Art Decó (Trabajo Propio)

Mi primer post en Taringa! Pensé bastante que postear, porque el portal está lleno de cosas interesantes. Decidí poner un trabajo sobre Art Decó que hice para la facultad, porque vi muy pocos post sobre el tema (y los que están son puro C&P). Como van a ver, el trabajo es puramente mío, y voy a poner las fuentes que utilicé. Índice 1.- Introducción 2.- Nace el Art Decó 3.- Arquitectura Art Decó 4.- Mobiliarios Art Decó 5.- Afichería Art Decó 6.- Clorindo Testa 7.- Alejandro Bustillo 8.- Fuentes Utilizadas 1.- Introducción Mientras que el Art Nouveau se investía con sus sinuosas y serpentinas líneas, en la primera década del siglo XX se empezará a trabajar en el diseño de muebles, aparatos domésticos, transportes y medios de comunicación masiva, como serán los cines y más tarde la radio, utilizando líneas rectas, formas geométricas y compactas. Así, el ya mencionado Palais Stoclet de Hoffmann, proyectado en 1905 y terminado en 1911, inauguraría una estilización geométrica en la arquitectura, como más tarde también serían los Ballets Russes de Sergei de Diaghilev (1872-1929) que llenan los teatros Parísinos a partir de 1909, primero el Chatelet y más tarde la misma Opéra, con sus inauditas y coloreadas coreografías trabajadas bajo los diseños geométricos y exóticos de León Bakst (1866-1924). Así pues, si los primeros catorce años del siglo XX europeo transitaron del Art Nouveau hacia nuevas formas de concebir los diseños, lo cual se vio interrumpido por la Primera Guerra Mundial, una vez terminada la beligerancia entre las naciones, algunas vanguardias y movimientos artísticos, los talleres artesanales y casas de diseño, las industrias y los productos emanados de ellas, buscarán invadir todos los ámbitos de la vida cotidiana, desde un cubierto de mesa, hasta la edificación de un inmueble. Caros y extraños, nuevos materiales serían utilizados en los productos que salen de los "ateliers" para cumplir con los deseos de una élite caprichosa: el cromo, metal de color argentino y cristalino, la baquelita, resina sintética y moldeable, y el plástico que por su nobleza matérica podía aplicarse de múltiples maneras. También estaban las exóticas maderas y otros elementos naturales traídos de tierras lejanas que se utilizaban en los muebles y en la confección de atuendos de vestimenta: la madera de amboina traída de las Islas Molucas y que recibió dicho nombre por provenir de la capital Ambon o el ébano del estrecho de Macasar en Indonesia; la piel áspera del pez zapa, la concha de tortuga conocida como carey, la piel de serpiente o de tiburón. Todo esto reflejaba las excentricidades a las cuales se acostumbraba esa clase acomodada que a través de objetos lujosos de decoración mostraban su estatus social. Sin embargo, un sector social más amplio de la población desea consumir también esos nuevos objetos de diseños exclusivos; esa es la razón por la cual la industria produce gran cantidad de productos, copiados o inspirados en los originales que se vendían en los selectos almacenes y finas boutiques. Se vive una época de consumo que provoca que los grandes almacenes comerciales sean decorados atractivamente para atraer la atención de los consumidores. Todo esto se esparce y se da a conocer a través de la publicidad, en donde el cartel toma gran importancia. Y toda esa nueva gama de productos y diseños se verán contagiados por lo geométrico, lo cual se proponía y trabajaba en algunos movimientos artísticos de vanguardia o estaba en relación con las máquinas de la industria. Pero lo geométrico también será tomado por la colección de piezas africanas que tanto Braque como Picasso usaran en el Cubismo, o también de lo egipcio, pues en 1922 Howard Carter exhuma la tumba de Tutankamen y cobra fuerza la maldición de los faraones por la repentina muerte del descubridor y los motivos decorativos del antiguo Egipto se ponen de moda; además, las ruinas teotihuacanas, mayas y objetos de la cultura mexicana se vuelven a revalorar sobre todo después del extravío del coronel Fawcett en 1925 en las tierras peruanas de Machu-Pichu y posteriormente la expedición al mando de Peter Fleming en su búsqueda: las culturas prehispánicas sudamericanas y mesoamericanas cobran importancia, así como también los indios Pueblo de los Estados Unidos, inundando los ambientes de la decoración e inclusive de la moda: zigzags, soles radiantes, cactus hieráticos, figuras de perfil, mujeres cleopatrizadas, templos escalonados, atuendos indígenas mesoamericanos e incas, se ritualizan junto con los zigurats mesopotámicos y bailarinas indúes o balinesas que se rescatan del olvido occidental en un intento de voltear hacia culturas exóticas y encantadamente fantásticas. La era de la máquina y de un mundo industrial provoca la producción a gran escala que da por consecuencia los intercambios comerciales mundiales y los negocios internacionales que se desplazan a la velocidad del ferrocarril o en la comodidad y lujo de los monumentales trasatlánticos. O bien, los recorridos en automóviles descapotados y en aeroplanos que desafían las alturas y más aún después de que el Atlántico fue atravesado sin escalas en 1927 por Charles Lindbergh (1902-1974), consagran el triunfo de la aplastante motorización. Surge la visión "poética" de la máquina, del mundo moderno, mecanizado donde el mito del robot algún día tomará el mando de la civilización. Los "años Locos" y la "Belle Epoque" europeos se hermanan con los años del Fox-Trot, del Charleston, de la música negra del Jazz, de la crisis del 29, del "New Deale" de los Estados Unidos. Paraninfos de bailes, salas de espectáculos, iluminados con líneas de luz geométricas, ritman con las grandes bandas y orquestas de nuevas cadencias, rápidas, sincopadas e improvisadas que desgarran las enraizadas piezas de vals y hacen vibrar los cuerpos en inéditos bailoteos. Y mientras Fritz Lang (1890-1976) exhibe un mundo mecanizado y robotizado en Metropolis, 1926, un año más tarde Alan Crossland en The Jazz Singer hace cantar al cine cuando Al Jolson, quien se maquilla como un negro, entona una pieza de jazz. Tiempos de los veinte y treinta, donde el hombre, el "dandy" de bigote recortado, pelo engomado, vestido con esmoquin, que merodea en clubes y coctailes, frivoliza con cierta naturalidad y pose ante las mujeres de boca menuda, peinadas a la "garzón", con sombreros encasquetados, que usan corsés y hombreras, engalanadas con telas ligeras, de vestidos cortos que muestran las piernas, alcanzando así una expresión de mujer dinámica y flexible, que al igual que el hombre fuma y bebe en la nova vida social. Todos esto se incorporará con las emisiones del diseño, el arte, la artesanía y la industria europea de la época de entreguerras y es lo que se conocerá más tarde como Art Decó. 2.- Nace el Art Decó El Art Decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966, en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco. Las características generales del Art Déco que fueron utilizadas tanto en decoración, como en arquitectura son: • El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags. • Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes. • Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas. • Representación de elementos fitomorfos: se utilizan las flores, los cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas. • Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes. • Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de tiburón y el carey. • Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas aztecas, mayas o incas y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotámica, vikingo o de los pueblos africanos o indios. • En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo. • Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles, denotando su liberación. Dentro del Art Déco hay dos períodos que corresponden a dos líneas estéticas del estilo: el Zigzag y el Stream Line. El primero va de 1920 a 1929, se dio mayormente en Europa y fue el que se basó más en las referencias de las culturas pasadas que se pusieron de moda por descubrimientos arqueológicos, Egipto, Mesopotamia, Mesoamérica, la cultura Inca, o que se rescataron del olvido y del desinterés occidental, tal como sucedió con las piezas africanas y algunas mismas culturas europeas antiguas, o bien las extrañas y lejanas sociedades orientales. Resalta en su decoración los triángulos encadenados y superpuestos y líneas y composiciones geométricas en movimiento. El segundo tuvo su auge de 1930 a 1939, se desarrolló más en Estados Unidos y representa la era de la recuperación económica después del "crack" bursátil del 29. Hombres fuertes y desnudos quienes controlan máquinas de diversa índole y vislumbran un futuro prometedor tecnológico adornan paneles y los principales motivos decorativos son las líneas curvas aerodinámicas, de aquí su nombre, líneas horizontales aplicadas o también abstracciones de la velocidad. Además de las variantes del Zigzag y el Stream Line, en Estados Unidos hubo dos tipos más del Art Déco que tuvieron fuerte influencia en México_ • Una es el Pueblo Deco que se dio en los estados de Arizona, Nuevo México y el occidente de Texas, lugares donde habitan los grupos étnicos amerindios conocidos como Indios Pueblo. Referencias artesanales de los Hopi y Navajos, así como los vaqueros y los cactus desérticos de Texas, se mezclan en las decoraciones aplicadas en la arquitectura neocolonial de tipo californiano. • La otra es el Tropical Deco, la cual tuvo su desarrollo en la Florida y en algunas playas de California; principalmente, fue en el distrito de Old Miami Beach donde más se consolidó. Con alusiones marítimas e interpretaciones naturalistas, quebradizos zigzags y colores suaves, se edificaron hoteles y apartamentos que constituyeron esta variante del Déco. 3.- Arquitectura Art Decó Para nosotros, espectadores desde el siglo XXI, el mejor recuerdo del Art Déco se encuentra en la arquitectura que todavía hoy convive con nosotros en tantas ciudades del mundo. La principal preocupación de la arquitectura Déco esta en los efectos decorativos y no en las estructuras en sí, razón por la cual es fácil distinguir aquellas edificaciones que se crearon bajo la influencia de este movimiento. Hecho de los últimos materiales, tales como plásticos, cromo y aluminio, las mercancías domésticas tenían una mirada moderna, alta de la velocidad y estaban disponibles para cada uno debido a la producción en masa. En la arquitectura, la obsesión del Art Déco por el diseño se refleja en el efecto decorativo más que en la estructura, en oposición al funcionalismo. Aunque es Europa la que impone la tendencia, es en Estados Unidos en donde mayor éxito tiene la arquitectura Déco. San Francisco, Chicago y Nueva York, con un auge económico insuperable, se dieron el lujo de construir gigantescos rascacielos cuyos exteriores muestran claramente la influencia europea del Art Déco. A nuestro país llegó también la influencia del Art Déco y en la recién fraccionada colonia Condesa encontró un espacio ideal para desarrollarse. Aunque existen muestras de arquitectura Déco por toda la ciudad de México es sin duda en la Condesa en donde podemos apreciar el más amplio muestrario de esta arquitectura, cuya adaptación al estilo mexicano tuvo gran éxito entre la burguesía nacional. Principalmente fueron tres los grandes arquitectos que importaron el estilo europeo a nuestro país: Juan Segura, Francisco J. Serrano y Ernesto Ignacio Buenrostro. Imágenes Arquitectura Art Decó Coronamiento art decó del Edificio Chrysler en Nueva York, construido 1928–1930 Ayuntamiento de Buffalo en Nueva York, pieza maestra del Art Decó americano. Escaleras en rotonda en estilo art decó del Burkbank City Hall. Ayuntamiento de Asheville, ejemplo de arquitectura art decó. Bullocks Wilshire en Los Angeles. El Cementerio de Azul, obra maestra de Francisco Salamone. Anfiteatro de Napier (Nueva Zelanda). New India Assurance Building, 1936, Bombay (India). La Torre del Reloj de la plaza de Hastings. 4.- Mobiliarios Art Decó Si actualmente alguien quisiera empezar a coleccionar objetos Art Déco, lo mas difícil de obtener serían los muebles. La escasez es una de las dificultades evidentes con que se encuentra un coleccionista, pero el precio es lo más prohibitivo. El mobiliario Art Decó es ciertamente una de las aplicaciones más interesantes y creativas del estilo. Los altos precios actuales se deben en primer lugar a su rareza, pero también reflejan otro factor, el del valor de la calidad artesanal. Incluso cuando Emile-Jacques Ruhlmann vendía sus muebles en los años veinte, estas piezas eran asequibles sólo a clientes mas acaudalados como maharajás o príncipes. Si sus obras alcanzaban tales precios no era sólo por codicia comercial, sino por los meses y meses de trabajo especializado y por el empleo de los materiales más caros como expresión de su genio. Dentro del diseño de muebles Art Déco podemos distinguir dos tendencias distintas: por una parte están los primeros experimentos en lo que hemos llegado a reconocer ahora como mobiliario moderno, utilizando metales y plásticos en formas que conducirían a la futura producción en serie; y, por otra, la artesanía de alta calidad de la que Ruhlmann fue el mayor exponente. Los puristas dirían que en realidad el mobiliario Art Decó pertenece sólo a la producción de mayor calidad. En el cambio de siglo el mobiliario de calidad que se construía para perdurar era de estilo Luis XVI o Imperio. Debía ser sólido, pero de ningún modo era moderno. El logro de Ruhlmann, Süe y Mare, Jean Dunant y otros fue la revaluación de los estilos de muebles, tomando lo mejor y alterándolo y renovándolo sutilmente. Muchos de los responsables de diseño de mobiliario, incluyendo los ya mencionados, no eran artesanos importantes, pero fueron capaces de dirigir grandes talleres y de emplear el talento de artesanos de otros talleres y del suyo propio para conseguir el mejor efecto. Hubo algunos virtuosos que hicieron alarde de sus habilidades al máximo. El vasto imperio francés les proporcionó los materiales más exóticos: ébano de Maccasar, madreperla, concha, marfil, madera de amboyna, madera de nogal podado, madera de palma, plata y oro, así como la inspiración de técnicas orientales como la chinoiserie y el lacado. Costoso y elitista como sin duda era el comercio de lujo, su resurgimiento dependía de otros factores. Aparte de unas cuantas tiendas especializadas, la salida de los muebles contemporáneos era limitada. Cuando los nuevos almacenes con departamentos advirtieron que el diseño podía serles de gran utilidad, la situación cambió. Au Printemps creó su Studio Primavera, Le Louvre fundó Studium Louvre, Au Bon Marché el Pomone, y las Galerías Lafayette La Maîtrisse. Los clientes vieron que en estas tiendas podían comprar el mobiliario más moderno a precios razonables. La siguiente ventaja del sistema de los estudios fue que los artesanos podían aceptar también clientes particulares, en tanto esto no interfiriera con su trabajo para el taller. La industria del mueble en su conjunto sufrió una sorprendente apertura en su actitud, y especialidades e ideas fueron generosamente compartidas. En su “Hôtel d’un Collectioneur” para la exposición de Artes Decorativas e Industriales de 1925, Ruhlmann incluyó la obra de Antoine Bourdelle, el escultor de animales François Pompon, Jean Dupas, el artesano del metal Edgar Brandt, el diseñador de plata Jean Puiforcat, el especialista en lacado Jean Dunand y Pierre Legrain. Fue un acto de consolidación, una llamada a la unidad que también exhibió el talento de Ruhlmann como diseñador de interiores. Nacido en 1887, Legrain se distinguió inicialmente como diseñador de encuadernaciones para su rico mecenas Jacques Doucet. Legrain, como muchos otros diseñadores del Art Decó, fue capaz de dedicarse a diseñar para una amplia gama de oficios con igual éxito. Es importante resaltar de nuevo el valor de tener acceso a especialistas en muchos campos diferentes, lo que hizo que diseñadores como Legrain se sintieran libres de experimentar a su voluntad. Una de las piezas de mobiliario más famosas de Legrain fue el sillón “Zebra” o chaise longue. Su clara afinidad con todo lo africano no podía reflejarse de forma más explícita que en esta pieza hecha en 1925. Comparada con otras representaciones del extremo opuesto del Art Déco, como los experimentos de Eileen Gray en metal o, más directamente, con la propia chaise longue de Le Corbusier, la de Legrain es simplemente extravagante. La piel de cebra está imitada en terciopelo, que lógicamente debería ir apoyado contra una pared, está decorado en su parte posterior con dibujos abstractos ejecutados en un material tan caro como la madreperla. En conjunto el diseño es casi tosco, y da la impresión de algo basto e incómodo a la vez, justo lo opuesto al sillón de Le Corbusier. El brazo está abierto por delante a fin de albergar una pequeña repisa cuyo propósito no podía ser más que estético. Todo el sillón rezuma un sentimiento de lujo gratuito y de decadencia; es la clase de sillón que Nancy Cunard u otro rico esteta pudo haber poseído para echarse en él elegantemente fumando una pipa de opio. Otro diseñador de muebles igualmente excéntrico, que a menudo fue empleado por otros por sus diseños a base de lacados, fue Jean Dunand. Tanto Dunand como Eileen Gray aprovecharon el talento del maestro lacador japonés Sougawara. Dunand fue otro de los diseñadores que ejecutaron encargos importantes para los transatlánticos Île-de-France y Normandie. Su obra singular más célebre, no obstante, fue una cama hecha en 1930 para Mme. Bertholet, en laca y madreperla. Es un objeto bellísimo aunque casi totalmente absurdo. Tan bello, en realidad, que raya en lo horroroso. En ella no hay sentido de la autenticidad del material, aunque curiosamente la laca es uno de los poquísimos materiales que se pueden trabajar con éxito. Las incrustaciones de la madera saltarían en cualquier casa con calefacción central., en tanto que la pintura se agrietaría y astillaría. Los pececillos que burbujean a los pies de la cama resultan casi cómicos si se comparan con el sereno bodegón de nenúfares de la curvada cabecera, inspirado indudablemente en los cuadros de nenúfares de Monet o en modelos orientales. Los muebles Art Déco, por tanto, merecen, más que cualquier otra expresión de este estilo, su conservación. Constituyen el capítulo final del arte de la ebanistería. Imágenes Mueblería Art Decó 5.- Afichería Art Decó “Totally Amazing Posters!” es una colección en la web del ilustrador Bob Staake (cuyos trabajos son por méritos propios muy conocidos y creativos por sí mismos). En la Biblioteca del Congreso de los EE.UU. la colección de posters del proyecto WPA de los años 30-40 (de 1936 a 1943), “By the people, for the people”, tiene un montón de gemas, en este caso disponibles en alta resolución. Muchos de estos posters, tanto sus ilustraciones como las tipografías, han sido digitalizados de una u otra manera por Nick Curtis, en Nick’s Fonts. Carteles de viaje antiguos, muchos de ellos también dentro de la estética art decó. En la biblioteca digital de Nueva York, hay un muy buen archivo de imágenes con la etiqueta art decó. La última imagen es una vectorización simple hecha en Vector Magic de uno de los carteles mencionados. El estilo relativamente simple y con áreas de color plano o degradados de colores sencillos se presta muy bien al tratamiento vectorial. Otros Posters: 6.- Clorindo Testa Clorindo Manuel José Testa (Nápoles, 10 de diciembre de 1923), es el arquitecto argentino más importante de la segunda mitad del siglo XX, expresado por su trayectoria, la importancia de las obras, la originalidad de su diseño y la concreción de sus obras siempre por concurso y competición con sus pares. Es además un artista plástico de trayectoria permanente en la segunda mitad del siglo XX. Realizó obras representativas de la arquitectura argentina como la Biblioteca Nacional de la República Argentina en Buenos Aires o el Banco de Londres en Buenos Aires, siendo este último banco uno de los ejemplos bancarios más importantes del mundo, por su carácter plástico e innovador, siendo el mejor exponente a fines de los años cincuenta del movimiento brutalista mundial en Sudamérica. Durante su carrera posterior este arquitecto siguió sin adherirse a modas, o estilos internacionales, y creo siempre una arquitectura muy personal que nace de las consideraciones del contexto a intervenir influenciado por el color, las tensiones, las metáforas, y la plasticidad. Estudio y residió en Buenos Aires desde entonces. Siendo niño le gustaba construir barcos y pensó que la Ingeniería Naval era su destino. El paso por Ingeniería fue breve y finalmente desembarco sus sueños navales en la Facultad de Arquitectura. Se gradúo como arquitecto en 1948 en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires. Trabajo durante ese año, como dibujante, junto al equipo integrado por Ferrari Hardoy, Vivanco y Bonet, quienes desarrollaron el Plan Regulador de la Ciudad de Buenos Aires. (Este grupo de arquitectos se habían conocido en 1937 en el estudio de Le Corbusier, cuando trabajaban con el maestro en el Plan de Buenos Aires, luego se unieron y formaron parte del grupo Austral ) De este periodo, Testa siempre recuerda a Ernesto Rogers, arquitecto y urbanista italiano, que actuaba como asesor del Plan Regulador, mantuvo con el una estrecha relación que influyo su visión de las situaciones urbanas. En 1949 obtiene una beca de la Universidad de Buenos Aires para realizar un viaje de estudios a Europa. Vivía en Roma, daba vueltas con sus amigos recorriendo y dibujando ciudades. En un momento se dio cuenta que no podía estar más tiempo así, que tenía que trabajar y fue entonces cuando regresó. En 1951, de vuelta en Buenos Aires comienza su carrera como artista y arquitecto. Obras de arquitectura 1950-1959 • Cámara Argentina de la Construcción (Buenos Aires). (1951/60) • Terrazas y templetes de acceso a los panteones subterráneos, Cementerios de Chacarita y Flores (Buenos Aires, 1955/56, como miembro de la Dirección de Urbanismo de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires) • Centro Cívico de Santa Rosa (La Pampa): Casa De Gobierno, Ministerios y Terminal de Ómnibus (1955/63). • Comisarías, Unidades sanitarias y Paradores turísticos en Misiones. (1956/59) • Urbanización de Catalinas Norte (Buenos Aires, 1958/59, como miembro de la Organización del Plan Regulador) • Banco de Londres y América del Sur (Buenos Aires, 1959/66, asociado al estudio SEPRA) 1960-1969 • Biblioteca Nacional de la República Argentina (Buenos Aires). (1962/92) • Instituto Di Tella (Buenos Aires, 1963/64) • Universidad de La Pampa, Santa Rosa. (1964) • Sucursales del Banco de Londres en Av. Santa Fe y Junín, y en Harrods (Buenos Aires, 1964/65 y 1967) • Casa Michel-Robirosa (Lomas de San Isidro, San Isidro). (1967/68) • Pabellón Argentino en la Feria del Campo (Madrid). (1968, asociado al estudio SEPRA) • Hotel Bariloche (San Carlos de Bariloche, Río Negro). (1968) • Sucursal de Olivetti en Rosario, Santa Fe. (1969) • Casa Di Tella. (1969/70) • Ampliación del Hospital Italiano (Buenos Aires, 1969/71) 1970-1979 • Ampliación del Museo Nacional Bellas Artes (Montevideo, 1970) • Hospital Vecinal de San Carlos de Bariloche. (1970) • Hospital Naval Central (Buenos Aires, 1970/82) • Hospitales San Juan Bautista (Catamarca) y Presidente Plaza (La Rioja, 1971) • Mausoleo para los Próceres de Corrientes. (1971) • Casa Carabassa (Vicente López, 1971/72) • Centro Comercial de Pinamar. (1971/73) • Urbanización y cancha de golf de Pinamar. (1972/73) • Palacio Legislativo del Centro Cívico de Santa Rosa, La Pampa. (1972/76) • Banco Holandés Unido y Embajada de Holanda (Buenos Aires, 1972/76) • Hospital de Esquel, Chubut. (1974) • Complejo deportivo y Country Club "Macabi". (1974/80) • Unidades de vivienda escalonadas (Punta Ballena, Uruguay, 1975/76) • Edificio de vivienda, calle Rodríguez Peña 2043 (Buenos Aires, 1975/78) • Edificio de vivienda, calle Castex 3335 (Buenos Aires, 1975/79) • Sucursal Perú de Aerolíneas Argentinas (Buenos Aires, 1975/76) • Remodelación del Plaza Hotel (Buenos Aires, 1976/78) • Hospital Regional de Abidjan (Costa de Marfil, 1977) • Sanatorio Omint (Buenos Aires, 1977) • Centro Argentino de Ingenieros (Buenos Aires, 1977) • Casa Castañeira (Country Club Tortuguitas, 1977/79) • Country Club "Mi Refugio" (Esteban Echeverría, 1978) • Anexo de la Casa Central del Banco Nacional de Desarrollo (BANADE) (Buenos Aires, 1979). • Complejo deportivo Club Italiano (Parque Almirante Brown, Buenos Aires, 1979) • Centro Cultural De La Ciudad De Buenos Aires (hoy Centro Cultural Recoleta) (modificado, 1979) • Edificio de departamentos, calle Esmeralda 1366 (Buenos Aires). • Casa Lacarra. 1980-1989 • Edificio de simuladores de vuelo de Aerolíneas Argentinas (Catalinas Norte, Buenos Aires, destruido, 1980). • Atelier Clorindo Testa (modificado, 1980/81) • Balneario La Perla (Mar del Plata, Buenos Aires, 1985) • Casa "Capotesta" (Pinamar, 1983/85). • Casa “La Tumbona” (Ostende, Buenos Aires, 1986/89). • Local del I.C.I (Instituto de Cooperación Iberoamericana, Florida 943, Buenos Aires). • "Casa amarilla" en Country Club "San Diego". • Gimnasio Paseo Infanta (destruido). • Restaurante japonés Paseo Infanta (destruido). • Banco de la Nación Argentina, Sucursal Carlos Paz (Córdoba). 1990-1999 • Plaza Del Pilar- Bs. As. Design Center. • Remodelación de los Concejos Vecinales de Buenos Aires. • Casa en Martínez. • Local comercial para Interior Forma en Buenos Aires Design. • Auditorio Templo S.G.I.A.R. (Auditorio de la Paz- Templo Sōka Gakkai Internacional, Buenos Aires). Premiado "obra de la década" (1992/93). • Stand en la Feria del Libro. • Casa Verde. • Casa Ayme. • Casa en barrio "River Oaks" (Maschwitz). • Galería de Arte Altera (Pinamar, Buenos Aires). • Universidad Torcuato Di Tella (Buenos Aires, parcialmente). • Campus de la Universidad del Salvador (Pilar, Buenos Aires). • Colegio de Escribanos de la Capital Federal. • Concurso Programa de Renovaciσn Urbana Puente Saavedra- Buenos Aires - Primer Premio. 2000-2009 • Casa en Stud (La Plata). • Departamento Di Tella (interiorismo). • Remodelación del Hospital de Quilmes. • Auditorio en el Campus de la Universidad del Salvador. • Universidad Di Tella (interiorismo). • "Casa Blanca" (Barrio Cerrado Mayling, Pilar). • Escalera en el Centro Cultural Konex. • Biblioteca del Campus de la Universidad del Salvador, Pilar. • Biblioteca de la Gobernación de La Pampa. • Remodelación de rampas y accesos del Centro Cultural Recoleta. • Casa Pontoporia (Mar Azul, Buenos Aires, realizada primera etapa) Imágenes 2002 - Auditorio de Universidad en Pilar, detalle de columna. 1998 - Edificio del Colegio de Escribanos en Buenos Aires, interior. 1998 - Casa "la Tumbona", Valeria del Mar, Pinamar, Buenos Aires, Argentina. 2003 - Biblioteca del Campus de Universidad en Pilar, detalle del techo. 1979 - Banco Nacional de Desarrollo. 1985 - La Perla, balneario en Mar del Plata. 1999 - Casa en La Plata, ex-stud. 2002 - Campus en Pilar. Clorindo Testa. 7.- Alejandro Bustillo Alejandro Gabriel Bustillo Madero (Buenos Aires; 18 de marzo de 1889) fue un arquitecto, pintor, escultor, y académico argentino. Uno de los arquitectos más relevantes de la historia Argentina. Fue el autor de numerosas obras arquitectónicas públicas y privadas, entre las que se cuentan el Hotel Llao Llao, el Complejo Bristol que incluye el Hotel Provincial y el Casino de Mar del Plata. En Buenos Aires diseñó la casa central del Banco de la Nación Argentina, el banco Tornquist, el Hotel Continental, viviendas como la de Victoria Ocampo. Nacido en la ciudad de Buenos Aires, Argentina el 18 de marzo de 1889, Alejandro Bustillo era hijo de Maria Luisa Madero y del doctor José María Bustillo, perteneciendo a una familia de estrato social alto y de largo arraigo en América, pues según declaraciones suyas, desciende en línea directa por rama materna de las hijas de Túpac Inca Yupanqui y Huayna Cápac, quienes se casaron con conquistadores. Durante su infancia pasó largas temporadas en estancias pampeanas junto a su familia y donde comenzó su interés por la construcción. Terminó sus estudios secundarios en el Instituto Politécnico Superior Otto Krause. Luego estudió en la Escuela de Arquitectura, que por entonces dependía de la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad Nacional de Buenos Aires: escuela de clara orientación academicista donde fue alumno del hispano-noruego Alejandro Christophersen, el beauxartiano más notable de la época, del eclecticista Pablo Hary en Teoría de la Arquitectura, del francés Eduardo Le Monnier, y ya en los tramos finales de la carrera, de René Karman, un entusiasta difusor del neoclasicismo francés. En 1912 interrumpió sus estudios temporalmente para dedicarse a su otra pasión, la pintura. Tras esto, en 1912 obtuvo el Primer Premio del Salón Nacional de Pintura del Museo de Bellas Artes con su autorretrato. Finalmente se graduó en 1914 de arquitecto. El 8 de agosto de 1917 se casó con Blanca Ayerza (1892-1978), con quien tuvo 8 hijos; César, Jorge, Alejandro, Mario, Nelly, Marta, Blanca e Inés. En los comienzos de su carrera se inclinó notablemente por los canones compositivos de la arquitectura griega, y su gran referente de inspiración fue Albert Speer, el arquitecto de Hitler. De este último emuló los lineamientos austeros pero monumentales, y los plasmó en sus mayores obras como el Hotel Provincial de Mar del Plata, y el Banco de Buenos Aires, entre otros. Imágenes Autorretrato de Alejandro Bustillo. Alejandro Bustillo en 1982. Edificio tornquist 1925. Banco de la Nación Argentina. Casino, rambla y Hotel provincial, Mar del Plata. Capilla Nuestra Señora Virgen de la Asunción en Villa La Angostura, Argentina. Catedral Nuestra Señora de Nahuel Huapi, San Carlos de Bariloche. 8.- Fuentes Utilizadas http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artdeco.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Art_decó#Destacados http://www.laberintos.com.mx/artdeco2.html http://www.arquitectura.com/arquitectura/latina/obras/testa/default.asp http://es.wikipedia.org/wiki/Clorindo_Testa#Obras_de_arquitectura http://contenporany.galeon.com/enlaces1736617.html http://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Bustillo http://www.arquitectuba.com.ar/arquitectos/alejandro-bustillo-biografia-y-obras/ http://roma-condesa.tripod.com/id13.html http://www.argentour.com/local-cgi/ToForo/index.cgi?msg=3069 http://vectoralia.com/posters_art-deco/ Aclaración Importante: Tanto Clorindo Testa como Alejandro Bustillo, no son arquitectos propios del Art Decó; pero si fueron fuertemente influenciados por este movimiento para darle orígen a sus obras. FIN DEL POST Recuerden que COMENTAR ES AGRADECER. Hay mucho trabajo en este post. Ojala les guste o les sirva Saludos.