Para que entiendas la historia del arte

LA HISTORIA DEL ARTE TRES DIMENSIONES DE ANÁLISIS DEL ARTE: * Sociología del Arte: El arte es analizado como representación de un momento histórico, como reflejo de una sociedad determinada. Surge de la cuestión de la Superestructura que plantea el marxismo. * Interpretación psicológica: Se relaciona con el descubrimiento del inconciente, se busca lo que no está explicado en la obra, la codificación de símbolos. Lo que el artista no dice, se conecta la obra con la vida del autor y de la sociedad. * Semiología: Busca algo que abarque todo y considera que esto es el lenguaje. El arte es visto como un lenguaje y las imágenes como signos. Se desarrolla la teoría de los signos (significado - significante) y el arte busca modelos que tengan el signo de la época. Hay que conocer el código para desentrañar el significado. ETAPAS CRONOLÓGICO-TEMPORALES: * PREHISTORIA: 2 formas de hacer arte: a) reproducir lo más fielmente b) conceptualizar: pintar lo que se sabe, lo que se conoce. Arte como representación simbólica, mostrar lo que se ve * EGIPTO: Puente entre oriente y occidente, arte faraónico, base del arte occidental. * GRIEGOS: Agregan elementos al arte egipcio. Se aplica el pensamiento científico y el uso de la razón en el arte. En el arte occidental comienza a dominar el arte eminentemente visual. Aparece la cuestión de cómo darle volumen al plano, en pintura se representa en 2 dimensiones. * EDAD MEDIA: Durante 1000 años el arte: 1) es el que produce la soc. feudal 2) arte urbano * PERÍODO DE PRIMACÍA ITALIANA: Renacimiento, manierismo, barroco, etc. * PERÍODO FRANCES: Arte rococó * POST-REVOLUCION INDUSTRIAL: Romanticismo, neoclasicismo. * SIGLO XX: Desaparece el arte como forma de representar la realidad, aparece la ABSTRACCIÓN. Arte prehistórico o Rupestre: Características: El arte rupestre surge durante el paleolítico superior. En este período la configuración del hombre actual está acabada, cambian el clima, aparecen los arcos y flechas, el hombre se inicia en el arte, la prueba de esto son los que están en la cueva de Altamira y Sascaux. En estas cuevas el arte es visual, se trata de reproducir al objeto tal cual es, hay bisontes, caballos y manos. Los colores eran el ocre y el negro. Es el primer momento en que aparece la figura humana en el arte. En el arte paleolítico bidimensional (pinturas y grabados) clasificamos dos grandes grupos temáticos: la inmensa mayoría de los ideomorfos y los zoomorfos. Los ideomorfos son representados sobre todo mediante líneas y puntos. Las líneas pueden ser desde simples trazos aislados hasta conjuntos complejos o geométricos. La forma puede ser recta u ondulada. También los puntos pueden formar grandes agrupaciones. El grupo de los zoomorfos representa básicamente grandes mamíferos como caballos salvajes, ciervos, uros, bisontes, íbices y con menor frecuencia pisciformes. Muchas de las especies del bestiario artístico ya están extintas. Las pinturas prehistóricas están realizadas con colorantes naturales pulverizados y mezclados con aglutinantes como p. ej. grasa animal. Los pigmentos rojos y amarillos usados estaban compuestos por minerales de alto contenido en óxidos de hierro (hematites y ocre) y el pigmento negro fundamentalmente por carbón vegetal. Los artistas ejecutaron las figuras mediante distintas técnicas, destacando el trazo lineal continuo y la tinta plana. Con frecuencia aprovecharon resaltes de la roca u otras formaciones naturales para acentuar o representar determinadas figuras. Mientras la pintura se aplicaba con el dedo, con un pincel o soplándola sobre la pared por medio de huesos vaciados, los grabados se efectuaban a base de buril. También existieron otras técnicas como por ejemplo digitaciones sobre soportes blandos como la arcilla. Imágenes: España, Altamira: EGIPTO: El Nilo riega una gran zona desértica, fertiliza valles y los hace propicios para la vida. Su población viene desde el neolítico, estaban divididos en clases y dividían el trabajo. Alto Egipto: en el valle, en el sur, centro político más importante es Tebas. Bajo Egipto: en el delta, en el norte, centro político, Menfis. Ambos de unifican en 3 ocasiones. IMPERIO ANTIGUO: El faraón representa a la nobleza sacerdotal y guerrera (clases altas) El “estado” controla las cosechas, recauda y distribuye, tiene mucho poder, asegura la supervivencia. Es el período de las grandes obras públicas, propiciada por el excedente de la mano de obra. El aparato religioso gira en torno a los centros de poder, las obras arquitectónicas en formas de tumbas y complejos urbanísticos. El animismo en las cosas daba cuentas de la magia que se pensaba en la sociedad. Con la unificación del imperio, se dinamiza el comercio, se comienzan a traer piedras y los elementos que se usarán en arquitectura y obras de arte y tumbas. Aparece la escritura jeroglífica e ideográfica (tratan de representar una idea). Este período termina con la decadencia, guerras civiles, levantamientos, todo esto se generó por las malas cosechas. 1º PERIODO INTERMEDIO: Fue para el 2000 ac., se caracteriza por las invasiones fronterizas, caos y guerra. Son los príncipes de Tebas los que llamarán a la nueva unificación del imperio. IMPERIO MEDIO: 2000 a 1750 ac. Con los faraones se abre una nueva época de apogeo, que se complementan con la irrigación de los suelos desérticos. Un gran avance cultural y científico, en matemática y medicina. El imperio medio termina con la invasión de los HICSOS y con ellos los judíos. Los Hicsos no se mantienen en el poder por mucho tiempo pero se aporta muchas cosas como el caballo para la guerra y el hierro y el carro de guerra. La llegada de los Hicsos a Egipto provocan un gran movimiento de pueblos (medos, persas y casitas) que le dan origen al pueblo que se convertirá en el principal enemigo de los egipcios: el IMPERIO HITITA. Entre ellos hubo relaciones, se conserva aún el tratado firmado por ambos gobernantes donde la hija de uno de ellos se casó con el otro. IMPERIO NUEVO: Surge luego de la invasión de los hicsos. Gobierna la 18º dinastía. Los hicsos habían destruido todo lo arquitectónico, entonces ahora los egipcios comienzan a reconstruir todo de nuevo con características de este período. Reforma religiosa de Amenofis IV, se cambian las características del arte, deja de ser tan canónico y se hace mas realista. Luego del imperio nuevo llega el período de decadencia final del imperio, serán dominados por extranjeros, hasta la llegada de los romanos. Cleopatra es la última faraona. El arte egipcio tiene unidad y coherencia, está dirigido al faraón, tanto el arte como la cultura egipcia son cerradas, no recibe influencias. Está sujeta a estrictas reglas, respeta los cánones y tiene algunos períodos donde se relajan. El artista no es valorado como tal, es como un artesano que pasa su oficio de generación en generación, son artistas anónimos. En la arquitectura se destacan la funeraria y palaciega, destinada a la corte y al faraón. Las pirámides de Giza son tumbas reales, forman parte de complejos urbanísticos, tienen avenidas, etc. La pirámide de Zoser, escalonada, luego de ésta le da paso a la construcción de las pirámides de paredes fijas. Ej.: Keops, Kefren y Micerino. A fines del imperio antiguo empiezan a decaer. En el imperio nuevo y medio, las pirámides son reemplazadas por templos funerarios. A la muerte del faraón se trataban de conservar su cuerpo para que el faraón los proteja. El templo egipcio clásico tiene un solo eje de simetría, una avenida de acceso que termina en la entrada propiamente dicha, obelisco, un gran patio encolumnado, hasta acá llega el pueblo en sus visitas, estaban las salas propias de los sacerdotes, otras de los faraones y otras para los rituales. Los obeliscos son tallados en un solo bloque de piedra, son elementos de homenaje. En las viviendas comunes eran de ladrillo de adobe. Del imperio medio se conservan pocos templos ya que con la invasión de los Hicsos la mayoría de aquellos fueron destruidos. Y algunos son reconstruidos en el imperio nuevo. Durante el imperio nuevo las obras más importantes en arquitectura son las palaciegas y las religiosas. Templos y muchos palacios para los curas, nobles, etc. Esculturas: Son de carácter religioso. Representan al faraón en 2 posturas: 1- parado y caminando y 2- sentado en un trono rodeado de muchos símbolos de poder. Las mujeres eran representadas en un color dorado o rosado y los hombres color ocre. Las esculturas eran de carácter decorativo en el arte y accesorio. Amenofis IV (Akematón): Quiere sacar el poder de la clase sacerdotal, impone un nuevo culto, a Atón en dios solar, deja de lado la religión politeísta y Atón pasa a ser el único dios... En el arte se rompen todos los cánones, se edifica la cuidad a orillas del Nilo con una gran avenida principal. Los artistas son mas libres, no están tan sujetos al canon, predomina el realismo, es una época muy breve, pero que deja su marca eterna. A la muerte de Akenatón, la capital vuelve a Tebas y la religión retoma su politeísmo. El arte egipcio estaba al estado, genera influencias en otros pueblos como el arte griego, de tipo canónico, es un arte de conceptos, la escritura es un hecho plástico (está dentro de la obra). Pintura: Es canónica, destinado a las clases mas poderosas, es un arte visual, porque el ojo ve un torso de cotado, un ojo de frente (postura imposible para hacer), arte conceptual, se usa mucho la geometría, incorpora a la escritura en la obra y la constituye en un hecho plástico. Hay un uso simbólico del color: ejemplo: rojo- representa el desierto y todo lo que vive en él, amarillo- el sol, la luz solar, azul- el agua y las cosas que viven en ella, negro- símbolo de fertilidad. El principio de frontalidad (la gioconda es una evolución del principio de frontalidad, el ojo siempre te está mirando) en el arte es una herencia de los egipcios para todo el occidente, las figuras se representan de frente, las figuras tienen un tamaño determinado por su importancia, se busca representar el espacio, la pintura es subordinada a la arquitectura. El arte egipcio es armónico y tiene simetría, lo heredan los griegos y lo llevan a su máxima expresión, es un arte totalmente estilizado, no hay gente vieja ni gorda ni flacos. Pasos para pintar: 1 revocaban la pared, 2 se hacían las líneas, 3 bocetos, 4 escritura, 5 se pone el color. Los artistas en Egipto no son personajes importantes, sino artesanos, anónimos. El rasgo mas característico del arte es su racionalismo. Imágenes: GRECIA: -2000, primera oleada indoeuropea, que dura 600 años (Aqueos, jonios, beocios). Se crea la sociedad cretense. -1400 a – 1200, segunda oleada indoeuropea, es la irrupción doria, éstos entran mas bruscamente que los aqueos, traen el hiero y el caballo y son muy violentos. Muchos pueblos aqueos huyen al Asia menor, éstos dan origen a la primera colonización griega. Se ponen en contacto Egipto y Asiria, es acá donde se desarrollan las formas de pensamiento y ciencia. Grecia continental: Es la sociedad invadida por los dorios, con éstos se inaugura la sociedad oscura (el oikos), es en estas épocas donde se desarrolla la polis (desde XII al VIII) Período Arcaico: (VIII a VI) La polis con aristocracia ganadera, aparece el concepto de Demos (pueblo), eran descendientes de antepasados comunes. Todo lo que no pertenece al pueblo es extranjero, éstos no tenían derechos, éste período se conoce por medio de la Odisea y la Ilíada. La segunda colonización griega: Los que no pertenecen al demos se van a otros lados, se instalaran en otras zonas del mediterráneo. Con el surgimiento de estas polis hay una transformación social, surgen nuevas clases sociales que pugnan por el poder. Se empieza a abrir el camino de la democracia con Dracón, Solón, Clístenes. Esparta considera que su evolución esta completa y no llega a la democracia. Esparta: los iguales. Los ilotas son siervos del estado. Periecos son los pequeños artesanos. Los gobernantes basan su superioridad en su poder militar. Desde los 7 años los niños los mandaban a academias militares, de acá salen los Hoplitas. Atenas: Democracia política. Mundo de clanes, desarmado por Clístenes que las desarma con reformas legales. Separa los clanes del demos, según la ocupación territorial, todos participan de las asambleas (los ciudadanos). Siglo VII se introduce el dios Dionisio y con él la cuestión del mas allá luego de la muerte. La creación de santuarios es importantes porque a su alrededor se desarrollan centros urbanos. En las estatuas no se le da mucha importancia a la mujer, los retratados lo son desnudos, por la perfección, los grandes ganadores de los juegos olímpicos se les hacía una estatua para inmortalizarlo. En el teatro, desde Pisistrato, el estado empieza a hacer concursos para las tragedias. Los autores presentaban varias obras y el público elegía por los aplausos. Con la poesía y comedia era igual. Los grandes autores son Esquilo, Sófocles y Eurípides. Arquitectura micénica: Es ciclopedea, de enormes piedras. Fortalezas, ciudadelas, por ejemplo la ciudad de mecenas, con murallas y un ingreso, la puerta de los leones. Tiene un dintel (como el travesaño de un arco, en la puerta) de 20 toneladas, dos leones. Fuera de las murallas se encontraron tumbas (de Agamenón y Climenestra). Período arcaico: -VIII a – VI Las polis ya están formadas, tienen costumbres y creencias comunes, se organizan de forma tribal, por la descendencia común de un antepasado y una aristocracia guerrera. La segunda oleada colonizadora abre el camino al Período Antiguo. Los griegos llegan al mar negro, al norte de África. El gran aporte a la arquitectura llega de la mano de los principios pitagóricos (existe una relación entre los elementos, tomando como unidad de medida el diámetro medio de una columna de cualquier tamaño y estilo, esto se llama Módulo). Ejemplo: el módulo dórico repetido 5 veces da la altura de la columna. Según estas relaciones matemáticas, todas las partes guardan relación entre si, y con el todo, con esto se genera armonía, simetría y esto da como resultado la belleza. Desde acá se va perfilando una arquitectura científica. En los santuarios hay juegos de luz y sombra, de lleno y vacío, una gradación de la luz. Las 3 artes griegas son la filosofía (busca la perfección del espíritu), la arquitectura (es la expresión del mundo físico: la pintura y la escultura son parte de la arq.) y el teatro (se usa para educar al pueblo). La Armonía y la Simetría expresan serenidad. La escultura arcaica: Era complementaria de la arquitectura, evoluciona desde las estatuas-troncos a las figuras completas. Había de 2 tipos: la primera eran mujeres, jóvenes doncellas, vestidas y los segundos, son los “Apolos”, jóvenes atletas desnudos. Ambas formas de representación eran rígidas, sin expresión ni movimiento. No son representaciones, son tipologías. Mirón y Policleto son los mas grandes exponentes de esta época. El primero crea el discóbolo y con él la sensación de movimiento y el segundo marca las reglas de la proporción de la belleza del cuerpo. Período clásico: Fidias es el encargado de tallar para el Partenón. Este mide 69m x 30m x 30m de largo, hay cuerpos tallados en relieve, hay figuras alrededor del santuario. Se muestran pasajes de la guerra a los persas, la vida de Palas Atenea, un gran frizo rodea al edificio. Desde la época clásica el uso de la matemática científica en arquitectura se hizo mas común, se hicieron estudios de cómo ve el ojo, de que maneras y a que distancia el ojo distorsiona lo que ve (por eso hacían las columnas del Partenón mas anchas en el medio para que desde lo lejos parezcan derechas). Al Partenón la gente iba de procesión, subían a la acrópolis y llegaban al templo. Para que desde la distancia y desde cerca se vea perfecta se hicieron estudios sobre la óptica, para “arreglar” lo que el ojo deforma. El arte es público, cívico, dedicado a la exaltación de la patria, los dioses y los valores, evoluciona hasta ser visual (una marca que dominará occidente hasta las vanguardias del XX), se busca una representación del espacio ilusoria (como ve el ojo). El legado griego: La técnica y la cientificidad en los cánones del arte. Imágenes: Puerta de los leones Micenas Mascara de Agamenon: Partenon vista frontal: Templo de Zeus olimpico: Templo de Hera: Templo de Poseidon: Esculturas: Laoconte y sus hijos: Pintura en cerámica: ROMA: "La cautiva Grecia cautivó a Roma". Roma, que construyó el mayor imperio del mundo antiguo, difundió los logros intelectuales de Grecia por toda Europa. La civilización romana compartió muchas de las ideas básicas que fueron punto de partida de los estilos helénico y helenístico. Pero, en tanto que el romano difería del griego por sus costumbres, su temperamento, su religión y su moral. su originalidad radicó en el franco utilitarismo que dieron a las artes, como medio de deleite del pueblo y en la solución de problemas prácticos. Es decir, optimizaron la utilidad del arte sin sacrificar la claridad clásica de la forma. Los romanos aceptaron los valores consagrados y probados del arte griego. Coleccionaban estatuas y pinturas antiguas o bienMosaico mostrando escenas de danza (detalle) encargaban nuevas obras hechas en el estilo antiguo. Pero pusieron al arte al servicio del Estado, lo que se aprecia en la monumentalidad de las estatuas de sus emperadores, en la grandiosidad de los arcos triunfales y en las columnas conmemorativas de las hazañas imperiales. El ''Joven preparando perfumes''Estado también cuidó bien del arte, especialmente de la arquitectura y de las obras pública. Los emperadores romanos hicieron de su capital una ciudad de monumentos. Augusto restauró más de 80 templos, Vespasiano construyó el Coliseo, Trajano erigió una inmensa columna como monumento de grandeza. En arquitectura, esta civilizacion se apropió de las columnas dóricas, jónicas y corintias de Grecia pero su mayor interés consistióBusto de Cicerón no tanto en imitar la perfección de las proporciones griegas, sino en lograr grandes obras de ingeniería. Así, hicieron viaductos, acueductos, puentes, carreteras y gigantescas cúpulas que se construyeron para durar eternamente. Los edificios destinados a la diversión alcanzan en Roma una gran importancia. El teatro es similar al griego pero el romano tiene la orquesta y el graderío de forma semicircular, al tiempo que el escenario muestra importantes edificaciones, generalmente con columnas. El anfiteatro se empleaba para las luchas de gladiadores. El edificio tiene planta elíptica que está rodeada por todos los lados de graderíos mientras que bajo la arena se distribuían las salas dedicadas a las fieras, entrenamiento de los luchadores, etc. El Coliseo de Roma es el anfiteatro por excelencia. El circo se utilizaba para las carreras de caballos; tenía planta estrecha y alargada y estaba rodeado de gradas. La pista se establecía alrededor de la spina. Los monumentos conmemorativos tendrán un especial desarrollo en Roma debido a los deseos de los militares de representar sus triunfos. Los arcos de triunfo y las columnas serán los más utilizados. También conviene destacar en el apartado arquitectónico la construcción de calzadas, puentes, acueductos, puertas, murallas o foros, una muestra más del espíritu práctico que caracterizaba al pueblo romano En la escultura destacan dos campos: el retrato y el relieve histórico. Ambos son una muestra más del carácter práctico de los romanos, deseosos de conmemorar su hazañas y sus triunfos. El retrato será el género favorito, relacionado con la práctica funeraria de realizar mascarillas de cera para guardarlas en los atrios de las casas. Esto aportó realismo y personalidad a la retratística romana. Podemos establecer dos periodos: la época republicana y el Imperio, caracterizados por la austeridad el primero y una mayor profusión de detalles en el segundo. Los peinados que portan los retratados nos sirven para fechar a los personajes, especialmente en el caso de las mujeres. Con Adriano la mayor parte de los retratos masculinos tienen barba. El relieve histórico recoge los triunfos militares de los principales emperadores y generales como se observan en las columnas de Trajano y Adriano o los arcos triunfales. Sin embargo, uno de los relieves más importantes no exalta las gestas militares sino la paz. Se trata de los relieves del Ara Pacis que Augusto ordenó levantar para celebrar la paz que se había implantado en Roma tras el periodo de las Guerras Civiles. La pintura romana tuvo una amplia difusión según consta en las fuentes literarias. Se trata de una continuación de la griega a la que se incorporaron elementos propios como se ha podido constatar en las ruinas de Pompeya y Herculano. Se han podido diferenciar cuatro estilos: "incrustaciones" -semejante al mármol, dividiéndose el espacio en tres grandes franjas horizontales dominadas por el amarillo y el rojo-, "arquitectónico" -se pintan columnas, entablamentos y otros elementos constructivos-, "egiptizante" -inspirándose en el arte egipcio, abundando los motivos ornamentales- y "fantástico" -combina los colores amarillo, rojo, negro y azul celeste, obteniendo un resultado de fantasía-. Las "Bodas Aldobrandini" y los "Misterios dionisíacos" se han convertido en las obra pictóricas más importantes de Roma. Con el ocaso del imperio sobrevivió el clasicismo en el arte. Este siguió su evolución durante el medievo (por ejemplo en el arco gótico), en el mundo bizantino y a través del arte de la cristiandad. La preeminencia del arte romano se mantuvo hasta el siglo XVIII, pues todos los renacimientos clasicistas hasta entonces fueron, de hecho, renacimientos del estilo romano. Imágenes: Panteón, Roma: Coliseo Flavio: Circo Máximo: Basilica de Majencio: Mercado de Trajano: Arco de Tito: Arco de Constantino: Mausoleo de Augusto: Acueducto de los milagros de Merida: ARTE BIZANTINO: Los motivos religiosos permeaban todo el arte en Bizancio. Estaban dentro de los templos en las paredes o como objeto específico del culto a través de estatuas o también como pequeños y portátiles objetos de veneración a los que se les conoce con el nombre de Iconos. En general, existen tres tipos de imágenes cristianas: la imagen de culto, la imagen descriptivo - narrativa y la imagen de devoción. Las imágenes de culto son aquellas a través de las cuales la divinidad se personaliza en el mundo, son únicas, pertenecen al ámbito de las apariciones y los milagros y ocupan lugares preponderantes en los santuarios que generalmente están dedicados a estas imágenes. Las descriptivo - narrativas, transmiten un mensaje relacionado con la doctrina, con la historia sagrada, con la teología y con los dogmas de la fe cristiana. Las de devoción representan también a la divinidad pero generalmente son reproducciones de las imágenes de culto o de personajes asociados a la devoción católica como santos, diferentes advocaciones de la virgen o las personas de la santísima trinidad y pertenecen al ámbito personal. El arte de Bizancio que se conserva, pertenece en su mayoría a las imágenes descriptivo - narrativas y a las imágenes de devoción, aunque también se conservan imágenes de emperadores. Es del arte Bizantino de donde surgen modelos para toda la Edad Media. Entre otras cosas, se representa en Bizancio por primera vez a la corte angelical. El arte Bizantino dentro de los templos, fue realmente una teología en imagen, ya fuera en pintura o en mosaico y se convirtió en un maravilloso espectáculo para impresionar el alma. La imagen Bizantina fue la prolongación del dogma, y el desarrollo de la doctrina en el arte Bizantino tenía carácter de libro sagrado de amena lectura. Se ha dado por categorizar al arte Bizantino en tres "edades de oro", independientes de la epoca "iconoclasta" del siglo VIII en la que un grupos de personas se oponían a la existencia de cualquier tipo de imagen religiosa. La pugna entre iconódulos (a favor de las imágenes) e iconoclastas (destructores de imágenes) dio como resultado que en el año 754, todo el arte fuera prohibido en la iglesia oriental. Sin embargo, esta limitación fue de corta duración y ya para el siglo IX, el arte volvía a estar presente como instrumento de catequización y vehículo de devoción. En la primera etapa del arte Bizantino (siglo VI), los temas iconográficos son: Cristológicos y mariológicos que recorren la vida, pasión y muerte de cristo y la vida de la Virgen María. El tema fundamental era la "deesis" o sea, la representación del padre eterno o cristo acompañados de la Virgen y San Juan. También se representan vírgenes con el niño de frente, con los ojos agrandados y dolorosos. Los temas teológicos y las escenas bíblicas, se representan de forma hierática y están realizados con fines didácticos. También se representa a los emperadores de manera realista. En general, existen tres tipos de imágenes cristianas: la imagen de culto, la imagen descriptivo - narrativa y la imagen de devoción. Las imágenes de culto son aquellas a través de las cuales la divinidad se personaliza en El mundo, son únicas, pertenecen al ámbito de las apariciones y los milagros y ocupan lugares preponderantes en los santuarios que generalmente están dedicados a estas imágenes. Las descriptivo - narrativas, transmiten un mensaje relacionado con la doctrina, con la historia sagrada, con la teología y con los dogmas de la fe cristiana. Las de devoción representan también a la divinidad pero generalmente son reproducciones de las imágenes de culto o de personajes asociados a la devoción católica como santos, diferentes advocaciones de la virgen o las personas de la santísima trinidad y pertenecen al ámbito personal. El arte de Bizancio que se conserva, pertenece en su mayoría a las imágenes descriptivo - narrativas y a las imágenes de devoción, aunque también se conservan imágenes de emperadores. Es del arte Bizantino de donde surgen modelos para toda la Edad Media. Entre otras cosas, se representa en Bizancio por primera vez a la corte angelical. El arte Bizantino dentro de los templos, fue realmente una teología en imagen, ya fuera en pintura o en mosaico y se convirtió en un maravilloso espectáculo para impresionar el alma. La imagen Bizantina fue la prolongación del dogma, y el desarrollo de la doctrina en el arte Bizantino tenía carácter de libro sagrado de amena lectura. Se ha dado por categorizar al arte Bizantino en tres "edades de oro", independientes de la epoca "iconoclasta" del siglo VIII en la que un grupos de personas se oponían a la existencia de cualquier tipo de imagen religiosa. La pugna entre iconódulos (a favor de las imágenes) e iconoclastas (destructores de imágenes) dio como resultado que en el año 754, todo el arte fuera prohibido en la iglesia oriental. Sin embargo, esta limitación fue de corta duración y ya para el siglo IX, el arte volvía a estar presente como instrumento de catequización y vehículo de devoción. En la primera etapa del arte Bizantino (siglo VI), los temas iconográficos son: Cristo lógicos y mariológicos que recorren la vida, pasión y muerte de cristo y la vida de la Virgen María. El tema fundamental era la "deesis" o sea, la representación del padre eterno o cristo acompañados de la Virgen y San Juan. También se representan vírgenes con el niño de frente, con los ojos agrandados y dolorosos. Los temas teológicos y las escenas bíblicas, se representan de forma hierática y están realizados con fines didácticos. También se representa a los emperadores de manera realista. Imágenes: Santa Sofía de Constantinopla. Iglesia San Vital: Iglesia San Vital interior: Baptisterio de los Ortodoxos: San Apolinar in Classe: Cátedra de Maxiano: San MArcos: ARTE ROMÁNICO: El término “románico” que designa este estilo de arte desarrollado en la mayor parte de la Europa cristiana entre los siglos X al XIII, le fue dado por el arqueólogo Charles de Gerville, en 1820. El sistema social, político, el arte, la cultura y la ciencia pierden la relevancia de siglos anteriores. Además hay que añadir los constantes desplazamientos masivos de poblaciones, las grandes invasiones y guerras contra los normandos, húngaros y árabes, que hunden por completo al continente. Además, el miedo por el fin del milenio se adueñaba del hombre medieval, que ya había soportado plagas, hambrunas y guerras sumido en la más absoluta pobreza. Cuando acaba la tortura por el cambio de milenio, parece comenzar a revivir un optimismo por la vida, que parece ir mejorando. Las nuevas técnicas agrícolas y las innovaciones en la fuerza hidráulica influyen en la nueva forma de pensar y en la demografía del continente. Los grandes desplazamientos de invasores parecen ir frenándose al convertir al cristianismo a húngaros y normandos, y cesar la amenaza musulmana en España. Ante esta situación, la idea de unificación espiritual de Europa bajo la bandera de fé y de un imperio cristiano a pesar de la distancia geográfica y política de los territorios hace resurgir completamente el que no es ya un continente desolado. Los monasterios comienzan a ser muy extendidos en casi todos los lugares y ya no tienen esa localización tan definida de la Alta Edad Media. Jerusalén, Roma y sobre todo Compostela se convierten en centros de peregrinaje que fomentan junto con el movimiento guerrero-religioso de las Cruzadas un intercambio de conocimientos, culturas y formas de vida entre los europeos y entre estos y la sociedad islámica. Fue este fenómeno de resurgimiento social, espiritual, económico y demográfico, el que hace vivir a Europa un periodo de “Renacimiento Románico”, una auténtica fiebre por las construcciones, que se caracterizan por pretender parecerse a la cultura romana precedente. Comenzaron a construirse grandes catedrales en las ciudades más influyentes y en los más importantes centros de peregrinajes (la catedral de Santiago el Apóstol, en Compostela es un ejemplo de ello). Más tarde el estilo se extiende por toda Europa y en la Baja Edad Media todo pueblo o aldea tenía su templo románico. Este arte es el primero que se desarrolla íntegramente en Europa y también el primer arte cristiano, que alberga formas arquitectónicas, esculturales y pictóricas con rasgos de trascendencia espiritual y que utiliza el lenguaje de símbolos para expresar las ideas y sentimientos. EXPRESIÓN EN EL ARTE ROMÁNICO. La expresión de las características del arte románico se realiza mediante simbología, que en muchos casos tiene una cierta ironía y en otros sólo pretende avivar la mente humana y hacerla pensar sobre el significado de estas manifestaciones artísticas. A diferencia de otros estilos, el románico no busca la copia de la naturaleza ni la expresión de lo real, se infiltra para demostrar la belleza de una forma abstracta. Es por ello una arquitectura de figuras sencillas que utiliza como elementos artísticos los cuadrados, los círculos, los cubos y los cilindros, que se sitúan dando un ritmo perfecto a la obra. Dicha perfección y armonía de los elementos no es un hecho aislado en la intención del autor sino que está calculado con todo lujo de detalles. La escultura románica de animales, personas, etc, adopta las formas y proporciones necesarias para ajustarse a un orden geométrico racional. Siguiendo esta característica, podemos encontrar en las portadas, cabeceras y ventanas personajes esculpidos en posturas imposibles y con perspectivas absurdas. Al igual que en la época romana, el carácter simbólico de los elementos arquitectónicos y esculturales juegan un papel muy importante. Cada símbolo tiene su significado. De esta forma, la orientación de la planta de la mayoría de las iglesias es de este a oeste, justo por donde aparece y desaparece el Sol cada día. El altar por lo tanto tiene orientación este y era la primera zona de la iglesia iluminada por el Sol. Se observa aquí la ideología de ser Cristo la luz del mundo que todo lo puede iluminar. Las bóvedas de medio punto representan las bóvedas celestiales donde Cristo espera a sus fieles tras su muerte. Son las figuras de leones u otros animales de fuerzas poderosas las que se esculpían en los tímpanos y capiteles de las entradas de las iglesias, haciendo ver el carácter divino e impenetrable de éstas. Cualquier expresión románica es por tanto una gran fuente de simbología. Además de representar físicamente una concentración de los volúmenes, perfectamente equilibrados, creados con la intención de despertar la imaginación, enseñar y conmover. EL ARTE ROMÁNICO EN EUROPA Fue la forma representativa del cristianismo en toda Europa, y su estilo invitaba a la reflexión y el amor hacia Dios. El país relacionado con el románico por autonomasia es Francia, aunque también tuvieron su participación Inglaterra, Escocia, Borgoña y la mitad norte de España. Italia, centro de la vida papal y por lo tanto opuesta a la unificación religiosa de todo el continente, recibió de forma más indirecta este estilo artístico, aunque fue el país con el románico más puro debido a su pasado como centro del Imperio Romano. Todo el conjunto de estos edificios, incluidos los que fueron derruidos en épocas anteriores, constituyen una gran fuente de investigación arquitectónica sin precedentes. * ARQUITECTURA Las iglesias eran en la Alta Edad Media el punto de encuentro de los fieles con Dios, y por tanto debía representarlo a Él. Pero el arte románico va a dar un cambio radical a estas edificaciones. Se deja un lado la sencillez que predominaba hasta entonces y se emplea de nuevo la majestuosidad de las construcciones romanas. Las naves de estos lugares estaban cubiertas de techos abovedados, en vez de madera y sus exteriores estaban decorados con estatuas y ornamentación arquitectónica. La iglesia más representativa de la parte sur de Francia es sin duda la Iglesia de St. Senin en Toulouse. Es una edificación mucho más compleja que la de construcciones anteriores. Construida con planta de cruz latina, con el tronco más largo que los tros dos segmentos que se abren a ambos lados. Esta característica proporcionaba una nave central mucho más espaciosa gracias a esos brazos transversales denominados cruceros. Era allí donde se situaban los peregrinos que había recorrido un largo camino para asistir a los ritos religiosos, que se realizaban en el compartimento más pequeño del edificio: el ábside del extremo oriental. La nave central estaba flanqueada por dos naves laterales a sus costados, que interiormente se prolongaban a través de los brazos del crucero formando un deambulatorio (sitio para pasear). El deambulatorio albergaba diversas capillas, la mayor de ellas estaba dedicada por lo general a la Virgen María, por lo que recibía el nombre de Capilla de la Señora. *ESCULTURA En esta época resurge la escultura monumental tallada en piedra, que hasta ese momento sólo se mantuvo como forma de decoración superficial u ornamento arquitectónico de talla reducida. En la Alta Edad Media la escultura en miniatura fue la tónica dominante, con pequeños relieves y figurillas realizados en metal o marfil; la escultura de gran escala se limitaba casi exclusivamente a la madera. Al igual que en la arquitectura cada zona geográfica tenía su propio estilo escultórico, con características muy marcadas en cada una de ellas. * PINTURA Esta expresión artística no se desarrolla de la misma forma que la arquitectura ni la escultura del románico, y apenas puede hacerse una distinción entre la pintura de la Edad Media y la pintura románica. Pero no por este hecho la pintura deja de ser importante en este estilo artístico. De igual forma que la arquitectura y la escultura albergó gran número de variaciones locales, aunque las producciones más bellas nos llegan desde los monasterios de Francia, Bélgica y el sur de Inglaterra. Porque no debemos olvidar que la pintura era la base fundamental de la iluminación de manuscritos. Las obras de estas zonas son muy parecidas entre sí. En la representación de San Juan Bautista en el Evangelio del Abad Wedricus existe una tendencia románica a realizar el dibujo con formas lineales, aunque suavizadas por la influencia bizantina, pero sin dejar el ritmo de las formas. El personaje principal se centra en un marco, del que parece no tener salida. Esta expresión del dibujo lineal y los sencillos contornos que lo definen, se adaptan con gran facilidad a las diferentes escalas de las pinturas románicas, que podían ser representadas en murales, tapices, vidrieras de colores o relieves escultóricos. El “Tapiz de Bayeux” es un friso bordado en paño, de unos 70 cm. de longitud, que narra la invasión de Inglaterra por Guillermo el Conquistador. En este friso, no se centra la imagen principal dentro de un marco si no que se divide en tres partes horizontales. La parte superior está adornada con pájaros y otros animales, pero la franja inferior está decoradas con imágenes de soldados y caballos, lo que la hace estar más integrada en la composición central del tapiz. Aunque improvisto de todos los refinamiento de la pintura clásica, el tapiz nos recrea una visión sorprendentemente intensa y detallada del arte militar en el siglo XI. La superposición de las figuras hace de cada combatiente un héroe individual que de una forma u otra ayuda incluso cuando ha sido derrotado. “La Construcción de la Torre de Babel”, representada en la nave central de la iglesia de St. Servin-sur-Gartempe, trata una composición realmente dramática en la que el propio Dios participa directamente en la narración. Fue a mediados del siglo XII cuando la pintura románica comenzó a sufrir cambios tanto en Francia como en Inglaterra. “El paso del mar Rojo”es una plancha esmaltada realizada por Nicolás de Verdún y que compone el retablo de la abadía de Klosterneuburg (Austria), se aleja de las formas lineales y recobra de súbito una forma de líneas tridimensionales. Los pliegues de la ropa tienen el volumen del cuerpo que las lleva puesta. Es aquí dónde podemos observar ese predominio clásico que hasta entonces estuvo perdido en la pintura románica. A partir de este momento la pintura románica deja de ser considerada como tal y es simplemente un paso transitorio entre el románico y el gótico. Imágenes: Catedral de Woms: Iglesia de Sain Remi: Catedral de Parma: Frontal de Avia: Catedral vieja de Salamanca: Colegiata de san Isidoro: Crusifijo de don Fernando: Iglesia de SAn Martín: