggio pintó los dioses Neptuno, Júpiter y Plutón, que representa a los Elementos. Apolo hubiese golpeado al acorde correcto en la representación de la armonía del universo, en un lugar frente a la ventanilla única. Ya la fuerza de su estilo de la pintura era en la pintura de temas clásicos de la vida a su alrededor, como los de Baco en la pintura en los Uffizi, sus características a veces se disfrazan por su apariencia contemporánea. Desde Giordano Bruno había escrito que era apropiado para representar a Apolo , siempre joven, tocando el laúd, a diferencia de su lira más convencional, esto puede haber sido la intención de Del Monte en esta pintura, y los rayos de luz solar que son una característica de la esfera de cristal tiene este significado. Apollo está muy en su lugar en una sala dedicada a los elementos, como está implícito en la pintura del techo, para la Stanza degli Elementi que Vasari hizo en Palazzo Vecchio tiene Apolo con el carro del Sol en su centro, y Del Monte tenía esta sujeto como la pieza central del techo en su nuevo studiolo en Palazzo Avogadro, pintado por Andrea Sacchi . De hecho una de las imágenes más copiados en decoración de Giulio Romano del Palazzo del Te es el techo con que tal vez Caravaggio pudo haber conocido a partir de un dibujo.
El studiolo tenía espacio también para otra de las fotos de Del Monte, el Pastor Corydon . Este trabajo, ahora en el Museo Capitolino, ha sido durante mucho tiempo mal interpretado como San Juan Bautista, pero aparte de la asignatura exhibicionista del niño, el carnero (en lugar de un cordero) es una contradicción para ese tema. En cambio, el trabajo es un tema emblemático: el carnero representa el primer signo del zodiaco, Aries, en el período del equinoccio de primavera y la energía de esa temporada. En la combinación de temas, la armonía de las esferas está representado figurativamente por Apolo el Luteplayer, en el equinoccio de primavera y las flores de primavera se equilibran con los frutos del otoño sobre la mesa - desde el equinoccio de otoño - bajo el signo de Libra, cuando las fuerzas de la naturaleza son una vez más en equilibrio. Es más fácil ver la belleza afeminada del pastor como correspondiente a gusto estético personal de Del Monte, que como el trabajo que Ciriaco Mattei encargó poco después por su hijo primogénito, llamado en realidad Giovanni Battista, una pintura que se ha de buscar en una de las muchas pinturas de San Juan Bautista que Caravaggio ejecutó. Había una foto tal, pintada para la familia Mattei y más tarde también comprado por el cardenal Pio de la colección de Del Monte, una composición rectangular con St John jugando con un cordero, con una cruz de lámina en el hombro, que fue finalmente vendida a Gavin Hamilton en 1777.
Apollo jugador del laúd durante la limpieza
La idea de "correspondencias" que informó que gran parte de la filosofía natural moderna, significa que el mundo de la jarra con sus reflexiones, como una bola de cristal, habría sido visto como un paralelo con el globo celeste en el techo con los elementos anteriores. Esta función, que se describe en la pintura de la Luteplayer que Baglione vio presumiblemente in situ con el cardenal Del Monte, está ausente de la versión Hermitage. Elementos de la composición de la Apollo Luteplayer se repiten no sólo en el trabajo Hermitage (con algunas variaciones contrapunto), sino también en la jarra de vidrio en la parte inferior de los dos cuadros Un Muchacho mordido por un lagarto, muy especialmente en la versión en la National Gallery de Londres. No se levantó la central y jazmín blanco es muy cerca de estos elementos en el presente trabajo, mientras que en la imagen de la Fundación Longhi la rosa es una blanca. La margarita menor en el presente trabajo se ha colocado de nuevo, y de hecho existe un pentiment prominente 3 cm por encima, y esa es la posición que tiene en la pintura Ermita de la Luteplayer. Bien podría ser que el flowerpiece original que sabemos Del Monte propiedad de Caravaggio, que parece que ha comprado incluso antes de que se reunió con él, probablemente a través del distribuidor de imagen local Maestro Valentino, podría haber sido la continua fuente de estas variaciones. Era una pintura descrita como una jarra de flores, dos palmi alta, que fue comprada en el 1628 la venta de la colección de Del Monte en un lote que incluía a los músicos, pero no se ha oído hablar de desde entonces. Es interesante que el que dedicaría esa atención a una pintura de flores, como también lo hizo a la cesta de la fruta en el Ambrosiana, y que él no era reacio a hacerlo, como lo ilustra el hecho de que él introdujo la jarra de agua con las mismas reflexiones en los lienzos del Muchacho mordido por un lagarto, sin tener en cuenta la posición de la figura en frente de las fuentes de luz. Dado que el artista pasó, de acuerdo con Bellori, cuatro o cinco años en Roma haciendo imágenes devocionales repetitivas, y copias de la ONU 'UNO grosso l'' cabezas retrato, era natural para él repetir sus propias invenciones, cuando llegó a este sensacional nuevo técnica de copiar la realidad, a partir de una imagen virtual, en lugar de composiciones de otras personas. El espejo parabólico, probablemente el mismo que Della Porta había había construido en Venecia en 1580, que se había producido unos efectos sensacionales y llevado al desarrollo de la cámara oscura, era probablemente no más grande que un reloj de ojo, pero hizo posible para hacer un mosaico de imágenes naturalistas que era muy convincente; la técnica también explica el enfoque superficial de las composiciones de Caravaggio.
