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LOS 5 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA JIMI HENDRIX «Jimmi» Hendrix (nacido como ; Seattle, Washington, 24 de noviembre de 1942 - Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros. Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocada, y sin embargo brillante. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock. Adolescencia e inicios Nacido en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix. El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad. Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados como Erick Johnson Y B.B. King; entre otros. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry. En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas. El acercamiento a la escena musical Una vez obtenida la baja, "Buster" (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals. El grupo comenzó a exhibirse en locales de la zona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias "en vivo" de Hendrix. Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errática, formando parte en la gira del llamado Chitlin' Circuit[16] y convirtiéndose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de músicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin' Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilística; en este contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues. Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que había encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día más conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem).[17] La amistad con los gemelos Allen pronto resultó ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cuál los gemelos Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters). También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne "Fayne" Pridgeon.[5] Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se reveló esencial también en su inserción en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente musical underground de Harlem. La subida hacia el éxito Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco después se convertiría en un éxito radiófonico. Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C.. En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadía en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.[18] No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico. En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop;[19] entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California[20] a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy. Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento. Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter.[21] Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah. The Jimi Hendrix Experience 1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, y al productor Seymour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y - con gran desilusión de Hendrix - toda prospectiva de inserimiento se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y manager; después de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenía buenas perspectivas por delante y se convenció a sí mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo con fuzz que el guitarrista le había ilustrado podía convertirse en un "single" de lanzamiento. Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para firmar un contrato con el soporte del manager saliente de Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente. Después de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell. Había nacido la Jimi Hendrix Experience. El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa batería de Mitchell y de las lineas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena del Swinging London en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros angustiosos en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck de los Yardbirds, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto de entrar en el panteón de la música rock de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records. El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente Hey Joe, retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido a la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi. En el lado B del "single" se encontraba Stone Free, un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones. La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: Purple Haze y The Wind Cries Mary; las canciones en cuestión se volvieron pilares importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como Killing Floor de Howlin' Wolf (con el que normalmente abrían sus conciertos), Rock Me Baby de B.B. King y Wild Thing de The Troggs. Muerte de Jimi Hendrix El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido. Actualmente se tiene una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright , el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que el deceso del guitarrista se debió a que su representante, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que el guitarrista iba a despedirlo. Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, seguro cuyo beneficiario sería el mismo mánager. James Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche de copas, poco antes de morir en un accidente aéreo. Jimi Hendrix muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones). SLASH Saul Hudson, también conocido como Slash, es un guitarrista de hard rock nacido el 23 de julio de 1965 en Inglaterra. Fue uno de los guitarristas del popular grupo estadounidense Guns N' Roses. Actualmente milita en la banda de hard rock Velvet Revolver junto con sus compañeros Duff McKagan y Matt Sorum de Guns N' Roses y el guitarrista Dave Kushner (ex miembro de Suicidal Tendencies y Infectious Grooves). También formó parte del grupo Slash's Snakepit con el que grabó dos discos y de Slash's Blues Ball, en el que realizaba versiones de canciones del género blues. Sus comienzos Nació el 23 de julio de 1965 en Hampstead (Londres), Inglaterra. Pero creció en la también inglesa Stoke-On-Trent, Staffordshire. Anthony Hudson, quien era su padre, diseñaba carátulas de discos (entre sus trabajos se encuentra un disco de Neil Young y el "Court and Spark" de Joni Mitchell). Su madre, Ola Hudson era diseñadora de ropa, y de esa manera fue como el joven Slash conoció a David Bowie a finales de los años 1970. Ella había hecho el vestuario que llevaba Bowie en The Man Who Sold The World. En 1977, la familia se muda a Los Ángeles, Estados Unidos. Durante esa época sus padres se separaron y él se fue a vivir con su abuela. A la edad de 14, recibió de su abuela, una guitarra electroacústica, con la que aprendió a tocar y dedicaba largas horas del día solo a practicar que después lo llevo a dejar la escuela. En una entrevista para Rolling Stone dice: "Mi gran despertar vino a mi cuando tenia 14, trataba de estar con una chica mayor que yo, y un día finalmente me dejó entrar a su casa. Estuvimos ahí un rato, fumamos un poco de marihuana y escuchamos el disco de Aerosmith Rocks, me pegó muy fuerte. Me senté ahí y lo escuché una y otra vez. Me olvidé por completo de aquella chica. Recuerdo ir en bicicleta de vuelta a la casa de mi abuela sabiendo que mi vida había cambiado. Ahora me identificaba con algo." Sus influencias fueron desde muy temprano Aerosmith, AC/DC, Led Zeppelin, Black Sabbath, Pink Floyd, Deep Purple, Kiss, Cream, Queen, UFO, Sex Pistols, The Ramones, The Beatles, The Rolling Stones, The Jimi Hendrix Experience, Rory Gallagher, Jeff Beck y Alice Cooper. A los 17 años Slash dejó la escuela, y fue entonces cuando se empezó a enamorar de la escena musical en el Sunset Strip junto con su amigo de la infancia Steven Adler Carrera musical Guns N' Roses Slash y Axl Rose se conocieron en 1984 cuando coincidieron tocando en una actuación preparada por la que era agente de ambos, Vicky Hamilton. Varios meses después, Slash hizo una audición para tocar en una banda con Axl Rose e Izzy Stradlin, pero eligieron a otros guitarristas, entre ellos Tracii Guns. Después de que Guns no pudiera hacer un concierto en Seattle porque se iba de gira con Rob Gardner (integrante de L.A Guns ex banda de Axl Rose e Izzy Stradlin), Slash y Steven Adler se unieron al grupo y con Duff McKagan formaron finalmente Guns N' Roses. En 1987 realizan su álbum debut, Appetite for Destruction, que al principio no fue bien recibido pero incluía canciones que se convertirían en clásicos de la banda, como: Welcome to the Jungle, Sweet Child O' Mine, Paradise City. Appetite for Destruction es el álbum debut más vendido en la historia. En 1988 sale su segundo álbum de estudio: Lies. Que incluye las cuatro canciones de Live ?!*@ like a suicide más cuatro canciones grabadas en vivo, incluyendo la controvertida One in a million. Después del tour de los Use Your Illusion, Slash se convirtió en ciudadano estadounidense. En 1990 Slash tuvo un escándalo de importancia al subir ebrio a recibir un premio en los American Music Awards. En 1991, Guns N' Roses se embarcó en una larga gira de 28 meses del tour Use Your Illusion, que coincidió con el lanzamiento de sus nuevos discos Use Your Illusion y Use Your Illusion II. Este álbum indica un cambio en la dirección musical de la banda, incluyendo canciones más dramáticas como November Rain y Estranged. Tratando de salvar los restos de Guns N' Roses (que había entrado en una crisis mayor tras la salida del disco The Spaghetti Incident?), en 1994 Axl despide a Gilby Clarke y contrata a Paul Huge sin avisar a nadie. Esto enfada a Slash, que dice que no se merece estar en un grupo tan grande como Guns N'Roses. En el cover que grabaron, "Sympathy for Devil", Paul Huge sobregraba los solos que había hecho Slash y este se enoja. Slash abandona definitivamente Guns N' Roses el 30 de noviembre de 1996 después de declarar que no podía trabajar con Rose y que no le gustaba la forma en la que los trataba a el y al resto de la banda. Habia "supuestamente" grandes diferencias en la dirección musical que quería Slash y Axel. Slash's Snakepit Junto a dos compañeros de Guns: (Gilby Clarke y Matt Sorum), el bajista de Alice In Chains Mike Inez, y el cantante Eric Dover, forma Slash's Snakepit, y en 1995 lanza el disco It's Five O'Clock Somewhere. Este nombre fue dado al álbum debido a una anécdota, en esta Slash quería conseguir whisky pero no se podía vender alcohol hasta las cinco de la tarde. Luego de buscar, un camarero le dijo : "It's five O'Clock Somewhere" (Son las cinco de la tarde en algún lado) y se lo vendió. De ahí salió el nombre. El disco no obtuvo el éxito que realmente merecía debido a que el hard rock había perdido fuerza en el panorama musical frente al grunge. En octubre de 2000, Slash's Snakepit publica el álbum Ain't Life Grand, con una formación totalmente distinta a la del primer disco de la banda. Para promocionarlo, Slash se embarcó en un extenso tour durante el verano con AC/DC. Velvet Revolver Velvet Revolver comenzó como "El proyecto", una iniciativa de Slash, Duff McKagan y Matt Sorum para encontrar un nuevo cantante. La segunda guitarra quedó a cargo de Dave Kushner (Le habían ofrecido el puesto a Izzy Stradlin, pero este no aceptó), quien había tocado con McKagan en la banda "Loaded". Por varios meses escucharon demos de potenciales cantantes (un proceso muy monótono que fue documentado en video), sin encontrar ninguno que los satisficiera por completo. Scott Weiland quería unirse a la banda desde hacía un tiempo, pero como todavía tocaba en Stone Temple Pilots no se lo permitieron. Hasta que la banda se separó definitivamente en el 2002 y Weiland fue aceptado. Slash con velvet revolver 2004 el primer álbum de la banda, Contraband, fue grabado a finales de 2003.Contraband fue lanzado en junio del 2004, alcanzando el puesto #1 en la lista Billboard de álbumes , #11 en el ránking británico y #2 en el australiano. El segundo álbum titulado Libertad salió a la venta el 3 de julio de 2007. En su portada el disco tiene la reproducción de la imagen de un ángel rompiendo las cadenas, que aparecía en la moneda de 10 pesos que circuló en Chile durante el régimen dictatorial del general Augusto Pinochet Ugarte. El 1 de abril de 2008, Slash, Duff McKagan, Sorum y Kushner anunciaron que Weiland estaba despedido de la formación. "Esta banda está dedicada sólo a sus fans y a la música, y Weiland no está involucrado al 100%", dijo Slash. "Entre otras cosas, su cada vez más errático comportamiento en escena y sus problemas personales nos han forzado a movernos". Además, el guitarrista dijo que habrá un tercer álbum de la banda, pero que no sabía "ni cómo ni cuándo, pero que el núcleo de los cuatro músicos continuará". Slash & Friends Durante los meses de marzo a noviembre del 2009, Slash ha estado metido de lleno en la grabación de su primer álbum en solitario, Slash & Friends. Slash informa sus fans de los pormenores de la grabación a través de Twitter[1] y Facebook[2]. Este disco contará con la participación de numerosas estrellas entre las cuales figuran Iggy Pop, Steven Tyler de Aerosmith, Dave Grohl (Foo Fighters), Chris Cornell (ex-Soundgarden), Ronnie Wood (Rolling Stones), Alice Cooper, Fergie de Black Eyed Peas, Ozzy Osbourne, Chester Bennington (Linkin Park), Lemmy de Motörhead, M.Shadows de Avenged Sevenfold, Nicole Scherzinger, Adam Levine (Maroon 5), Travis Barker, Josh Freese, Flea de Red Hot Chili Peppers y también el antiguo baterista de Guns N' Roses y amigo de infancia Steven Adler que tocará en uno de los temas[2] . También han participado los antiguos miembros de Guns N'Roses Izzy Stradlin y Duff McKagan. Un primer single titulado "Sahara" con Koshi Inaba de cantante salió en Japón el 11 de noviembre 2009. La cara B de este single es una versión de "Paradise City" con Fergie y Cypress Hill. El segundo single será interpretado por Ozzy Osbourne y saldrá en enero 2010 en todo el mundo[3] . El álbum de Slash saldrá a la venta en febrero del 2010. Colaboraciones Slash ha tocado con Michael Jackson, Brian May, Bob Dylan, Iggy Pop, Alice Cooper, Lenny Kravitz (amigo de su infancia), Chester Bennington, Franco Rose, Steven Tyler, Joe Perry, Rolling Stones, Motörhead, Chris Daughtry, Mercedes Sosa, Avenged Sevenfold, Ozzy Osbourne, Zakk Wylde y muchos más. También realizó canciones junto a artistas hispanos como Paulina Rubio y la cantante de pop español, Marta Sánchez junto a la cual hizo un tema para el disco Azabache de la española y juntos realizaron un tema para la banda sonora de una película producida por Quentin Tarantino, Curdled (titulada Obsesionada con el crimen en Argentina y Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre en España). slash con the nightwatchmen 2008En el 2007 colaboró con Paulina Rubio en la canción "Nada Puede Cambiarme", donde Slash aparece tocando un solo de salida de dicha canción. Recientemente colaboró en un concierto con la cantante de Black Eyed Peas Fergie tocando canciones como Barracuda (canción que incluye el juego Guitar Hero III en el cual colabora Slash) y "Sweet Child O' Mine" (canción original de Guns N' Roses). En el 2009, Slash aparece en la canción "Rockstar 101" del nuevo álbum de Rihanna, Rated R. BUCKETHEAD Buckethead, nacido el 13 de mayo de 1969, con el nombre de Brian Carroll, es un guitarrista y compositor estadounidense, además de ser un multi-instrumentalista. Es conocido, principalmente, por usar una máscara de plástico blanca (inspirada en la película Halloween IV) y una cubeta de Kentucky Fried Chicken sobre su cabeza. Con esto, Carroll creó en sí mismo una persona diferente para enfatizar su identidad musical. Es un compositor prolífico. Ha lanzado más de 20 álbumes como solista y ayudado en más de 33. Además varía entre los estilos musicales, los cuales van desde el thrash metal, funk, música electrónica, avant-garde, jazz ambiental, death metal y hasta la música minimalista (o más conocida como "música simple". Guitar One votó por él como el número 8 de "Los mejores 10 guitarristas de todos los tiempos".[1] Fue alumno durante casi un año del virtuoso Paul Gilbert, el cual influenció de manera notable su fraseo rápido en su técnica de shred. Entre sus otras influencias, se pueden citar a Yngwie Malmsteen, Shawn Lane, Joe Satriani y Jennifer Batten. Buckethead además ha colaborado y participado con grandes artistas; tales como Les Claypool (bajista de Primus), Viggo Mortensen, Tony Williams, Bootsy Collins, Serj Tankian (vocalista de System of a Down), y Guns N' Roses, para la grabación de Chinese Democracy. Fue junto a estos últimos en el que se presentó en los MTV Music Awards y el festival Rock in Rio. Identidad El verdadero nombre de Buckethead es Brian Carroll. Sólo hay un fotógrafo conocido que lo ha fotografiado[2] y pese a que existen cientos de vídeos amateurs que muestran a Buckethead desenmascarado todos son falsos.[3] La biografía oficial de Buckethead señala que éste fue criado en un gallinero por gallinas[4] (apropiadamente él ha escrito varias canciones a principios de su carrera que se refieren a las gallinas como la canción "Chicken" y "I Can Only Carry 50 Chickens At A Time" o los títulos de los álbumes "KFC Skin Piles" y "Enter the Chicken" y que luego de cierto tiempo él mismo quiso escapar y vivir su propia vida. Pero existe una biografía más realista que estipula que es un fan de las películas de horror y que en algún punto de su vida compró una máscara de plástico que sería la que usa hoy en día. La idea de llevar un cubeta sobre su cabeza vino una noche cuando estaba comiendo en uno de los restaurantes de comida rápida Kentucky Fried Chicken y al momento de ir al baño se paró frente a un espejo, puso la cubeta sobre su cabeza y se dijo a sí mismo "Ese es Buckethead. Ahí está Buckethead, justo ahí" ("That's Buckethead. That's Buckethead, right there". Buckethead es conocido también por su baile robótico sobre el escenario, así como también sus bailes pop y break dance y además de sus rápidas demostraciones con el Nunchaku, incluso mientras toca la guitarra. También regala muchos juguetes suyos en el escenario, así como el público también le da juguetes a él. Según una revista local de música de 1989, Buckethead cita a Michael Jackson, Yngwie Malmsteen, Louis Jordan, Shawn Lane, Joe Satriani, Paul Gilbert, Jennifer Batten y Randy Rhoads como grandes influencias. También dijo que el libro "Thesaurus of Scales and Melodic Patterns" escrito por Nicolas Slonimsky era también una influencia Carrera En el año 1988 Buckethead envió la canción titulada "Brazos" a un concurso de la revista Guitar Player Magazine de la cual los que recibieron su canción opinaron diciendo: "Es un guitarrista y bajista increíblemente dotado, ha demostrado la velocidad de Paul Gilbert y una precisión se ha filtrado en unos tonos muy armónicos y sensibles. Sus movimientos y dominio estaban por sobre los clichés del metal y el rock, es difícil creer que es sólo un adolescente, pero tiene mucho talento. Se ha querido denominar a sí mismo como "Buckethead". Así es como el editor de la revista Guitar Player, Jas Obrecht, conoció a Buckethead. Impresionado con su demo consiguió un contrato con Buckethead y pronto se hicieron amigos. En 1991 Buckethead se mudó al sótano de Obrecht donde se filmó un DVD sobre la vida del joven Buckethead. Después de algunos álbumes lanzados, se lanzó Bucketheadland en el sello discográfico de John Zorn en 1992. No consiguió mucho éxito pero si gano buenas críticas y con eso ganó un poco de atención. Ya por ese momento, Buckethead estaba trabajando con el productor/guitarrista y bajista Bill Laswell (El cual colaboró en algunas canciones de Buckethead y él a su vez colaboró en algunas canciones de Laswell). Uno de los proyectos de Laswell era Death Cube K (un anagrama de "Buckethead" que creó por problemas legales con la discográfica Sony Records), más tarde William Gibson tomó el nombre prestado y lo puso en un bar en Idoru. Gibson dijo en una entrevista para Addicted To Noise (Adictos al Sonido) que "Death Cube K es el título de un álbum. Lo siento pero no puedo recordar el nombre de la banda pero Bill Laswell a quien no conozco muy bien, ocasionalmente manda muestras de afecto en sus producciones y cuando vi el nombre pensé que era un bar temático de Franz Kafka en Tokyo". Según la autobiografía del vocalista de Red Hot Chilli Peppers, Anthony Kiedis, dijo que Dave Navarro y Buckethead se unieron para tocar la guitarra junto con la banda cuando John Frusciante dejó ésta. Buckethead logró ganar más audiencia cuando fue un miembro temporal de la banda Guns N' Roses (ya que estaba reemplazando a Slash) del 2000 al 2004; sin embargo, la banda sólo hizo un tour en el 2001 y el 2002. Guns N' Roses respondió a la salida de Buckethead diciendo que "Durante el tiempo que estuvo en la banda, Buckethead era muy inconsistente, así como también errático en su comportamiento y su compromiso, y a pesar de que estaba bajo contrato, componer con él era más complicado de lo que en principio se pensó, por lo tanto es muy difícil para nosotros avanzar con el álbum, los ensayos y los planes en vivo que se preparaban. Su estilo de vida no le ha permitido ni a sus mejores y más cercanos amigos tener un contacto comunicativo de ningún tipo". A pesar de esto, el estilo de la guitarra de Buckethead puede ser encontrado en las canciones del álbum Chinese Democracy como "IRS", "There Was A Time", "Better" y "Madagascar" que se filtraron en Internet, pero aun así es incierto si es que estas canciones saldrán en el producto final. Desde ese momento, Buckethead ha hecho presentaciones en festivales y clubs en todo Estados Unidos en los cuales gana cada vez más y más público, y así también, fans. En una entrevista con Revolver, Ozzy Osbourne le ofreció a Buckethead tocar la guitarra junto a su banda en el festival Ozzfest, pero Ozzy rápidamente cambió de idea cuando hablo con él, y éste se negara a salir al escenario sin su disfraz, a lo que Ozzy dijo: "Estoy cansado de ese tipo Buckethead. Me junté con él y le pedí que tocara conmigo con la condición de que se deshiciera de la maldita cubeta y me fui. Luego regresé un momento más tarde y seguía llevando el maldito gorro verde de marciano y le dije: "¡sólo mírate!", me dijo que su nombre era Brian y le respondí que así lo llamaría. Él me respondió: "nadie me llama Brian excepto mi madre" y le respondí: "Tendrás que imaginarte que soy tu madre, entonces". No había ni salido de la sala y ya estaba teniendo juegos mentales con el tipo. Que pasaría si un día decide irse y dejar una nota diciendo que se ha ido, no me mal interpreten, es un excelente guitarrista, toca extremadamente bien, pero detesto su comportamiento." En el año 2005, Buckethead lanzó un álbum titulado Enter the Chicken. Lanzado por el sello discográfico de Serj Tankian, Serjical Strike. En el álbum aparece Tankian, Maximum Bob, el vocalista de Death By Stereo, Efrem Shulz entre otros. El álbum esta marcado como más tradicional en la estructura de las canciones, mientras que Buckethead demuestra sus habilidades con la guitarra. En 2005 Buckethead finalmente lanzó su primer DVD titulado "Secret Recipe", que sólo se vendió donde él se encontrara de gira, y para los que no pudieran verlo, se puso en subasta en eBay. Después de algún tiempo salieron versiones diferentes en eBay y luego se hizo un sorteo donde 200 personas ganaron la posibilidad de comprarlo primero. Finalmente fue en marzo del 2006 donde se lanzó oficialmente. En noviembre de 2006, salió a la venta el videojuego Guitar Hero II donde se incluye la canción de Buckethead titulada "Jordan" para desbloquearla como bonus track. Pese a que Buckethead escribió "Jordan" para el vídeojuego, lleva tocándola durante años (durante 2004 la tocó, pero en una versión más fácil y muy diferente). Después del lanzamiento del vídeojuego Guitar Hero en 2005, "Jordan" sería la primera canción grabada en un estudio. Sin embargo la versión de "Jordan" que sale en el vídeojuego Guitar Hero II es muy diferente a la que interpreta Buckethead regularmente. A finales del año 2006, Buckethead lanzó un DVD de 2 volúmenes titulado "Young Buckethead" el cual presenta material raro e inédito tomado en los años 1990 y 1991. El DVD también contiene tres shows completos de Deli Creeps (Su antigua banda). La portada del DVD la dibujo el mismo Buckethead. En febrero de 2007, tdrsmusic.com anunció el lanzamiento de un nuevo CD de Buckethead titulado Pepper's Ghost. El álbum fue lanzado el día 1 de mayo de 2007. También en febrero de 2007, tdrsmusic.com empezó a lanzar In Search of The, el cual es un box set de 13 CD de música hecha por él mismo. En mayo de 2007 se lanzó al álbum Acoustic Shards, el cual consta de puras canciones acústicas grabadas en 1991 mientras Buckethead se encontraba en el salón de su casa tocando su guitarra acústica. Según IMDB, Buckethead actuará de sí mismo en la película American Music: Off The Record que supuestamente será lanzada proximaménte. El 30 de octubre de 2007 Buckethead lanzó tres álbumes simultáneamente Kevin's Noodle House (junto al baterista Bryan "Brain" Mantia), Decoding the Tomb of Bansheebot y Cyborg Slunks. KURT COBAIN Kurt Donald Cobain (Aberdeen, 20 de febrero de 1967 - Seattle, 5 de abril o 4 de abril de 1994) fue el cantante, compositor y guitarrista de la prominente banda grunge Nirvana. Cobain no sólo fue el principal compositor de la banda y su líder musical, sino que además sirvió como su líder y centro espiritual.[1] Con el éxito de la banda, Cobain se convirtió en una celebridad a nivel mundial, una posición incómoda para alguien que dijo: «Famoso es la última cosa que quise ser».[2] Cobain y Nirvana ayudaron a transformar la música popular en los años 1990. En 1991, la llegada de la canción más conocida de Cobain, Smells Like Teen Spirit, marcó el comienzo de un cambio dramático de la escena musical, alejada de los géneros dominantes de los años ochenta, el glam metal y el dance-pop, llevando al ascenso del grunge y el rock alternativo. Los medios musicales concedieron finalmente a Smells Like Teen Spirit el estado de himno generacional,[1] y con este reconocimiento Cobain se convirtió en el portavoz de la Generación X. El 8 de abril de 1994 fue encontrado muerto en su casa de Seattle, víctima oficialmente de suicidio. Las circunstancias de su muerte siguen siendo motivo de un apasionado debate. Kurt Cobain fue posicionado en el puesto número 12 de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos en 2003 y en el puesto 45 de los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos en 2008, ambos por la revista Rolling Stone. Entre otras canciones conocidas de Cobain, se encuentran: Drain You, Come as You Are, In Bloom, Lithium, Heart-Shaped Box, All Apologies, Pennyroyal Tea, About a Girl, Rape Me, Breed, Sliver, Dumb, You Know You're Right, Sappy, Smells Like Teen Spirit y Polly. También se empezaron a componer numerosas canciones, sin llegar a terminarlas. Kurt Cobain nació en Aberdeen, el 20 de febrero de 1967, en el seno de una familia cristiana (más tarde reflejaría esta etapa en la canción Lithium). Vivió sus primeros 6 meses en Hoquiam, hasta que su familia volvió a Aberdeen. Su padre se llamaba Donald Lenald Cobain y su madre Wendy Elizabeth Fradenburg. También tenía una hermana menor, Kimberly, nacida el 24 de abril de 1970. Cobain se empezó a interesar por la música a temprana edad y, según una tía, cantaba canciones de The Beatles, como Hey Jude. También era un gran fan de la banda Ramones. Segun sus padres, la vida de Cobain cambió dramáticamente a los 7 años debido a su divorcio. En una entrevista en 1993, Cobain dijo: «Recuerdo sentirme apenado, triste por mis padres. Me avergonzaba compararme con mis amigos de la escuela, porque yo ansiaba pertenecer a ese tipo de familia clásica, a una familia típica. Madre, padre... Yo quería esa seguridad. Odié a mis padres durante años por esa razón». Tras un año viviendo con su madre después del divorcio Cobain se trasladó a Montesano para vivir con su padre. En la escuela, a Cobain le interesaban poco los deportes. Por la insistencia de sus padres formó parte del equipo de luchadores, pero Kurt estaba más interesado en sus clases de arte. Continuamente dibujaba durante las clases, especialmente detalles de anatomía humana, y también alguna caricatura de Michael Jackson posando. Influencias musicales Cobain era un devoto seguidor de los primeros artistas de rock alternativo. Él hizo referencia a sus bandas favoritas en entrevistas, dándole incluso mayor importancia a las bandas que lo influenciaron que a su propia música. En las entrevistas Cobain hablaba de intérpretes relativamente oscuros para el público general, como The Vaselines, The Melvins, Daniel Johnston, Meat Puppets, Young Marble Giants, King Crimson, Wipers o The Raincoats. Además, Cobain fue capaz de convencer a discográficas para relanzar álbumes de The Raincoats (Geffen) y The Vaselines (Sub Pop). Cobain también habló de la influencia de Pixies, y comentó sobre las similitudes de la música de esa banda y Smells Like Teen Spirit. Cobain le contó a la revista musical Melody Maker, en 1992, que después de escuchar Surfer Rosa por primera vez lo convenció de dejar a un lado sus composiciones tipo Black Flag, para concentrarse más en composiciones tipo Iggy Pop/Aerosmith, que aparecieron en Nevermind. Cobain también hizo esfuerzos para incluir a sus intérpretes favoritos en sus andanzas musicales. En 1993, cuando decidió que quería un segundo guitarrista que lo asistiera en escenario, Cobain, junto a Nirvana, se unió a Pat Smear de la legendaria banda californiana The Germs. El mismo año, cuando hubo problemas durante los ensayos de tres canciones de Meat Puppets para la presentación de la banda en MTV Unplugged, Cobain llamó a los líderes de la banda, los hermanos Curt y Cris Kirkwood, para que subieran al escenario a interpretar las canciones. Mientras que Sonic Youth ayudó a Nirvana a ganar mayor éxito, Nirvana intentó ayudar a otros artistas de indie a alcanzarlo. La banda contribuyó con la canción Oh, the Guilt a un sencillo lanzado en conjunto con The Jesus Lizard, de Chicago, lo cual ayudó a la credibilidad indie de Nirvana y ayudó al crecimiento del público de The Jesus Lizard. The Beatles fueron una importante influencia musical en Cobain. Él expresó una admiración particular por John Lennon, al cual consideraba su ídolo, según sus diarios, e incluso admitió que la canción About a Girl era esencialmente su intento de escribir una canción de The Beatles. También tuvo muchas influencias del punk y daba crédito a bandas como Black Flag y Sex Pistols por su actitud y estilo artístico. Pese a las influencias indie de Cobain, el sonido de los primeros años de Nirvana estaba influenciado por bandas de hard rock de los años setenta, incluyendo Led Zeppelin, Queen, Black Sabbath y Kiss. En ese tiempo, la banda tenía el hábito regular de tocar versiones de canciones de estas bandas, incluyendo Immigrant Song, Dazed and Confused y Heartbreaker, de Led Zeppelin, y una grabación de estudio de Do You Love Me? de Kiss, la cual tocaron para el disco tributo a Kiss Hard to Believe. Además, Cobain discutió sobre la influencia de bandas como The Knack, Boston y Bay City Rollers en su música. Además, Cobain tuvo influencias de artistas de épocas más tempranas: el concierto de Nirvana en MTV Unplugged terminó con una versión de Where Did You Sleep Last Night, una canción popularizada por el artista de blues Leadbelly, uno de los intérpretes favoritos de Cobain. En ese mismo Unplugged interpretó también The Man Who Sold The World, un cover de la canción de David Bowie. Nirvana Cobain recibió su primera guitarra de su tía a la edad de 14 años, quien la consiguió en el Centro Musical Rosevear, en Aberdeen, escogiendo el instrumento en vez de una bicicleta. Desde ese momento Cobain intentó formar bandas con amigos, interpretando canciones de AC/DC y Led Zeppelin. En la secundaria, sin embargo, Cobain tuvo problemas frecuentes para encontrar a alguien con quien tocar, debido a que ninguno de sus amigos poseía ningún talento musical particular. Posteriormente, Cobain encontró a Krist Novoselic, un fiel devoto del punk rock, que vivía al otro lado del puente de la calle Young. La madre de Novoselic era propietaria de un salón de belleza (Maria's Hair Design), así que ellos pudieron practicar en el segundo piso del edificio ocasionalmente. Pocos años después Cobain intentó convencer a Novoselic para formar una banda con él, y le prestó una copia de una demo casera (titulada Illiteracy Will Prevail) grabada por una de las primeras bandas que formó Cobain, Fecal Matter. Después de meses pensándolo, Novoselic aceptó unirse a Cobain, lo cual sentó las bases de Nirvana. En los primeros años como grupo, a Novoselic y a Cobain les tocó rotar frecuentemente de bateristas. Finalmente, Chad Channing se unió a la banda, con el cual grabaron Bleach, lanzado en Sub Pop Records en 1989. Cobain, sin embargo, no estaba satisfecho con el estilo de Channing, y la banda lo reemplazó por Dave Grohl. Junto a Grohl, la banda encontró el éxito con su álbum debut en una gran discográfica, Nevermind (1991). Posteriormente, en 1993, salió el disco In Utero. Cobain tuvo problemas para adaptarse al éxito masivo de Nirvana con sus fuertes raíces underground. Además, se sintió perseguido por los medios hasta el punto de compararse a sí mismo con Frances Farmer, y tuvo resentimiento con personas que decían ser fanáticos de la banda, pero que no entendieron el mensaje de ésta. Un incidente que molestó particularmente a Cobain involucró a dos hombres que violaron a una mujer mientras cantaban la canción de Nirvana Polly. Cobain condenó el episodio en las notas adjuntas a las versiones estadounidenses de la compilación Incesticide, refiriéndose a los agresores como dos desperdicios de esperma y óvulos ANGUS YOUNG Biografía Angus Young era el más joven de los ocho hijos de William y Margaret Young, nació en Glasgow, Escocia y se mudó con sus padres a Sydney, Australia en 1963 con sus hermanos mayores Malcolm, George, Y Alex, Que se convirtieron en músicos, y su hermana Margaret. Angus empezó a jugar con banjos. La primera SG de Angus fue comprada de segunda mano en 1970, de una tienda de música en la misma calle de su casa. "... Tenía una Gibson SG con la que tocaba hasta que la madera se estropeó, debido a todo el sudor y el agua que le entraba. Tenia todo el cuello torcido. La compré de segunda mano, se trataba de un modelo del 67. Tenía un cuello realmente delgado, muy liso, como un cuello personalizado. Era de color marrón oscuro. " Primeros años Angus Young nace en Glasgow, Escocia, donde vive con sus hermanos mayores Malcolm y George. En 1963 la familia Young emigra a Australia, afincándose en Sydney. Angus y Malcolm reciben clases de guitarra de su hermano George, miembro del grupo The Easybeats. Sus primeros años en un grupo fue en el grupo de su hermano mayor Malcolm, entrando en los locales donde tocaban (todavia era menor) gracias a que el grupo decia que era enano. Antes de la formación de AC/DC, Young tocó con un grupo local llamado Kentuckee (más tarde cambiarían el nombre a Tantrum). Formación de AC/DC Young, con 18 años de edad, junto a su hermano Malcolm crean en 1973 el grupo AC/DC. La primera formación de la banda cuenta con Malcolm Young en la guitarra rítmica, Phil Rudd en la batería, Mark Evans al bajo más tarde sera remplazado por Cliff Williams, y Dave Evans el cantante quien fue remplazado en 1974 por Bon Scott quien moriría en 1980 a causa de una intoxicación etílica. Lo remplazaría Brian Johnson que hasta el día de hoy es el cantante. Después de tocar un tiempo con el grupo, Young adoptó su imagen con el uniforme de escolar. Angus y Malcolm buscaban una puesta en escena que impactara, junto con su música, al público. Margaret, hermana de Angus y Malcolm, sugirió que en la actuaciones en vivo Angus continuara vistiendo el uniforme escolar ya que ella decia que Angus se comportaba como un niño. En las primeras actuaciones de AC/DC, Angus apareció vestido con una gran variedad de disfraces (disfrazado de gorila, de Superman, de Zorro y de Spiderman). Era la época del Glam rock y ya estaba de moda que los músicos de rock se disfrazasen durante sus actuaciones. Desde 1974, Angus probó varios disfraces, incluyendo los de El Zorro, Superman (como 'SuperAng') y el de gorila. La vestimenta escolar se acabaría convirtiendo en la firma de la banda, junto al "Andar de Pato" de Angus, homenajeando al gran Chuck Berry, del que Angus es un gran fan. En los conciertos, siempre enseña sus calzoncillos en los que lleva la bandera del país en el que se encuentran, después de un breve strip tease cómico. Sus movimientos, a pesar de lo enérgicos que son, no afectan su talento con la guitarra y no han impedido que se convierta en uno de los mejores guitarristas de la historia. Guitarras Angus Young ha utilizado guitarras Gibson SG de diferentes tipos (Standard, Special, '61 Reissue, Custom SG y Signature SG ). En pocas ocasiones utiliza otra guitarra, aunque tiene guitarras Telecaster, Gibson Firebird y Gibson ES-335. Cuando AC/DC tocó en 2003 una jam session con los Rolling Stones, Angus utilizó una Gibson ES-335, quizá una de las únicas ocasiones que se le ha visto en un escenario sin una SG. Young ha usado cuerdas Ernie Ball Slinky RPS por mas de 40 años,calibre .09 – .42 o .010 –.46 Angus Young rara vez es visto sobre el escenario con una guitarra que no sea una SG y tiene varias, una de ellas hecha para él a medida con incrustaciones en los trastes con forma de la “s” o símbolo de corriente alterna de ac/dc. Sin embargo, la primera que adquirió fue un modelo del 68 en 1973 que aun hoy en día sigue usando. Según declaró en una entrevista realizada por Lisa Sharken, la primera vez que vio una SG fue en un catálogo de guitarras que había traído un compañero de colegio desde San Francisco, “esta es la mia!”, dijo al verla y según él fue la primera guitarra de verdad que tuvo. Lo que más le atraía en un primer momento era su diseño con los cuernos y el color rojo que le daban un aspecto un tanto diabólica pero después, el doble cutaway que permite fácil acceso a los trastes superiores, el peso ligero y el tono, que siempre ha considerado el adecuado para él. La casa Gibson, aprovechando la popularidad de Angus, ha puesto en circulación un modelo denominado Gibson Angus Young Signature. Estilo Young toca un solo durante la cancion "Let there be rock"El estilo de tocar de Young es bastante dirigido al blues, tocando con la escala menor y mayor de la escala pentatónica. Su estilo tiene además trucos no blues adicionales. En los primeras grabaciones de AC/DC, se pueden escuchar power chords en canciones como "T.N.T" y en "It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)". También usa toques de Folk Escocés. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=icIygHdSGFc

HISTORIA DE ESPAÑA La Prehistoria Los mas antiguos yacimientos arqueológicos encontrados en España se consideran entre al 30.000-50.000 a. C. (caso de las pinturas rupestres más emblemáticas), como el caso del hombre de Orce, el Arte Rupestre, etc. Entre los restos mas importantes encontrados en España podemos mencionar los de las cuevas de Cova Negra (Játiva) y Pinar (Granada). La España Celtibérica Las últimas teorías consideran que los Íberos llegaron a la Península Ibérica desde el Norte de África, asentándose fundamentalmente en la costa mediterránea y al sur, donde crearon diversas culturas de las que aún hoy se conservan restos arqueológicos de gran importancia. Entre ellas destaca la que relatos griegos llamaron de turdetanos o túrdulos y cuya ciudad fue Tartessos. Hoy está considerada como una tribu ibérica, que fundó un importante reino de gran cultura en el valle del Guadalquivir, al sur de España. Sobre el año 1.200 a.C. tribus celtas entraron en la península por el Norte, se establecieron en gran parte de su territorio asentándose y mezclándose con los íberos. Parece ser que las montañas en que vivía el pueblo vasco nunca fueron penetradas por ningún tipo de invasión, por lo que se considera el origen de esta población incierto, y de seguro muy antiguo, como su lengua, barajándose la posibilidad de que se tratase de una población pre-ibérica. Fenicios, Griegos y Cartaginenses Alrededor del año 1.100 a.C. los fenicios llegaron a la península y fundaron colonias, la más importante fue Gadir, la que hoy es Cadiz. A su vez los griegos fundaron sus colonias en el sur y en la costa mediterránea. Durante las Guerras Púnicas entre Roma y Cartago, los Cartaginenses invadieron España y conquistaron una gran parte de la península. Sus colonias más importantes las establecieron en la isla de Ibiza y en Cartagena, nombre que debiera hacer referencia a la nueva Cartago. Romanos y Godos Después de que Roma hubiera derrotado por completo a Cartago, también invadió sus colonias en España, terminando por conquistar la península casi por completo. Así aparece en la historia la provincia de Hispania, que llegó a formar parte del imperio romano adquiriendo gran importancia dentro del mismo, incluso dos emperadores romanos Trajano y Adriano nacieron en ella. España absorbe por completo la cultura romana y adopta su lengua. En el año 409, cuando comienza la caída del Imperio Romano, tribus godas invaden la península y establecen su reinado en el año 419. La España Musulmana y la Reconquista El dominio de los visigodos duró hasta el año 711, cuando un ejército musulmán, con unos 50.000 soldados, cruzaron el estrecho de Gibraltar, vencieron al ejército visigodo en la batalla de Guadalete, cerca de Cádiz. Rodrigo, el último rey godo, fue derrotado pero ello no terminaría allí, en unos cuatro años terminarían por dominar casi toda la península, convirtiéndose ésta en un emirato, o provincia del imperio árabe, llamada Al-Andalus. Los s. VIII y XI, significarían un creciente poderío musulmán, a pesar de que se forman núcleos de resistencia al Norte de la península. Los territorios conquistados se van arabizando y se independizan políticamente del imperio árabe. En el s. X Abderramán III convierte Al-Andalus en califato independiente, con independencia religiosa, siendo una época de gran prosperidad cultural, gracias a las innovaciones en las ciencias y en las letras y la especial atención que dedicaron al desarrollo de las ciudades. Las ciudades más importantes fueron Valencia, Zaragoza, Sevilla y Córdoba, la cual llegó a ser en el s.X la mayor ciudad de Europa Occidental, contando con 500.000 habitantes, y centro cultural de la época. Sin embargo la decadencia llegó en el s.XI, cuando comenzaron las pugnas entre las distintas familias reales musulmanas y el califato se desmembró en un mosaico de pequeños reinos taifas. El movimiento de Reconquista se hizo cada vez más fuerte, la primera derrota la tendrían los musulmanes en Covadonga, Asturias, de mano del Rey Pelayo en el año 722, durante estos años, sobre todo tras la decadencia se sucedieron las victorias de los reinos del Norte. Hasta que en el s. XIV los musulmanes españoles sólo poseían el reino de Granada, que mantuvieron hasta finales del s. XV, cuando los Reyes Católicos lo incorporaron a la corona de Castilla. Los Reyes Católicos El matrimonio entre Isabel de Castilla y Fernando de Aragón, (los Reyes Católicos), en 1469, herederos de los dos reinos más importantes del Norte, cambió definitivamente el polo de la Reconquista. Así, tras la última derrota en 1.492 en que Granada se incorpora a España, se inicia un nuevo capítulo en la historia: La Unificación de todo el territorio español bajo una única corona y una única religión, la católica. Y en esta decisión de recristianización aparece uno de los capítulos más negros de la historia española, se decide la expulsión de los judíos o musulmanes que no quisieran convertirse y nace la Inquisición. El mismo año de la toma de Granada, Cristóbal Colon llega por primera vez a América con sus naves. A ello le seguiría la carrera expansionista de la conquista de las tierras americanas, a las que posteriormente otros países como Portugal, Francia e Inglaterra se le unirían. Toneladas de plata y oro se trajeron del nuevo continente, y España se convierte en una de las naciones más poderosas del mundo. Las dinastías de los Habsburgo y de los Borbones Tras la muerte de Isabel la Católica, en 1504, su hija Juana, casada con Felipe, hijo del rey de Austria y emperador del Sacro imperio Romano-Germánico, le sucede en el trono. Con ello se fusionan ambos reinados, creándose el mayor imperio de la historia. Sin embargo Felipe al que llamaron el hermoso, muere muy joven y a Juana se le incapacitó por loca. Su hijo Carlos I heredaría el imperio. Pero en su madurez decide retirarse a la vida religiosa recluyéndose, en 1.556 en el Monasterio de Yuste, con ello el imperio se desmembró dividiéndose entre los miembros de la familia Habsburgo, la española y la austriaca. España siguió prosperando bajo la dinastía Habsburgo gracias al comercio con las colonias americanas, pero al mismo tiempo sostuvo guerras contra Francia, Holanda e Inglaterra, culminando con la desastrosa derrota de la "Armada Invencible" en 1.588. Cuando el último rey de la dinastía de los Habsburgo murió sin descendencia, Felipe de Borbón, sobrino del rey de Francia, Luís XIV, le sucedió en el trono. Como consecuencia de la Revolución Francesa, España declaró la guerra a la nueva república, pero fue derrotada. Napoleón tomó el poder y envió sus tropas contra España en 1808, imponiendo a su hermano José en el trono. Los españoles mantuvieron una Guerra de Independencia que duraría 5 años. Tras la derrota definitiva de Napoleón en Waterloo, en 1815, Fernando VII vuelve al trono de España y comienza un sistema de rígido absolutismo. Como consecuencia de la designación como heredera de su hija Isabel II, mediante la derogación de la Ley Sálica que impedía la sucesión real de mujeres, su hermano Carlos se revela contra ello iniciándose la Guerra de los Siete Años. La recesión económica y la inestabilidad política fueron lógicas consecuencias tras la guerra, y España perdió sus colonias de ultramar, con la excepción de Puerto Rico, Cuba y Filipinas. La revolución de 1868 obligó a Isabel II a renunciar al trono. Se convocaron Cortes Constituyentes que se pronunciaron por el régimen monárquico y se ofrece la corona a Amadeo de Saboya, hijo del rey de Italia. Su breve reinado dio paso a la proclamación de la I República, que tampoco gozó de larga vida, con el Golpe de Estado del General Pavía que disolvió el Parlamento. Con ello se proclama rey a Alfonso XII, hijo de Isabel II. En 1885 murió Alfonso XII y se encargó la regencia a su viuda Maria Cristina, hasta la mayoría de edad de su hijo Alfonso XIII. La rebelión en 1895 de Cuba en pro de la independencia, decide a los Estados Unidos a declarar la guerra a España, con su derrota España perdió sus últimas colonias en ultramar. Siglo XX El siglo comienza con una gran crisis económica y la subsiguiente inestabilidad política desembocó en el Golpe de Estado del general Primo de Ribera, que estableció una dictadura militar hasta 1930, en que presentó su dimisión al rey y marchó a París donde murió. Las elecciones de 1931 conocieron la victoria de las izquierdas, y a la vista de los resultados el rey renunció al trono y abandonó el país. Se proclamó la II República. A ello siguió una época de grandes crisis políticas y disturbios. Las elecciones de Febrero de 1936 dieron de nuevo el triunfo a las izquierdas en el llamado Frente Popular. El 13 de Julio fue asesinado Calvo Sotelo, jefe del Bloque Nacional, que agrupaba a monárquicos de Renovación Española y a los tradicionalistas. El 17 de julio se sublevan las guarniciones de África Española y España queda dividida en dos. El 1 de Octubre el general Franco era nombrado jefe de Estado de la zona nacional y reconocido como tal por Alemania e Italia. El apoyo alemán sobre todo y también por parte de Italia fue mucho más decisivo que el soporte ruso a la España republicana, por lo que en 1939 termina la guerra con la victoria de los nacionalistas. A pesar de que Franco mantuvo al país neutral en la II Guerra Mundial, su dictadura militar condujo a un aislamiento internacional de carácter político y económico. En 1956 Marruecos adquiere su independencia y se pone en marcha un plan de estabilización económica del país. En 1969 Franco nombra a Juan Carlos de Borbón, nieto de Alfonso XIII, príncipe de España, su sucesor a título de Rey. Franco murió en 1975, estableciéndose una Monarquía Constitucional. Tras las primeras elecciones democráticas Adolfo Suárez, del partido de Centro Democrático, fue elegido presidente, introduciéndose importantes reformas políticas e iniciándose las negociaciones para la entrada de España en las Comunidades Europeas. Tras su dimisión en 1981, en la misma ceremonia de investidura de su sucesor Calvo Sotelo, tuvo lugar un intento de golpe de Estado, que fue abortado en un día. las siguientes elecciones de 1982, trajeron la victoria del Partido Socialista Español, con Felipe González como presidente, que se mantendría en el poder durante las tres siguientes legislaturas. En 1985 España entra en la OTAN y en 1986 ingresó en la Comunidad Europea. En 1992 España aparece de forma llamativa en el escenario internacional con la celebración de los Juegos Olímpicos en Barcelona, la declaración de Madrid como Ciudad Cultural Europea, y la celebración en Sevilla de la Exposición Universal EXPO' 92.

¿Quien es Caravaggio? Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 - Porto Ércole, 18 de julio de 1610) fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Caravaggio fue un pintor muy problematico en una ocasion llegó a matar a una persona por riñas de juego y tuvo que huir de Roma, pintaba en la calle y sus cuadros no eran aceptados porque representaba a los personajes de la Biblia como personas normales, vagabundos, artesanos... Murió a una edad muy temprana a causa de una fiebre. Obra completa de Caravaggio Baco enfermo 1593-1594 Baco enfermo es uno de los primeros cuadros de Caravaggio. Se conserva en la Galería Borghese de Roma. Caravaggio era joven cuando realizó esta obra, que representa al dios Baco. Aquí aparece representado como un joven musculoso y atractivo, pero de piel amarillenta y de labios descoloridos. Muchacho mordido por un lagarto En esta obra tenemos otro autorretrato de Caravaggio, en el cual el se representa mordido por una lagarto mientras intenta alcanzar los frutos de un cesto. La expresión de dolor del rostro es de una gran fuerza y emotividad. Esta obra es interpretada de manera edificante como un aviso a la juventud, la rosa blanca, sobre los placeres sensuales, en los que a menudo se esconde el dolor y la desazón. Cesto con frutas 1956 Cesto con frutas (en italiano, Canestra di frutta) es un cuadro del pintor italiano Caravaggio. Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 - 18 de julio de 1610). Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue ejecutada hacia 1596 y se conserva actualmente en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán, Italia. Muchacho con cesto de frutas 1955 Esta obra fue realizada también sobre el año 1595, apareciendo el propio Caravaggio representado de medio cuerpo y portando un cesto de frutas. Estas son todas otoñales, dando lugar a la misma interpretación de carácter edificante de la obra anterior. Sin embargo, esta obra tiene también una interpretación erudita en torno a una pintura de la antigüedad descrita por Plinio en su Historia Natural. Aquí se habla sobre una pintura realizada por Zeuxis donde se representaba a un niño con unos racimos de uvas, estando tan bien pintados estos que atrajeron a unos pájaros. Esto causo la ira del pintor, que dijo que el niño no estaba tan bien pintado como las uvas, ya que de ser así los pájaros no se harían acercado. Baco 1958 Baco (en italiano, Bacco) es un cuadro del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 98 centímetros de alto por 85 de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia, Italia. Adoracion de los pastores 1609 La adoración de los pastores es uno de los cuadros de la última etapa de Caravaggio, desarrollado en 1609. La escena muestra una pobreza extrema, la Virgen y San José en pose de humildad mientras los pastores reverencian al niño, un poco gordo pero cariñoso y tierno. Apolo tocando el laud 1956 Apolo tocando el laúd es un cuadro de Caravaggio pintado en 1595 y que también ha recibido el nombre de El tañedor de laúd. Como un homenaje a Del Monte, su protector y gran aficionado de la música, Caravaggio pinta esta obra. Se puede afirmar que el joven modelo es casi el mismo que aparece como figura central en Los músicos. Cabeza de Medusa 1957 La cabeza de Medusa es un cuadro de Caravaggio, de 1597. Es una tela transportada sobre tabla en forma de tondo. Recrea la figura de Medusa, bestia mitológica transformada en escoria por ofender a la divinidad Atenea. Para la época del pintor, su rostro era utilizado como escudo en las peleas de aquellos tiempos. Caravaggio no le dio este uso, sino que entregó la obra a uno de sus clientes. La captura de Cristo 1602 La captura de Cristo es una pintura realizada aproximadamente en 1602 por el artista barroco italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio. La obra se encuentra en la Galería Nacional de Irlanda, en Dublín. Juan Bautista Cristo en el monte de los olivos Cristo en el monte de los olivos (1605) es un óleo de Caravaggio (1571-1610). Sus dimensiones eran 154 x 122 cm. Estaba, en principio, en el Museo Bode. Más tarde pasó a la Gemäldegalerie, ambos lugares sitos en Berlín, Alemania. Fue destruido a consecuencia de los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, en 1945. Únicamente quedan muestras fotográficas del cuadro. Cristo en la columna Cristo en la columna es un cuadro religioso de Caravaggio, hecho en 1607 y conservado en Ruán, Francia. No es raro el uso de la tortura como tema en Caravaggio (La coronación de espinas), pues la identificaba con su propia vida. Esta vez, la luz y la crudeza de sus personajes hacen que el pintor logre un cuadro de gran dramatismo. Crucifixion de San Pedro Crucifixión de San Pedro (en italiano, Crocefissione di San Pietro) es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 230 centímetros de alto por 175 de ancho. Fue pintada para la capilla Cerasi de la iglesia de Santa María del Popolo de Roma, Italia. Cupido durmiendo Cupido durmiendo es una obra de Caravaggio, que data de 1608. El cuadro muestra a un pequeño Cupido (identificado por una leyenda abajo) durmiendo. El tema había sido muy recurrido, pero Caravaggio le da su toque al mostrar al amor durmiendo, sumido en pesadillas a través de las sombras que rodean al cuadro. David con la cabeza de Goliat (Viena) David con la cabeza de Goliat es un cuadro de Caravaggio, que solía repetir en sus cuadros el tema de David frente a Goliat. Se conserva en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria. David con la cabeza de Goliat David con la cabeza de Goliat es una pintura terminada en 1609 ó 1610 por el pintor barroco italiano Caravaggio. La obra se encuentra en la Galería Borghese, Roma. Otra versión de la misma obra, también realizada por Caravaggio, se encuentra Museo de Historia del Arte de Viena. David vencedor de Goliat David vencedor de Goliat es un cuadro de Caravaggio, conservado en el Museo del Prado, desde 1819. Se ha pensado que el cuadro fue adquirido por un noble con cercana relación a Caravaggio, hacia 1617, pero es documentada en las colecciones reales hasta 1781, en la época de Carlos III. Fue llevada al recién nacido Museo del Prado por la reina consorte María Isabel de Braganza, esposa de Fernando VII. La pintura muestra un panorama oscuro, y al joven David victorioso, que sostiene la cabeza de Goliat. Se ha pensado que Caravaggio se autorretrató en este cuadro, en la figura de Goliat, pues tenía la sensación de que moriría en esa forma. Decapitacion de San Juan Bautista La decapitación de San Juan Bautista es una pintura terminada en 1608 por el pintor barroco italiano Caravaggio. La misma se encuentra en la Concatedral de San Juan de La Valeta, Malta. Esta pintura es la más importante que Caravaggio haya realizado en Malta y muchos la consideran su obra maestra. Descanso en la huida de Egipto Ecce homo Ecce Homo es un cuadro de Caravaggio, que data de 1604. Forma parte del conjunto que el pintor dedica a la Pasión de Cristo. Fue ganadora de un concurso convocado por el arzobispo de Florencia, y es de estilo barroco. Nuevamente se refleja una crudeza en los ojos de Cristo, flanqueado por un guardia y por Poncio Pilato. Éste último lanza una mirada al pueblo sediento de sangre, suplicando le dejen perdonar al reo. El resultado es por todos conocido. Se encuentra en la galería del Palacio Bianco (Palazzo Bianco) de Génova (Italia). El amor victorioso El entierro de santa lucia El martirio de San Mateo Martirio de Santa Ursula El sacrificio de Isaac El sacrificio de Isaac (Florencia) La flagelacion de cristo Joven con un cordero Juan Bautista en la fuente Judit y Holofernes Judit y Holofernes es un cuadro de inspiración bíblica, de Caravaggio, pintado en 1599. La pintura muestra a un general muerto (Holofernes) decapitado por Judith, aquella hembra que le sedujo en menos de una noche. Provocaba reacciones de horror y sorpresa entre los visitantes de su primera sede, pues Caravaggio logró dotar a la obra de gran realismo y crudeza. Judith se muestra de pie, majestuosa e impertérrita, mientas que su criada, quien le proporciona la espada, está nerviosa y al acecho de lo que pueda pasar. Jugadores de cartas Jupiter, Neptuno y Plutón La Anunciacion La Buenaventura El cuadro muestra a un joven vestido como un petimetre (en la segunda versión se cree que el modelo era el compañero de Caravaggio, el pintor siciliano Mario Minniti), al que una chica gitana lee la palma de la mano. El chico parece encantado al mirarle a la cara; no se da cuenta de que ella está quitándole poco a poco el anillo al tiempo que acaricia su montículo de Venus[1] ; a esta ufana mirada masculina ella responde con su propia mirada astuta y silenciosa. La atención del espectador se centra precisamente en esas miradas que permiten adivinar lo que cada uno de los personajes piensan, en lugar de lo que ocurre en las dos manos de los personajes. La Conversion de San Pablo La coronacion de espinas La coronacion de espinas (Viena) La incredulidad de Santo Tomás La incredulidad de Santo Tomas es un cuadro pintado por Caravaggio en 1602. Fue pintado para los Giuliani. El cuadro muestra a Cristo resucitado ante sus discípulos, pero Tomás se niega a creer, por lo que Jesús le ofrece que toque sus heridas. El naturalismo típico de Caravaggio se hace presente aquí, al mostrar al santo como un incrédulo. Las luces, además, contribuyen a enfocar más la figura y a dotarla de realismo. La negacion de San Pedro La resurrecion de San Lázaro La vocacion de san Andés y san Pedro La Vocacion de San Mateo La vocación de san Mateo (en italiano, Vocazione di san Matteo) es un cuadro del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo. Pertenece al ciclo de la Vida de san Mateo que le fue encargada en 1599 para decorar la capilla Contarelli en la iglesia romana de San Luis de los Franceses, donde aún se conserva. Los discipulos de Emaus Los discípulos de Emaus (Milán) Los Músicos Madonna con el niño y Santa Ana Madonna de Loreto Madonna del Rosario Magdalena penitente Marta y María Magdalena Muchacho cogiendo fruta Esta es la primera obra conocida de Caravaggio, data de 1592, tras haber salido de Milán. De acuerdo a su biógrafo Mancini, Caravaggio se alojó en el Palacio Colonna, acompañado de Monseñor Pandulfo Pucci. La relación se deterioró debido al vegetarianismo de Pucci —Caravaggio se referirá a él años más tarde como «monseñor ensalada»—. Este es un cuadro de «flores y frutos», y serviría de inspiración para Cesto de frutas y Baco, de la siguiente etapa de Caravaggio. Muerte de la Virgen Esta pintura no pudo estar terminada antes de 1605-1606. La representación de la Virgen María causó cierto escándalo, y fue rechazada como inadecuada para la parroquia, que en su lugar puso un cuadro sobre el mismo tema realizado por Carlo Saraceni. Por consiguiente, y por recomendación de Pedro Pablo Rubens, que la ensalzó como una de las mejores obras de Caravaggio, el cuadro fue comprado por el Duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga, por trescientos ducados. Antes de abandonar Roma, esta obra fue expuesta en la Accademia di San Luca durante dos semanas, sin embargo, por entonces, Caravaggio había abandonado Roma, para no volver nunca públicamente. Durante una de sus frecuentes peleas en Roma, el impulsivo Caravaggio mató a un hombre, Ranuccio Tomassoni, durante una lucha a espada después de un juego de tenis. Narciso Narciso es el último cuadro de la segunda etapa de Caravaggio, que data de 1600 y se conserva en Roma. Si bien el tema de Narciso tuvo mucho auge en la literatura italiana, no fue así en la pintura. Es pues, ésta la representación más famosa del vanidoso joven enamorado de sí mismo que muere ahogado, pero es convertido en una flor. El modelo tiene una complexión mediana y es bastante atractivo, lo que reitera el gusto de Caravaggio por la belleza masculina. Aunque si se mira el reflejo, el joven ya no es el mismo, al contrario, es un hombre menos atractivo. Natividad con San Franciso y San Lorenzo Niño con un cesto de frutas El dentista Juan Bautista Retrato de Maffeo Barberini Retrato de Pablo V Retrato de fray Antonio Martelli Retrato de una cortesana Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt Salomé con la cabeza de Juan el Bautista (Londres9 Salomé con la cabeza de Juan el Bautista (Madrid) San Francisco de Asís en éxtasis San Francisco en oracion (Cremona) San Francisco en oracion (Roma) San Jerónimo en meditación San Jerónimo en meditación es un cuadro del pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio. Éste solía hacer copias o reproducciones sutiles de sus trabajos, y en este caso logró copiar el San Jerónimo escribiendo de la Galería Borghese. Esta pintura, a diferencia de aquella, muestra a un Jerónimo arrugado, derrotista, y en una dolorosa meditación. San Jerónimo escribiendo (Roma) San Jerónimo escribiendo es uno de los últimos cuadros de la etapa romana de Caravaggio, que forma pareja con San Jerónimo en meditación. Utilizó el mismo modelo que en su anterior composición, que tiene los mismos rasgos que este cuadro. Su estilo fue más tarde imitado por Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán. San Jerónimo escribiendo (Vellona) Este cuadro pertenece a la etapa en la que Caravaggio trabajó en Malta. El tema que aborda este cuadro ya había sido tratado por Caravaggio en varias ocasiones, pero ahora incluye un escudo de Malta en el lado inferior izquierdo. El pintor representa a San Jerónimo como un hombre profundamente concentrado en sus escritos, que se ha deshecho de sus vestiduras de cardenal y prefiere elementos típicos del ermitaño. Todos estos atributos permiten descifrar que Caravaggio identifica al santo con su amigo y protector Alof de Wignacourt. San Mateo y el ángel San Mateo y el ángel fue un cuadro realizado por Caravaggio para decorar una de las estancias de la Iglesia de San Luis de los Franceses, en Roma. La obra mostraba al santo como un calvo pensador con las piernas sucias, asistido por el ángel, y fue contundentemente rechazada por los comitentes. Caravaggio debió pintarla de nuevo, haciendo una nueva versión mucho más idealizada que sí fue aceptada por los clientes (conservada in situ). La primera versión fue destruida durante la Segunda Guerra Mundial. Santa Catalina de Alejandría Santa Catalina de Alejandría es una obra de Caravaggio, de 1597 y exhibida en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. El cuadro muestra a Santa Catalina de Alejandría, que domina toda la figura. Además, el resto de los objetos tienen una presencia menor pero que hace que luzca el cuadro en sí. Se pueden ver los objetos con que la santa será torturada a la postre, pero Catalina muestra un ideal de dulzura y tranquilidad, más no el de una dama, sino el de una muchacha de pueblo. Este cuadro es el preludio a las grandes obras de su autor para las escuelas romanas. Santo Entierro Este Santo Entierro, Entierro de Cristo, Preparación de Cristo muerto sobre la piedra de unción, Deposición de la cruz o Descendimiento de la cruz[1] (en italiano conocido como Deposizione) es una obra del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 300 centímetros de alto por 203 de ancho. Fue pintada hacia 1602-1604, aunque otros hablan de h. 1600-1604[1] y se conserva en la Pinacoteca Vaticana de la Ciudad del Vaticano. Siete obras de misericordia Siete acciones de misericordia es un cuadro del pintor italiano Caravaggio, de los primeros de su etapa napolitana. La huida de Roma se produjo tras el asesinato de un hombre, y Caravaggio se refugia en Nápoles. Es en esta ciudad que comienza su madurez pictórica, y este cuadro es una muestra de ello. Conservado en una iglesia de la ciudad, muestra una escena callejera, donde varios santos (Martín de Tours, Santiago el Mayor y Sansón) socorren a los pobres dando muestras de generosidad cristiana. Muy alabado por la crítica religiosa. Coleccion de Velázquez

¿Quien es Velázquez? Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 6 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea. En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas. Obra ordenada cronologicamente La Mulata La mulata tal vez sea la primera obra conocida de Diego Velázquez, pudiendo establecer una fecha de realización en torno al año 1617-1618, aunque algunos autores la consideran fechada en 1623. La obra fue realizada en Sevilla. Actualmente se encuentra en el National Gallery de Dublín, en Irlanda, tras el legado realizado en 1987 por Sir Alfred Beit. Almuerzo de campesinos Las lágrimas de San Pedro Vieja friendo huevos La Vieja friendo huevos es un cuadro de Velázquez, realizados en su etapa sevillana. Actualmente se encuentra en la National Gallery of Scotland, en Edimburgo, tras adquirirlo en 1955 por 57.000 libras. Este cuadro, como otros realizados en su primera época, está influido por el claroscuro, un foco de luz, que siempre viene desde la izquierda, ilumina la parte derecha del cuadro, es decir, la anciana, sus útiles y huevos fritos, dejando oscuro el resto, fondo y niño. En este caso el claroscuro es muy intenso, tanto que es difícil apreciar la pared que se encuentra al fondo del cuadro y solo la identificamos porque en ella cuelga una cesta. El realismo es casi fotográfico, Velázquez se esmera porque los objetos destaquen en este ejemplar bodegón donde aparecen platos, vasijas, cubiertos, cacerolas, morteros y jarras, destacando el brillo especial del cristal o la influencia de la luz en el melón que porta el muchacho. La fritura de la vieja está increíblemente conseguida, tanto que el aceite hirviendo está literalmente saltando ante nuestros ojos. El almuerzo La cena de Emaús El Aguador de Sevilla La obra es una de las mejores realizadas por Velázquez antes de su traslado a Madrid en el año 1623. Todavía mantiene la técnica del claroscuro, iluminando una zona del cuadro con un foco de luz desde la parte izquierda y oscureciendo el resto del lienzo. Destaca sobremanera la calidad de los objetos representados en el cuadro, el tratamiento que Velázquez hace del cristal o de la cerámica son magníficos, así como el detallismo hiperrealista que se puede observar en la obra, por ejemplo en las gotas de agua que resbalan por el cántaro.Destaca asímismo la introducción de bodegones dentro de sus cuadros, como el que aquí vemos,naturalezas muertas a las que daba una corporeidad casi escultórica, plástica, al igual que unas calidades que nos hacen sentir que podemos acariciar esos objetos representados. Todo ello pintando personajes populares Jerónmia de la Fuente Felipe IV Don Diego del Corral y Arellano Conde-Duque de Olivares Busto de Felipe IV con coraza Infante Don Carlos Cabeza de astado Retrato de hombre joven En triunfo de Baco El triunfo de Baco es una pintura del español Velázquez, conservada en el Museo del Prado desde 1819. Es conocida popularmente como Los borrachos. El cuadro se realiza después de su llegada a Madrid procedente de Sevilla, estaríamos entre los años 1626–1628 poco antes de su primer viaje a Italia. En la capital Velázquez puede contemplar la colección de pintura italiana del rey y se muestra impresionado por los cuadros de desnudo que tiene la colección así como por el tratamiento del tema mitológico. La fragua de Vulcano Visita del jardín de la Villa Medicis en Roma Santa Rufina Don Diego del Corral y Arellano Cristo en la cruz Don Luis de Góngora Doña Antonia de Ipeñarrieta y Galdós y su hijo don Luis Cristo crucificado Cristo crucificado es un lienzo de Velázquez, conservado en el Museo del Prado desde 1829. Durante su estancia en Roma, Velázquez hizo varios estudios del desnudo en los cuadros que pintó, como en La fragua de Vulcano (1630), y La túnica de José. Los críticos de arte aseguran que el estudio de desnudo de este cuadro es algo excepcional y magistral por la fusión que demuestra de serenidad, dignidad y nobleza. Es un desnudo frontal, sin el apoyo de escena narrativa ni posibilidad de variantes en la actitud del Cristo. En esta obra Velázquez hace un alarde de maestría y consigue que el espectador pueda captar la belleza corporal y la serena expresión de la figura. Felipe IV, cazador Retrato de Felipe IV Felipe IV a caballo La rendicion de Breda o Las lanzas La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo, pintado entre 1634 y 1635 por Diego Rodríguez de Silva y Velázquez y que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819. Para entender desde un punto de vista histórico esta obra de Velázquez hay que remontarse un poco a lo que estaba sucediendo desde finales del siglo XVI y principios del XVII. Los Países Bajos (liderados por su noble más importante, Guillermo de Orange) estaban inmersos en la guerra de los ochenta años o guerra de Flandes, en la que luchaban por independizarse de España. La dama del abanico La Costurera Retrato de niña Menipo Las Hilanderas La fábula de Aracné o El sueño de Aracné, popularmente conocido como Las hilanderas es un lienzo de Diego Velázquez, conservado en el Museo del Prado. Esta obra es de los máximos exponentes de la pintura barroca española y está considerada como unos de los grandes ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se conoce el verdadero propósito de esta obra. Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas Felipe IV en Fraga La Venus del espejo La Venus del espejo es un cuadro de Velázquez (1599-1660), el pintor más destacado del Siglo de Oro español. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, donde se la exhibe como The Toilet of Venus o The Rokeby Venus. El sobrenombre «Rokeby» proviene de que durante todo el siglo XIX estaba en el Rokeby Hall de Yorkshire. Anteriormente perteneció a la Casa de Alba y a Godoy, época en la que seguramente se conservaba en el Palacio de Buenavista de Madrid. La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano. Don Sebastian de Morra El cuadro El bufón don Sebastián de Morra fue pintado por Velázquez hacia 1645. Se trata de un lienzo pintado al óleo que mide 106,5 centímetros de alto por 81,5 centímetros de ancho. Se conserva en el Museo del Prado, Madrid, España. Velázquez retrata aquí a uno de los enanos bufones de la corte de Felipe IV, lisiado de nacimiento que era objeto de burla y abuso por los poderosos. Velázquez lo pinta de cuerpo entero, sentado en tierra, con sus cortas piernas hacia delante, en una posición nada elegante que recuerda a una marioneta. Viste un rico jubón. Sebastián de Morra mira directamente al espectador, inmóvil, sin hacer gestos de diversión, a modo de denuncia del trato que la corte daba a estas personas . Su expresión es severa y triste, y contrasta con su profesión, casi queriendo reflejar el tormento del hombre. Juan de Pareja Inocencio X La Familia de Felipe IV (Las Meninas) Conocida popularmente desde el siglo XIX como Las Meninas, el cuadro fue titulado originalmente como La familia de Felipe IV y es, probablemente, la obra más importante del pintor español Diego Velázquez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras representadas a tamaño natural. Aunque no tiene firma ni fecha, por fuentes indirectas se data en 1656. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid. Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte. El tema central es la infanta Margarita de Austria, aunque la pintura representa también otros personajes, incluido el propio Velázquez. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. Un espejo representado al fondo de la pintura refleja las imágenes del rey Felipe IV de España y su esposa Mariana de Austria, según unos historiadores, entrando a la sesión de pintura, y según otros, posando para ser retratados por Velázquez; en este caso serían la infanta Margarita y sus acompañantes los que venían de visita para ver la pintura de los reyes. Felipe IV La Infanta Margarita La Infanta doña Margarita de Austria