Peliculas Que Tenes Que Ver y Tal Vez No Conocias info

HOLA AMIGOS DE TARINGA HOY LES TENGO LA SEGUNDA PARTE DE VARIAS PELICULAS DE CULTO QUE TAL VEZ NUNCA VISTE Y QUE SON PELICULAS MUY BUENAS DEL CINE DEL 70 Y 80 Y 90 QUE DIERON ORIGEN A MUCHOS REMAKE /size] Norman es un profesor de Universidad que durante toda su vida ha sido acompañado de un aura de protección, pero un día descubrirá el horrible secreto de su mujer que hará que su vida de un tremendo vuelco... Misteriosamente el cine de los 60 se comenzó a interesar por el horror cotidiano adornado con elementos esotéricos, ahí tenemos "La semilla del diablo" o "La estación de la bruja", fue una intrépida etapa en la que las brujas dejaron de ser fantasías para convertirse en maldiciones modernas disfrazadas de inocentes amas de casa. En esta extraña tradición se alza "Night of the eagle" que fácilmente podría ser la precursora de estos inusuales elementos, hasta la fecha. Sirviéndose de una fuerte estética y aprovechando siniestramente los pocos elementos de los que se nos relataba una historia, una historia escrita y adaptada por: Richard Mhateson (uno de los guionistas principales de la inmensa "Dimensión desconocida" y por Charles Beaumont (uno de los mayores escritores de literatura fantástica del siglo XX), que menos para una obra maestra del cine de terror. Enigmática obra de claroscuros tétricos y un suspenso que se va convirtiendo en poderosa amenaza hasta llegar a un climax final de infarto, y estupenda declaración de principios en los que se utilizan los planos subjetivos con la finalidad de estremecer al espectador, ese inolvidable águila batiendo sus enormes alas. Por otro lado nos encontramos con el protagonismo de Janet Blair (protagonista de "Gallant Journey" de William A. Wellman) en el papel de la angosta ama de casa que recurre a la brujería para la supervivencia de su querido marido, un correcto Peter Wyngrade ("Suspense!". Titulo Original:Night Of The Eagle GENERO:Terror TEMÁTICA: Adaptación Libro, Brujería PAIS:Reino Unido DURACION:90 Minutos AÑO:1962 link: http://www.youtube.com/watch?v=XYUJvuSwtx4 Hay un mito que dice que el mismisimo Sam Peckinpah quiso dirigir esta pelicula pero que finalmente se le escapó de las manos, recurriendo entonces al proyecto de Perros de paja, sin embargo seria John Boorman quién se haría con los derechos de la historia llevandola al cine. Basado en la novela homónima de James Dickey “Deliverance” seria llamado a ser uno de los títulos clave de la década de los 70s, y de la abundante carrera de John Boorman, realizador dotado de un talento para plasmar la violencia del ser humano en su vertiente más descarnada y brutal. , “Deliverance” es una película que aguanta el paso del tiempo sin perder un ápice de su fuerza poética: la violencia inherente al ser humano, que puede estallar en cualquier momento, una naturaleza que espera a ser destruida, pero que se encarga de recordar de donde venimos y hacia donde vamos, UN GRAN CLASICO DE CULTO con algunas de las escenas más perturbadoras de la historia del cine Cuatro amigos, hombres que viven todo el año en la ciudad, deciden marcharse el fin de semana a los bosques Apalaches. Quieren descender en canoa un río que atraviesa un bosque y que próximamente será inundado por la construcción de una presa. Tras una primera jornada disfrutando de la naturaleza y los rápidos del río, el encuentro con unos salvajes, que habitan en la zona, convierte la excursión en una angustiosa pesadilla. Los cuatro amigos no sólo tendrán que enfrentarse a ellos para salvar sus vidas, además, tendrán que remontar las durísimas barreras naturales del paraje. Titulo Originaleliverance Titulo Hispano:La Violencia Está En Nosotros GENERO:Otro PAIS:Estados Unidos DURACION:108 Minutos AÑO:1972 link: http://www.youtube.com/watch?v=w9R4t_Nwy5E Sobre una plataforma marina perdida en la niebla, más allá del viejo campo de minas, el malvado Krank envejece prematuramente pues le falta una dimensión esencial: la facultad de soñar. Es por esto que rapta a los niños de la ciudad a fin de robarles sus sueños....Está acompañado de algunos compañeros de infortunio: Irvin, un cerebro que se encuentra en un líquido transparente dentro de un acuario; la señorita Bismuth y una banda de clónicos. En el otro lado de la niebla, en la ciudad portuaria, se encuentra One, una fuerza de la naturaleza, ingenuo pero terriblemente valiente, que busca a Denre, su hermano pequeño desaparecido. Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro nos entregan desde un principio una propuesta original e interesante. Y aquellos que antes impactaron con “Delicatessen” (y posteriormente Jean-Pierre conmovió con “Amélie”), no defraudan. Lo que más impacta es la surreal y singular estética del film. Acompañado con delicia por una banda sonora y sórdidos personajes, la velocidad de la película, las cámaras, la historia, te atrapan y no te sueltan hasta el final. TÍTULO ORIGINAL La Cité des enfants perdus AÑO 1995 DURACIÓN 112 min. PAÍS FRANCIA DIRECTOR Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro GUIÓN Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro, Gilles Adrien MÚSICA Angelo Badalamenti FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Ron Perlman, Daniel Emilfork, Judith Vittet, Dominique Pinon, Jean-Claude Dreyfuss, Geneviève Brunet, Mireille Mosse, Serge Merlin, Mapi Galán PRODUCTORA Coproducción Francia-España-Alemania; Centre National de la Cinématographie (CNC) / France 3 Cinéma / Tele München Fernseh Produktionsgesellschaft (TMG) / Televisión Española (TVE) Canal+ / Eurimages link: http://www.youtube.com/watch?v=CNYG9cXTSds Puro cine, puro Coppola. Película de un magnetismo irreal, nos atrapa desde el primer plano con ese magnífico blanco y negro que realza la dureza de esta historia intemporal sobre la vida marginal en un barrio de una gran ciudad. Una de las dos adaptaciones (la otra es "Rebeldes" que hizo el director sobre textos de la novelista S.E.Hinton. Considerada en muchas listas (con total merecimiento, a mi entender) como una de las diez mejores películas de los ochenta. Creó mitos que ya han pasado a la historia del cine, como el Chico de la Moto. Mickey Rourke hace con este personaje el papel de su vida, un daltónico y carismático ex líder de bandas juveniles. Él y su padre alcohólico son capaces de discutir con criterio sobre los antiguos griegos en medio de la miseria en la que viven. Aficionado a las motos, cambia su habitual Harley por una moto japonesa a la hora de cometer sus fechorías nocturnas. Una obra de arte, una joya de obligada visión. Miren la escena de la lucha en el andén del tren y diganme si estoy o no equivocado. TÍTULO ORIGINAL Rumble Fish AÑO 1983 DURACIÓN 94 min. PAÍS USA DIRECTOR Francis Ford Coppola GUIÓN Francis Ford Coppola, S.E. Hinton (Novela: S.E. Hinton) MÚSICA Stewart Copeland FOTOGRAFÍA Stephen H. Burum (B&W) REPARTO Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Dennis Hopper, Vincent Spano, Diana Scarwid, Nicolas Cage, Chris Penn, Tom Waits, Laurence Fishburne, William Smith, Michael Higgins PRODUCTORA Universal presenta una producción Zoetrope PREMIOS 1984: Festival de San Sebastián: Concha de Oro (Mejor película), Premio FIPRESCI 1984: Globos de Oro: Nominada a la Mejor BSO GÉNERO Drama | Adolescencia. Película de culto link: http://www.youtube.com/watch?v=LGeViLRKqsQ es]http://www.opensubtitles.org/es/subtitles/3104220/rumble-fish-es Sinopsis: Premiada película de estilo docudrama en el que se narran los trágico sucesos ocurridos en el domingo 30 de Enero de 1972, cuando soldados británicos dispararon contra civiles desarmados que participaban en una marcha en Irlanda del Norte; trece personas murieron en las calles de la ciudad de Derry (Londonderry para los ingleses) y otras catorce fueron heridas por las balas del ejército británico. Eran unos civiles desarmados que participaban en una manifestación contra el decreto del Gobierno británico autorizando los internamientos preventivos. Este día, que se conoce en la historia por el nombre de Bloody Sunday (Domingo Sangriento), fue crucial en la historia contemporánea del problema irlandés porque convirtió el conflicto (que se arrastra desde hace más de 700 años) en una guerra civil, hizo que muchos jóvenes se integraran en el IRA y alimentó un ciclo de 25 años de violencia. La película cuenta lo que pasó ese día, desde el amanecer hasta el anochecer, desde la llegada de las tropas a las calles de la ciudad sitiada hasta la violenta actuación de los soldados del formidable Regimiento de Paracaidistas contra los manifestantes civiles, y sigue con algo más de detalle a cuatro hombres: Ivan Cooper, líder de los defensores de los derechos civiles, lleno de idealismo y que comparte el sueño de Martin Luther King de lograr un cambio pacífico; Gerry Donaghy, un rebelde católico de 17 años, que desea establecerse y casarse con su chica (protestante) pero que se ve arrastrado por el enfrentamiento con los soldados; el general de brigada Patrick MacLellan, comandante del ejército británico en Londonderry, que se ve presionado para que detenga con firmeza la manifestación, y un joven soldado, un operador de radio de los paracaidistas, que, junto a su unidad de aguerridos veteranos, recibe la orden de entrar en el Bogside. TÍTULO ORIGINAL Bloody Sunday AÑO 2002 DURACIÓN 107 min. PAÍS REINO UNIDO DIRECTOR Paul Greengrass GUIÓN Paul Greengrass MÚSICA Dominic Muldoon FOTOGRAFÍA Ivan Strasburg REPARTO James Nesbitt, Allan Gildea, Gerard Crossan, Mary Moulds, Carmel McCallion, Tim Pigott-Smith, Nicholas Farrell, Gerard Mcsorley, Kathy Kiera Clarke, Declan Duddy, Mike Edwards, Eva Birthistle PRODUCTORA Coproducción GB-Irlanda WEB OFICIAL http://www.paramountclassics.com/bloodysunday/ PREMIOS 2002: Berlín: Oso de Oro Mejor Película (ex aequo con "El viaje de Chihiro". 2002: Sundance: Premio del Público link: http://www.youtube.com/watch?v=6sssXPYcXZc "Esta es una historia ficticia. Basada en muertes reales".Así comienza esta historia. Uno rojo, división de choque. Escrita y dirigida por Samuel Fuller ("Corredor sin retorno", 1963), se basa en la experiencia de su participación en la IIGM. Se rodó en 1978, en Israel, Big Bear (San Bernardino National Forest, CA, EEUU) y King John's Castle (Irlanda). Fue nominada a la Palma de oro de Cannes. El productor fue Gene Corman y el estreno se celebró el 18-VII-1980 (EEUU). La acción tiene lugar en 7 escenarios de la IIGM, entre 1942 y 1945. Añade un prólogo situado en Normandía en noviembre de 1918. Narra la historia de "el sargento" (Lee Marvin), un veterano de la IGM, que conduce un grupo de jóvenes soldados. La película presenta una narración dividida en episodios, dedicados a los escenarios más calientes del frente americano en África y Europa. La visión de los hechos corresponde al punto de vista americano, el vivido por Fuller. El proyecto se concibió en los primeros años 50, pero dificultades de financiación lo aplazaron hasta finales de los 70. La compañía productora (Lorimar) asignó a la obra un presupuesto propio de un film de serie B. Este hecho y el estilo del realizador, explican que la cinta no busque la perfección y asuma deficiencias varias. La obra incorpora un número inusualmente reducido de actores en relación con films similares. Con imaginación y habilidad narrativa, se suplen deficiencias presupuestarias. La cámara muestra la fatiga de los soldados, sus angustias, su pánico a las mutilaciones, la crueldad humana y la locura de la guerra. Hace uso de elipsis (reloj del caído en la playa), sobreentendidos (color del agua de la orilla), símbolos (caballo desbocado, manicomio) y metáforas (trastorno emocional de Griff). El guión aporta afirmaciones que se enganchan a la memoria: "Podemos matar a todos los cuerdos que queramos, pero matar a locos perjudicaría nuestra imagen", "Nos dieron medallas no por ayudar a nacer un niño, sino por matar a muchos". Son escenas memorables el parto en el tanque, el niño judío agonizante, el loco que dispara un fusil ametrallador diciendo: "¡Mirad, soy como vosotros!. ¡Estoy sano!". El film ha influido en obras posteriores como "Salvar al soldado Ryan" (1998), "La delgada linea roja" (1998) y otras. La música ofrece un acompañamiento sobrio y eficaz, exento de referencias europeas. La fotografía, de Adam Greenberg ("Terminator", 1984), enriquece el relato con una espléndida estética realista. El guión incorpora un humor negro estremecedor y un cuidado sentido del absurdo. La interpretación de Lee Marvin es una de las más destacadas de su carrera. Stephan Audran tiene una intervención tan breve como grata. La dirección aporta un brioso ritmo narrativo. Cine de nivel, que sabe hacer de la imperfección virtud......... Titulo Original:The Big Red One Titulo hispano:Más allá de la gloria GENERO:Acción | Drama | Bélica PAIS:Estados Unidos DURACION:113 Minutos AÑO:1980 link: http://www.youtube.com/watch?v=G01O8qM1Xvo Algo que gusta en esta película es que Kitano hace lo que quiere, como en su anterior "Dolls" (tres relatos), aqui mezcla y pervierte los generos, algo característico de él y del mejor Lynch ("Blue Velvet", "Mullholand Drive". Con este Film Takeshi filmó en 2003 la última gran epopeya de samuráis, imposible de encuadrar por completo, pese a su apariencia, en ninguno de los géneros cinematográficos establecidos. Lejos de las shakespearianas adaptaciones de Kurosawa, Kitano logra sorprender, deslumbrar, cautivar y seducir por completo. Terrible, estupenda, genial combinación de la típica trama de lucha de bandas con cierto aire de western (aunque se sabe que el western ha bebido más del cine japonés que a la inversa), venganzas, combates, rituales tradicionales, humor y sangre, slapstick y números musicales de gran calidad, mezcla que desconcierta, confunde, pero finalmente atrapa hipnoticamente, sobre todo, una vez disfrutada y resuelta la magnífica trama principal, pero por sobre todas la cosas cuando se asiste al espectacular final de esta obra con el toque kitano en una escena totalmente subyugante, que transporta a un estado de euforia casi instantáneo. Desde luego, una de las mejores obras llegadas de Japón en los últimos tiempos, y todo un ejemplo de las maravillas que el cine asiático es capaz de producir. TÍTULO ORIGINAL Zatoichi AÑO 2003 DURACIÓN 115 min. PAÍS JAPON DIRECTOR Takeshi Kitano GUIÓN Takeshi Kitano (Cuento: Kan Shimozawa) MÚSICA Keiichi Suzuki FOTOGRAFÍA Katsumi Yanagishima & Hitoshi Takaya REPARTO Beat Takeshi (Takeshi Kitano), Tadanobu Asano, Michiyo Oguso, Yui Natsukawa, Guadalcanal Taka, Daigoro Tachibana, Yuko Daike, Ittoku Kishibe, Saburo Ishikura, Akira Emoto PRODUCTORA Office Kitano / Saito Entertainment / TV Asahi / Dentsu / Tokio FM / Bandai Visual PREMIOS 2003: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor película, banda sonora, Premio del público 2003: Venecia: León de Plata: Mejor Director 2003: Toronto: Premio del Público link: http://www.youtube.com/watch?v=_3WNmW5X8dI El detective privado John Shaft recibe la visita de un policía en busca de información sobre un mafioso de Harlem llamado Bumpy. Poco después, será el mafioso el que pida ayuda al detective para recuperar a su hija secuestrada por una banda rival. Shaft decide investigar el asunto y acompañado de un viejo amigo, se infiltran juntos en el submundo neoyorquino para encontrar a la chica secuestrada. Pronto descubrirá que el gangster sólo le está utilizando. En el año 2000 se hizo un remake protagonizado por Samel L. Jackson. Isaac Hayes ganó el premio de la Academia a la Mejor Canción Original y fue nominada para un Globo de Oro a la Mejor Canción Original por el tema central de Shaft. En 2004, la canción fue nombrada la 38a mejor canción de todos los tiempos por el American Film Institute. Hayes también ganó un Globo de Oro a la Mejor Música Original, Grammy de Mejor Banda Sonora Original escrita para una película y fue nominada para el Oscar a la mejor música, dramática banda sonora original, así como el Premio BAFTA de mejor Música de Cine. también fue seleccionado como un posible candidato para la AFI 100 Años de música para películas. El personaje de John Shaft fue considerado un posible candidato para la AFI de 100 héroes y villanos. Al igual que la película. En el año 2000, Shaft fue seleccionada para su conservación en los Estados Unidos en la National Film Registry de la Biblioteca del Congreso por ser patrimonio cultural. En el 2003, Shaft fue elegida como una de las 1000 mejores en Películas que jamás se han hecho por The New York Times. La salida del blaxploitation se le debe a Melvin Van Peebles y su película Sweetback de Baadasssss Sweet Song "que ya esta con nosotros" que fue difundida en salas x, de hay en adelante gracias su exito de taquilla "X". LA MGM adquiere los derechos para producir Shaft convirtiendose en todo un exito de taquilla con un presupuesto de 500 mil dolares y consiguiendo 15 millones de dolares, el blax sale de la calle 42 de nueva york para conquistar el mundo entero y terminar de cambiar la historia del cine, ahora en día los actores, directores negros gracias a esa liberación de Melvin Van Peebles gozan de gran nombre, que sería de todos ellos sin la osadía del gran Melvin. Shaft es Considerada como una de las mejores películas del 71, hoy en día goza de gran salud como joya del cine de culto, una más que se gano la inmortalidad. TÍTULO ORIGINAL Shaft AÑO 1971 DURACIÓN 100 min. PAÍS USA DIRECTOR Gordon Parks GUIÓN Ernest Tidyman, John D. F. Black (Novela: Ernest Tidyman) MÚSICA Isaac Hayes FOTOGRAFÍA Urs Furrer REPARTO Richard Roundtree, Moses Gunn, Charles Cioffi, Gwenn Mitchell, Christopher St. John, Victor Arnold, Sherri Brewer, Rex Robbins, Joseph Leon PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer PREMIOS 1971: Oscar: Mejor canción. 2 nominaciones GÉNERO Acción. Thriller | Blaxploitation link: http://www.youtube.com/watch?v=NiCB2isZcRM El papel de los negros en el cine americano se reducía a actores como Sydney Potier y poco mas , en plena revuelta de la comunidad afroamericana por sus derechos –hablamos de finales de los 60- (hablamos anteriormente acerca de este genero en la entrada de "SUPERFLY" una película como “Sweet sweetback’s baadasssss song” (1971) de Melvin Van Pebbles le dio un giro de rosca a la Industria, generando a finales de los 60s el afamado BLAXPLOITATION. Los primeros 10 minutos de "Coffy" son los mejores del genero, con una PAM GRIER desbordante de carisma y sex appeal, no en vano el famoso crítico de cine Roger Ebert señaló que Grier fue una actriz de "cara bonita y forma sorprendente" y que poseía una especie de "vida física" falto en otras actrices. "Coffy es una enfermera cuya hermana de doce años está en un centro de desintoxicación. Ante la pasividad de las autoridades de la policía, Coffy decide tomarse la justicia por su mano, matando a diestra y siniestra traficantes de forma brutal". Coffy es una mirada hacia atrás en un momento cuando las películas no estaban preocupadas de ofender a nadie, era una epoca de choque de generaciones, ideas, turbulencias, en donde todo se asimilaba, se pensaba y se cuestionaba a diferencia de estos tiempos donde la estructuracion es una constante (algo de lo cual reniego , que solo se conozca de manera masiva Avatar, o Aprendiz de Vampiro) por lo menos en el cine(aunque me imagino Coffy ofendería a muchas personas, incluso en la década de 1970). Un film violento, misogino, racista, con una diosa de ebano que brinda un espectaculo inolvidable, ICONICO. ÍTULO ORIGINAL Coffy AÑO 1973 DURACIÓN 91 min. PAÍS USA DIRECTOR Jack Hill GUIÓN Jack Hill MÚSICA Roy Ayers FOTOGRAFÍA Paul Lohmann REPARTO Pam Grier, Booker Bradshaw, Robert DoQui, William Elliott, Allan Arbus, Sid Haig, Barry Cahill, Lee de Broux PRODUCTORA American International Pictures (AIP) GÉNERO Acción. Drama. Thriller | Crimen. Blaxploitation link: http://www.youtube.com/watch?v=qiei7QnFfZ8 Punishment Park se ha convertido por derecho propio en uno de los films políticos más críticos de la historia del cine —frente al carácter represivo de la política de Nixon, pero con un valor extensible a la política actual—; una fábula de política-ficción que muestra sin tapujos la superioridad del gobierno sobre la población y el abuso de poder sobre el individuo, situaciones que, de manera más o menos evidente, se repiten en toda la filmografía de Watkins, y que plantean la necesidad de buscar una política de pacificación del mundo (Punishment Park), un bloqueo de la carrera armamentística (The War Game) o una recuperación de la paz como forma de diálogo entre las diferentes comunidades (The Gladiators, 1968). Desgraciadamente, algunos de los hechos que relata Punishment Park tienen cierta vigencia en la actualidad: las vejaciones sufridas por los prisioneros en Guantánamo, un espacio ‘neutral’ donde se puede torturar y condenar sin necesidad de recurrir a los más mínimos principios de la justicia. Camino a Guantánamo (The Road To Guantánamo. Michael Winterbottom & Matt Whitecross, 2006) aborda en clave documental y de ficción la odisea de cuatro jóvenes británicos que salen de Tipton un mes de septiembre del 2001 para asistir a la boda de uno de ellos, y de paso disfrutar de unas vacaciones en su país de origen, Pakistán. Son Muchos los falsos documentales que impactaron en su momento, pero este en especial cada que lo veo me deja igual, con ese sabor amargo de estar viendo la realidad contada desde la ficción, es una joya del cine, muy recomendada, a pesar de su crudeza nos muestra una realidad que sigue intacta con el pasar de los tiempos. TÍTULO ORIGINAL Punishment Park AÑO 1971 DURACIÓN 88 min. PAÍS USA DIRECTOR Peter Watkins GUIÓN Peter Watkins MÚSICA Paul Motian FOTOGRAFÍA Joan Churchill, Peter Smokler REPARTO Patrick Boland, Kent Foreman, Carmen Argenziano, Luke Johnson, Katherine Quittner, Scott Turner, Stan Armsted, Mary Ellen Kleinhall, Mark Keats, Gladys Golden, Sanford Golden, George Gregory PRODUCTORA Chartwell / Francoise GÉNERO Drama. Thriller | Falso documental. Política link: http://www.youtube.com/watch?v=vF_WR7SiC0A COMENTA QUE TE ESTOY MIRANDO