Cultura Argentina
Música
Argentina es considerada como uno de los países latinoamericanos con mayor variedad en el aspecto musical. Es posible, en consecuencia, hallar un gran repertorio de géneros, en función de la diversidad cultural que la caracteriza
Música Indígena
Los pueblos originarios todavía conservan su música, aunque con posibilidades escasas de difusión masiva. La tradición oral de chiriguanos, chorotes, mapuches, pilagás, tehuelches, tobas, wichíes –entre otras comunidades originarias– ha sido recopilada con trabajos de campo desde 1931 por parte investigadores del Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega.
Música Folklórica
En la fusión con los elementos de la conquista española, se fue conformando lo que se conoce como el folklore nacional, destacándose especies como la zamba, el chamamé, el carnavalito o el pericón, cada uno con sus ritmos e instrumentos propios, característicos de cada región. Sin embargo, todas ellas fueron permeables a las influencias de regiones vecinas o de países limítrofes.
Sobre la base de estas creaciones colectivas, se afianzó una importante corriente apoyada en la individualidad creadora de destacados compositores como Atahualpa Yupanqui, Tránsito Cocomarola o Linares Cardozo, quienes nutrieron la denominada música de proyección folklórica. Recientemente, para su interpretación se han agregado instrumentos no convencionales como saxo, flauta traversa, órgano, teclados y batería, innovación que va ganando adeptos de manera paulatina.
Para más información sobre cancioneros y ritmos tradicionales, dirija su consulta al Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (INAPL).
Atahualpa Yupanqui
Algunos instrumentos musicales del Folklore Argentino
EL BOMBO
Es un tambor construido por un cuerpo cilíndrico de madera, sobre cuyos extremos se extienden dos membranas de cuero de oveja o de cabra, que llevan cosido un arquito en el borde. Una varilla de madera bordea por encima el perímetro de cada parche, ajustándolo contra el cuerpo. Entre ambas varillas o aros se realiza una atadura con tiento en forma de zigzag, de modo de mantener estirados los parches. La tensión de los mismos se puede regular por medio de anillos de cuero que unen de a dos las ataduras. Se percute con dos mazos.
El cuerpo del bombo está constituido de madera de ceibo, de sauce de cardón, o de árboles locales que una vez trabajados son difíciles de catalogar. La fabricación del cuerpo es una tarea muy difícil ya que es necesario ahuecar el tronco del árbol hasta lograr un espesor aproximadamente de un centímetro, por ello los trabajos en serie de estas piezas han incorporado el empleo de madera terciada.
Otro componente del bombo son sus membranas. Realizadas con cuero de ovejas, cabras, vizcachas guanacos, puma, etc. Se extiende sobre un marco en forma de aro al que van enrollados y cosidos.
Los tensores, presilla, afinadores, etc. son generalmente de cuero vacuno: otros materiales accesorios son los clavos para unir el aro. El material del mazo puede ser de cuero o lona, con rellenos de algodón, trapos o lana. Su función es brindar una calidad de sonido más grave, condición ésta siempre bien recibida en un bombo.
El templado se realiza a través de los tensores, previamente condicionados los parches (humedeciéndolos levemente), exponiéndolos a resplandor nunca directamente al sol.
Este instrumento tiene una sonoridad capaz de oírse a varias leguas, de allí el nombre legüero. El bombo criollo, como es su denominación, se clasifica en membranófonos de golpe directo enmarcados.
El modo de ejecución no está sujeto a una forma determinada, pero habitualmente el ejecutante, sentado, apoya el bombo, acostado sobre sus piernas, y con palito y mazo percute el centro y el borde del parche. Apoya su muñeca izquierda sobre el aro, mientras que su derecha actúa libremente
El bombo es un instrumento muy difundido en la región del noreste y en el centro del país.
Generalmente se utiliza para acompañar canciones y danzas y su función es eminentemente rítmica.
Forma parte, a menudo, de conjuntos instrumentales de carácter recreativo y además acompaña las procesiones.
QUENA
Flauta vertical con escotadura o muesca ( carente de aeroducto) construida hoy con un tubo de caña hueca abierta en ambos extremos.
Posee 6 orificios de digitación dispersos en la mitad distal del tubo en forma equidistante y un orificio arriba, pero en forma contrapuesta a las anteriores.
La provincia que mas usa para su música este instrumento es la de Jujuy acompañando al tambor en bailecitos, carnavalitos o huainos.
SIKU Ó FLAUTA DE PAN
El siku es una “flauta de pan” constituida por una o dos hileras de cañas (anterior y posterior), ordenadas de mayor a menor atadas en forma de balsa. Las cañas de la hilera anterior tienen su extremo superior abierto y el inferior cerrado por el nudo natural de la caña. Las del plano posterior tienen el extremo inferior generalmente cortado a bisel y su longitud es la misma de cada una de las anteriores.
Los materiales empleados en su construcción son cañas de longitud y volumen variables, y en la región andina de canutos de pluma de cóndor.
Dentro de los detalles técnicos podemos destacar que el siku tiene en su totalidad trece tubitos divididos en dos partes o amarros: una parte con seis tubos llamada IRA (VI: sigla para reconocerla) y la con siete tubitos llamada ARKA (VII: sigla para reconocerla). El siku modelo es un motivo de estudio y corresponde al tamaño de las MALTAS (siku mediano).
Están afinados en la escala diatónica de sol mayor, muy conocida por los artesanos con el nombre de siku o ZAMPOÑA de segunda TAQUINA; ya que las zampoñas de primera tiene un semitono más bajo (escala diatónica de sol bemol mayor). Existe otra variedad de siku cuya afinación es acomodada a la sucesión de escalas europeas. Se puede obtener la escala cromática tapando parte de la boquilla del caño y regulando el sonido con el labio inferior mientras que el instrumento toma una posición cercana a la horizontal, logrando alterar los caños un semitono más bajo. Posee a simple vista cerca de dos octavas tiene una tesitura cromática y un sin fin de matices y notas adicionales como ser los “armónicos” (dado que cada tubo posee tres sonidos armónicos), el siku extiende su tesitura en 5 octavas, es decir que con 13 tubos se logran 104 notas (sin necesidad de emplear arvejas), recurso que constituye un aporte para otro tipo de intérpretes.
Recibe los nombres de flauta de pan, zampoña que en lengua Aymara se la conoce con el nombre de Siku y en la lengua Quechua con los nombres de Antara (Perú), Capador (Colombia), Rondador (Ecuador), etc.
En sus primeras épocas cumplió funciones específicas como adorar a los Dioses nativos tiernos, crueles y despiadados ( la Pacha Mama, el Sol, el Cóndor, etc.). Aparece por lo general integrando bandas, junto con redoblantes y bombos y demás instrumentos rítmicos en procesiones.
Se ejecuta tomando el instrumento con ambas manos y apoyando suavemente el labio inferior sobre los bordes de los tubos. El sentido se dispone de la siguiente manera: poner los tubos delgados a la izquierda y los gruesos a la derecha; el siku de siete tubos debe ir primero, el siku de seis tubos irá después. El soplo debe ser muy suave en sus comienzos para evitar mareos. La afinación está determinada por el largo de los tubos; generalmente la primera hilera de tubos se encuentra un poco más baja que la segunda.
Se encuentra, generalmente, en Jujuy y norte de Salta
ERKENCHO
Es una variante del erke pero más pequeño ya que no excede de 15 cm. de largo. Se trata de un clarinete rústico compuesto por dos piezas, una boquilla de caña - diez a doce centímetros de longitud- con una lengueta, y un pabellón - cuerno- que amplifica el sonido.
Estos son producidos por presión del soplo y varían según se introduzcan más o menos la lengueta en la boca. Tradicionalmente se los acompaña cpn golpes de caja que el mismo ejecutante de erkencho tañe con la mano derecha.
Se usa especialmente en el noroeste argentino. Es un instrumento de verano.Su ejecución comienza a principios de noviembre y se prolonga hasta el Miércoles de Ceniza.
El timbre de los sonidos es grave, vibrante, muy expresivo, pese a la simplicidad de las improvisaciones melódicas de los intérpretes.
Esta versión del erke está destinada a los meses de calor y se ejecuta solamente desde el Día de todos los Santos hasta el Miércoles de Cenizas.
PINKULLO
En Santiago del Estero los niños elaboraban rusticas ocarinas de barro cocido, a veces zoomorfas, con los que ejecutaban melodías tradicionales.
También llamado tarka, pequeña flauta de caña, que presenta seis perforaciones de digitación equidistantes, similares a las de la quena. Su sonido es dulce y muy agradable.
CAJA
La caja o caja orquestal es un instrumento de percusión. La caja es un tambor pequeño. Esta formado en dos membranas de piel tensada a ambos lados de una caja de metal.
El sonido de la caja es indeterminado, (no produce notas de altura definida, porque de las dos membranas sólo se afina una.
En el parche inferior hay unos bordones (cuerdas de tripa estiradas sobre la membran) que proporcionan a la caja un sonido característico (como de cascabel) cuando la caja es percutida. Estos bordones pueden son accesorios que pueden ponerse o quitarse fácilmente a voluntad. No obstante, cuando no están presentes el timbre de la caja es mucho más seco.
La caja se percute con dos palillos de madera, las baquetas, que golpean el parche superior. El inferior se mueve por la propia vibración generada al golpear el superior.
No existe un solo tipo de Caja. Actualmente, en las orquestas se está imponiendo un cuarteto completo (side, tenor, fiel y bass-drum) más caja pícolo para imitar los sonidos de cualquier tambor, tanto tradicional como sinfónico.
ARCO MUSICAL
Posiblemente sea el instrumento de cuerda más antiguo que existe. Muy vigente en la actualidad está condenado a su desaparición por ir paralelo a las culturas amazónicas que peligran su supervivencia por desaparición o aculturación. Es un arco sencillo al cual se tensan una o varias fibras vegetales. Sus medidas van de unos pocos centímetros hasta de un metro.
Usando como resonador la cavidad bucal se sujeta el arco por un extremo mordiendo el otro, y se pulsan las cuerdas variando a apertura de la boca. También se usan palitos a modo de golpeador o arco.
Charango
Laúd de cuello, de ejecución digital. Es una guitarrilla de cinco pares de cuerdas, usada en el norte de la Argentina (Quebrada de Humahuaca y Puna salteña y jujeña), así como en gran parte de Bolivia. La caja puede estar hecha con un caparazón de quirquincho, mulita, o gualacete (armadillos), o de madera con el fondo combado, imitando la forma del caparazón de los armadillos; y se adapta a la forma de ocho de la tapa armónica.
El Tango
A partir de 1880, con la incorporación de corrientes de inmigrantes, nuestra música se enriquece. Con su contribución, en los suburbios de Buenos Aires se fue modelando el tango en arrabales y prostíbulos. En tiempos iniciales se interpretaba con violín, guitarra y flauta, pero hacia 1900 ésta fue reemplazada por el bandoneón, traído por los inmigrantes alemanes.
La danza fue un elemento esencial para la difusión del género y se desarrolló sobre dos vertientes: la de ritmo alegre, veloz y vivaz; y la triste, sentimental y reconcentrada. En esta segunda etapa cobró importancia la letra, a la que daba su impronta personal cada cantante. Entre los más destacados brilló Carlos Gardel, "el zorzal criollo", incuestionable divulgador del tango.
En la década del 40, con el aporte de músicos y poetas provenientes del interior, los solistas recurrieron a temas evocativos, familiares, amorosos o testimoniales.
La radiofonía y el cine nacionales contribuyeron notablemente a llevar al tango a un período de esplendor hasta iniciados los años 50, con letristas, cantantes y músicos de la talla de Osvaldo Pugliese, Francisco Canaro, Enrique Cadícamo, Aníbal Troilo, Horacio Salgán, Homero Manzi, Edmundo Rivero y los hermanos Virgilio y Homero Expósito.
Entre los años 60 y 70, las preferencias populares se orientaron hacia otros géneros. Sin embargo, el tango conoció un momento de especial fecundidad con variantes modernas como las del Sexteto Mayor, el Cuarteto de Colángelo y especialmente con Astor Piazzolla.
Las especies más tradicionales se conservarán, aunque renovadas con el aporte de personales intérpretes como Julio Sosa y Roberto Goyeneche.
Actualmente el género ha despertado el interés de las generaciones más jóvenes y han surgido compositores que cultivan incluso, el tango electrónico.
Para obtener información sobre discografía, espectáculos, dictado de clases, eventos, artistas o festivales, dirija su consulta al portal del tema desarrollado por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
Carlos Gardel
Osvaldo Pugliese
Francisco Canaro
Aníbal Troilo
Homero Manzi
Edmundo Rivero
Julio Sosa
Roberto Goyeneche.
Astor Piazzolla
La Murga
Es otro género significativo de la cultura urbana, fuerte expresión de los sectores populares en los carnavales. Su origen es incierto, aunque se inscribe en la tradición carnestolenda del exceso y la liberación de los cuerpos, acrisolada con el candombe (surgido en el Río de la Plata y patrimonio de los esclavos traídos desde África).
La última dictadura militar argentina prohibió tales festejos, pero las murgas barriales sobrevivieron y con la conquista de la democracia renovaron su gracia y su brío.
El Rock
Iniciada la década del 60, la Argentina fue sacudida musicalmente por el fenómeno "beatle" y algunos grupos locales procedieron a imitarlos. Sin embargo, hubo talentos que encontraron su expresión propia. El éxito de ventas del primer LP de rock nacional grabado por Los Gatos, dio cuenta de que ya había en el país un público para el género y con Almendra y Manal, quedó configurada a comienzos de los 70 la trilogía fundacional. A esta etapa pertenece también el dúo Sui Géneris, que impuso sus temas acústicos, hoy verdaderos clásicos.
El segundo momento se caracteriza especialmente porque el género se convierte en un espacio urbano de resistencia al autoritarismo dictatorial. La máquina de hacer pájaros, Serú Girán, León Gieco y el regreso de los grupos fundacionales son hitos de esta etapa que culminó en un fortalecimiento del rock a partir de la guerra de Malvinas (1982), cuando la dictadura militar prohibió la difusión de música en inglés. Al mismo tiempo, aparecieron nuevas figuras que concitaron gran aceptación.
El retorno a la democracia se vio acompañado del regreso de músicos del exilio o del surgimiento de grupos que aportaron un estilo bailable.
En la década del 90 el género abarcó propuestas variadas: el rock puro, el pop, el punk, el metal, el rap. Actualmente ya ha incorporado el ska, el reggae y otras especies, con las connotaciones temáticas que diferencian tales vertientes entre sí.
Los Gatos
Almendra
Sui Géneris
Serú Girán
Spinetta
Luca Prodan
Otras Expresiones
La cumbia se introdujo en el país desarrollándose con ritmos mucho más simples que en Colombia, su tierra de origen. Aunque esta música suele ser sinónimo de distracción o de evasión, hay una vertiente contestataria que, con expresiones, giros y jerga propia, intenta marcar la diferencia.
También el cuarteto, como expresión de la cultura popular ha tenido una importante expansión en los últimos tiempos, sobre todo entre los sectores de menos recursos
Música Académica
Con la conquista española se produjo el ingreso de los primeros instrumentos musicales europeos, mientras que en el período colonial la actividad musical se tornó más intensa, merced a la intervención de las órdenes religiosas.
A comienzos del siglo XVIII se propició la enseñanza y se intensificó el aporte del viejo continente a través de la visita de músicos y de la importación de partituras y libros de música. En 1757 se construyó en Buenos Aires el primer teatro de óperas y comedias y en 1783 se inauguró el Teatro de la Ranchería.
Con el movimiento emancipador de Mayo, se renovó la canción patriótica, destacándose figuras como Blas Parera, Luis Ambrosio Morante o José Picazarri.
A ellos le siguieron los denominados precursores, primeros compositores nacidos en suelo argentino: Juan Pedro Esnaola, Amancio Alcorta y Juan Baustista Alberdi. No se trataba de profesionales sino de aficionados, que alternaban su vocación musical con otras actividades. Los géneros en boga eran la música de salón, concebida para la danza, y la canción; al igual que en Europa, la música de cámara formaba parte de la vida cotidiana.
La generación siguiente incluyó a músicos ya profesionales: son los nacidos entre 1860 y 1875, entre cuyos representantes más notables figuran Alberto Williams, Julián Aguirre y Arturo Berutti.
A esta generación le sigue un conjunto destacado de músicos nacidos entre 1875 a 1890, que estudiaron en Europa y al regresar desarrollaron su actividad como creadores, docentes, fundadores de institutos o directores de sociedades musicales. Su formación los llevó a incursionar en todos los géneros y a adoptar una actitud más conciente ante la recolección folklórica. Entre ellos se destacan Felipe Boero, Ernesto Drangosch, Floro Ugarte y Carlos López Buchardo, director–fundador en 1924 del Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico que hoy lleva su nombre.
A partir de fines de la década del 20 se produjo la irrupción de lenguajes neoclásicos en la música culta argentina, lo que significó la primera aparición de una vanguardia que cambió el rumbo de la generación anterior.
La producción argentina en las décadas del 40 y del 50 estuvo a cargo de los primeros egresados del Conservatorio Nacional y en este escenario, dos músicos representaron las dos tendencias en pugna: Alberto Ginastera y Carlos Guastavino.
Los comienzos de la década del 60 generan cambios experimentales de relevancia y destacan Alicia Terzian, Guillermo Graetzer y Roberto García Morillo.
En la actualidad, los creadores argentinos que no desdeñan la exploración instrumental, la electroacústica, y la apropiación de nuevas tecnologías, consolidan una trayectoria musical que prestigia al país. Por citar sólo algunos: Oscar Di Lisia, Carlos Carmona, Gabriel Senanes o Ricardo de Armas.
Teatro Colon
www.argentina.gov.ar
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Saludos Busiana2