10 - Starless And Bible Black (King Crimson)
Starless and Bible Black es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo King Crimson, publicado en 1974.
La mayoría de las letras del álbum se burlan y quejan del materialismo de la sociedad actual. Varias de las canciones, excepto las dos primeras, fueron grabadas en directo en Glasgow, Zürich y Ámsterdam eliminando los aplausos posteriores al incluirlas en el álbum. El concierto de esta última ciudad fue publicado en 1998 como The Night Watch.
La banda japonesa Acid Mothers Temple publicó un álbum llamado Starless and Bible Black Sabbath en honor a este álbum y a Black Sabbath.
9 - The Modern Dance (Pere Ubu)
A mediados de los setenta Cleveland era, económicamente, una ciudad industrial en lento declive desde el final de la segunda guerra mundial, con su paisaje urbano marcado por las chimeneas, los hornos altos y la contaminación industrial proveniente de sus acerías. Musicalmente, resultó ser un cruce de caminos entre el rock de cemento de principios de la década dictado por los Stooges, la experimentación con las formas del rock de Captain Beefheart –que prácticamente ya pertenecían a la generación anterior por aquel entonces- y el futuro y futurista sonido de sintetizadores de los neoyorquinos Suicide. De ahí surgieron Pere Ubu, y también de un extraño momento histórico en el que hippies desencantados cedían el paso a proto-punks en estado de excitación creciente. En Cleveland, todo esto cristalizó en una personal revisión del rock a cargo de una banda de clase media y pretensiones artísticas muy lejanas al sentimiento filo-obrero y a la falta de ambición inicial que marcó los primeros momentos del idealismo sesentero y el nihilismo setentero. Eran tiempos extraños y, por fuerza, la música de Pere Ubu también tenía que serlo, y desde luego que lo fue. Antes de llamarse Pere Ubu, hicieron su personal apuesta por la credibilidad rockera con el grupo Rocket from the Tombs, grupo en el que estaba Peter Laughner, quien murió víctima del estilo de vida salvaje. Su ausencia marcaría el hecho de que Pere Ubu reorientasen su interés hacia un optimismo –existen citas de David Thomas echando pestes contra el nihilismo punk- que, en cualquier caso, resulta difícil encontrar en The Modern Dance.
8 - Parable Of Arable Land (Red Krayola)
El álbum intercala episodios heterofónicos llamados free form freakout, compuestos del sinsentido y acumulación de sonidos discordantes producidos ora por una lata de sardinas ora por un pito de agua.
Entre estos disparates, aparecen canciones informes y laxas, en tonos menores y crepusculares, aderezadas con distorsiones, desafinaciones alevosas, alaridos, sonoridades enturbiadas y mininalistas; una voz nervioso y oscura, la de Thompson canta sobre todo ese amasijo insondable pero fascinante, -¿como se dice hoy lo-fi, noise, post-rock, new wave?
7 - Twin Infinitives (Royal Trux)
Royal Trux fue un banda de rock estadounidense fundada por Neil Hagerty y Jennifer Herrema. Más interesados en destruir que construir, su estilo básicamente consiste en invertir y parodiar los códigos del rock, ofreciendo una "musica" ruidosa, voluntariamente fea y caótica, aunque posteriormente optarían por una deriva más convencional y comercial.
De su numerosa producción, su segundo álbum, Twin Infinitives, es su obra maestra. En ella demuestran su enciclopédico conocimiento del rock, pues tocan, aunque mejor sería decir destrozan, todos sus subgéneros. Serían el equivalente noventero de Captain Beefheart, por su talento, su surrealismo y su capacidad de dar la vuelta a todo lo que asimila. Como la de su antecesor en la deconstrucción musical, es un disco difícil y no todos lo oídos lo soportarán. Ahora bien, si abrís un poco la mente y estáis dispuesto a aceptar algo diferente a lo que normalmente se entiende por música, descubriréis un trabajo magnífico, divertidísimo, casi adictivo y que deja en ridículo la mayor parte de la música convencional.
Twin infinitives contiene cuatro pistas, de las cuales tres, a su vez estan subdivididas.
La primera pista contiene cinco piezas. Solid gold teeth es un ejemplo de punk demencial, con videojuego de fondo, cantado por un borracho. Ice cream es la canción de amor más absurda y deforme que pueda imaginarse, con un punteo de guitarra espantoso y divertidísimo. Jet Pet suenan como los Led Zeppelin al borde del coma etílico y tocando desde el interior de una tinaja. Rtx-usa es hard rock que parece tocado por niños aporreando instrumentos, y Kool down wheels es una balada desafinada.
La segunda pista contiene tres piezas. Chances are the comet in the future es una peculiar visión del rock espacial y del apocalipsis "cantada" a dos voces. Yin Jim versus the comet, su continuación, es una versión surrealista del estilo de los Velvet Underground. Osiris es oscura y misteriosa, pero no por ello menos hilarante
La tercera pista solo contiene (Edge of the)Ape Dove. Es la más ambiciosa y elaborada del disco. Empieza con una mezcla de percusión africana, atonalidad, sonidos industriales y voz robótica. Después aparece una guitarra "metal" acompañada sucesivamente por una recitación casi infantil, un raga hindú, y un grito del inframundo, para desembocar en un ahogado rock duro.
La cuarta pista se divide en cinco piezas. Florida avenue theme es puro ruido que imita el tráfico de la ciudad. Lick my boots es una versión dadaísta del country. Funky son es una composición arrítmica y amorfa, montada sobre una caja de ritmos supuestamente bailable y con cantos fantasmales. Ratcreeps es una melancólica canción con guitarra chillona y ritmos que aturden. NY avenue bridge es uno de los mejores ejemplos del inmenso talento del grupo; una contundente pieza de piano y voz que es una especie de reverso tenebroso de la música de Broadway.
Evidentemente, es una música díficil y en la que cuesta entrar, pero si lo hacéis veréis que merece la pena...sólo requiere una mente y un oído abiertos. Se trata del trabajo de unos locos, pero unos locos geniales... Además os debéis ir preparando para Captain Beefheart.
6 - UFO (Guru Guru)
Desde la gran Alemania en la gran cúlmine del Krautrock y el sonido experimental de un destazador Heavy Trio, nos enlazan bandas de calidad y alta resonancia, una de ellas tal como la psicodelia que oprime a las bandas más infravaloradas como Amon Dull ll,My Solid Ground, Galaxy a ser únicas a su sonido, otras con un fiel sentido progresivo, no hay menor duda, en que este álbum caracterizó el gran sonido experimental con un poder muy diferente a cualquier banda de los 70's.
Éste, es el por que existen bandas contemporáneas, catalogadas como el renacimiento del "Krautrokin'" combinado con ese manifiesto de Stoner Rock y Psicodelia que nos enlazan a la expansión de bandas interesantes como Colour Haze,My Sleeping Karma y hasta bandas más acercadas a su sonido experimental con increíbles jams de distorsión como Seven That Spells que es lo más cercano que puede estar a Guru Guru.
En la linea clásica conocida como "the guru guru groove" el poder dominó en la guitarra a Jim Kennedy, un aficionado a los efectos y la adrenalina pura a la distorsión, aún me pregunto si los efectos que el usaba pudiesen ser los frippertronics o que aparato producía la alta tecnología(se puede ver en el jam de Electric Junk)?¿, en la colosal batería el reconocido Mani Neumeier( uno de los grandes del jazz) y en el punsante bajo Uli Trepte, él partició con Neu!, la linea clásica y verdadera se hace constante en los 3 primeros álbums(Ufo,Hinten,Kanguru) en el 4 álbum empieza otra clase de krautrock que en un camino personal no es de mi agrado.
Antes de comenzar su grotesca travesía la linea practicó desde 1967 con Ax Genrich reemplazado así a principios de los 70's por Kennedy y así fue como la banda comenzó su viaje espacial.....
El sonido es altamente raro y alucinante, efectos de Blue Cheer, Cream, Hendrix, Sabbath, Pink Floyd en un poder y hasta encaja perfectamente los jams de Strange(la banda recomendada unos días) altamente elogiable
5 - The Velvet Underground & Nico (The Velvet Underground)
The Velvet Underground and Nico es el primer álbum de estudio de la banda estadounidense The Velvet Underground lanzado en 1967, éste cuenta con la colaboración en las voces de la cantante alemana Nico. Su grabación se efectuó en Nueva York y Hollywood entre abril y mayo de 1966 bajo la dirección del líder del movimiento pop art, el estadounidense Andy Warhol, aunque no se acreditó a Norman Dolph y John Licata, responsables de las sesiones en Nueva York,2 y a Tom Wilson, que en palabras del propio bajista de la banda John Cale fue el productor de casi todas las canciones.3 Pese a que se grabó en 1966, no salió a la venta hasta el 12 de marzo de 1967 por distintos problemas primero por la censura y posteriormente de realización por la inusual portada, pese a esto lo editó el sello discográfico de jazz Verve Records, propiedad de la Metro-Goldwyn-Mayer.
La temática del disco se centraba en tópicos como el uso y abuso de drogas, la prostitución, el sadismo y masoquismo, y las desviaciones sexuales, éste trasfondo oscuro fue considerado revolucionario en su tiempo.4 La música fue obra principalmente casi exclusiva del bajista John Cale, influenciado es su trabajo con La Monte Young, John Cage y los inicios del movimiento Fluxus. La portada de la producción estuvo diseñada por el propio Warhol, se trata de la imagen de un plátano pop con una invitación a que se lo pele ("Peel slowly and see". En diferentes ediciones del álbum, incluida la primera, el plátano es una calcomanía que tapa una imagen fálica ("plátano" rosado sin cáscara). La contraportada de la primera edición contenía una proyección del show Exploding Plastic Inevitable.
4 - Hot Rats (Frank Zappa)
Hot Rats es el séptimo disco de Frank Zappa (octavo si se cuenta la recopilación oficial de 1969 titulada Mothermania). Es considerado como uno de los mejores álbumes del género del rock, en todas sus expresiones, por su magnífico ensamble musical y su experimentación con el jazz o hasta con el rock progresivo.
3 - Faust (Faust)
La música de Faust esta marcadmente encajada en la vanguardia, incluso quizá mas que en el rock. un aire de Expresionismo, Dadaismo y de Musique Concrete son la base de sus composiciones; Llenas de elementos teatrales y de cantos guerreros, letras mayormente sin sentido, bastante surrealistas.
El primer corte, Why Don't You Eat Carrots, es una de las máximas obras maestras del Rock, un collage sonico al estilo de Frank Zappa que dasafia cualquier pieza concebida antes de ella (incluso por el mismo Zappa). Empieza con una "ráfaga radioactiva" (como lo describe Piero Scaruffi), una distorsión de ruido blanco que nos conduce al sampleo de dos canciones harto conocidas como lo son Satisfaction de The Rolling Stones y All You Need Is Love de The Beatles que están subordinadas ante este "muro" que actúa como pared sonica y aparentemente sin dejar libre a nada. podría interpretarse como una lucha, entre dos géneros de música bastante distanciados, el pop y la vanguardia, uno termina siendo absorbido por la inconsistencia, disociación, densidad del otro, como un hombre tragado por un monstruo. luego una frase musical pianistica improvisada, nos conduce al primer cuerpo de la canción: un frase (de música de cabaret) que se repite constantemente, con un cierto aire a "absurdo", domina toda la sección hasta que se produce el primer quiebre; aquí es notoria la influencia del compositor, también alemán, Karlheinz Stockhausen y su manipulación electrónica, en especial la de la obra maestra "Gesang Der Junglinge" de la que se puede oír muchas similitudes con esta sección. Luego, retorna la frase con una improvisación de fondo, que nos hace creer aún más en la teoría del absurdo, la patético pared sonora le otorga un carácter de "marcha sin sentido" al solo de saxofón que la acompaña. hasta que todo estalla en un riff de guitarra que solo anuncia a las voces de estos genios "recitando" mensajes sin sentido (tal vez a la inconsistencia de la vida) mientras los acompaña el arrollador riff. luego hacemos un parentesis para insertar otro pedazo del collage, una sección recitada de alguna obra teatral, con diálogos en alemán. finalmente termina en el riff inicial, que se desvanece en una nube de ruido como al inicio.
La segunda es Meadow Meal, con un inicio tenebroso, rico en elementos de musiqué concrete y sampleos, partes disociadas que inducen a pensar en el desorden y en el caos, una atmósfera nocturna rodea estos primeros minutos. Hasta que un arpegio (introduciéndonos en un nuevo universo de densidad sonora) que aparece de la nada nos lleva al recital, una sarta de palabras igualmente carentes de sentido (Dadaismo), de pronto pasamos a un monstruoso y demente riff de guitarra. Finalmente todo termina en una tormenta y un sonido celestial que actúa como contrapunto, como de ángeles descendiendo en el caos de la noche, como tratando de combinar lo incombinable.
Sin embargo estas dos solo estaban preludiando a la verdadera obra maestra, probablemente la pieza más completa, densa, terrorífica y épica de las tres, la monstruosamente bella Miss Fourtune. Esta sinfonía del caos y el absurdo nace como una composición psicodelica, un collage sónico de piezas y piezas superpuestas que nos induce (aparte de un hipnótico trance) a pensar en el tema recurrente del disco: lo disociado, la incoherencia, lo inconexo y más principalmente el absurdo. Conduciada por un ritmo Motorik (como era usual en el Krautrock y siempre en crescendo, parece una danza homenaje a la inconsistencia, al caos y al absurdo . Después de la hipnosis, una pieza de música vanguardista hace su aparición. Es algo notorio en la música de Faust el uso del "Silencio Tetrico", es decir en los momentos de supuesta calma siempre puede escucharse un débil sonido de fondo aterrador, misterioso del que nunca se pùede escapar, uno queda atrapado en la música, a pesar de su no-presencia. así empieza esa sección, hasta que una voz pronuncia las primeras frases irreconocibles, un lamento acompañado por una marcha fúnebre que no pierde el sin-sentido, la tenebrosidad y lo malefico, que ya es característico. Después de este estado de inconsciencia, empieza a surgir una voz distorsionada aún más tetrica, casi demoniaca, viniendo desde el fondo de lo más oscuro del ser, una carcajada moribunda; acompañada por un sonido electrónico que oscila frecuentemente que nos van llevando, presagiando a la conclusión de algo, de la existencia. he aquí donde todo termina, todo se corta y se queda en silencio, pero es solo un silencio de tensión, del cual sabemos que vendrá la conclusión; al final, con estas palabras resumen la existencia: Are We Supossed To Be Or Not To Be (se supone que debemos ser o no ser). todo un fragmento le sigue, tratando de explicar el sentido de las cosas en su conjunto. con estas palabras termina esta canción que es como un ensayo del sentido y del movimiento mas primigenio de la vida.
Lamentablemente y pese a haber compuesto una de las mayores obras del pensamiento humano, Faust no tuvo casi ningún éxito de ventas. pero fue aclamado por la crítica musical del momento
2 - Tago Mago (Can)
Tago Mago es el tercer álbum de estudio de Can (banda alemana del movimiento Kraut Rock), editado en 1971. Originalmente era un álbum doble, pero está disponible en un solo CD. Es frecuentemente considerado su álbum más importante, ya que es su álbum más experimental y arriesgado y el más influyente. Tago Mago incluye tracks como "Aumgn", un collage de sonidos de más de 17 minutos (que ocupa toda una cara del vinilo); y "Peking O", otra pieza de avantgarde donde el vocalista Damo Suzuki (es el segundo álbum que lo tiene con vocalista, y el primero que lo tiene como el único) es gran protagonista. También se destaca "Halleluwah", un jam de 18 minutos (que también ocupaba toda un lado) con influencia de funk, basado en la repetitiva y compleja percusión de Jaki Liebezeit. "Tago Mago" se ha convertido en uno de los álbumes experimentales más reconocidos y ha recibido muy buenas críticas.
1 - Trout Mask Replica (Captain Beefheart And His Magic Band)
Si algo aprendí gracias a la semántica es que toda palabra tiene un significado aceptado y otro que varía según la persona, y la palabra música no se salva de esta dicotomía. Para algunos (como wikipedia) música es "el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos"... ¡uf! Para otros la música es una manera de expresar ideas o sentimientos mediante una serie de ritmos sean coherentes y cohesivos o no... o algo así. En cualquier caso la definición es personal y cada cual tendra la suya. La mía es cercana a la segunda. Unos escuchan ruido cuando yo escucho una sinfonía de herramientas, goteras y tic-tacs del reloj que facilmente pueden ser usadas como base para una canción. Hay personas que, usando esta idea, componen música o simplemente toman el instrumento que tengan a mano, le arrancan unas cuantas notas disonantes y editan el trabajo para formar un disco entero. Esa es la base de los trabajos experimentales, usar nuevas formas de creación y jugar con lo ya existente, pero a algunas personas no les gusta esto y tratan de "aburridas" o "estúpidas" las obras de compositores como Edgar Varèse o incluso del mismísimo Frank Zappa.
El artista de hoy tiene mucha relación con Zappa, de hecho este trabajo incluye un pequeño aporte de su parte, pero antes de mostrarlo vamos a un poco de historia. A fines de los 60's parecía que el rock seguiría la misma senda que había llevado desde que el movimiento psicodélico salió de San Francisco. En un rincón de EEUU que no recuerdo un grupo de jóvenes tocaba un blues más alejado del que se acostumbraba entonces, algo más "raro", experimental diríamos ahora, avant-garde quizás (considerando la época y el ya mencionado atascamiento del rock), y nunca se rindió ante la crítica destructiva. Sacaron dos discos con una disquera de nombre irrelevante que a la larga se dedicó a producir discos para bandas de Bubblegum Pop (la música más patética e imbécil en la que un ser humano pueda invertir dinero, esfuerzo y producción), motivo que obligó a la banda a trabajar sola, ya que nadie aceptaba sus ideas; excepto una persona: Frank. Don Van Vliet, conocido también como Captain Beefheart, había sido compañero de clases de Zappa así que no le fue difícil iniciar un "trabajito" con él; además Zappa le otorgaba completa libertad creativa a Beefheart, así que mejor elección no podía haber. Pero las ideas del Capitán eran un poco fuera de lo normal, para decirlo eufemísticamente. Él quería que la banda viviera en una especie de comunidad para realizar un trabajo más cercano, pero no la comunidad hippie que podrían encontrar en cualquier desierto en la época, sino que algo más cercano a la comuna de Charles Manson, con una suerte de culto a Van Vliet. Al fin y al cabo él era la mente detrás de todo, así que acepto su actitud. Apenas comían y vivian en constantes discusiones sobre como interpretar de mejor manera lo que Beefheart tenía en su cabeza... y vaya que eso era difícil, o diganme que es fácil copiar con un lápiz un cuadro de Dalí manteniendo su característico estilo fotográfico.
Bien, el trabajo estaba hecho, lo sacaron, todo muy lindo, carátula surrealista, letras... surrealistas, música... ¿música? La primera reacción de una persona al oir alguna canción del disco es "¿quién le pasó una guitarra a éste tipo?", o si gastó dinero en adquirirlo "¿Por qué mierda no la invertí en la bolsa?" Por eso empecé por una definición semántica de música. A mí me costó dos vueltas captar el disco y aceptarlo como es, feito pero con belleza interna. Para mí la música no tiene que ser de extrema complejidad o belleza obligatoriamente, ya que también entra muy en juego el sentimiento y hasta el estado mental del músico. Por eso me gusta, porque el tipo tenía ideas "locas" para la época y las hizo realidad, sin miedo a la opinión crítica.
Claro está, no es un disco lleno de temas buenos, de canciones que se nos queden grabadas en la mente y todo eso, de hecho solo tengo 4 o 5 temas favoritos, pero no desprecio los otros trabajos. Dentro de estas canciones favoritas están Pena y Ella Guru, canciones llenas de cambios de ritmo repentinos y notas que parecieran estar desafinadas, pero no lo están, porque asi fueron hechas y así deben ser. Es la personalidad del artista experimental, es la manifestación de una mente genial, más que loca; de alguien atrevido que merece 4 minutos o menos de descarga, así vamos, ¡descargue descargue!
Estos son discos infaltables en cada colección musical, recomiendo adquirir el vinilo, el cassette, la edición japonesa, etc ya que el peso intelectual de estos albumes es invaluable