La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas"
es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).
Lo esencial de la música clásica
Novena Sinfonía (Ludwig Van Beethoven)
En 1817 la Sociedad Filarmónica de Londres encargó la composición de la sinfonía. Beethoven comenzó a componerla en 1818 y finalizó su composición a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la carrera de Beethoven.
El poema de Friedrich Schiller An die Freude (noviembre 1785), traducido como A la Alegría, y conocido como Oda a la alegría que Schiller publicó en 1786 en la primera versión y 1808 póstumo en la versión definitiva (classica), provocó en Beethoven la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años.
La introducción a la parte vocal de la sinfonía provocó varios problemas a Beethoven. Sobre esto el amigo y biógrafo de Beethoven Anton Schindler escribió:
Cuando empezó a componer el cuarto movimiento la lucha comenzó como nunca antes. El objetivo fue encontrar un modo correcto de introducir la oda de Schiller. Un día Beethoven entró a un cuarto y gritó:'¡Lo tengo, ya lo tengo!', entonces me mostró el cuadernillo con las palabras Déjenos cantar la oda del inmortal Schiller
Sin embargo, Beethoven nunca mantuvo esta versión, siguió reescribiendo hasta llegar a la forma final, con las palabras: "O Freunde, micht diese Töne".
El movimiento cultural Sturm und Drang (tempestad y emoción), en las décadas finales de siglo supone la disolución de las formas cortesanas acentuando la libertad y el sentimiento y rechazando el racionalismo riguroso, anticipa lo que será el romanticismo.
Beethoven encarna el tránsito del estilo clásico al estilo romántico rompiendo el esquema cerrado de las formas musicales para adaptarlas a esta incipiente libertad individual. Es uno de los primeros músicos que viven de lo que venden componiendo, algo que comenzó a hacer Mozart, creando un precedente en el oficio de compositor, despegándose del mecenazgo al que están sometidos otros músicos como Haydn.
Sinfonía 9 en C Mayor ''La Grande'' (Franz Schubert)
La Sinfonía n.º 9, D. 944, en do mayor, conocida como la Grande, es la última sinfonía compuesta por Franz Schubert. Se cree que fue compuesta entre 1825 y 1826, y fue estrenada el 21 de marzo de 1839, once años luego de la muerte del compositor, en Leipzig bajo la dirección de Félix Mendelssohn.1
En octubre de 1826 Schubert presentó la sinfonía a la Gesellschaft der Musikfreunde. La sociedad rechazó interpretarla y quedó olvidada hasta que en 1838 Robert Schumann encontró un manuscrito en casa del hermano del compositor, Ferdinand Schubert, en Viena.2 De regreso a Leipzig, hizo que la obra fuera interpretada por Mendelssohn, representación que fue alabada por el Neue Zeitschrift.
Acerca de su numeración existe cierta controversia ya que en los países de habla germánica se suele numerar como la séptima sinfonía, algunas versiones del catálogo de Otto Erich Deutsch la listan como la octava, y en los países de habla inglesa se suele usar el número nueve. Además, para distinguirla de la sinfonía n.º 6, también escrita en do mayor, se le agrega el apodo de grande, y a aquella, el de pequeña.
Concerto 21 en C K467 (Wolfgang Mozart)
Además del piano solista, la pieza está orquestada para una flauta, oboes, fagotes, trompas (todos estos en pares), tímbales y cuerdas.
Está estructurado en tres movimientos:
Allegro maestoso
Andante
Allegro vivace assai
El primer movimiento se inicia de forma tranquila con una alegre marcha en las cuerdas bajas que es respondida por las cuerdas altas y los vientos-madera. De seguida un alegre arrebato se mezcla con el tema principal. El piano hace una entrada tranquila con una configuración en forma de escala (compás 74) que desemboca en una corta cadenza (compás 79) que termina en un trino antes de que toda la orquesta repita el tema principal. El piano elabora un poco más antes de agregar otra idea en sol mayor, que es precedida por un pasaje en la extraña escala de sol menor (compás 109). El tema principal se presenta en sol mayor, y pasa por escalas por parte del solista mientras los vientos-madera interpretan una figura melancólica. Esto pronto transita al tranquilo inicio y una reexposición en la tonalidad principal de la idea presentada anteriormente en sol mayor. Pronto, el tutti lleva el movimiento a una cadenza antes de la orquesta lo concluya con la sección final del inicio, ligeramente modificado para terminar en una nota tranquila pero distinta.
El andante se inicia con una figuración de terceto en el bajo soportando una melodía lánguida. Luego de una exposición reposada de la orquesta, el solista retoma el terceto y comparte la melodía con el conjunto. Hay breves momentos de "tristeza", pero en general el tono del movimiento es brillante y calmo.
El rondo final se inicia con la orquesta presentando un alegre y "saltarín" tema. Luego de una breve cadenza, el piano se une y elabora un poco más los temas. En apariencia el estilo es de pregunta-respuesta, con un intercambio fluido de roles por parte del piano y el conjunto. El solista usa las escalas y los arpegios para adornar los temas y una corta cadenza que transita a un tema principal. El tema principal se presenta una vez más, llevando el movimiento en sentido ascendente que termina en una nota triunfante.
Misa en Si menor (Johann Sebastian Bach)
La Misa en si menor o Gran Misa, es una obra compuesta por el compositor alemán Johann Sebastian Bach, catalogada como BWV 232. En el legado de C.P.E. Bach aparece como «Gran Misa Católica».
Según los investigadores, buena parte de sus 25 piezas son «parodias» ( en el sentido antiguo aplicado a este término, se refiere a un material original del propio autor reutilizado en una obra nueva).
La cronología de la misma no está muy clara, pero ciertos estudiosos proponen el año 1724 para la terminación del «Sanctus» como obra independiente, 1733 para la composición de la «Misa» (que constaría del «Kyrie» y «Gloria») y hacia 1748 composición del «Symbolum Nicenum» (Credo); desde ese año continuó la ampliación de la obra con la escritura del «Sanctus», composición y escritura de los restantes movimientos desde «Hosanna» hasta el «Dona nobis pacem» y encuadernación conjunta de todas las partituras.
En los últimos años de su vida, Bach amplió los movimientos que había escrito hasta completar la misa.
En la lectura del testamento de Bach, el manuscrito original fue a parar a manos de C. P. Emanuel Bach y adquirido más tarde por Nägeli. La primera interpretación pública tuvo lugar en 1834/1835 por la Berliner Singakademie dirigida por Rundhagen; el primer proyecto de edición data de 1816 por parte del editor Wesley.
Sinfonía 15 (Dimitrij Shostakovich)
La obra fue compuesta en Julio de 1.971, en Repino, sitio de descanso del compositor. Se estrenó en Moscú el 8 de enero de 1.972 bajo la batuta de su hijo, Maxim. Al no haber un libreto inspirador de su música, como en sus cuatro antecesoras, se considera la primera obra no programática de su autor compuesta desde la décima (1953). Su primer movimiento (Allegretto) resalta por el uso de la percusión y la flauta, lo que al inicio recuerda el ambiente de una juguetería que poco a poco va mostrando en sus estanterías juguetes cada vez más siniestros. Van surgiendo paráfrasis y parodias a melodías conocidas como la obertura Guillermo Tell de Rossini y otros embriones melódicos que van creando una especie de rompecabezas y la atmósfera se torna cada vez más oscura y agobiante, hasta que entramos en el segundo movimiento, un adagio de una economía magistral, pero que nos mantiene en las mismas profundidades. A continuación, el scherzo, realmente un allegretto postmahleriano que representa a la melodía estridente de un violín y una seguidilla, de una forma macabra que eriza los pelos a cualquiera. A pesar de su brevedad es un momento cumbre de la música occidental y es tal vez la respuesta de Shostakovich a los modernistas, demostrándoles que aun se puede llegar a extremos manteniéndose en la tonalidad. Finalmente la conclusión, un adagio donde se regresa al ambiente del primer movimiento, aunque de una forma más lúgubre, más simple y en decrescendo, con alegorías al Wagner del Crepúsculo de los Dioses, la sinfonía se va apagando lentamente, a cargo de la percusión, como un corazón que deja de latir.
Sinfonía 9 (Gustav Mahler)
La Sinfonía n.º 9 es la última que Mahler completó antes de su muerte. Compuesta entre 1908 y 1909 se estrenó de manera póstuma en junio de 1912 por la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Bruno Walter. Es una obra de una notable fuerza y sobrecogimiento, y es considerada por muchos como la mejor composición mahleriana. Es la muestra más elocuente - junto a la La canción de la Tierra y la incompleta décima sinfonía - de la maestría que el compositor alcanzó al final de su vida.
Tristan y Isolda (Richard Wagner)
Tristán e Isolda (título original en alemán, Tristan und Isolde) es una ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en gran medida en el romance de Godofredo de Estrasburgo. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow. Wagner no la llamaba ópera sino Eine Handlung, que se traduce como «drama musical»; este término lo usó el dramaturgo español Calderón para sus dramas. Forma parte del Canon de Bayreuth.
La composición de Wagner de Tristán e Isolda fue inspirado por su aventura con Mathilde Wesendonck y la filosofía de Arthur Schopenhauer. Reconocida ampliamente como una de las cumbres de su repertorio operístico, Tristán destaca por el uso avanzado de Wagner del cromatismo, la tonalidad, el color orquestal y suspensión armónica. El primer acorde de la ópera, llamado el «acorde de Tristán», se considera de gran importancia en el desarrollo de la armonía tonal tradicional.
La ópera fue muy influyente entre los compositores clásicos occidentales y proporcionó inspiración a compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss, Karol Szymanowski, Alban Berg y Arnold Schoenberg. Muchos ven Tristán como el comienzo del fin de la armonía convencional y la tonalidad y consideran que establece la base para la dirección de la música clásica en el siglo XX.2
Requiem (Giussepe Verdi)
Tras el éxito de Aida (1871), Verdi se retiró durante un largo período de la composición operística, hasta 1887, con Otello. No se abstuvo, sin embargo, de componer otro tipo de obras y la más importante de este período es la Misa de Requiem (a veces llamada simplemente Requiem).
De hecho, pensaba desde hace algún tiempo componer un réquiem en colaboración con otros compositores, como un homenaje a Rossini después de su muerte en 1868, (obra conocida como la Misa para Rossini del que Verdi compuso el Libera me Domine).1
Verdi quedó muy impresionado por la muerte de su compatriota Alessandro Manzoni, que se produjo en 1873.2 Manzoni, como Verdi, estaba muy comprometido con la unidad de Italia llevada a cabo unos años antes, compartiendo con él los valores típicos del Risorgimento, la justicia y la libertad. Su muerte, por lo tanto, supuso una oportunidad para hacer realidad el viejo proyecto de componer, esta vez toda la misa, algo a lo que daba Verdi vueltas desde un encuentro anterior entre ambos en Milán.3
El Libera me Domine lo obtuvo de la Misa para Rossini. El réquiem de Verdi se ofreció a la ciudad de Milán representándose en el primer aniversario de la muerte de Manzoni en 22 de mayo de 1874, en la Iglesia de San Marcos de Milán.4 El éxito fue enorme y la fama de la composición superó las fronteras nacionales.
En 1875 Verdi hizo una revisión de la porción denominada Liber scriptus.
Brandenburger Concertos (Johann Sebastian Bach)
Título en la partitura autógrafa: «Concerto 1mo à 2 Corni di Caccia, 3 Hautb, è Bassono, Violino Piccolo concertato, 2 Violini, una Viola col Basso Continuo.»1
Duración: unos 22 minutos.
Instrumentación: 2 trompas naturales, 3 oboes, fagot, violín piccolo, 2 violines, viola, violonchelo y bajo continuo. El violín piccolo lleva el peso concertante de la obra.
Movimientos:
[sin indicación de tempo] (normalmente interpretado como Allegro o Allegro moderato)
Adagio (en re menor)
Allegro
Menuet – Trio I – Menuet da capo – Polacca – Menuet da capo – Trio II – Menuet da capo
El primero de la serie de conciertos se halla formalmente entre el concerto grosso y el concierto para solista. Es el único que consta de cuatro movimientos. Los tres primeros siguen la estructura tradicional italiana (Allegro-Adagio-Allegro). El cuarto es un extenso Menuetto de inspiración francesa, con tres tríos (una sección intermedia que constrasta en cuanto a carácter y orquestación, confiada a un pequeño grupo de instrumentos), el segundo de los cuales es una polonesa o polacca.4 Es precisamente este movimiento el más sorprendente y original de la partitura, todo un dechado de invención instrumental, por ejemplo en el último trío, en el que parecen resonar en las trompas los ecos de una cacería.
Una versión previa (Sinfonia, BWV 1046a), que no utiliza el violín piccolo, fue empleada como introducción de la cantata Was mir behagt, ist nur die muntre Jagd, BWV 208. Esta versión carece de tercer movimiento y la polacca del movimiento final quedando de la siguiente manera: Menuet – Trio I – Menuet – Trio II – Menuet. El primer movimiento también aparece como la sinfonía de la cantata Falsche Welt, dir trau ich nicht, BWV 52. El tercer movimiento se utilizó como coro de entrada de la cantata Vereinigte Zwietracht der wechselnden Saiten, BWV 207.9
Concerto para Orquesta (Bela Bartok)
La obra combina elementos de música culta occidental y música folclórica, especialmente húngara, y se aparta de la tonalidad tradicional, a menudo mediante el uso de modos tradicionales y escalas no convencionales.
El mismo Béla Bartók dio explicaciones sobre el nombre y el sentido de la obra. Por un lado, "El título de esta especie de sinfonía proviene de su tendencia a tratar los instrumentos de la orquesta de una manera concertante, casi como si fueran solistas", lo que es especialmente notoria en el segundo movimiento . Por otra parte, "La atmósfera general de la obra - aparte del juguetón segundo movimiento - representa una transición gradual de la austeridad del primer movimiento y el lúgubre canto de muerte del tercero, hasta la afirmación vital del último. "
Sinfonía 4 (Johannes Brahms)
La sinfonía n.º 4 en mi menor, op. 98, es la última sinfonía compuesta por Johannes Brahms. Se originó en las vacaciones de verano que disfrutó el compositor en Mürzzuschlag en 1884 y 1885. Fue estrenada bajo la dirección del compositor el 25 de octubre de 1885 en Meiningen. Una semana después el director Hans von Bülow acompañó a la Meininger Hofkapelle en una gira por Alemania oriental y Holanda.
Quinteto de cuerdas (Franz Schubert)
El quinteto para cuerdas en Do mayor, una de las obras cumbres de la música de cámara de todos los tiempos, fue completado sólo semanas antes de su muerte. Y su estreno tuvo lugar veintidós años después, en 1850. Su publicación... tres años después del estreno.
La obra está escrita para dos violines, una viola e inusualmente, dos violoncellos (lo habitual era doblar las violas, no los cellos). Consta de cuatro movimientos. Aquí se presenta el segundo, adagio. Una melodía desarrollada del modo más simple imaginable pero de extraordinaria belleza da inicio al movimiento. En la parte central surge un quiebre y se torna más brioso. Hacia el final se retoma la idea inicial, para terminar en un clima de lirismo todavía más intenso.
Cuarteto 4 (Bela Bartok)
El propio compositor, Béla Bartók describe el cuarteto: “La obra consta de cinco movimientos; su ‘carácter’ corresponde a la forma sonata clásica. El movimiento lento es el centro de la obra; el resto de los movimientos se disponen como si fueran capas a su alrededor. El cuarto movimiento es una variación libre del segundo, y el primero y el quinto tienen el mismo material temático. Esto es, alrededor del centro (tercer movimiento), metafóricamente hablando, el primero y el quinto son las capas extremas, y el segundo y el cuarto, las internas.”
Cuarteto de cuerdas Nro.14 (Ludwig Van Beethoven)
El cuarteto de cuerdas n.º 14 en Do sostenido menor Opus 131 de Ludwig van Beethoven fue compuesto hacia 1826 y está dedicado al Barón Joseph von Stutterheim.
Dura aproximadamente 40 minutos.
Quinteto para piano y cuarteto de cuerdas (Shostakovich)
Cinco movimientos, los dos primeros un Preludio y una Fuga al modo de Bach, pero con sonoridad ora salvaje, ora reflexiva y desesperado. El tercer movimiento es un aquelarre, en el estilo que en este compositor siempre se llama sarcástico. El cuarto (Intermezzo) es uno de los movimientos más bellos de la música que yo conozco: ese violoncello marcando el camino con sus pizzicati a todos los demás, que parecen observar ya sin las lágrimas en los ojos, los restos de alguna batalla cercana a sus vidas. Y de repente nos lleva de esta desesperada tranquilidad a la alegría de la habanera del Finale, de vuelta a la vida.
Triple Concerto (Beethoven)
El concierto para violín, violonchelo y piano en do mayor, op. 56, es una obra escrita por Ludwig van Beethoven y conocida comúnmente como su Triple concierto. Fue compuesta entre 1804 y 1805. Fue estrenada en 1808 en los conciertos de verano "Augarten" de Viena.
Este es el único concierto que compuso Beethoven para más de un instrumento solista. Uno de los primeros biografos del compositor, Anton Schindler, sostenía que el Triple concierto fue escrito para el pupilo de Beethoven, el archiduque Rodolfo de Austria. El archiduque, que bajo el tutelaje de Beethoven logró ser un consumado pianista y compositor, era apenas un joven cuando se compuso la pieza, y esta sería la razón por la cual la parte para piano es a la vez vistosa y fácil, soportada por otros dos solistas más maduros y hábiles. Sin embargo, no hay conocimiento de que Rodolfo interpretara la pieza. Al momento de su publicación, la dedicatoria era para otro de sus mecenas, el Príncipe Lobkowitz.
Misa Glagolitica (Leo Janacek)
La Misa Glagolítica es una de las cumbres creativas de Leos Janácek y el resumen de su pensamiento musical al final de su carrera. Fue compuesta de un tirón, en menos de un mes de vacaciones pasadas por agua que pasó en un pequeño pueblo de Moravia en Agosto de 1926. Se estrenó el 5 de Diciembre de 1927 en un concierto de la Sociedad Filarmónica de Brno con los solistas, coro y orquesta de la Ópera de Brno dirigidos por Jaroslav Kvapil.
Consagración de la primavera (Igor Stravinsky)
La consagración de la primavera (original en francés, Le Sacre du printemps; en inglés, The Rite of Spring; en ruso, Весна священная) es un ballet en dos actos basado en la Rusia pagana (L'adoration de la terre y Le sacrifice), con música del compositor ruso Ígor Stravinski y coreografía de Vaslav Nijinsky creado para los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev. Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones en armonía, ritmo y timbre. Fue estrenada en París en el Thé"tre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux como director de orquesta. Tuvo gran rechazo en su época, provocando que en el segundo acto se tuviera que contener al público.
El título en español se traduce de la versión original francesa: Le sacre du printemps, con el que fue estrenado. No obstante, su título en ruso es: Весна священная, que significa, literalmente: Primavera, la sagrada. En la partitura se agrega al título la siguiente frase: "Imágenes de la Rusia pagana". El escándalo que acompañó a esta representación fue célebre y se criticó tanto la música de Stravinski como la coreografía de Nizhinski.
Sinfonía 9 (Antonin Dvorak)
Dvořák estaba interesado en música americana nativa y los espirituales afroamericanos que escuchó en Estados Unidos. A su llegada a América declaró:
«Estoy convencido de que el futuro de la música en este país debe basarse en lo que se llama 'negro melodies'. Estas pueden ser el fundamento de una escuela seria y original de composición, a desarrollar en los Estados Unidos. Estos hermosos y variados temas son producto de la tierra. Son las canciones folclóricas de América y los compositores americanos deben recurrir a ellas.»1
Un día antes de su estreno, en un artículo publicado en el New York Herald el 15 de diciembre de 1893, Dvořák explicó cómo la música nativa americana había sido una influencia en esta sinfonía:
«En realidad no he utilizado ninguna de las melodías de los nativos americanos. Simplemente he escrito temas originales que incorporan las peculiaridades de la música indígena y usando estos temas como sujetos, los he desarrollado con todos los recursos del ritmo, el contrapunto y el color orquestal modernos.2
En el mismo artículo, Dvořák afirmó que veía en el segundo movimiento un boceto o estudio para un trabajo posterior, quizá una cantata o una ópera que estarían basadas en La canción de Hiawatha, de Longfellow", aunque nunca escribió semejante pieza. También escribió que el scherzo del tercer movimiento "le sugería la escena de la fiesta en Hiawatha, donde bailan los indios".
A pesar de todo esto, se suele considerar que, como muchas otras de las obras de Dvořák, este trabajo tiene más en común con la música popular de su Bohemia natal que con los Estados Unidos. Leonard Bernstein afirmó que la obra era realmente multirracial en sus bases.
La terrible experiencia de la armonía y la invención (Antonio Vivaldi)
Il cimento dell'armonia e dell'invenzione (en español "La lucha entre la armonía y la invención" aunque la traducción correcta sería La terrible experiencia de la armonía y la invención). Es un conjunto de doce conciertos escritos por Antonio Vivaldi entre 1723 y 1725, publicados el mismo año como Op. 8.1
Estos conciertos son para violín solista, cuerdas y bajo continuo. Los cuatro primeros conciertos son conocidos como Las cuatro estaciones (Le Quattro Stagioni).2 3
Sinfonía Fantástica (Hector Berlioz)
La sinfonía posee un argumento muy detallado. Por esta razón se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros. El argumento es el siguiente:
Un joven músico desesperado ha tomado opio y, en un largo sueño, tiene una serie de visiones y pesadillas, con la idea de su amada viniendo una y otra vez a su cabeza. Recuerda las alegrías y depresiones del pasado, antes de que ella entrase en su vida, y luego el neurótico celoso en que se convirtió cuando ella entró en su vida, teniendo el único consuelo de la religión.
El segundo movimiento evoca la música de un baile, en el que con los giros de la danza, vislumbra a su amada otra vez.
El tercer movimiento fue muy difícil para Berlioz. En el campo, dos pastorcillos entonan una melodía con sus flautas para llamar a sus vacas. Todo es tranquilidad hasta que la amada aparece de nuevo, provocando inquietud en el héroe. El otro pastorcillo toca su flauta, pero esta vez no hay respuesta. En ese momento, el sol se pone acompañado de un trueno distante. Luego, predomina el silencio en la escena.
El cuarto movimiento es la Marcha al Cadalso: Sueña que ha asesinado a su amada y que ha sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecución. La procesión se mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnífica, durante la cual el torpe sonido de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el último pensamiento de amor cortado de golpe por la muerte.
El movimiento final es un aquelarre,una salvaje celebración demoníaca. La imagen de la amada parece ahora una agudísima burla. Las campanas de la muerte se oyen por encima del himno Dies Irae del juicio final y se mezclan con la danza. La música de las campanas de la muerte en este movimiento ha sido utilizada por Wendy Carlos en las bandas sonoras de La naranja mecánica y El resplandor.
Cuarteto para el fin de los tiempos (Oliver Messiaen)
Los ocho movimientos no utilizan el cuarteto completo (clarinete, violín, violonchelo y piano); el tercero (Abismo de los pájaros) es para clarinete solo, el cuarto es el Intermedio para trío ya citado, los movimientos cuarto y quinto, las dos Alabanzas —a la eternidad de Jesús y a la inmortalidad de Jesús— proponen sendos dúos, para violonchelo y piano y para violín y piano, respectivamente. Solamente el séptimo —Confusión de arcos iris, para el Ángel que anuncia el fin del tiempo— es irregular en su distribución instrumental, con diferentes secciones en las que se alternan un dúo (chelo y piano), un trío (violín, clarinete y piano) y el tutti, con lo que se sitúa exactamente en las antípodas del sexto —Danza del furor para las siete trompetas—, escrito en forma de monodia tocada al unísono (en octavas) por los cuatro instrumentos.
Juegos (Claude Debussy)
Es el ultimo trabajo orquestado de Debussy.
Lo esencial del Jazz
Kind Of Blue (Miles Davis)
A finales de 1958 Miles Davis conjuntó a uno de las mejores y más prolíficas bandas en el hard bop, su formación estaba integrada por Cannonball Adderley en el saxofón alto, John Coltrane en el saxofón tenor, Wynton Kelly y Bill Evans en los pianos, Paul Chambers (que venía trabajando con Miles desde hacía tiempo) en el contrabajo y Jimmy Cobb en la batería. Su banda tocaba una mezcla de los estándares pop y bebop propios de otros jazzistas reconocidos como Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron; al igual que todas la composiciones jazz basadas en el bebop, los grupos de Davis improvisaban en los cambios de acordes.13
En 1953, el pianista George Russell publicó su tratado Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (Concepto Lidio Cromático de Organización Tonal), que presentó una alternativa en la práctica de la improvisación. En ésta Russell abandonaba las relaciones entre las escalas mayores y menores tradicionales en la música occidental, y desarrollo una nueva formulación usando una escala o unas series de escalas para la improvisación, que con el tiempo llegaron a conocerse en el jazz como "escalas modales" y que dio surgimiento a futuro del jazz modal.14
Influenciado por las ideas de Russell, Davis decidió implementar sus primeras composiciones modales, una fue "Milestones", incluida en el álbum del mismo nombre editado en 1958, y las siguientes llegaron en las sesiones de su producción 1958 Miles, en las que estuvo acompañado del pianista Bill Evans. Davis quedó satisfecho con los resultados obtenidos y preparó un álbum completo basado en la modalidad.3 Evans, que era discípulo de Russell y que recientemente había abandonado al sexteto de Davis para impulsar su carrera como solista, regresó a un banquillo ocupado por el jamaicano Wynton Kelly para las grabaciones del que sería más adelante Kind of Blue.15 Miles Davis declaró: "Wynton llegó justo antes de entrar en el estudio para grabar Kind of Blue, pero yo ya había planeado aquella sesión pensando en el estilo de Bill Evans"
Saxophone Improvisations (Anthony Braxton)
Escalator Over The Hill (Carla Bley)
Carla Bley es una de las mejores compositoras de jazz de los últimos 40 años, además de pianista, organista y vocalista ocasional. Nacida en Oakland, California, en 1938, y bautizada como Carla Borg, se cria en un ambiente musical y religioso y desde muy pequeña participa tocando el piano y cantando en el coro en muchas ceremonias. A mediados de los´50, interesada en el jazz, se traslada a Nueva York, donde sobrevive tocando el piano en clubs y vendiendo cigarrillos, hasta que conoce al que sería su marido, el conocido pianista canadiense Paul Bley. Este le anima a empezar a componer música para su banda, y juntos comienzan una profunda relación tanto musical como personal. En 1964, Carla, el que sería su segundo marido poco después, el trompetista Michael Mantler y otros músicos forman la Jazz Composers' Guild Orchestra que después pasaría a ser la Jazz Composers' Orchestra Association (JCOA). Con estas formaciones, de naturaleza inquieta e innovadora, Carla madura como compositora, destacando los temas de “A Genuine Tong Funeral”, que sería adoptado por el vibrafonista Gary Burton y publicado en 1967, con la colaboración de varios miembros de la Jazz Composer’s Orchestra, o las piezas que compuso para el primer álbum de la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, publicado en 1969.
A principios de 1967, el poeta Paul Haines, le envió un poema a Carla Bley, que estaba trabajando en la composición "Detective Writer Daughter" ( que después formaría parte de la obra que nos ocupa). Las lineas de Haines iban a la perfección con la música que Bley había compuesto, y de esta forma decidieron escribir una especie de "ópera" juntos, aunque Haines vivia en Nuevo Mexico y prontó se trasladó a dar clases a La India. Bley, a raíz de la sorpresa que le causó la aparición de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles, ya tenía pensado grabar, como disco debut, un álbum conceptual. Durante tres años Haines continuó enviando sus textos para que Carla Bley les pusiera música. Estos escritos no tienen un significado muy claro, lo que hace que el libreto de la obra sea de difícil comprensión. Aunque la trama se desarrolla en un hotel, y las letras son puestas en boca de algunos de sus clientes, no hay una intencionalidad de crear una trama que pueda seguirse, lo que seguramente hizo que en lugar de utilizarse la palabra “Ópera” al publicarse el disco, se utilizara el término “Chronotransduction”, creado por una amiga de Haines, y de difícil traducción. Luego llegó el momento de buscar al personal que tenía que interpretar la obra. En un principio, no fue una tarea difícil, ya que tanto Bley como su marido el trompetista Michael Mantler pertenecian a la Jazz Composer´s Orchestra, y tenian alrededor a gente como Roswell Rudd, Charlie Haden, Gato Barbieri,etc..., pero había que buscar también vocalistas. A esto se le añadía la complicación de buscar financiación para el proyecto, ya que las negociaciones con algunos sellos no funcionaron, y decidieron crear su propia discográfica, JCOA (Jazz Composer Orchestra Asociacion), para publicar el disco. La primera inyección de dinero provino de Sherry y Sue Speeth, amigos de Paul, que donaron 15.000 dolares. A esta le siguieron otras pequeñas donaciones de otros amigos, pero el dinero no alcanzaba para finalizar la obra, así que se decidió utilizar a algunos músicos que no cobraran por su participación, naciendo así la "Amateur Hotel Lobby Band", compuesta por músicos no profesionales. Un prestamo final de 30.000 dolares en junio de 1971, permitió la finalización de la obra.
A Love Supreme (John Coltrane)
A Love Supreme es un álbum de jazz grabado por el cuarteto de John Coltrane el 9 de diciembre de 1964 en el estudio de Rudy Van Gelder en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. El disco es una suite en cuatro partes, que se corresponden con sendos temas: Acknowledgement (que contiene el famoso mantra que da nombre a la suite), Resolution, Pursuance y Psalm. Fue concebido como un disco espiritual, representativo de una búsqueda personal de pureza por parte de Coltrane. El tema final se corresponde con la letra de un poema piadoso incluido en las notas de presentación del disco.
Una versión alternativa de "Acknowledgement" fue grabada al día siguiente. Esta versión incluyó la participación del saxo tenor Archie Shepp y del bajista Art Davis. La única interpretación grabada en directo de la suite Love Supreme, en 1965 en Antibes, Francia, fue también remasterizada y realizada en un doble disco en 2002 por Impulse! Records junto con el disco original y tomas adicionales.
A Love Supreme es habitualmente considerado como uno de los discos de jazz más importantes de la historia. En una encuesta de 2005 del canal inglés de televisión Channel 4 para elegir los mejores discos de la historia, alcanzó el puesto número 82[1]. En otra encuesta (Rolling Stone's list of the 500 greatest albums of all time) llegó al puesto 47 y está reconocido como uno de los tres más importantes en Rate Your Music's Top Albums of All-time list. Los elementos de libertad armónica reconocibles en el disco indican los cambios que se irían a producir en la música de Coltrane.
Will Downing lanzó una versión Rhythm & Blues del tema principal, con la cooperación de la viuda de John Alice Coltrane, que alcanzó el número 14 en la UK singles chart en 1988.
La suite también aparece en cuatro pistas del álbum de 2002 del Branford Marsalis Quartet titulado Footsteps of our Fathers.
Mu (Don Cherry)
The Shape Of Jazz To Come (Ornette Coleman)
The shape of jazz to come es un álbum musical de free jazz, grabado y lanzado originalmente en 1959 por el saxofonisata estadounidense Ornette Coleman. Fue uno de los primeros discos de vanguardia y en él ya se mostraban los elementos esenciales del free jazz. Se grabó con un cuarteto sin piano, y produjo un gran impacto, al contener estructuras armónicas muy poco reconocibles y utilizar la improvisación simultánea.
En 2003, el álbum fue considerado en el puesto número 246 de la lista de los "500 discos más importantes de la historia", de la revista Rolling Stone. Chris Kelsey en su ensayo "Free Jazz: A Subjective History" lo considera uno de los 20 discos esenciales de la historia del jazz.1 "La Guía Penguin de Jazz" le da, por su parte, la máxima puntuación posible y un reconocimiento especial (Crown).2
Spiritual Unity (Albert Ayler)
Atlantis (Sun Ra)
The Black Saint & The Sinner Lady (Charles Mingus)
El álbum está escrito como si de un ballet se tratara, contándose entre sus influencias compositores de jazz como Duke Ellington y la música latina. Las orquestaciones y el empleo de superposiciones y capas de instrumentos en el álbum hacen de este trabajo uno de los mejor considerados en ese aspecto.
Lo esencial del Rock
The Velvet Underground & Nico (The Velvet Underground & Nico)
La temática del disco se centraba en tópicos como el uso y abuso de drogas, la prostitución, el sadismo y masoquismo, y las desviaciones sexuales, éste trasfondo oscuro fue considerado revolucionario en su tiempo.4 La música fue obra principalmente casi exclusiva del guitarrista y cantante Lou Reed. La portada de la producción estuvo diseñada por el propio Warhol, se trata de la imagen de un plátano pop con una invitación a que se lo pele ("Peel slowly and see". En diferentes ediciones del álbum, incluida la primera, el plátano es una calcomanía que tapa una imagen fálica ("plátano" rosado sin cáscara). La contraportada de la primera edición contenía una proyección del show Exploding Plastic Inevitable.
Faust (Faust)
La música de Faust esta marcadmente encajada en la vanguardia, incluso quizá mas que en el rock. un aire de Expresionismo, Dadaismo y de Musique Concrete son la base de sus composiciones; Llenas de elementos teatrales y de cantos guerreros, letras mayormente sin sentido, bastante surrealistas.
El primer corte, Why Don't You Eat Carrots, es una de las máximas obras maestras del Rock, un collage sonico al estilo de Frank Zappa que dasafia cualquier pieza concebida antes de ella (incluso por el mismo Zappa). Empieza con una "ráfaga radioactiva" (como lo describe Piero Scaruffi), una distorsión de ruido blanco que nos conduce al sampleo de dos canciones harto conocidas como lo son Satisfaction de The Rolling Stones y All You Need Is Love de The Beatles que están subordinadas ante este "muro" que actúa como pared sonica y aparentemente sin dejar libre a nada. podría interpretarse como una lucha, entre dos géneros de música bastante distanciados, el pop y la vanguardia, uno termina siendo absorbido por la inconsistencia, disociación, densidad del otro, como un hombre tragado por un monstruo. luego una frase musical pianistica improvisada, nos conduce al primer cuerpo de la canción: un frase (de música de cabaret) que se repite constantemente, con un cierto aire a "absurdo", domina toda la sección hasta que se produce el primer quiebre; aquí es notoria la influencia del compositor, también alemán, Karlheinz Stockhausen y su manipulación electrónica, en especial la de la obra maestra "Gesang Der Junglinge" de la que se puede oír muchas similitudes con esta sección. Luego, retorna la frase con una improvisación de fondo, que nos hace creer aún más en la teoría del absurdo, la patético pared sonora le otorga un carácter de "marcha sin sentido" al solo de saxofón que la acompaña. hasta que todo estalla en un riff de guitarra que solo anuncia a las voces de estos genios "recitando" mensajes sin sentido (tal vez a la inconsistencia de la vida) mientras los acompaña el arrollador riff. luego hacemos un parentesis para insertar otro pedazo del collage, una sección recitada de alguna obra teatral, con diálogos en alemán. finalmente termina en el riff inicial, que se desvanece en una nube de ruido como al inicio.
La segunda es Meadow Meal, con un inicio tenebroso, rico en elementos de musiqué concrete y sampleos, partes disociadas que inducen a pensar en el desorden y en el caos, una atmósfera nocturna rodea estos primeros minutos. Hasta que un arpegio (introduciéndonos en un nuevo universo de densidad sonora) que aparece de la nada nos lleva al recital, una sarta de palabras igualmente carentes de sentido (Dadaismo), de pronto pasamos a un monstruoso y demente riff de guitarra. Finalmente todo termina en una tormenta y un sonido celestial que actúa como contrapunto, como de ángeles descendiendo en el caos de la noche, como tratando de combinar lo incombinable.
Sin embargo estas dos solo estaban preludiando a la verdadera obra maestra, probablemente la pieza más completa, densa, terrorífica y épica de las tres, la monstruosamente bella Miss Fourtune. Esta sinfonía del caos y el absurdo nace como una composición psicodelica, un collage sónico de piezas y piezas superpuestas que nos induce (aparte de un hipnótico trance) a pensar en el tema recurrente del disco: lo disociado, la incoherencia, lo inconexo y más principalmente el absurdo. Conduciada por un ritmo Motorik (como era usual en el Krautrock y siempre en crescendo, parece una danza homenaje a la inconsistencia, al caos y al absurdo . Después de la hipnosis, una pieza de música vanguardista hace su aparición. Es algo notorio en la música de Faust el uso del "Silencio Tetrico", es decir en los momentos de supuesta calma siempre puede escucharse un débil sonido de fondo aterrador, misterioso del que nunca se pùede escapar, uno queda atrapado en la música, a pesar de su no-presencia. así empieza esa sección, hasta que una voz pronuncia las primeras frases irreconocibles, un lamento acompañado por una marcha fúnebre que no pierde el sin-sentido, la tenebrosidad y lo malefico, que ya es característico. Después de este estado de inconsciencia, empieza a surgir una voz distorsionada aún más tetrica, casi demoniaca, viniendo desde el fondo de lo más oscuro del ser, una carcajada moribunda; acompañada por un sonido electrónico que oscila frecuentemente que nos van llevando, presagiando a la conclusión de algo, de la existencia. he aquí donde todo termina, todo se corta y se queda en silencio, pero es solo un silencio de tensión, del cual sabemos que vendrá la conclusión; al final, con estas palabras resumen la existencia: Are We Supossed To Be Or Not To Be (se supone que debemos ser o no ser). todo un fragmento le sigue, tratando de explicar el sentido de las cosas en su conjunto. con estas palabras termina esta canción que es como un ensayo del sentido y del movimiento mas primigenio de la vida.
Lamentablemente y pese a haber compuesto una de las mayores obras del pensamiento humano, Faust no tuvo casi ningún éxito de ventas. pero fue aclamado por la crítica musical del momento.
Close To The Edge (Yes)
Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos.
Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción "épica" mucho más larga que las otras, ocupando completamente una cara del disco. Esto volvió a repetirse en los álbumes Relayer (que incluyó "The Gates of Delirium" y Going for the One (que incluyó "Awaken".
Se trata de una composición soberbia, sumamente ordenada en la que cada voz instrumental ha recibido gran cuidado en su factura. Rítmicamente contiene pasajes de métrica variada. En el caso del tema "close..." se observa también superposición de acentuaciones, algo que en el rock no se conocía. Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción "Close to the Edge" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y "Siberian Khatru" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
La estructura de "Close to the Edge" guarda relación con ciertos temas básicos en la novela de Hesse, que narra la vida de Brahmin Siddartha de los 18 a los 60 años, y en donde resaltan dos tópicos: el contraste entre el mundo espiritual y el material, y la idea de que la unidad de todas las cosas es experimentada en un reino eterno. La novela se divide en tres partes en las cuales Siddartha experimenta la vida del asceta, la del mundo material y sensual y el iluminamiento por el río, que actúa como símbolo de eternidad a lo largo de la novela, y es la imagen central alrededor del cual se desarrolla la historia. Afirma de inmediato que no debemos entender la pieza de Yes como una reproduccion de la novela o algún personaje.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el nº4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el nº3 en Estados Unidos.
Trout Mask Replica (Captain Beefheart & His Magic Band)
Trout Mask Replica es el tercer disco de estudio de Captain Beefheart & His Magic Band. El álbum fue producido por Frank Zappa, amigo de Don Van Vliet (Beefheart). Realizado en el año 1969 se considera una pieza fundamental en la música experimental, combinando Blues-Rock, Rock Psicodélico y Free-Jazz; serviría de gran influencia en muchas bandas Post-Punk.
es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).
Lo esencial de la música clásica
Novena Sinfonía (Ludwig Van Beethoven)
En 1817 la Sociedad Filarmónica de Londres encargó la composición de la sinfonía. Beethoven comenzó a componerla en 1818 y finalizó su composición a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la carrera de Beethoven.
El poema de Friedrich Schiller An die Freude (noviembre 1785), traducido como A la Alegría, y conocido como Oda a la alegría que Schiller publicó en 1786 en la primera versión y 1808 póstumo en la versión definitiva (classica), provocó en Beethoven la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años.
La introducción a la parte vocal de la sinfonía provocó varios problemas a Beethoven. Sobre esto el amigo y biógrafo de Beethoven Anton Schindler escribió:
Cuando empezó a componer el cuarto movimiento la lucha comenzó como nunca antes. El objetivo fue encontrar un modo correcto de introducir la oda de Schiller. Un día Beethoven entró a un cuarto y gritó:'¡Lo tengo, ya lo tengo!', entonces me mostró el cuadernillo con las palabras Déjenos cantar la oda del inmortal Schiller
Sin embargo, Beethoven nunca mantuvo esta versión, siguió reescribiendo hasta llegar a la forma final, con las palabras: "O Freunde, micht diese Töne".
El movimiento cultural Sturm und Drang (tempestad y emoción), en las décadas finales de siglo supone la disolución de las formas cortesanas acentuando la libertad y el sentimiento y rechazando el racionalismo riguroso, anticipa lo que será el romanticismo.
Beethoven encarna el tránsito del estilo clásico al estilo romántico rompiendo el esquema cerrado de las formas musicales para adaptarlas a esta incipiente libertad individual. Es uno de los primeros músicos que viven de lo que venden componiendo, algo que comenzó a hacer Mozart, creando un precedente en el oficio de compositor, despegándose del mecenazgo al que están sometidos otros músicos como Haydn.
Sinfonía 9 en C Mayor ''La Grande'' (Franz Schubert)
La Sinfonía n.º 9, D. 944, en do mayor, conocida como la Grande, es la última sinfonía compuesta por Franz Schubert. Se cree que fue compuesta entre 1825 y 1826, y fue estrenada el 21 de marzo de 1839, once años luego de la muerte del compositor, en Leipzig bajo la dirección de Félix Mendelssohn.1
En octubre de 1826 Schubert presentó la sinfonía a la Gesellschaft der Musikfreunde. La sociedad rechazó interpretarla y quedó olvidada hasta que en 1838 Robert Schumann encontró un manuscrito en casa del hermano del compositor, Ferdinand Schubert, en Viena.2 De regreso a Leipzig, hizo que la obra fuera interpretada por Mendelssohn, representación que fue alabada por el Neue Zeitschrift.
Acerca de su numeración existe cierta controversia ya que en los países de habla germánica se suele numerar como la séptima sinfonía, algunas versiones del catálogo de Otto Erich Deutsch la listan como la octava, y en los países de habla inglesa se suele usar el número nueve. Además, para distinguirla de la sinfonía n.º 6, también escrita en do mayor, se le agrega el apodo de grande, y a aquella, el de pequeña.
Concerto 21 en C K467 (Wolfgang Mozart)
Además del piano solista, la pieza está orquestada para una flauta, oboes, fagotes, trompas (todos estos en pares), tímbales y cuerdas.
Está estructurado en tres movimientos:
Allegro maestoso
Andante
Allegro vivace assai
El primer movimiento se inicia de forma tranquila con una alegre marcha en las cuerdas bajas que es respondida por las cuerdas altas y los vientos-madera. De seguida un alegre arrebato se mezcla con el tema principal. El piano hace una entrada tranquila con una configuración en forma de escala (compás 74) que desemboca en una corta cadenza (compás 79) que termina en un trino antes de que toda la orquesta repita el tema principal. El piano elabora un poco más antes de agregar otra idea en sol mayor, que es precedida por un pasaje en la extraña escala de sol menor (compás 109). El tema principal se presenta en sol mayor, y pasa por escalas por parte del solista mientras los vientos-madera interpretan una figura melancólica. Esto pronto transita al tranquilo inicio y una reexposición en la tonalidad principal de la idea presentada anteriormente en sol mayor. Pronto, el tutti lleva el movimiento a una cadenza antes de la orquesta lo concluya con la sección final del inicio, ligeramente modificado para terminar en una nota tranquila pero distinta.
El andante se inicia con una figuración de terceto en el bajo soportando una melodía lánguida. Luego de una exposición reposada de la orquesta, el solista retoma el terceto y comparte la melodía con el conjunto. Hay breves momentos de "tristeza", pero en general el tono del movimiento es brillante y calmo.
El rondo final se inicia con la orquesta presentando un alegre y "saltarín" tema. Luego de una breve cadenza, el piano se une y elabora un poco más los temas. En apariencia el estilo es de pregunta-respuesta, con un intercambio fluido de roles por parte del piano y el conjunto. El solista usa las escalas y los arpegios para adornar los temas y una corta cadenza que transita a un tema principal. El tema principal se presenta una vez más, llevando el movimiento en sentido ascendente que termina en una nota triunfante.
Misa en Si menor (Johann Sebastian Bach)
La Misa en si menor o Gran Misa, es una obra compuesta por el compositor alemán Johann Sebastian Bach, catalogada como BWV 232. En el legado de C.P.E. Bach aparece como «Gran Misa Católica».
Según los investigadores, buena parte de sus 25 piezas son «parodias» ( en el sentido antiguo aplicado a este término, se refiere a un material original del propio autor reutilizado en una obra nueva).
La cronología de la misma no está muy clara, pero ciertos estudiosos proponen el año 1724 para la terminación del «Sanctus» como obra independiente, 1733 para la composición de la «Misa» (que constaría del «Kyrie» y «Gloria») y hacia 1748 composición del «Symbolum Nicenum» (Credo); desde ese año continuó la ampliación de la obra con la escritura del «Sanctus», composición y escritura de los restantes movimientos desde «Hosanna» hasta el «Dona nobis pacem» y encuadernación conjunta de todas las partituras.
En los últimos años de su vida, Bach amplió los movimientos que había escrito hasta completar la misa.
En la lectura del testamento de Bach, el manuscrito original fue a parar a manos de C. P. Emanuel Bach y adquirido más tarde por Nägeli. La primera interpretación pública tuvo lugar en 1834/1835 por la Berliner Singakademie dirigida por Rundhagen; el primer proyecto de edición data de 1816 por parte del editor Wesley.
Sinfonía 15 (Dimitrij Shostakovich)
La obra fue compuesta en Julio de 1.971, en Repino, sitio de descanso del compositor. Se estrenó en Moscú el 8 de enero de 1.972 bajo la batuta de su hijo, Maxim. Al no haber un libreto inspirador de su música, como en sus cuatro antecesoras, se considera la primera obra no programática de su autor compuesta desde la décima (1953). Su primer movimiento (Allegretto) resalta por el uso de la percusión y la flauta, lo que al inicio recuerda el ambiente de una juguetería que poco a poco va mostrando en sus estanterías juguetes cada vez más siniestros. Van surgiendo paráfrasis y parodias a melodías conocidas como la obertura Guillermo Tell de Rossini y otros embriones melódicos que van creando una especie de rompecabezas y la atmósfera se torna cada vez más oscura y agobiante, hasta que entramos en el segundo movimiento, un adagio de una economía magistral, pero que nos mantiene en las mismas profundidades. A continuación, el scherzo, realmente un allegretto postmahleriano que representa a la melodía estridente de un violín y una seguidilla, de una forma macabra que eriza los pelos a cualquiera. A pesar de su brevedad es un momento cumbre de la música occidental y es tal vez la respuesta de Shostakovich a los modernistas, demostrándoles que aun se puede llegar a extremos manteniéndose en la tonalidad. Finalmente la conclusión, un adagio donde se regresa al ambiente del primer movimiento, aunque de una forma más lúgubre, más simple y en decrescendo, con alegorías al Wagner del Crepúsculo de los Dioses, la sinfonía se va apagando lentamente, a cargo de la percusión, como un corazón que deja de latir.
Sinfonía 9 (Gustav Mahler)
La Sinfonía n.º 9 es la última que Mahler completó antes de su muerte. Compuesta entre 1908 y 1909 se estrenó de manera póstuma en junio de 1912 por la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Bruno Walter. Es una obra de una notable fuerza y sobrecogimiento, y es considerada por muchos como la mejor composición mahleriana. Es la muestra más elocuente - junto a la La canción de la Tierra y la incompleta décima sinfonía - de la maestría que el compositor alcanzó al final de su vida.
Tristan y Isolda (Richard Wagner)
Tristán e Isolda (título original en alemán, Tristan und Isolde) es una ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en gran medida en el romance de Godofredo de Estrasburgo. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow. Wagner no la llamaba ópera sino Eine Handlung, que se traduce como «drama musical»; este término lo usó el dramaturgo español Calderón para sus dramas. Forma parte del Canon de Bayreuth.
La composición de Wagner de Tristán e Isolda fue inspirado por su aventura con Mathilde Wesendonck y la filosofía de Arthur Schopenhauer. Reconocida ampliamente como una de las cumbres de su repertorio operístico, Tristán destaca por el uso avanzado de Wagner del cromatismo, la tonalidad, el color orquestal y suspensión armónica. El primer acorde de la ópera, llamado el «acorde de Tristán», se considera de gran importancia en el desarrollo de la armonía tonal tradicional.
La ópera fue muy influyente entre los compositores clásicos occidentales y proporcionó inspiración a compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss, Karol Szymanowski, Alban Berg y Arnold Schoenberg. Muchos ven Tristán como el comienzo del fin de la armonía convencional y la tonalidad y consideran que establece la base para la dirección de la música clásica en el siglo XX.2
Requiem (Giussepe Verdi)
Tras el éxito de Aida (1871), Verdi se retiró durante un largo período de la composición operística, hasta 1887, con Otello. No se abstuvo, sin embargo, de componer otro tipo de obras y la más importante de este período es la Misa de Requiem (a veces llamada simplemente Requiem).
De hecho, pensaba desde hace algún tiempo componer un réquiem en colaboración con otros compositores, como un homenaje a Rossini después de su muerte en 1868, (obra conocida como la Misa para Rossini del que Verdi compuso el Libera me Domine).1
Verdi quedó muy impresionado por la muerte de su compatriota Alessandro Manzoni, que se produjo en 1873.2 Manzoni, como Verdi, estaba muy comprometido con la unidad de Italia llevada a cabo unos años antes, compartiendo con él los valores típicos del Risorgimento, la justicia y la libertad. Su muerte, por lo tanto, supuso una oportunidad para hacer realidad el viejo proyecto de componer, esta vez toda la misa, algo a lo que daba Verdi vueltas desde un encuentro anterior entre ambos en Milán.3
El Libera me Domine lo obtuvo de la Misa para Rossini. El réquiem de Verdi se ofreció a la ciudad de Milán representándose en el primer aniversario de la muerte de Manzoni en 22 de mayo de 1874, en la Iglesia de San Marcos de Milán.4 El éxito fue enorme y la fama de la composición superó las fronteras nacionales.
En 1875 Verdi hizo una revisión de la porción denominada Liber scriptus.
Brandenburger Concertos (Johann Sebastian Bach)
Título en la partitura autógrafa: «Concerto 1mo à 2 Corni di Caccia, 3 Hautb, è Bassono, Violino Piccolo concertato, 2 Violini, una Viola col Basso Continuo.»1
Duración: unos 22 minutos.
Instrumentación: 2 trompas naturales, 3 oboes, fagot, violín piccolo, 2 violines, viola, violonchelo y bajo continuo. El violín piccolo lleva el peso concertante de la obra.
Movimientos:
[sin indicación de tempo] (normalmente interpretado como Allegro o Allegro moderato)
Adagio (en re menor)
Allegro
Menuet – Trio I – Menuet da capo – Polacca – Menuet da capo – Trio II – Menuet da capo
El primero de la serie de conciertos se halla formalmente entre el concerto grosso y el concierto para solista. Es el único que consta de cuatro movimientos. Los tres primeros siguen la estructura tradicional italiana (Allegro-Adagio-Allegro). El cuarto es un extenso Menuetto de inspiración francesa, con tres tríos (una sección intermedia que constrasta en cuanto a carácter y orquestación, confiada a un pequeño grupo de instrumentos), el segundo de los cuales es una polonesa o polacca.4 Es precisamente este movimiento el más sorprendente y original de la partitura, todo un dechado de invención instrumental, por ejemplo en el último trío, en el que parecen resonar en las trompas los ecos de una cacería.
Una versión previa (Sinfonia, BWV 1046a), que no utiliza el violín piccolo, fue empleada como introducción de la cantata Was mir behagt, ist nur die muntre Jagd, BWV 208. Esta versión carece de tercer movimiento y la polacca del movimiento final quedando de la siguiente manera: Menuet – Trio I – Menuet – Trio II – Menuet. El primer movimiento también aparece como la sinfonía de la cantata Falsche Welt, dir trau ich nicht, BWV 52. El tercer movimiento se utilizó como coro de entrada de la cantata Vereinigte Zwietracht der wechselnden Saiten, BWV 207.9
Concerto para Orquesta (Bela Bartok)
La obra combina elementos de música culta occidental y música folclórica, especialmente húngara, y se aparta de la tonalidad tradicional, a menudo mediante el uso de modos tradicionales y escalas no convencionales.
El mismo Béla Bartók dio explicaciones sobre el nombre y el sentido de la obra. Por un lado, "El título de esta especie de sinfonía proviene de su tendencia a tratar los instrumentos de la orquesta de una manera concertante, casi como si fueran solistas", lo que es especialmente notoria en el segundo movimiento . Por otra parte, "La atmósfera general de la obra - aparte del juguetón segundo movimiento - representa una transición gradual de la austeridad del primer movimiento y el lúgubre canto de muerte del tercero, hasta la afirmación vital del último. "
Sinfonía 4 (Johannes Brahms)
La sinfonía n.º 4 en mi menor, op. 98, es la última sinfonía compuesta por Johannes Brahms. Se originó en las vacaciones de verano que disfrutó el compositor en Mürzzuschlag en 1884 y 1885. Fue estrenada bajo la dirección del compositor el 25 de octubre de 1885 en Meiningen. Una semana después el director Hans von Bülow acompañó a la Meininger Hofkapelle en una gira por Alemania oriental y Holanda.
Quinteto de cuerdas (Franz Schubert)
El quinteto para cuerdas en Do mayor, una de las obras cumbres de la música de cámara de todos los tiempos, fue completado sólo semanas antes de su muerte. Y su estreno tuvo lugar veintidós años después, en 1850. Su publicación... tres años después del estreno.
La obra está escrita para dos violines, una viola e inusualmente, dos violoncellos (lo habitual era doblar las violas, no los cellos). Consta de cuatro movimientos. Aquí se presenta el segundo, adagio. Una melodía desarrollada del modo más simple imaginable pero de extraordinaria belleza da inicio al movimiento. En la parte central surge un quiebre y se torna más brioso. Hacia el final se retoma la idea inicial, para terminar en un clima de lirismo todavía más intenso.
Cuarteto 4 (Bela Bartok)
El propio compositor, Béla Bartók describe el cuarteto: “La obra consta de cinco movimientos; su ‘carácter’ corresponde a la forma sonata clásica. El movimiento lento es el centro de la obra; el resto de los movimientos se disponen como si fueran capas a su alrededor. El cuarto movimiento es una variación libre del segundo, y el primero y el quinto tienen el mismo material temático. Esto es, alrededor del centro (tercer movimiento), metafóricamente hablando, el primero y el quinto son las capas extremas, y el segundo y el cuarto, las internas.”
Cuarteto de cuerdas Nro.14 (Ludwig Van Beethoven)
El cuarteto de cuerdas n.º 14 en Do sostenido menor Opus 131 de Ludwig van Beethoven fue compuesto hacia 1826 y está dedicado al Barón Joseph von Stutterheim.
Dura aproximadamente 40 minutos.
Quinteto para piano y cuarteto de cuerdas (Shostakovich)
Cinco movimientos, los dos primeros un Preludio y una Fuga al modo de Bach, pero con sonoridad ora salvaje, ora reflexiva y desesperado. El tercer movimiento es un aquelarre, en el estilo que en este compositor siempre se llama sarcástico. El cuarto (Intermezzo) es uno de los movimientos más bellos de la música que yo conozco: ese violoncello marcando el camino con sus pizzicati a todos los demás, que parecen observar ya sin las lágrimas en los ojos, los restos de alguna batalla cercana a sus vidas. Y de repente nos lleva de esta desesperada tranquilidad a la alegría de la habanera del Finale, de vuelta a la vida.
Triple Concerto (Beethoven)
El concierto para violín, violonchelo y piano en do mayor, op. 56, es una obra escrita por Ludwig van Beethoven y conocida comúnmente como su Triple concierto. Fue compuesta entre 1804 y 1805. Fue estrenada en 1808 en los conciertos de verano "Augarten" de Viena.
Este es el único concierto que compuso Beethoven para más de un instrumento solista. Uno de los primeros biografos del compositor, Anton Schindler, sostenía que el Triple concierto fue escrito para el pupilo de Beethoven, el archiduque Rodolfo de Austria. El archiduque, que bajo el tutelaje de Beethoven logró ser un consumado pianista y compositor, era apenas un joven cuando se compuso la pieza, y esta sería la razón por la cual la parte para piano es a la vez vistosa y fácil, soportada por otros dos solistas más maduros y hábiles. Sin embargo, no hay conocimiento de que Rodolfo interpretara la pieza. Al momento de su publicación, la dedicatoria era para otro de sus mecenas, el Príncipe Lobkowitz.
Misa Glagolitica (Leo Janacek)
La Misa Glagolítica es una de las cumbres creativas de Leos Janácek y el resumen de su pensamiento musical al final de su carrera. Fue compuesta de un tirón, en menos de un mes de vacaciones pasadas por agua que pasó en un pequeño pueblo de Moravia en Agosto de 1926. Se estrenó el 5 de Diciembre de 1927 en un concierto de la Sociedad Filarmónica de Brno con los solistas, coro y orquesta de la Ópera de Brno dirigidos por Jaroslav Kvapil.
Consagración de la primavera (Igor Stravinsky)
La consagración de la primavera (original en francés, Le Sacre du printemps; en inglés, The Rite of Spring; en ruso, Весна священная) es un ballet en dos actos basado en la Rusia pagana (L'adoration de la terre y Le sacrifice), con música del compositor ruso Ígor Stravinski y coreografía de Vaslav Nijinsky creado para los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev. Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones en armonía, ritmo y timbre. Fue estrenada en París en el Thé"tre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux como director de orquesta. Tuvo gran rechazo en su época, provocando que en el segundo acto se tuviera que contener al público.
El título en español se traduce de la versión original francesa: Le sacre du printemps, con el que fue estrenado. No obstante, su título en ruso es: Весна священная, que significa, literalmente: Primavera, la sagrada. En la partitura se agrega al título la siguiente frase: "Imágenes de la Rusia pagana". El escándalo que acompañó a esta representación fue célebre y se criticó tanto la música de Stravinski como la coreografía de Nizhinski.
Sinfonía 9 (Antonin Dvorak)
Dvořák estaba interesado en música americana nativa y los espirituales afroamericanos que escuchó en Estados Unidos. A su llegada a América declaró:
«Estoy convencido de que el futuro de la música en este país debe basarse en lo que se llama 'negro melodies'. Estas pueden ser el fundamento de una escuela seria y original de composición, a desarrollar en los Estados Unidos. Estos hermosos y variados temas son producto de la tierra. Son las canciones folclóricas de América y los compositores americanos deben recurrir a ellas.»1
Un día antes de su estreno, en un artículo publicado en el New York Herald el 15 de diciembre de 1893, Dvořák explicó cómo la música nativa americana había sido una influencia en esta sinfonía:
«En realidad no he utilizado ninguna de las melodías de los nativos americanos. Simplemente he escrito temas originales que incorporan las peculiaridades de la música indígena y usando estos temas como sujetos, los he desarrollado con todos los recursos del ritmo, el contrapunto y el color orquestal modernos.2
En el mismo artículo, Dvořák afirmó que veía en el segundo movimiento un boceto o estudio para un trabajo posterior, quizá una cantata o una ópera que estarían basadas en La canción de Hiawatha, de Longfellow", aunque nunca escribió semejante pieza. También escribió que el scherzo del tercer movimiento "le sugería la escena de la fiesta en Hiawatha, donde bailan los indios".
A pesar de todo esto, se suele considerar que, como muchas otras de las obras de Dvořák, este trabajo tiene más en común con la música popular de su Bohemia natal que con los Estados Unidos. Leonard Bernstein afirmó que la obra era realmente multirracial en sus bases.
La terrible experiencia de la armonía y la invención (Antonio Vivaldi)
Il cimento dell'armonia e dell'invenzione (en español "La lucha entre la armonía y la invención" aunque la traducción correcta sería La terrible experiencia de la armonía y la invención). Es un conjunto de doce conciertos escritos por Antonio Vivaldi entre 1723 y 1725, publicados el mismo año como Op. 8.1
Estos conciertos son para violín solista, cuerdas y bajo continuo. Los cuatro primeros conciertos son conocidos como Las cuatro estaciones (Le Quattro Stagioni).2 3
Sinfonía Fantástica (Hector Berlioz)
La sinfonía posee un argumento muy detallado. Por esta razón se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros. El argumento es el siguiente:
Un joven músico desesperado ha tomado opio y, en un largo sueño, tiene una serie de visiones y pesadillas, con la idea de su amada viniendo una y otra vez a su cabeza. Recuerda las alegrías y depresiones del pasado, antes de que ella entrase en su vida, y luego el neurótico celoso en que se convirtió cuando ella entró en su vida, teniendo el único consuelo de la religión.
El segundo movimiento evoca la música de un baile, en el que con los giros de la danza, vislumbra a su amada otra vez.
El tercer movimiento fue muy difícil para Berlioz. En el campo, dos pastorcillos entonan una melodía con sus flautas para llamar a sus vacas. Todo es tranquilidad hasta que la amada aparece de nuevo, provocando inquietud en el héroe. El otro pastorcillo toca su flauta, pero esta vez no hay respuesta. En ese momento, el sol se pone acompañado de un trueno distante. Luego, predomina el silencio en la escena.
El cuarto movimiento es la Marcha al Cadalso: Sueña que ha asesinado a su amada y que ha sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecución. La procesión se mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnífica, durante la cual el torpe sonido de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el último pensamiento de amor cortado de golpe por la muerte.
El movimiento final es un aquelarre,una salvaje celebración demoníaca. La imagen de la amada parece ahora una agudísima burla. Las campanas de la muerte se oyen por encima del himno Dies Irae del juicio final y se mezclan con la danza. La música de las campanas de la muerte en este movimiento ha sido utilizada por Wendy Carlos en las bandas sonoras de La naranja mecánica y El resplandor.
Cuarteto para el fin de los tiempos (Oliver Messiaen)
Los ocho movimientos no utilizan el cuarteto completo (clarinete, violín, violonchelo y piano); el tercero (Abismo de los pájaros) es para clarinete solo, el cuarto es el Intermedio para trío ya citado, los movimientos cuarto y quinto, las dos Alabanzas —a la eternidad de Jesús y a la inmortalidad de Jesús— proponen sendos dúos, para violonchelo y piano y para violín y piano, respectivamente. Solamente el séptimo —Confusión de arcos iris, para el Ángel que anuncia el fin del tiempo— es irregular en su distribución instrumental, con diferentes secciones en las que se alternan un dúo (chelo y piano), un trío (violín, clarinete y piano) y el tutti, con lo que se sitúa exactamente en las antípodas del sexto —Danza del furor para las siete trompetas—, escrito en forma de monodia tocada al unísono (en octavas) por los cuatro instrumentos.
Juegos (Claude Debussy)
Es el ultimo trabajo orquestado de Debussy.
Lo esencial del Jazz
Kind Of Blue (Miles Davis)
A finales de 1958 Miles Davis conjuntó a uno de las mejores y más prolíficas bandas en el hard bop, su formación estaba integrada por Cannonball Adderley en el saxofón alto, John Coltrane en el saxofón tenor, Wynton Kelly y Bill Evans en los pianos, Paul Chambers (que venía trabajando con Miles desde hacía tiempo) en el contrabajo y Jimmy Cobb en la batería. Su banda tocaba una mezcla de los estándares pop y bebop propios de otros jazzistas reconocidos como Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron; al igual que todas la composiciones jazz basadas en el bebop, los grupos de Davis improvisaban en los cambios de acordes.13
En 1953, el pianista George Russell publicó su tratado Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (Concepto Lidio Cromático de Organización Tonal), que presentó una alternativa en la práctica de la improvisación. En ésta Russell abandonaba las relaciones entre las escalas mayores y menores tradicionales en la música occidental, y desarrollo una nueva formulación usando una escala o unas series de escalas para la improvisación, que con el tiempo llegaron a conocerse en el jazz como "escalas modales" y que dio surgimiento a futuro del jazz modal.14
Influenciado por las ideas de Russell, Davis decidió implementar sus primeras composiciones modales, una fue "Milestones", incluida en el álbum del mismo nombre editado en 1958, y las siguientes llegaron en las sesiones de su producción 1958 Miles, en las que estuvo acompañado del pianista Bill Evans. Davis quedó satisfecho con los resultados obtenidos y preparó un álbum completo basado en la modalidad.3 Evans, que era discípulo de Russell y que recientemente había abandonado al sexteto de Davis para impulsar su carrera como solista, regresó a un banquillo ocupado por el jamaicano Wynton Kelly para las grabaciones del que sería más adelante Kind of Blue.15 Miles Davis declaró: "Wynton llegó justo antes de entrar en el estudio para grabar Kind of Blue, pero yo ya había planeado aquella sesión pensando en el estilo de Bill Evans"
Saxophone Improvisations (Anthony Braxton)
Escalator Over The Hill (Carla Bley)
Carla Bley es una de las mejores compositoras de jazz de los últimos 40 años, además de pianista, organista y vocalista ocasional. Nacida en Oakland, California, en 1938, y bautizada como Carla Borg, se cria en un ambiente musical y religioso y desde muy pequeña participa tocando el piano y cantando en el coro en muchas ceremonias. A mediados de los´50, interesada en el jazz, se traslada a Nueva York, donde sobrevive tocando el piano en clubs y vendiendo cigarrillos, hasta que conoce al que sería su marido, el conocido pianista canadiense Paul Bley. Este le anima a empezar a componer música para su banda, y juntos comienzan una profunda relación tanto musical como personal. En 1964, Carla, el que sería su segundo marido poco después, el trompetista Michael Mantler y otros músicos forman la Jazz Composers' Guild Orchestra que después pasaría a ser la Jazz Composers' Orchestra Association (JCOA). Con estas formaciones, de naturaleza inquieta e innovadora, Carla madura como compositora, destacando los temas de “A Genuine Tong Funeral”, que sería adoptado por el vibrafonista Gary Burton y publicado en 1967, con la colaboración de varios miembros de la Jazz Composer’s Orchestra, o las piezas que compuso para el primer álbum de la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, publicado en 1969.
A principios de 1967, el poeta Paul Haines, le envió un poema a Carla Bley, que estaba trabajando en la composición "Detective Writer Daughter" ( que después formaría parte de la obra que nos ocupa). Las lineas de Haines iban a la perfección con la música que Bley había compuesto, y de esta forma decidieron escribir una especie de "ópera" juntos, aunque Haines vivia en Nuevo Mexico y prontó se trasladó a dar clases a La India. Bley, a raíz de la sorpresa que le causó la aparición de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles, ya tenía pensado grabar, como disco debut, un álbum conceptual. Durante tres años Haines continuó enviando sus textos para que Carla Bley les pusiera música. Estos escritos no tienen un significado muy claro, lo que hace que el libreto de la obra sea de difícil comprensión. Aunque la trama se desarrolla en un hotel, y las letras son puestas en boca de algunos de sus clientes, no hay una intencionalidad de crear una trama que pueda seguirse, lo que seguramente hizo que en lugar de utilizarse la palabra “Ópera” al publicarse el disco, se utilizara el término “Chronotransduction”, creado por una amiga de Haines, y de difícil traducción. Luego llegó el momento de buscar al personal que tenía que interpretar la obra. En un principio, no fue una tarea difícil, ya que tanto Bley como su marido el trompetista Michael Mantler pertenecian a la Jazz Composer´s Orchestra, y tenian alrededor a gente como Roswell Rudd, Charlie Haden, Gato Barbieri,etc..., pero había que buscar también vocalistas. A esto se le añadía la complicación de buscar financiación para el proyecto, ya que las negociaciones con algunos sellos no funcionaron, y decidieron crear su propia discográfica, JCOA (Jazz Composer Orchestra Asociacion), para publicar el disco. La primera inyección de dinero provino de Sherry y Sue Speeth, amigos de Paul, que donaron 15.000 dolares. A esta le siguieron otras pequeñas donaciones de otros amigos, pero el dinero no alcanzaba para finalizar la obra, así que se decidió utilizar a algunos músicos que no cobraran por su participación, naciendo así la "Amateur Hotel Lobby Band", compuesta por músicos no profesionales. Un prestamo final de 30.000 dolares en junio de 1971, permitió la finalización de la obra.
A Love Supreme (John Coltrane)
A Love Supreme es un álbum de jazz grabado por el cuarteto de John Coltrane el 9 de diciembre de 1964 en el estudio de Rudy Van Gelder en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. El disco es una suite en cuatro partes, que se corresponden con sendos temas: Acknowledgement (que contiene el famoso mantra que da nombre a la suite), Resolution, Pursuance y Psalm. Fue concebido como un disco espiritual, representativo de una búsqueda personal de pureza por parte de Coltrane. El tema final se corresponde con la letra de un poema piadoso incluido en las notas de presentación del disco.
Una versión alternativa de "Acknowledgement" fue grabada al día siguiente. Esta versión incluyó la participación del saxo tenor Archie Shepp y del bajista Art Davis. La única interpretación grabada en directo de la suite Love Supreme, en 1965 en Antibes, Francia, fue también remasterizada y realizada en un doble disco en 2002 por Impulse! Records junto con el disco original y tomas adicionales.
A Love Supreme es habitualmente considerado como uno de los discos de jazz más importantes de la historia. En una encuesta de 2005 del canal inglés de televisión Channel 4 para elegir los mejores discos de la historia, alcanzó el puesto número 82[1]. En otra encuesta (Rolling Stone's list of the 500 greatest albums of all time) llegó al puesto 47 y está reconocido como uno de los tres más importantes en Rate Your Music's Top Albums of All-time list. Los elementos de libertad armónica reconocibles en el disco indican los cambios que se irían a producir en la música de Coltrane.
Will Downing lanzó una versión Rhythm & Blues del tema principal, con la cooperación de la viuda de John Alice Coltrane, que alcanzó el número 14 en la UK singles chart en 1988.
La suite también aparece en cuatro pistas del álbum de 2002 del Branford Marsalis Quartet titulado Footsteps of our Fathers.
Mu (Don Cherry)
The Shape Of Jazz To Come (Ornette Coleman)
The shape of jazz to come es un álbum musical de free jazz, grabado y lanzado originalmente en 1959 por el saxofonisata estadounidense Ornette Coleman. Fue uno de los primeros discos de vanguardia y en él ya se mostraban los elementos esenciales del free jazz. Se grabó con un cuarteto sin piano, y produjo un gran impacto, al contener estructuras armónicas muy poco reconocibles y utilizar la improvisación simultánea.
En 2003, el álbum fue considerado en el puesto número 246 de la lista de los "500 discos más importantes de la historia", de la revista Rolling Stone. Chris Kelsey en su ensayo "Free Jazz: A Subjective History" lo considera uno de los 20 discos esenciales de la historia del jazz.1 "La Guía Penguin de Jazz" le da, por su parte, la máxima puntuación posible y un reconocimiento especial (Crown).2
Spiritual Unity (Albert Ayler)
Atlantis (Sun Ra)
The Black Saint & The Sinner Lady (Charles Mingus)
El álbum está escrito como si de un ballet se tratara, contándose entre sus influencias compositores de jazz como Duke Ellington y la música latina. Las orquestaciones y el empleo de superposiciones y capas de instrumentos en el álbum hacen de este trabajo uno de los mejor considerados en ese aspecto.
Lo esencial del Rock
The Velvet Underground & Nico (The Velvet Underground & Nico)
La temática del disco se centraba en tópicos como el uso y abuso de drogas, la prostitución, el sadismo y masoquismo, y las desviaciones sexuales, éste trasfondo oscuro fue considerado revolucionario en su tiempo.4 La música fue obra principalmente casi exclusiva del guitarrista y cantante Lou Reed. La portada de la producción estuvo diseñada por el propio Warhol, se trata de la imagen de un plátano pop con una invitación a que se lo pele ("Peel slowly and see"
. En diferentes ediciones del álbum, incluida la primera, el plátano es una calcomanía que tapa una imagen fálica ("plátano" rosado sin cáscara). La contraportada de la primera edición contenía una proyección del show Exploding Plastic Inevitable.
Faust (Faust)
La música de Faust esta marcadmente encajada en la vanguardia, incluso quizá mas que en el rock. un aire de Expresionismo, Dadaismo y de Musique Concrete son la base de sus composiciones; Llenas de elementos teatrales y de cantos guerreros, letras mayormente sin sentido, bastante surrealistas.
El primer corte, Why Don't You Eat Carrots, es una de las máximas obras maestras del Rock, un collage sonico al estilo de Frank Zappa que dasafia cualquier pieza concebida antes de ella (incluso por el mismo Zappa). Empieza con una "ráfaga radioactiva" (como lo describe Piero Scaruffi), una distorsión de ruido blanco que nos conduce al sampleo de dos canciones harto conocidas como lo son Satisfaction de The Rolling Stones y All You Need Is Love de The Beatles que están subordinadas ante este "muro" que actúa como pared sonica y aparentemente sin dejar libre a nada. podría interpretarse como una lucha, entre dos géneros de música bastante distanciados, el pop y la vanguardia, uno termina siendo absorbido por la inconsistencia, disociación, densidad del otro, como un hombre tragado por un monstruo. luego una frase musical pianistica improvisada, nos conduce al primer cuerpo de la canción: un frase (de música de cabaret) que se repite constantemente, con un cierto aire a "absurdo", domina toda la sección hasta que se produce el primer quiebre; aquí es notoria la influencia del compositor, también alemán, Karlheinz Stockhausen y su manipulación electrónica, en especial la de la obra maestra "Gesang Der Junglinge" de la que se puede oír muchas similitudes con esta sección. Luego, retorna la frase con una improvisación de fondo, que nos hace creer aún más en la teoría del absurdo, la patético pared sonora le otorga un carácter de "marcha sin sentido" al solo de saxofón que la acompaña. hasta que todo estalla en un riff de guitarra que solo anuncia a las voces de estos genios "recitando" mensajes sin sentido (tal vez a la inconsistencia de la vida) mientras los acompaña el arrollador riff. luego hacemos un parentesis para insertar otro pedazo del collage, una sección recitada de alguna obra teatral, con diálogos en alemán. finalmente termina en el riff inicial, que se desvanece en una nube de ruido como al inicio.
La segunda es Meadow Meal, con un inicio tenebroso, rico en elementos de musiqué concrete y sampleos, partes disociadas que inducen a pensar en el desorden y en el caos, una atmósfera nocturna rodea estos primeros minutos. Hasta que un arpegio (introduciéndonos en un nuevo universo de densidad sonora) que aparece de la nada nos lleva al recital, una sarta de palabras igualmente carentes de sentido (Dadaismo), de pronto pasamos a un monstruoso y demente riff de guitarra. Finalmente todo termina en una tormenta y un sonido celestial que actúa como contrapunto, como de ángeles descendiendo en el caos de la noche, como tratando de combinar lo incombinable.
Sin embargo estas dos solo estaban preludiando a la verdadera obra maestra, probablemente la pieza más completa, densa, terrorífica y épica de las tres, la monstruosamente bella Miss Fourtune. Esta sinfonía del caos y el absurdo nace como una composición psicodelica, un collage sónico de piezas y piezas superpuestas que nos induce (aparte de un hipnótico trance) a pensar en el tema recurrente del disco: lo disociado, la incoherencia, lo inconexo y más principalmente el absurdo. Conduciada por un ritmo Motorik (como era usual en el Krautrock y siempre en crescendo, parece una danza homenaje a la inconsistencia, al caos y al absurdo . Después de la hipnosis, una pieza de música vanguardista hace su aparición. Es algo notorio en la música de Faust el uso del "Silencio Tetrico", es decir en los momentos de supuesta calma siempre puede escucharse un débil sonido de fondo aterrador, misterioso del que nunca se pùede escapar, uno queda atrapado en la música, a pesar de su no-presencia. así empieza esa sección, hasta que una voz pronuncia las primeras frases irreconocibles, un lamento acompañado por una marcha fúnebre que no pierde el sin-sentido, la tenebrosidad y lo malefico, que ya es característico. Después de este estado de inconsciencia, empieza a surgir una voz distorsionada aún más tetrica, casi demoniaca, viniendo desde el fondo de lo más oscuro del ser, una carcajada moribunda; acompañada por un sonido electrónico que oscila frecuentemente que nos van llevando, presagiando a la conclusión de algo, de la existencia. he aquí donde todo termina, todo se corta y se queda en silencio, pero es solo un silencio de tensión, del cual sabemos que vendrá la conclusión; al final, con estas palabras resumen la existencia: Are We Supossed To Be Or Not To Be (se supone que debemos ser o no ser). todo un fragmento le sigue, tratando de explicar el sentido de las cosas en su conjunto. con estas palabras termina esta canción que es como un ensayo del sentido y del movimiento mas primigenio de la vida.
Lamentablemente y pese a haber compuesto una de las mayores obras del pensamiento humano, Faust no tuvo casi ningún éxito de ventas. pero fue aclamado por la crítica musical del momento.
Close To The Edge (Yes)
Close to the Edge es el quinto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. En junio de 1972, poco después de terminar las grabaciones, el baterista Bill Bruford abandonó la banda obligando a los demás integrantes a encontrar un suplente antes de comenzar su nueva gira en Estados Unidos.
Close to the Edge estableció una tendencia recurrente en Yes a incluir una sola canción "épica" mucho más larga que las otras, ocupando completamente una cara del disco. Esto volvió a repetirse en los álbumes Relayer (que incluyó "The Gates of Delirium"
y Going for the One (que incluyó "Awaken".
Se trata de una composición soberbia, sumamente ordenada en la que cada voz instrumental ha recibido gran cuidado en su factura. Rítmicamente contiene pasajes de métrica variada. En el caso del tema "close..." se observa también superposición de acentuaciones, algo que en el rock no se conocía. Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, que posteriormente formarían la base del concepto de Tales from Topographic Oceans, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de Close to the Edge. La renovación y repetición son otros de los temas principales del álbum; la canción "Close to the Edge" comienza y termina con los mismos efectos de sonido de una corriente de agua y ruidos de aves, y "Siberian Khatru" presenta la repetición constante de frases de dos palabras.
La estructura de "Close to the Edge" guarda relación con ciertos temas básicos en la novela de Hesse, que narra la vida de Brahmin Siddartha de los 18 a los 60 años, y en donde resaltan dos tópicos: el contraste entre el mundo espiritual y el material, y la idea de que la unidad de todas las cosas es experimentada en un reino eterno. La novela se divide en tres partes en las cuales Siddartha experimenta la vida del asceta, la del mundo material y sensual y el iluminamiento por el río, que actúa como símbolo de eternidad a lo largo de la novela, y es la imagen central alrededor del cual se desarrolla la historia. Afirma de inmediato que no debemos entender la pieza de Yes como una reproduccion de la novela o algún personaje.
Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el nº4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el nº3 en Estados Unidos.
Trout Mask Replica (Captain Beefheart & His Magic Band)
Trout Mask Replica es el tercer disco de estudio de Captain Beefheart & His Magic Band. El álbum fue producido por Frank Zappa, amigo de Don Van Vliet (Beefheart). Realizado en el año 1969 se considera una pieza fundamental en la música experimental, combinando Blues-Rock, Rock Psicodélico y Free-Jazz; serviría de gran influencia en muchas bandas Post-Punk.