Saludos T! hoy les vengo a presentar las 39 composiciones mas importantes desde 1950 hasta 1990
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Evolución de la música
1 - Canto llano
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El término canto llano designa a la música vocal tradicional de las liturgias cristianas, el cual es oficial del rito romano. Este es por esencia monódico, es decir, consta de una única línea melódica, y generalmente se canta a capella. Se articula mediante un ritmo libre, el cual es esencial según todo tratado antiguo que versa a este respecto. Habitualmente era interpretado en un contexto monástico, donde era enseñado por cantores especializados formados en la Schola Cantorum instituida, según dice la tradición, por San Gregorio, con la constitución de las catedrales y el establecimiento de la profesión de maestro de capilla. En este último va a recaer la enseñanza del canto llano y de este modo va a formularse cómo parte integral de la liturgia católica romana común en lugares tan lejanos como las misiones jesuítas en el paraguay.
El canto es una de las expresiones primordiales de la liturgia, a la cual podemos referir como un tributo colectivo (Asamblea), público y oficial de alabanza ofrecido a Dios por una iglesia, y en el rito romano este canto es el llamado "Gregoriano"; en el subyacen sus raíces en la práctica de las sinagogas judías y en la música pagana en los primeros centros de la iglesia (Jerusalén, Antioquía, Alejandría y Constantinopla), aunque fuera de los aportes de Jerusalén y Bizancio, no podemos dar por seguros. En el siglo IV había varias familias distintas de ritos orientales y occidentales (latinos), cada uno con su propia liturgia y música. Durante varios siglos existieron coetáneamente estilos diversos de canto llano, debemos comprender también que un aspecto importante de la liturgia para que funcione como tal es la existencia de una jerarquía, en la misma raíz de la palabra iglesia vemos esta importancia (ecclesia, sinagoga, sinaxis), en esta jerarquia es que aparece por ejemplo, un presidente de la Asamblea, ministros e incluso cantores especializados (eventualmente serán la Schola); que va a decantar en el último eslabón que es el asistente, quien posee un rol tanto pasivo como activo en la acción liturgica.1
El canto gregoriano es uno de los repertorios de canto llano y recibe su nombre del papa Gregorio I (590-604), llamado "el Grande", aunque la atribución es dada por una tradición de alrededor de doce siglos, es en el siglo XI que Guillermo de Hirschau llamó gregoriano al canto llano.2 La tradicional relación entre san Gregorio Magno y el desarrollo de esta forma de canto litúrgico parece deberse a una confusión entre la identidad de cierto "Gregorio", probablemente el papa Gregorio II, con su famoso predecesor, pero lo que es cierto es que desde el punto de vista cronológico, el gregoriano aparece como una creación de carácter más o menos local, y por sobre todo, como la plasmación de las transmisiones orales, que demuestran más de seis siglos de penetración Oriental en ellas, las cuales van a continuar de forma paralela enriqueciendo y modelando el canto llano.
2 - Polifonía
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La polifonía (del griego p????
= "muchas" y f???? [phonos] = "sonidos, melodías" en música es un tipo de textura musical en la que suenan simultáneamente múltiples voces melódicas que son en gran medida independientes o imitativas entre sí, de importancia similar y ritmos diversos. Por lo tanto, se diferencia de la música a una sola voz (monofonía) así como de la música con una voz dominante melódica acompañada por acordes (homofonía, melodía acompañada).
Las texturas polifónicas pueden contener varias melodías primarias o básicas. Si las voces se imitan unas a otras (esto es, cantan o tocan melodías similares pero con cierto retraso unas respecto de otras) se trata de polifonía imitativa. Un caso estricto de polifonía imitativa es el canon.1
El carácter polifónico de una obra tendrá como pilar no solamente la parte compositiva, es decir, la idea de independencia melódica que el compositor haya ideado, sino también la posibilidad de discriminación auditiva por parte del oyente. Distintas personas podrán escuchar con mayor o menor claridad las melodías independientes dentro de una obra polifónica.
Desde la perspectiva de la Etnomusicología, la polifonía tradicional (no académica) tiene una amplia, aunque desigual distribución entre los pueblos del mundo. Las regiones con alta presencia polifónica del mundo son el África subsahariana, Europa y Oceanía. Se cree que los orígenes de la polifonía en la música tradicional son muy anteriores a la aparición de la polifonía en la música académica en Europa. En la actualidad hay dos enfoques contradictorios al problema de los orígenes de la polifonía vocal: el modelo cultural y modelo evolutivo2
Conforme al modelo cultural, los orígenes de la polifonía están conectados con el desarrollo de la cultura musical humana. La polifonía surgió igual que el desarrollo natural del canto primordial monofónico. Por lo tanto, las tradiciones polifónicas están obligadas a sustituir poco a poco las tradiciones monofónicas.3
De acuerdo al modelo evolutivo, el origen de los cantos polifónicos es mucho más profundo y está conectado con las primeras etapas de la evolución humana, la polifonía era una parte importante de un sistema de defensa de los homínidos; y las tradiciones de polifonía están desapareciendo progresivamente en todo el mundo.4
3 - Polifonia armonica (Bach)
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Johann Sebastian Bach (IPA /jo'han/ o /'jo?han ze'bastjan 'bax/ en alemán) (Eisenach, Turingia, 21 de marzojul./ 31 de marzo de 1685greg., – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un compositor, organista, clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán de música del Barroco, el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado.1 Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto,2 donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Arnold Schönberg, hasta nuestros días.1
Sus obras más importantes están entre las más destacadas de la música clásica europea y de la música universal. Entre ellas se encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según san Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites para orquesta.3
4 - Armonía (Wagner)
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En la música occidental, la armonía es la subdisciplina que estudia el encadenamiento de diversas notas superpuestas; es decir: la organización de los acordes. Se llama «acorde» a la combinación de tres o más notas diferentes que suenan simultáneamente (o que son percibidas como simultáneas, aunque sean sucesivas, como en un arpegio). Cuando la combinación es solo de dos notas, se llama «bicordio».
5 - Webern
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Anton von Webern fue un compositor austríaco.
Nació el 3 de diciembre de 1883 en Viena (Austria) y falleció el 15 de septiembre de 1945.
Fue miembro de la llamada Segunda Escuela de Viena. Como estudiante y brillante seguidor de Arnold Schoenberg, es uno de los más conocidos exponentes del dodecafonismo; además, sus innovaciones referentes a la organización sistemática de altura, ritmo y dinámica fueron decisivas para el estilo musical conocido más tarde como serialismo.
6 - Neosearialistas
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El serialismo es una técnica de composición musical surgida en el siglo XX. Tiene sus orígenes en el dodecafonismo de Arnold Schönberg, aunque abarca posibilidades creativas más amplias.1 La distinción fundamental entre el serialismo y el dodecafonismo estriba en que el principio serial se puede aplicar a varios parámetros musicales (ritmo, dinámica, timbre, etc.), y no sólo a la altura de las notas, como sugería la propuesta dodecafónica original.2
El serialismo puede caracterizarse según la cantidad de parámetros musicales a los que el compositor aplique el principio serial. El serialismo básico es el dodecafonismo, que comprende sólo el parámetro de la altura de las doce notas de la escala cromática (el dodecafonismo también se denomina “técnica de las doce notas” en la literatura anglosajona). Los desarrollos posteriores, sobre todo a partir de la Segunda Guerra Mundial, buscaron el camino hacia un “serialismo integral”, en donde el principio serial rigiera los demás parámetros musicales aparte de la altura. En algunas obras se aplica el principio serial también al ritmo de las notas; es decir, además de tocar las notas de la escala cromática en cierto orden, añaden a cada una de las doce una duración distinta. Otras obras incluyen el parámetro de la dinámica y, en ciertos casos, el de timbre. Es decir, a cada una de las doce notas con una duración distinta se añade una intensidad sonora distinta (pianísimo, forte, mezzoforte, etc.) y un tipo de sonido distinto (la primera nota sería tocada por un violín, la segunda por un piano, la tercera por un oboe, etc., aunque algunos compositores prescinden de este último parámetro, para que la pieza pueda ser interpretada por un solo instrumento)
7 - Stravinsky
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Ígor Fiódorovich Stravinski (en ruso: ????? ????????? ???????????) (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.
Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.
Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma».1 Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky2 (Conversaciones con Stravinski).
Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.
Top 39 composiciones mas significativas (1950 - 1990)
39 - Mask Of Time (Michael Tippett) (Sinfónica)
Su música se divide habitualmente en cuatro periodos:
El primero, que comprende los años desde 1935 hasta 1947, incluye sus tres primeros cuartetos, el concierto para dos orquestas de cuerda, el [oratorio (música)|[oratorio]] A Child of our time así como su primera sinfonía. Esta última se caracteriza por su energía contrapuntística así como por un profundo lirismo en los movimientos lentos.
El segundo periodo se extiende hasta el final de la década de los cincuenta. Forman parte de él la ópera The Midsummer Marriage (1955), la Corelli Fantasia, el concierto para piano y su segunda sinfonía, caracterizada por una textura orquestal muy rica, con una deslumbrante escritura melódica.
El tercero finaliza a finales de los años setenta y marca un contraste muy definido con las precedentes: son sus señas de identidad la simplicidad de la textura y las frases abruptas, como en la ópera King Priam, el concierto para orquesta y la segunda sonata para piano.
Finalmente, el cuarto y último periodo es –de hecho- una combinación de los anteriores, utilizando diferentes procedimientos, como la cita (de Ludwig van Beethoven o de Modest Músorgski). Las obras más importantes de este periodo son su tercera sinfonía, las óperas The Ice Break y New Year y The Mask of Time, composición coral de gran calado.
38 - Dreamtime Return (Steve Roach) (Electrónica)
Steve Roach, uno de los corredores de fondo de la música instrumental contemporánea es autor de este álbum que es recordado como un hito en los círculos de la música ambient y electrónica de vanguardia. Roach, californiano especializado en música de estos géneros (no siempre tan accesible como en el caso de este álbum), es un difusor del uso del didgeridoo, instrumento tradicional que llegaría a manejar con fluidez tras viajar varias veces a Australia, una vez mientras grababa este álbum, y por lo menos otra más, nada más publicarse. Deamtime Return, al parecer, nació como producto del contacto del autor con el mundo de los aborígenes australianos. El propio concepto del "dreamtime" se refiere al modo en que los aborígenes de Australia conciben la creación del mundo por parte de sus deidades ancestrales. Parece que el músico se unió al fotógrafo David Stahl, que había descubierto recientemente uno de los álbumes de Roach, para viajar efectivamente a la propia isla de Oceanía, donde el disco adquirió su forma definitiva (aunque parece que Roach ya había estado trabajando en él antes del viaje).
Hay quien califica a Steve Roach como un músico de electrónica tribal, y al menos Dreamtime Return se ajusta al calificativo, dada la incursión de cánticos e instrumentación auténticos en algunos de sus temas.
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37 - Orient Occident (Iannis Xenakis) (Sinfónica)
Iannis Xenakis (G?????? ?e?????, también transliterado en francés como Yannis Xénakis) fue un compositor y arquitecto de ascendencia griega nacido el 29 de mayo de 1922 en Braila, Rumania; se nacionalizó francés y pasó gran parte de su vida en París, donde murió el 4 de febrero de 2001. Es aclamado como uno de los compositores más importantes de la música contemporánea.
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36 - La Koro-Sutro (Lou Harrison) (Sinfónica)
Lou Silver Harrison (14 de mayo de 1917 – 2 de febrero de 2003) fue un compositor estadounidense. Fue estudiante de Henry Cowell, Arnold Schoenberg, y K. R. T. Wasitodiningrat (Pak Cokro).
Harrison es particularmente notable por incorporar elementos de world music en su obra, con varias obras que hacen uso de instrumentos del tradicional gamelan de Indonesia y muchas más versiones que hacen uso de tin cans y otros materiales. La mayoría de sus obras están escritas en entonación justa en lugar del más extendido temperamento igual. Harrison, como otros compositores como Ligeti o Scelsi se interesó mucho en los microtonos.
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35 - Vesalii Icones (Maxwell Davies) (Sinfónico)
Davies es un prolífico compositor que ha escrito música en una variedad de estilos e idiomas a lo largo de su carrera, a menudo una combinación de estilos dispares en una sola pieza. Sus primeros trabajos incluyen la Trumpet Sonata (1955), escrita mientras estaba en la universidad, y su primera obra para orquesta, Prolation (1958), escrita bajo la tutela de Petrassi. Las primeras obras suelen usar técnicas seriales (por ejemplo, la Sinfonía para orquesta de cámara, 1962), a veces combinadas con métodos de composición medievales y renacentistas. Fragmentos de canto llano (un género medieval vocal, a capella, monódico y modal, con un rítmica verbal) se utilizan a menudo como fuente básica de material para ser adaptado y desarrollado de diversas formas.
Piezas de finales de 1960 comienzan a ocuparse de estas técnicas y tienden hacia el expresionismo y un carácter violento —como Revelation and Fall (basada en un poema de Georg Trakl), la mencionada Eight Songs for a Mad King, Vesalii Icones y la ópera Taverner—. Taverner demuestra una vez más su interés en la música del Renacimiento, tomando como tema al compositor John Taverner, y consta de partes que se asemejan a las formas renacentistas. La pieza orquestal St Thomas Wake (1969) también muestra este interés, y sobre todo es un ejemplo evidente del poliestilismo de Davies, combinando, como hace, un conjunto de foxtrot (tocado al estilo de los años veinte por una banda de baile), una pavana de John Bull y música del propio Davies (la obra es descrita por Davies como "Foxtrot for orchestra on a pavan by John Bull" («Foxtrot para orquesta sobre una pavana de John Bull»). Muchas obras de este período fueron interpretadas por el «Pierrot Players», el grupo que Davies fundó con Birtwistle en 1967 (en 1970 se transformaron en «The Fires of London» («Incendios de Londres») y se disolvieron en 1987).
34 - Les Stances A Sophie (Art Ensemble Of Chicago) (Jazz)
El grupo surge en el seno de la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos, a finales de los años 1960. Se formó inicialmente por el saxofonista Roscoe Mitchell (n. 1940) para un concierto ofrecido en Chicago, en diciembre de 1966, bajo el nombre de Roscoe Mitchell's Art Ensemble. Sería en 1969, y en París, al registrarse la primera grabación de la banda, cuando adoptaron el nombre de "Chicago Art Ensemble". Este grupo de músicos innovadores estaba formado originalmente por Mitchell, el trompetista Lester Bowie, el contrabajista Malachi Favors y el batería Philip Wilson. El saxofonista Joseph Jarman se unió al grupo en 1967, y ocasionales participantes en 1967-1968 fueron los baterías Thurman Baker y Robert Crowder, y el bajista Charles Clark. En 1970, se incoporó Don Moye, ya como batería estable.
El grupo consiguió una sólida reputación dentro del mundo del free jazz y colaboró ocasionalmente con otros músicos, como la francesa Brigitte Fontaine, la cantante Fontella Bass, o los pianistas Muhal Richard Abrams y Cecil Taylor. La formación del grupo cambió en los años 1990, cuando Jarman se retiró de la banda para centrar su actividad en el zen y el aikido (1993), y Bowie murió de cáncer (1999), continuando el grupo como trío (añadiendo diversos músicos complementarios en sus actuaciones), hasta 2003, año en que Jarman regresa al grupo. En enero de 2004 Favors muere súbitamente durante la grabación de Sirius Calling, por lo que el grupo se reorganiza con el trompetista Corey Wilkes y el bajista Jaribu Shahid, quienes intervienen en la grabación del álbum Non-Cognitive Aspects of the City (2006) para Pi Recordings.
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33 - Escalator Over The Hill (Carla Bley)
Carla Bley es una de las mejores compositoras de jazz de los últimos 40 años, además de pianista, organista y vocalista ocasional. Nacida en Oakland, California, en 1938, y bautizada como Carla Borg, se cria en un ambiente musical y religioso y desde muy pequeña participa tocando el piano y cantando en el coro en muchas ceremonias. A mediados de los´50, interesada en el jazz, se traslada a Nueva York, donde sobrevive tocando el piano en clubs y vendiendo cigarrillos, hasta que conoce al que sería su marido, el conocido pianista canadiense Paul Bley. Este le anima a empezar a componer música para su banda, y juntos comienzan una profunda relación tanto musical como personal. En 1964, Carla, el que sería su segundo marido poco después, el trompetista Michael Mantler y otros músicos forman la Jazz Composers' Guild Orchestra que después pasaría a ser la Jazz Composers' Orchestra Association (JCOA). Con estas formaciones, de naturaleza inquieta e innovadora, Carla madura como compositora, destacando los temas de “A Genuine Tong Funeral”, que sería adoptado por el vibrafonista Gary Burton y publicado en 1967, con la colaboración de varios miembros de la Jazz Composer’s Orchestra, o las piezas que compuso para el primer álbum de la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, publicado en 1969.
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32 - Drumming (Steve Reich) (Sinfónica)
Stephen Michael Reich (Nueva York, 3 de octubre de 1936), es un compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.
Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición musical, que incluyen el uso de loops en cinta —tal como en sus primeras obras It's Gonna Rain y Come Out—, efectos de fase repetidos —Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase— y nuevos conceptos musicales —en Pendulum Music, la retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el alargamiento—. Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la música contemporánea americana, aunque luego Reich ha ido abandonando la experimentación tecnológica para seguir explorando nuevas formas de expresión musical con el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales.
Numerosos críticos angloamericanos y británicos le conceden una gran relevancia, no tan compartida fuera del mundo anglosajón. Así The Guardian ha descrito a Reich como uno de los pocos compositores que «alteró la dirección de la historia de la música»; The New York Times lo sitúa «...entre los más grandes compositores del siglo»; The New Yorker, habla de él como «...el más original pensador musical de nuestro tiempo»; y, The Village VOICE, sencillamente dice que es «...el más grande compositor norteamericano vivo».1
En el año 2006 Steve Reich ha sido distinguido con el prestigiosos Praemium Imperiale y en el año 2007 con el Polar Music Prize.
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31 - Byzantine Concerto (Ljubica Maric) (Sinfónica)
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30 - Mu (Don Cherry) (Jazz)
Tocó de joven en grupos de blues y rhythm and blues en su ciudad natal y posteriormente se trasladó a Los Ángeles. A través de Billy Higgins, Cherry conoció a Ornette Coleman en 1957, y bajo las órdenes de Paul Bley formaron un quinteto junto con Charlie Haden. Tras la marcha de Bley, gracias al contrato de Coleman con Atlantic Records grabaron entre 1959 y 1961 varios discos como grupo independiente.
Cherry fue muy criticado (por Miles Davis, entre otros) por sus improvisaciones fracturadas y puntillistas, sin embargo, terminaría por ejercer gran influencia entre los músicos jóvenes de los años sesenta.
El grupo se disolvió en 1962 y Cherry se unió al Sonny Rollins Quartet, con el que estuvo dos años. En 1963, codirigió con Archie Shepp el New York Contemporary Five; después, en Europa, dirigió su propia banda, en la que trabajó Gato Barbieri, recién llegado de Argentina.
En la década de los 1970, Cherry fue a México y tocó con la banda de jazz Detrás del Cosmos por alrededor de un año por toda la república.
En sus últimos años, Cherry se inclinó al estudio de las llamadas músicas del mundo y la etnomusicología en general, uniéndose musicalmente a Collin Walcott y Naná Vasconcelos con quienes formó la agrupación Codona. Tiempo más tarde se juntaría con Milton Nascimento. También probó suerte en el rock y el funk, y formó parte del grupo New and Old Dreams, cuarteto compuesto con antiguos integrantes de la banda de Coleman, entre los que estaba el saxofón Dewey Redman.
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29 - Symphony 8 (Eduard Tubin) (Sinfónica)
La música folclórica estonia tuvo una fuerte influencia en los primeros trabajos musicales de Tubin; a este periodo pertenece su Sinfonietta sobre motivos estonios de 1930-1931. En 1938 visitó la isla de Hiiumaa a fin de recopilar aires folclóricos locales. Tubin fue también un notable orquestador, lo que puede comprobarse particularmente en sus Tercera y Cuarta Sinfonías.
Hacia el tiempo en que compuso su Sexta Sinfonía se produjo un cambio estilístico en su obra y su música se convirtió en más áspera, armónicamente hablando. El finale de su Séptima Sinfonía utiliza un tema dodecafónico, si bien es tonal. Este cambio de una estética eminentemente nacionalista a otro estilo más internacional, se relaciona a menudo con el exilio del compositor cuando Estonia fue ocupada por la Unión Soviética.
Tubin no es, probablemente, más conocido debido a su desarraigo. Aunque Estonia lo considera hoy como uno de sus compositores más importantes, la mayor parte de su obra tuvo que componerla en Suecia, donde nunca se le prestó la atención que merecía.
La obra de Tubin ha ganado reconocimiento en los últimos años, y sus Cuarta y Octava Sinfonías, así como su segunda sonata para piano, son unánimemente reconocidas como obras maestras. La mayor parte de su obra ha sido grabada (existen dos colecciones completas de la integral de sus sinfonías, bajo la dirección de Neeme Järvi y Arvo Volmer), y en el mes de junio de 2005 la ciudad de Tallinn celebró el centenario de su nacimiento con un festival musical en el que fueron interpretadas todas sus sinfonías así como buena parte de su obra para piano y su música de cámara.
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28 - Revelation (Harry Partch) (Sinfónico)
Harry Partch (Oakland (California), 24 de junio de 1901 - San Diego (California), 3 de septiembre de 1974) fue un compositor e inventor de instrumentos estadounidense. Fue uno de los primeros compositores del siglo XX en utilizar sistemáticamente la escala microtonal. Muchas de sus obras están escritas para instrumentos que él mismo construía.
27 - Kind Of Blue (Miles Davis)
A finales de 1958 Miles Davis conjuntó a uno de las mejores y más prolíficas bandas en el hard bop, su formación estaba integrada por Cannonball Adderley en el saxofón alto, John Coltrane en el saxofón tenor, Wynton Kelly y Bill Evans en los pianos, Paul Chambers (que venía trabajando con Miles desde hacía tiempo) en el contrabajo y Jimmy Cobb en la batería. Su banda tocaba una mezcla de los estándares pop y bebop propios de otros jazzistas reconocidos como Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron; al igual que todas la composiciones jazz basadas en el bebop, los grupos de Davis improvisaban en los cambios de acordes.13
En 1953, el pianista George Russell publicó su tratado Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (Concepto Lidio Cromático de Organización Tonal), que presentó una alternativa en la práctica de la improvisación. En ésta Russell abandonaba las relaciones entre las escalas mayores y menores tradicionales en la música occidental, y desarrollo una nueva formulación usando una escala o unas series de escalas para la improvisación, que con el tiempo llegaron a conocerse en el jazz como "escalas modales" y que dio surgimiento a futuro del jazz modal.14
Influenciado por las ideas de Russell, Davis decidió implementar sus primeras composiciones modales, una fue "Milestones", incluida en el álbum del mismo nombre editado en 1958, y las siguientes llegaron en las sesiones de su producción 1958 Miles, en las que estuvo acompañado del pianista Bill Evans. Davis quedó satisfecho con los resultados obtenidos y preparó un álbum completo basado en la modalidad.3 Evans, que era discípulo de Russell y que recientemente había abandonado al sexteto de Davis para impulsar su carrera como solista, regresó a un banquillo ocupado por el jamaicano Wynton Kelly para las grabaciones del que sería más adelante Kind of Blue.15 Miles Davis declaró: "Wynton llegó justo antes de entrar en el estudio para grabar Kind of Blue, pero yo ya había planeado aquella sesión pensando en el estilo de Bill Evans".16
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26 - Rothko Chapel (Morton Feldman) (Sinfónica)
Morton Feldman fue un destacado compositor norteamericano, conocido por algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de muy larga duración y para inusuales agrupaciones de instrumentos
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25 - Concerto Grosso No.5 (Alfred Schnittke) (Sinfónico)
Alfred Gárievich Schnittke, fue un prolífico compositor ruso, que vivió sus últimos años en Alemania. Es considerado uno de los más importantes músicos tardosoviéticos
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24 - Irrlicht (Klaus Schulze) (Electrónica)
En lo que a mí respecta, no se me ocurriría poner en duda los talentos imaginativos y creativos del señor Klaus Schulze, autor de esta obra titulada Irrlicht ("fuego fatuo", publicada en 1972, después de dejar a los Tangerine Dream. Es el disco de debut de Schulze, y parecería que el tipo empezó la casa por el tejado: terror, obsesión, oscuridad y hermetismo son los conceptos que mejor definen este trabajo de portada y contenido indescifrables. Como sucede con otras obras del Krautrock, Irrlicht no se trata únicamente de una serie de movimientos musicales per se, sino de la construcción de todo un espacio sonoro casi geográfico, una especie de habitación cerrada (o todo lo contrario) en la que el autor introduce, como si de un químico se tratase, los elementos de su pesada atmósfera. Y la atmósfera de Irrlicht es poco menos que irrespirable.
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23 - Unit Structures (Cecil Taylor) (Jazz)
Cecil Percival Taylor (n. Nueva York; 25 o 15 de marzo1 de 1929) es un pianista y percusionista estadounidense de jazz. Encuadrado en la vanguardia jazzística, ha frecuentado la mayor parte de los estilos surgidos a continuación del hard bop, especialmente el free jazz, con frecuentes aproximaciones a la improvisación libre.
Sus primeras influencias fueron las de Duke Ellington y Dave Brubeck. Su toque de piano es característicamente percusivo.
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22 - Ostrobothnian Symphony (Osvaldas Balakauskas) (Sinfónica)
Balakauskas en sus primeros años de conservatorio estaba influenciado por Stockhausen, Boulez, Xenakis y en particular por Webern en Messiaen. Como sea, en los 60, desarrolló su propio sistema armónico, lo que le llevo a un fuerte sentido de la tonalidad, denominado la 'Tonalidad Balakauskas'. Esta tonalidad es radicalmente diferente de la atonalidad y el serialismo de la Second Viennese School. Su sistema armónico empleaba subconjuntos de doce notas y el uso simultaneado de la tercera mayor y menor lo que daba una sensación de jazz, el compositor que fue pura coincidencia. Sus más importantes obras son Sonata of the Mountains inspirado en los cuadros de Mikalojus Konstantinas Ciurlionis (1975), Sinfonía No. 2 (1979), Opera Strumentale (1987) y Sinfonía No. 4 (1998) y No. 5 (2001), las últimas dos obras mencionadas han sido recientemente grabadas por Naxos Records.
21 - Atlantis (Sun Ra) (Jazz)
Sun Ra fue un músico de jazz estadounidense, figura destacada de la vanguardia jazzística, tocó el órgano, el piano y el teclado, además de liderar la Sun Ra Arkestra.
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20 - The Velvet Underground & Nico (The Velvet Underground) (Rock)
The Velvet Underground and Nico es el primer álbum de estudio de la banda estadounidense The Velvet Underground lanzado en 1967, éste cuenta con la colaboración en las voces de la cantante alemana Nico. Su grabación se efectuó en Nueva York y Hollywood entre abril y mayo de 1966 bajo la dirección del líder del movimiento pop art, el estadounidense Andy Warhol, aunque no se acreditó a Norman Dolph y John Licata, responsables de las sesiones en Nueva York,2 y a Tom Wilson, que en palabras del propio bajista de la banda John Cale fue el productor de casi todas las canciones.3 Pese a que se grabó en 1966, no salió a la venta hasta el 12 de marzo de 1967 por distintos problemas primero por la censura y posteriormente de realización por la inusual portada, pese a esto lo editó el sello discográfico de jazz Verve Records, propiedad de la Metro-Goldwyn-Mayer.
La temática del disco se centraba en tópicos como el uso y abuso de drogas, la prostitución, el sadismo y masoquismo, y las desviaciones sexuales, éste trasfondo oscuro fue considerado revolucionario en su tiempo.4 La música fue obra principalmente casi exclusiva del bajista John Cale, influenciado es su trabajo con La Monte Young, John Cage y los inicios del movimiento Fluxus. La portada de la producción estuvo diseñada por el propio Warhol, se trata de la imagen de un plátano pop con una invitación a que se lo pele ("Peel slowly and see". En diferentes ediciones del álbum, incluida la primera, el plátano es una calcomanía que tapa una imagen fálica ("plátano" rosado sin cáscara). La contraportada de la primera edición contenía una proyección del show Exploding Plastic Inevitable.
El álbum debutó en el puesto 171 entre los álbumes más vendidos de la lista Billboard y desapareció de las tiendas prácticamente de la noche a la mañana, fue muy poco exitoso desde su lanzamiento, pero a la postre se convirtió en uno de los discos más influyentes y aclamados por la crítica en la historia. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 13 en su lista de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos".5 En el 2006 un jurado compuesto por expertos en preservación de música y sonido de los Estados Unidos la anexó en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su significancia cultural o histórica en la vida estadounidense.
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19 - Witches & Devils (Albert Ayler)
Albert Ayler fue un músico estadounidense de jazz de vanguardia, saxofonista tenor, cantante y compositor; también tocaba el saxo alto
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18 - Fare Forward Voyagers (Soldier's Choice) (John Fahey) (Folk)
"Fare Forward Voyagers (Soldier's Choice)" es una absorbente excursión hacia una compleja maraña de melodías, donde Fahey con perspicacia e ineludible talento, lo mismo acelera el paso de la caminata inundando las mentes con multitud de colores sonoros, que reduce la marcha con delicados y suaves notas trasladándote inevitablemente a un inmenso y placentero vacío. Tres largas composiciones (una de ella de casi 24 minutos) con títulos del poeta americano TS Eliot y dedicado a un gurú del yoga a quien se acercó más por estar enamorado de su secretaria que por interesarle las técnicas de meditación.
El Folk es la atmósfera predominante y la guitarra parece adoptar en ocasiones la resonancia de un banjo. Sin embargo, nuestro guitarrista se aparta un poco del "semiruralismo" y "mitología" de otros trabajos como "Blind Joe Death" o "The Voice Of The Turtle" para alcanzar una temática musical más cercana al subcontinente asiático, con influencia de elementos propios de la música clásica india como el Raga.
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17 - Dolmen Music (Meredith Monk) (Sinfónica)
Meredith Jane Monk es una compositora, artista de performance, directora, vocalista, cineasta y coreógrafa estadounidense.
En 1964 se graduó del Sarah Lawrence College y en 1968 formó su primera agrupación, llamada The House, con la que exploró diversas técnicas vocales en combinación con danza, teatro, cinematografía y otros componentes, aplicados en obras como Juice de 1969.
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16 - Dream Theory In Malaya: Fourth World (Jon Hassell) (Electrónica)
En la muy completa web Ground and Sky comentan que Jon Hassell es injustamente infravalorado como pionero de la introducción de la música étnica -especialmente de oriente- en la música contemporánea occidental, sobre todo en referencia a su asociación con otros artistas con los que ha colaborado. No sé si eso es verdad, pero al menos Dream Theory in Malaya sí que es mencionado a menudo cuando se habla de los grandes trabajos en el mundo fascinante y demasiado amplio de la música ambiental.
Dream Theory in Malaya (1981) es algo así como la continuación del Possible Musics que el trompetista y compositor Jon Hassell grabó junto al inevitable Eno, que en aquellos años parecía tener el don de la ubicuidad. El álbum lleva el subtítulo Fourth World Volume Two, haciendo patente su carácter de secuela. ¿Qué es eso del "cuarto mundo"? Supongo que me invento mi propia teoría al deducir que este término va más allá del "tercer mundo", en el sentido de que el mundo del que se habla no está necesariamente definido por sus dificultades económicas o culturales, sino más bien por su lejanía, por su pertenencia a un universo tan extremadamente lejano que nos resulta ajeno del todo, casi extraterrestre. Y extraterrestre es Dream Theory in Malaya, un disco inspirado en las lecturas que realizó Jon Hassell del antropólogo Kilton Stewart sobre la tribu malaya de los Senoi. Al parecer, los Senoi tenían la costumbre de reunirse nada más despertar por la mañana y contarse unos a otros los sueños que habían tenido, entendiéndolos como premoniciones de cara al nuevo día. Llegaban a soñar con cantos y danzas que aprendían para incluirlas en el acervo común de la tribu. Este disco se inspira en los Senoi y también en los Semelai, otra tribu de Malay que acostumbraba a realizar música golpeando la superficie del agua con las manos.
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Evolución de la música
1 - Canto llano
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El término canto llano designa a la música vocal tradicional de las liturgias cristianas, el cual es oficial del rito romano. Este es por esencia monódico, es decir, consta de una única línea melódica, y generalmente se canta a capella. Se articula mediante un ritmo libre, el cual es esencial según todo tratado antiguo que versa a este respecto. Habitualmente era interpretado en un contexto monástico, donde era enseñado por cantores especializados formados en la Schola Cantorum instituida, según dice la tradición, por San Gregorio, con la constitución de las catedrales y el establecimiento de la profesión de maestro de capilla. En este último va a recaer la enseñanza del canto llano y de este modo va a formularse cómo parte integral de la liturgia católica romana común en lugares tan lejanos como las misiones jesuítas en el paraguay.
El canto es una de las expresiones primordiales de la liturgia, a la cual podemos referir como un tributo colectivo (Asamblea), público y oficial de alabanza ofrecido a Dios por una iglesia, y en el rito romano este canto es el llamado "Gregoriano"; en el subyacen sus raíces en la práctica de las sinagogas judías y en la música pagana en los primeros centros de la iglesia (Jerusalén, Antioquía, Alejandría y Constantinopla), aunque fuera de los aportes de Jerusalén y Bizancio, no podemos dar por seguros. En el siglo IV había varias familias distintas de ritos orientales y occidentales (latinos), cada uno con su propia liturgia y música. Durante varios siglos existieron coetáneamente estilos diversos de canto llano, debemos comprender también que un aspecto importante de la liturgia para que funcione como tal es la existencia de una jerarquía, en la misma raíz de la palabra iglesia vemos esta importancia (ecclesia, sinagoga, sinaxis), en esta jerarquia es que aparece por ejemplo, un presidente de la Asamblea, ministros e incluso cantores especializados (eventualmente serán la Schola); que va a decantar en el último eslabón que es el asistente, quien posee un rol tanto pasivo como activo en la acción liturgica.1
El canto gregoriano es uno de los repertorios de canto llano y recibe su nombre del papa Gregorio I (590-604), llamado "el Grande", aunque la atribución es dada por una tradición de alrededor de doce siglos, es en el siglo XI que Guillermo de Hirschau llamó gregoriano al canto llano.2 La tradicional relación entre san Gregorio Magno y el desarrollo de esta forma de canto litúrgico parece deberse a una confusión entre la identidad de cierto "Gregorio", probablemente el papa Gregorio II, con su famoso predecesor, pero lo que es cierto es que desde el punto de vista cronológico, el gregoriano aparece como una creación de carácter más o menos local, y por sobre todo, como la plasmación de las transmisiones orales, que demuestran más de seis siglos de penetración Oriental en ellas, las cuales van a continuar de forma paralela enriqueciendo y modelando el canto llano.
2 - Polifonía
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La polifonía (del griego p????
= "muchas" y f???? [phonos] = "sonidos, melodías" en música es un tipo de textura musical en la que suenan simultáneamente múltiples voces melódicas que son en gran medida independientes o imitativas entre sí, de importancia similar y ritmos diversos. Por lo tanto, se diferencia de la música a una sola voz (monofonía) así como de la música con una voz dominante melódica acompañada por acordes (homofonía, melodía acompañada).
Las texturas polifónicas pueden contener varias melodías primarias o básicas. Si las voces se imitan unas a otras (esto es, cantan o tocan melodías similares pero con cierto retraso unas respecto de otras) se trata de polifonía imitativa. Un caso estricto de polifonía imitativa es el canon.1
El carácter polifónico de una obra tendrá como pilar no solamente la parte compositiva, es decir, la idea de independencia melódica que el compositor haya ideado, sino también la posibilidad de discriminación auditiva por parte del oyente. Distintas personas podrán escuchar con mayor o menor claridad las melodías independientes dentro de una obra polifónica.
Desde la perspectiva de la Etnomusicología, la polifonía tradicional (no académica) tiene una amplia, aunque desigual distribución entre los pueblos del mundo. Las regiones con alta presencia polifónica del mundo son el África subsahariana, Europa y Oceanía. Se cree que los orígenes de la polifonía en la música tradicional son muy anteriores a la aparición de la polifonía en la música académica en Europa. En la actualidad hay dos enfoques contradictorios al problema de los orígenes de la polifonía vocal: el modelo cultural y modelo evolutivo2
Conforme al modelo cultural, los orígenes de la polifonía están conectados con el desarrollo de la cultura musical humana. La polifonía surgió igual que el desarrollo natural del canto primordial monofónico. Por lo tanto, las tradiciones polifónicas están obligadas a sustituir poco a poco las tradiciones monofónicas.3
De acuerdo al modelo evolutivo, el origen de los cantos polifónicos es mucho más profundo y está conectado con las primeras etapas de la evolución humana, la polifonía era una parte importante de un sistema de defensa de los homínidos; y las tradiciones de polifonía están desapareciendo progresivamente en todo el mundo.4
3 - Polifonia armonica (Bach)
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Johann Sebastian Bach (IPA /jo'han/ o /'jo?han ze'bastjan 'bax/ en alemán) (Eisenach, Turingia, 21 de marzojul./ 31 de marzo de 1685greg., – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un compositor, organista, clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán de música del Barroco, el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado.1 Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto,2 donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Arnold Schönberg, hasta nuestros días.1
Sus obras más importantes están entre las más destacadas de la música clásica europea y de la música universal. Entre ellas se encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según san Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites para orquesta.3
4 - Armonía (Wagner)
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En la música occidental, la armonía es la subdisciplina que estudia el encadenamiento de diversas notas superpuestas; es decir: la organización de los acordes. Se llama «acorde» a la combinación de tres o más notas diferentes que suenan simultáneamente (o que son percibidas como simultáneas, aunque sean sucesivas, como en un arpegio). Cuando la combinación es solo de dos notas, se llama «bicordio».
5 - Webern
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Anton von Webern fue un compositor austríaco.
Nació el 3 de diciembre de 1883 en Viena (Austria) y falleció el 15 de septiembre de 1945.
Fue miembro de la llamada Segunda Escuela de Viena. Como estudiante y brillante seguidor de Arnold Schoenberg, es uno de los más conocidos exponentes del dodecafonismo; además, sus innovaciones referentes a la organización sistemática de altura, ritmo y dinámica fueron decisivas para el estilo musical conocido más tarde como serialismo.
6 - Neosearialistas
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El serialismo es una técnica de composición musical surgida en el siglo XX. Tiene sus orígenes en el dodecafonismo de Arnold Schönberg, aunque abarca posibilidades creativas más amplias.1 La distinción fundamental entre el serialismo y el dodecafonismo estriba en que el principio serial se puede aplicar a varios parámetros musicales (ritmo, dinámica, timbre, etc.), y no sólo a la altura de las notas, como sugería la propuesta dodecafónica original.2
El serialismo puede caracterizarse según la cantidad de parámetros musicales a los que el compositor aplique el principio serial. El serialismo básico es el dodecafonismo, que comprende sólo el parámetro de la altura de las doce notas de la escala cromática (el dodecafonismo también se denomina “técnica de las doce notas” en la literatura anglosajona). Los desarrollos posteriores, sobre todo a partir de la Segunda Guerra Mundial, buscaron el camino hacia un “serialismo integral”, en donde el principio serial rigiera los demás parámetros musicales aparte de la altura. En algunas obras se aplica el principio serial también al ritmo de las notas; es decir, además de tocar las notas de la escala cromática en cierto orden, añaden a cada una de las doce una duración distinta. Otras obras incluyen el parámetro de la dinámica y, en ciertos casos, el de timbre. Es decir, a cada una de las doce notas con una duración distinta se añade una intensidad sonora distinta (pianísimo, forte, mezzoforte, etc.) y un tipo de sonido distinto (la primera nota sería tocada por un violín, la segunda por un piano, la tercera por un oboe, etc., aunque algunos compositores prescinden de este último parámetro, para que la pieza pueda ser interpretada por un solo instrumento)
7 - Stravinsky
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Ígor Fiódorovich Stravinski (en ruso: ????? ????????? ???????????) (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.
Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.
Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma».1 Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky2 (Conversaciones con Stravinski).
Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.
Top 39 composiciones mas significativas (1950 - 1990)
39 - Mask Of Time (Michael Tippett) (Sinfónica)
Su música se divide habitualmente en cuatro periodos:
El primero, que comprende los años desde 1935 hasta 1947, incluye sus tres primeros cuartetos, el concierto para dos orquestas de cuerda, el [oratorio (música)|[oratorio]] A Child of our time así como su primera sinfonía. Esta última se caracteriza por su energía contrapuntística así como por un profundo lirismo en los movimientos lentos.
El segundo periodo se extiende hasta el final de la década de los cincuenta. Forman parte de él la ópera The Midsummer Marriage (1955), la Corelli Fantasia, el concierto para piano y su segunda sinfonía, caracterizada por una textura orquestal muy rica, con una deslumbrante escritura melódica.
El tercero finaliza a finales de los años setenta y marca un contraste muy definido con las precedentes: son sus señas de identidad la simplicidad de la textura y las frases abruptas, como en la ópera King Priam, el concierto para orquesta y la segunda sonata para piano.
Finalmente, el cuarto y último periodo es –de hecho- una combinación de los anteriores, utilizando diferentes procedimientos, como la cita (de Ludwig van Beethoven o de Modest Músorgski). Las obras más importantes de este periodo son su tercera sinfonía, las óperas The Ice Break y New Year y The Mask of Time, composición coral de gran calado.
38 - Dreamtime Return (Steve Roach) (Electrónica)
Steve Roach, uno de los corredores de fondo de la música instrumental contemporánea es autor de este álbum que es recordado como un hito en los círculos de la música ambient y electrónica de vanguardia. Roach, californiano especializado en música de estos géneros (no siempre tan accesible como en el caso de este álbum), es un difusor del uso del didgeridoo, instrumento tradicional que llegaría a manejar con fluidez tras viajar varias veces a Australia, una vez mientras grababa este álbum, y por lo menos otra más, nada más publicarse. Deamtime Return, al parecer, nació como producto del contacto del autor con el mundo de los aborígenes australianos. El propio concepto del "dreamtime" se refiere al modo en que los aborígenes de Australia conciben la creación del mundo por parte de sus deidades ancestrales. Parece que el músico se unió al fotógrafo David Stahl, que había descubierto recientemente uno de los álbumes de Roach, para viajar efectivamente a la propia isla de Oceanía, donde el disco adquirió su forma definitiva (aunque parece que Roach ya había estado trabajando en él antes del viaje).
Hay quien califica a Steve Roach como un músico de electrónica tribal, y al menos Dreamtime Return se ajusta al calificativo, dada la incursión de cánticos e instrumentación auténticos en algunos de sus temas.
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37 - Orient Occident (Iannis Xenakis) (Sinfónica)
Iannis Xenakis (G?????? ?e?????, también transliterado en francés como Yannis Xénakis) fue un compositor y arquitecto de ascendencia griega nacido el 29 de mayo de 1922 en Braila, Rumania; se nacionalizó francés y pasó gran parte de su vida en París, donde murió el 4 de febrero de 2001. Es aclamado como uno de los compositores más importantes de la música contemporánea.
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36 - La Koro-Sutro (Lou Harrison) (Sinfónica)
Lou Silver Harrison (14 de mayo de 1917 – 2 de febrero de 2003) fue un compositor estadounidense. Fue estudiante de Henry Cowell, Arnold Schoenberg, y K. R. T. Wasitodiningrat (Pak Cokro).
Harrison es particularmente notable por incorporar elementos de world music en su obra, con varias obras que hacen uso de instrumentos del tradicional gamelan de Indonesia y muchas más versiones que hacen uso de tin cans y otros materiales. La mayoría de sus obras están escritas en entonación justa en lugar del más extendido temperamento igual. Harrison, como otros compositores como Ligeti o Scelsi se interesó mucho en los microtonos.
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35 - Vesalii Icones (Maxwell Davies) (Sinfónico)
Davies es un prolífico compositor que ha escrito música en una variedad de estilos e idiomas a lo largo de su carrera, a menudo una combinación de estilos dispares en una sola pieza. Sus primeros trabajos incluyen la Trumpet Sonata (1955), escrita mientras estaba en la universidad, y su primera obra para orquesta, Prolation (1958), escrita bajo la tutela de Petrassi. Las primeras obras suelen usar técnicas seriales (por ejemplo, la Sinfonía para orquesta de cámara, 1962), a veces combinadas con métodos de composición medievales y renacentistas. Fragmentos de canto llano (un género medieval vocal, a capella, monódico y modal, con un rítmica verbal) se utilizan a menudo como fuente básica de material para ser adaptado y desarrollado de diversas formas.
Piezas de finales de 1960 comienzan a ocuparse de estas técnicas y tienden hacia el expresionismo y un carácter violento —como Revelation and Fall (basada en un poema de Georg Trakl), la mencionada Eight Songs for a Mad King, Vesalii Icones y la ópera Taverner—. Taverner demuestra una vez más su interés en la música del Renacimiento, tomando como tema al compositor John Taverner, y consta de partes que se asemejan a las formas renacentistas. La pieza orquestal St Thomas Wake (1969) también muestra este interés, y sobre todo es un ejemplo evidente del poliestilismo de Davies, combinando, como hace, un conjunto de foxtrot (tocado al estilo de los años veinte por una banda de baile), una pavana de John Bull y música del propio Davies (la obra es descrita por Davies como "Foxtrot for orchestra on a pavan by John Bull" («Foxtrot para orquesta sobre una pavana de John Bull»). Muchas obras de este período fueron interpretadas por el «Pierrot Players», el grupo que Davies fundó con Birtwistle en 1967 (en 1970 se transformaron en «The Fires of London» («Incendios de Londres») y se disolvieron en 1987).
34 - Les Stances A Sophie (Art Ensemble Of Chicago) (Jazz)
El grupo surge en el seno de la Asociación para el Avance de los Músicos Creativos, a finales de los años 1960. Se formó inicialmente por el saxofonista Roscoe Mitchell (n. 1940) para un concierto ofrecido en Chicago, en diciembre de 1966, bajo el nombre de Roscoe Mitchell's Art Ensemble. Sería en 1969, y en París, al registrarse la primera grabación de la banda, cuando adoptaron el nombre de "Chicago Art Ensemble". Este grupo de músicos innovadores estaba formado originalmente por Mitchell, el trompetista Lester Bowie, el contrabajista Malachi Favors y el batería Philip Wilson. El saxofonista Joseph Jarman se unió al grupo en 1967, y ocasionales participantes en 1967-1968 fueron los baterías Thurman Baker y Robert Crowder, y el bajista Charles Clark. En 1970, se incoporó Don Moye, ya como batería estable.
El grupo consiguió una sólida reputación dentro del mundo del free jazz y colaboró ocasionalmente con otros músicos, como la francesa Brigitte Fontaine, la cantante Fontella Bass, o los pianistas Muhal Richard Abrams y Cecil Taylor. La formación del grupo cambió en los años 1990, cuando Jarman se retiró de la banda para centrar su actividad en el zen y el aikido (1993), y Bowie murió de cáncer (1999), continuando el grupo como trío (añadiendo diversos músicos complementarios en sus actuaciones), hasta 2003, año en que Jarman regresa al grupo. En enero de 2004 Favors muere súbitamente durante la grabación de Sirius Calling, por lo que el grupo se reorganiza con el trompetista Corey Wilkes y el bajista Jaribu Shahid, quienes intervienen en la grabación del álbum Non-Cognitive Aspects of the City (2006) para Pi Recordings.
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33 - Escalator Over The Hill (Carla Bley)
Carla Bley es una de las mejores compositoras de jazz de los últimos 40 años, además de pianista, organista y vocalista ocasional. Nacida en Oakland, California, en 1938, y bautizada como Carla Borg, se cria en un ambiente musical y religioso y desde muy pequeña participa tocando el piano y cantando en el coro en muchas ceremonias. A mediados de los´50, interesada en el jazz, se traslada a Nueva York, donde sobrevive tocando el piano en clubs y vendiendo cigarrillos, hasta que conoce al que sería su marido, el conocido pianista canadiense Paul Bley. Este le anima a empezar a componer música para su banda, y juntos comienzan una profunda relación tanto musical como personal. En 1964, Carla, el que sería su segundo marido poco después, el trompetista Michael Mantler y otros músicos forman la Jazz Composers' Guild Orchestra que después pasaría a ser la Jazz Composers' Orchestra Association (JCOA). Con estas formaciones, de naturaleza inquieta e innovadora, Carla madura como compositora, destacando los temas de “A Genuine Tong Funeral”, que sería adoptado por el vibrafonista Gary Burton y publicado en 1967, con la colaboración de varios miembros de la Jazz Composer’s Orchestra, o las piezas que compuso para el primer álbum de la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, publicado en 1969.
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32 - Drumming (Steve Reich) (Sinfónica)
Stephen Michael Reich (Nueva York, 3 de octubre de 1936), es un compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.
Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición musical, que incluyen el uso de loops en cinta —tal como en sus primeras obras It's Gonna Rain y Come Out—, efectos de fase repetidos —Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase— y nuevos conceptos musicales —en Pendulum Music, la retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el alargamiento—. Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la música contemporánea americana, aunque luego Reich ha ido abandonando la experimentación tecnológica para seguir explorando nuevas formas de expresión musical con el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales.
Numerosos críticos angloamericanos y británicos le conceden una gran relevancia, no tan compartida fuera del mundo anglosajón. Así The Guardian ha descrito a Reich como uno de los pocos compositores que «alteró la dirección de la historia de la música»; The New York Times lo sitúa «...entre los más grandes compositores del siglo»; The New Yorker, habla de él como «...el más original pensador musical de nuestro tiempo»; y, The Village VOICE, sencillamente dice que es «...el más grande compositor norteamericano vivo».1
En el año 2006 Steve Reich ha sido distinguido con el prestigiosos Praemium Imperiale y en el año 2007 con el Polar Music Prize.
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31 - Byzantine Concerto (Ljubica Maric) (Sinfónica)
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30 - Mu (Don Cherry) (Jazz)
Tocó de joven en grupos de blues y rhythm and blues en su ciudad natal y posteriormente se trasladó a Los Ángeles. A través de Billy Higgins, Cherry conoció a Ornette Coleman en 1957, y bajo las órdenes de Paul Bley formaron un quinteto junto con Charlie Haden. Tras la marcha de Bley, gracias al contrato de Coleman con Atlantic Records grabaron entre 1959 y 1961 varios discos como grupo independiente.
Cherry fue muy criticado (por Miles Davis, entre otros) por sus improvisaciones fracturadas y puntillistas, sin embargo, terminaría por ejercer gran influencia entre los músicos jóvenes de los años sesenta.
El grupo se disolvió en 1962 y Cherry se unió al Sonny Rollins Quartet, con el que estuvo dos años. En 1963, codirigió con Archie Shepp el New York Contemporary Five; después, en Europa, dirigió su propia banda, en la que trabajó Gato Barbieri, recién llegado de Argentina.
En la década de los 1970, Cherry fue a México y tocó con la banda de jazz Detrás del Cosmos por alrededor de un año por toda la república.
En sus últimos años, Cherry se inclinó al estudio de las llamadas músicas del mundo y la etnomusicología en general, uniéndose musicalmente a Collin Walcott y Naná Vasconcelos con quienes formó la agrupación Codona. Tiempo más tarde se juntaría con Milton Nascimento. También probó suerte en el rock y el funk, y formó parte del grupo New and Old Dreams, cuarteto compuesto con antiguos integrantes de la banda de Coleman, entre los que estaba el saxofón Dewey Redman.
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29 - Symphony 8 (Eduard Tubin) (Sinfónica)
La música folclórica estonia tuvo una fuerte influencia en los primeros trabajos musicales de Tubin; a este periodo pertenece su Sinfonietta sobre motivos estonios de 1930-1931. En 1938 visitó la isla de Hiiumaa a fin de recopilar aires folclóricos locales. Tubin fue también un notable orquestador, lo que puede comprobarse particularmente en sus Tercera y Cuarta Sinfonías.
Hacia el tiempo en que compuso su Sexta Sinfonía se produjo un cambio estilístico en su obra y su música se convirtió en más áspera, armónicamente hablando. El finale de su Séptima Sinfonía utiliza un tema dodecafónico, si bien es tonal. Este cambio de una estética eminentemente nacionalista a otro estilo más internacional, se relaciona a menudo con el exilio del compositor cuando Estonia fue ocupada por la Unión Soviética.
Tubin no es, probablemente, más conocido debido a su desarraigo. Aunque Estonia lo considera hoy como uno de sus compositores más importantes, la mayor parte de su obra tuvo que componerla en Suecia, donde nunca se le prestó la atención que merecía.
La obra de Tubin ha ganado reconocimiento en los últimos años, y sus Cuarta y Octava Sinfonías, así como su segunda sonata para piano, son unánimemente reconocidas como obras maestras. La mayor parte de su obra ha sido grabada (existen dos colecciones completas de la integral de sus sinfonías, bajo la dirección de Neeme Järvi y Arvo Volmer), y en el mes de junio de 2005 la ciudad de Tallinn celebró el centenario de su nacimiento con un festival musical en el que fueron interpretadas todas sus sinfonías así como buena parte de su obra para piano y su música de cámara.
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28 - Revelation (Harry Partch) (Sinfónico)
Harry Partch (Oakland (California), 24 de junio de 1901 - San Diego (California), 3 de septiembre de 1974) fue un compositor e inventor de instrumentos estadounidense. Fue uno de los primeros compositores del siglo XX en utilizar sistemáticamente la escala microtonal. Muchas de sus obras están escritas para instrumentos que él mismo construía.
27 - Kind Of Blue (Miles Davis)
A finales de 1958 Miles Davis conjuntó a uno de las mejores y más prolíficas bandas en el hard bop, su formación estaba integrada por Cannonball Adderley en el saxofón alto, John Coltrane en el saxofón tenor, Wynton Kelly y Bill Evans en los pianos, Paul Chambers (que venía trabajando con Miles desde hacía tiempo) en el contrabajo y Jimmy Cobb en la batería. Su banda tocaba una mezcla de los estándares pop y bebop propios de otros jazzistas reconocidos como Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron; al igual que todas la composiciones jazz basadas en el bebop, los grupos de Davis improvisaban en los cambios de acordes.13
En 1953, el pianista George Russell publicó su tratado Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (Concepto Lidio Cromático de Organización Tonal), que presentó una alternativa en la práctica de la improvisación. En ésta Russell abandonaba las relaciones entre las escalas mayores y menores tradicionales en la música occidental, y desarrollo una nueva formulación usando una escala o unas series de escalas para la improvisación, que con el tiempo llegaron a conocerse en el jazz como "escalas modales" y que dio surgimiento a futuro del jazz modal.14
Influenciado por las ideas de Russell, Davis decidió implementar sus primeras composiciones modales, una fue "Milestones", incluida en el álbum del mismo nombre editado en 1958, y las siguientes llegaron en las sesiones de su producción 1958 Miles, en las que estuvo acompañado del pianista Bill Evans. Davis quedó satisfecho con los resultados obtenidos y preparó un álbum completo basado en la modalidad.3 Evans, que era discípulo de Russell y que recientemente había abandonado al sexteto de Davis para impulsar su carrera como solista, regresó a un banquillo ocupado por el jamaicano Wynton Kelly para las grabaciones del que sería más adelante Kind of Blue.15 Miles Davis declaró: "Wynton llegó justo antes de entrar en el estudio para grabar Kind of Blue, pero yo ya había planeado aquella sesión pensando en el estilo de Bill Evans".16
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26 - Rothko Chapel (Morton Feldman) (Sinfónica)
Morton Feldman fue un destacado compositor norteamericano, conocido por algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de muy larga duración y para inusuales agrupaciones de instrumentos
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25 - Concerto Grosso No.5 (Alfred Schnittke) (Sinfónico)
Alfred Gárievich Schnittke, fue un prolífico compositor ruso, que vivió sus últimos años en Alemania. Es considerado uno de los más importantes músicos tardosoviéticos
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24 - Irrlicht (Klaus Schulze) (Electrónica)
En lo que a mí respecta, no se me ocurriría poner en duda los talentos imaginativos y creativos del señor Klaus Schulze, autor de esta obra titulada Irrlicht ("fuego fatuo", publicada en 1972, después de dejar a los Tangerine Dream. Es el disco de debut de Schulze, y parecería que el tipo empezó la casa por el tejado: terror, obsesión, oscuridad y hermetismo son los conceptos que mejor definen este trabajo de portada y contenido indescifrables. Como sucede con otras obras del Krautrock, Irrlicht no se trata únicamente de una serie de movimientos musicales per se, sino de la construcción de todo un espacio sonoro casi geográfico, una especie de habitación cerrada (o todo lo contrario) en la que el autor introduce, como si de un químico se tratase, los elementos de su pesada atmósfera. Y la atmósfera de Irrlicht es poco menos que irrespirable.
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23 - Unit Structures (Cecil Taylor) (Jazz)
Cecil Percival Taylor (n. Nueva York; 25 o 15 de marzo1 de 1929) es un pianista y percusionista estadounidense de jazz. Encuadrado en la vanguardia jazzística, ha frecuentado la mayor parte de los estilos surgidos a continuación del hard bop, especialmente el free jazz, con frecuentes aproximaciones a la improvisación libre.
Sus primeras influencias fueron las de Duke Ellington y Dave Brubeck. Su toque de piano es característicamente percusivo.
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22 - Ostrobothnian Symphony (Osvaldas Balakauskas) (Sinfónica)
Balakauskas en sus primeros años de conservatorio estaba influenciado por Stockhausen, Boulez, Xenakis y en particular por Webern en Messiaen. Como sea, en los 60, desarrolló su propio sistema armónico, lo que le llevo a un fuerte sentido de la tonalidad, denominado la 'Tonalidad Balakauskas'. Esta tonalidad es radicalmente diferente de la atonalidad y el serialismo de la Second Viennese School. Su sistema armónico empleaba subconjuntos de doce notas y el uso simultaneado de la tercera mayor y menor lo que daba una sensación de jazz, el compositor que fue pura coincidencia. Sus más importantes obras son Sonata of the Mountains inspirado en los cuadros de Mikalojus Konstantinas Ciurlionis (1975), Sinfonía No. 2 (1979), Opera Strumentale (1987) y Sinfonía No. 4 (1998) y No. 5 (2001), las últimas dos obras mencionadas han sido recientemente grabadas por Naxos Records.
21 - Atlantis (Sun Ra) (Jazz)
Sun Ra fue un músico de jazz estadounidense, figura destacada de la vanguardia jazzística, tocó el órgano, el piano y el teclado, además de liderar la Sun Ra Arkestra.
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20 - The Velvet Underground & Nico (The Velvet Underground) (Rock)
The Velvet Underground and Nico es el primer álbum de estudio de la banda estadounidense The Velvet Underground lanzado en 1967, éste cuenta con la colaboración en las voces de la cantante alemana Nico. Su grabación se efectuó en Nueva York y Hollywood entre abril y mayo de 1966 bajo la dirección del líder del movimiento pop art, el estadounidense Andy Warhol, aunque no se acreditó a Norman Dolph y John Licata, responsables de las sesiones en Nueva York,2 y a Tom Wilson, que en palabras del propio bajista de la banda John Cale fue el productor de casi todas las canciones.3 Pese a que se grabó en 1966, no salió a la venta hasta el 12 de marzo de 1967 por distintos problemas primero por la censura y posteriormente de realización por la inusual portada, pese a esto lo editó el sello discográfico de jazz Verve Records, propiedad de la Metro-Goldwyn-Mayer.
La temática del disco se centraba en tópicos como el uso y abuso de drogas, la prostitución, el sadismo y masoquismo, y las desviaciones sexuales, éste trasfondo oscuro fue considerado revolucionario en su tiempo.4 La música fue obra principalmente casi exclusiva del bajista John Cale, influenciado es su trabajo con La Monte Young, John Cage y los inicios del movimiento Fluxus. La portada de la producción estuvo diseñada por el propio Warhol, se trata de la imagen de un plátano pop con una invitación a que se lo pele ("Peel slowly and see". En diferentes ediciones del álbum, incluida la primera, el plátano es una calcomanía que tapa una imagen fálica ("plátano" rosado sin cáscara). La contraportada de la primera edición contenía una proyección del show Exploding Plastic Inevitable.
El álbum debutó en el puesto 171 entre los álbumes más vendidos de la lista Billboard y desapareció de las tiendas prácticamente de la noche a la mañana, fue muy poco exitoso desde su lanzamiento, pero a la postre se convirtió en uno de los discos más influyentes y aclamados por la crítica en la historia. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 13 en su lista de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos".5 En el 2006 un jurado compuesto por expertos en preservación de música y sonido de los Estados Unidos la anexó en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su significancia cultural o histórica en la vida estadounidense.
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19 - Witches & Devils (Albert Ayler)
Albert Ayler fue un músico estadounidense de jazz de vanguardia, saxofonista tenor, cantante y compositor; también tocaba el saxo alto
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18 - Fare Forward Voyagers (Soldier's Choice) (John Fahey) (Folk)
"Fare Forward Voyagers (Soldier's Choice)" es una absorbente excursión hacia una compleja maraña de melodías, donde Fahey con perspicacia e ineludible talento, lo mismo acelera el paso de la caminata inundando las mentes con multitud de colores sonoros, que reduce la marcha con delicados y suaves notas trasladándote inevitablemente a un inmenso y placentero vacío. Tres largas composiciones (una de ella de casi 24 minutos) con títulos del poeta americano TS Eliot y dedicado a un gurú del yoga a quien se acercó más por estar enamorado de su secretaria que por interesarle las técnicas de meditación.
El Folk es la atmósfera predominante y la guitarra parece adoptar en ocasiones la resonancia de un banjo. Sin embargo, nuestro guitarrista se aparta un poco del "semiruralismo" y "mitología" de otros trabajos como "Blind Joe Death" o "The Voice Of The Turtle" para alcanzar una temática musical más cercana al subcontinente asiático, con influencia de elementos propios de la música clásica india como el Raga.
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17 - Dolmen Music (Meredith Monk) (Sinfónica)
Meredith Jane Monk es una compositora, artista de performance, directora, vocalista, cineasta y coreógrafa estadounidense.
En 1964 se graduó del Sarah Lawrence College y en 1968 formó su primera agrupación, llamada The House, con la que exploró diversas técnicas vocales en combinación con danza, teatro, cinematografía y otros componentes, aplicados en obras como Juice de 1969.
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16 - Dream Theory In Malaya: Fourth World (Jon Hassell) (Electrónica)
En la muy completa web Ground and Sky comentan que Jon Hassell es injustamente infravalorado como pionero de la introducción de la música étnica -especialmente de oriente- en la música contemporánea occidental, sobre todo en referencia a su asociación con otros artistas con los que ha colaborado. No sé si eso es verdad, pero al menos Dream Theory in Malaya sí que es mencionado a menudo cuando se habla de los grandes trabajos en el mundo fascinante y demasiado amplio de la música ambiental.
Dream Theory in Malaya (1981) es algo así como la continuación del Possible Musics que el trompetista y compositor Jon Hassell grabó junto al inevitable Eno, que en aquellos años parecía tener el don de la ubicuidad. El álbum lleva el subtítulo Fourth World Volume Two, haciendo patente su carácter de secuela. ¿Qué es eso del "cuarto mundo"? Supongo que me invento mi propia teoría al deducir que este término va más allá del "tercer mundo", en el sentido de que el mundo del que se habla no está necesariamente definido por sus dificultades económicas o culturales, sino más bien por su lejanía, por su pertenencia a un universo tan extremadamente lejano que nos resulta ajeno del todo, casi extraterrestre. Y extraterrestre es Dream Theory in Malaya, un disco inspirado en las lecturas que realizó Jon Hassell del antropólogo Kilton Stewart sobre la tribu malaya de los Senoi. Al parecer, los Senoi tenían la costumbre de reunirse nada más despertar por la mañana y contarse unos a otros los sueños que habían tenido, entendiéndolos como premoniciones de cara al nuevo día. Llegaban a soñar con cantos y danzas que aprendían para incluirlas en el acervo común de la tribu. Este disco se inspira en los Senoi y también en los Semelai, otra tribu de Malay que acostumbraba a realizar música golpeando la superficie del agua con las manos.
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