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LA ONU REVELA LOS 16 PAÍSES CON MEJOR DESARROLLO PARA LAS MUJERES La lucha por la igualdad de sexo en cuanto a oportunidades de desarrollo ha rendido algunos efectos, al menos si hacemos caso del Reporte de Desarrollo Humano de la ONU. Los resultados de esta última medición muestran que en total las mujeres tienen menos posibilidades de desarrollo que los hombres en un 8%, lo cual se acentúa en países del Sur de Asia, donde la brecha sexual es de hasta el 17% de diferencia, reflejando el fantasma de la discriminación. De 148 países, sin embargo, existen 16 en los que las mujeres tiene un estándar de valores de desarrollo superior a los hombres. Estos son: Argentina, Barbados, Bielorrusia, Estonia, Finlandia, Kazajistán, Letonia, Lituania, Mongolia, Polonia, Rusia, Eslovaquia, Eslovenia, Suecia, Ucrania y Uruguay. La aparición de tantos países eslavos hace sospechar de esta lista, sin embargo, países en los que existe “machismo” históricamente, como puede reflejarse por la prostitución y la trata de personas que ocurre con muchas mujeres en estos países. La misma ONU advierte que “en algunos de estos países, los resultados pueden atribuirse a un mayor logro educativo de las mujeres; en otros, a una mayor expectativa de vida femenina –hasta de 5 o más años que la masculina”. Así que en ocasiones no es tanto que las mujeres tengan igual o mejores oportunidades, sino que han logrado estudiar más y tienen mayor resistencia.

PAMELA COLMAN SMITH, ILUSTRADORA DE LA PRIMERA BARAJA COMPLETA DEL TAROT; MADAME BLAVATSKY, FUNDADORA DE LA TEOSOFÍA Y LEILA WADDELL, LA “MUJER ESCARLATA“ DE CROWLEY, SON ALGUNAS DE LAS OCULTISTAS MÁS IMPORTANTES AL DÍA DE HOY Helena Blavatsky (1831-1891) Bautizada como Helena Petrovna von Haun, Blavatsky fue descendiente de la nobleza alemana y la aristocracia rusa. En 1875 se mudó a Nueva York y fundó la Sociedad Teosófica, que enseñaba a los occidentales el valor de las religiones y filosofías orientales y pretendía “coleccionar y difundir el conocimiento de las leyes que gobiernan el universo”. Antes de llegar a vivir a Estados Unidos, Madame Blavatsky había recorrido buena parte del viejo mundo para aprender sobre los textos faraónicos egipcios, la poesía sánscrita, los tratados neoplatónicos renacentistas y documentos sobre el supernaturalismo. Su acercamiento exótico y orientado a las enseñanzas espirituales tuvo mucho éxito en Estados Unidos y luego en Inglaterra, donde murió. Blavatsky escribió La doctrina secreta e Isis sin velo, en los cuales elaboró y pretendió sistematizar muchas de las convicciones del espiritualismo angloamericano. En particular, Blavatsky desarrolló una teoría sobre la persistencia del alma humana y sus personalidades discernibles después de la muerte, y la idea de que el espiritualismo es una ruta más alta y rigorosa hacia el conocimiento que aquella provista por la ciencia y la religión. Y aunque, debido al aura misteriosa que la envolvía y a sus fuertes declaraciones en torno al espíritu humano y a la ciencia, fue muchas veces acusada de charlatanería, Blavatsky es una de las fundadoras del movimiento esotérico occidental, y sus contribuciones son celebradas aún hoy. Leila Waddell (1880-1932) La australiana Leila Waddell fue una de las musas de Aleister Crowley, quien se refería a ella como “La mujer escarlata” y la inmortalizó en su Libro de las mentiras en 1912. Fue una destacada violinista que tocó tanto en orquestas filarmónicas como en bandas de gitanos rusos. Alguna vez llamada con nombres tan espectaculares como “la puta divina” o “la madre de los cielos”, Waddell recibió crédito co-autoral en varios de los textos de Crowley (quien presuntamente era su amante), y ayudó a promover la orden mística Argenteum Astrum. Moina Mathers (1865-1928) Moina Mathers fue una artista y ocultista francesa del cambio de siglo. Es mejor conocida por su matrimonio con el ocultista inglés Samuel Liddell MacGregor Mathers, fundador de la Orden Hermética del Alba Dorada (que acogió a personajes como W. B. Yeats). Mas, tras la muerte de su esposo, Moina fue la cabeza principal, o “emperatrix”, de la Orden Rosacruciana de Alpha et Omega, que llevaba el evocador lema: “No dejo nada tras de mí”. Pamela Colman Smith (1878-1951) La artista inglesa Pamela Coleman fue nada menos que la ilustradora del tarot Rider-Waite-Smith, una de las primeras barajas en ilustrar las 78 cartas (con las arcanas menores y mayores) del tarot, y probablemente la más usada hoy en día. Smith es asociada con el movimiento simbolista, aunque también fue miembro de la Orden Hermética del Alba Dorada y, después, de su vertiente conocida como El Rito Independiente y Rectificado (Orden Sagrada del Alba Dorada). Ella creía que tenía el don de la sinestesia y podía pintar inspirada por los colores de la música. También ilustró algunos de los trabajos del poeta irlandés W. B. Yeats. Dion Fortune (1890-1946) Fortune fue una ocultista mística inglesa que fundó la Sociedad de la Luz Interna, descrita como “una escuela de misterios dentro de la tradición esotérica occidental”. También fue una escritora prolífica en temas sobre lo supernatural y los conceptos herméticos desde la perspectiva de Jung y Freud. Sus libros más influyentes fueron The Sea Priestess y Moon Magic. Fortune creía que tenía habilidades psíquicas desde la niñez, y por lo tanto el transcurso de su vida la llevó a formar parte la Sociedad Teosófica de Blavatsky y después, de Alpha et Omega de Mathers, donde desarrolló sus habilidades como médium.

LAS ASOCIACIONES ENTRE MÚSICA Y PERSONALIDAD PUEDEN GENERAR CURIOSOS ESTEREOTIPOS, PERO TAMBIÉN REVELAR VISIONES DE MUNDO COMPARTIDAS. ¿Si escuchas música clásica eres snob, si escuchas pop eres tonto y si escuchas metal pesado eres violento? Los estereotipos asociados a los estilos de música no suelen ser más que generalizaciones y prejuicios; pero Adrian North, jefe de la escuela de Psicología y Patologías del Habla en la Universidad de Curtin ha entrevistado a 36,518 personas para establecer de una vez por todas algunas relaciones comprobables entre música y estilo de vida. Según el estudio de North, la gente más creativa en su encuesta escucha jazz, música clásica, ópera e indie, mientras que los menores índices de creatividad se registraron entre fans del pop comercial. Sin embargo, los fans del pop comercial y del country son los que más trabajan, en comparación con los que escuchan funk o indie y se ven a sí mismos como perezosos. A continuación otras asociaciones interesantes que, recordémoslo, están basadas en estadística y en percepción de sí mismo, más que en una relación causal entre la música y la personalidad: -Habilidad social y extroversión: funk, country, rap y dance. -Reservados e introvertidos: música clásica y heavy metal. -Amables: opera, easy listening y heavy metal. -Obstinados: dance, indie y punk. -Nerviosos: pop comercial. -Relajados y seguros de sí mismos: blues, funk, jazz, música clásica y heavy metal. Pero más allá de la personalidad, existen algunas asociaciones interesantes entre gustos musicales virtualmente contrapuestos y visiones de mundo compartidas. Por ejemplo, los fans de la ópera y el jazz tienden a votar más por partidos políticos de derecha, conservadurismo compartido con fans de la música country. Y mientras que los que escuchan a Verdi o a Nina Simone tienen más probabilidades de tener ingresos elevados, los que escuchan country suelen tener estilos de vida más modestos.

La temática LGBT en el cine ya no es un tabú, y gracias a esta apertura, el séptimo arte ha dado grandes películas que recogemos a continuación en este listado. En tiempos ya casi lejanos, tocar la homosexualidad (o su amplitud LGBT) en el cine era un tabú. Ahora, grandes y galardonadas películas giran en torno a ellas, existiendo una variedad de cintas que enfocan, desde diferentes perspectivas, la realidad a la que muchos cerraban los ojos, y que llegan a las salas comerciales y de festivales independientes. Y basados en una selección de la comunicadora uruguaya Katia Silveira, hemos compilado algunas muy buenas películas para que las incluyas en tu filmoteca personal. Y como este es un listado y no un ranking, si tienes alguna buena recomendación, no dudes en brindarla. 10. My Own Private Idaho (1991) Scott (Keanu Reeves) y Mike (River Phoenix), son dos amigos que viven en las calles, consumiendo drogas y vendiendo su cuerpo a hombres y mujeres. Mike está enamorado de Scott, quien mantiene que es heterosexual a pesar de su estilo de vida. La escena en la que Mike le confiesa a Scott que su amor por él hace que muchos consideren a la cinta una película de culto, ante otras tantas razones más. El título de la película proviene de una canción de The B-52’s. 9. Boys don’t cry (1999) Hilary Swank interpreta a una chica que decide aceptar su identidad masculina cambiando su apariencia y nombre, y viviendo en Nebraska donde busca enamorarse. La película está basada en la historia real de Brandon Teena, un joven transexual que fue violado y asesinado el 31 de diciembre de 1993 por sus ‘amigos’ cuando descubrieron que tenía genitales femeninos. Swank, se llevó el Oscar a Mejor Actriz por este papel. 8. Brokeback Mountain (2005) Heath Ledger y Jake Gyllenhaal personifican a una pareja de vaqueros que descubren el amor, pero lo esconden por años en una relación secreta, oculta entre sus vidas cotidianas. Ang Lee, se llevó a casa el Oscar a Mejor Director por esta cinta. 7. La mala educación (2004) Película dirigida por Pedro Almodóvar que narra la historia de dos amigos, quienes descubrieron la amistad en la iglesia, donde también sufrieron el abuso de un sacerdote. Ahora transexual, Ignacio se cambia el nombre a Ángel (Gael García Bernal) y vuelve a reecontrarse con Enrique (Fele Martínez). La cinta abrió el Festival de Cannes 2014 6. Milk (2008) Sean Penn es uno de los actores con papeles más controversiales, y en este caso interpreta a Harvey Milk, un activista y férreo defensor de los derechos civiles de los homosexuales, que alcanza el puesto de concejal de distrito de San Francisco, algo nunca antes visto. La cinta fue nominada a los Oscar como Mejor Película y Sean Penn se llevó el premio a Mejor Actor. 5. Philadelphia (1993) Aunque la temática principal en Philadelphia no es la homosexualidad sino el SIDA, también se hace presente, debido a la discriminación hacia el personaje principal, interpretado por Tom Hanks, quien se llevó el Oscar a Mejor Actor por esta cinta. 4. La vida de Adèle (2013) Dos chicas de secundaria exploran juntas el amor y la sexualidad, frente al rechazo social. Ambas intentan sobrevivir a un mundo que no está todavía totalmente preparado para aceptar este tipo de relaciones. 3. Outrage (2009) Este documental trata sobre las políticas Anti Gay en Estados Unidos y la homofobia en el congreso, donde todavía no se acepta la homosexualidad. 2. Imagine Me and You (2005) Cinta británica en la que una florista (Lena Headey) trabaja en una boda de una mujer (Piper Perabo) y hace que esta se cuestione de su sexualidad. Ambas se sienten atraídas pero al mismo tiempo la boda debe continuar. 1. Transamérica (2005) Felicity Hoffman interpreta a un transexual que descubre que tiene un hijo, y va a buscarlo. Transamérica nos muestra los problemas de una persona cuyo estilo de vida todavía no es aceptado del todo. Felicity Hoffman fue nominada al Oscar por este papel, y merecedora, junto a la película, de distintos premios. Bonus Track Todo el mundo tiene a alguien, menos yo (2012) Alejandra (Andrea Portal) es una mujer culta y educada, pero que tiene problemas para relacionarse con otras personas. Es entonces cuando conoce a María (Naian Daeva), una adolescente de la que se enamora y con la experimentará nuevas formas de amar, a pesar de la diferencia de edades. Ojo, que las metáforas visuales son muy buenas.

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Cristóbal Hara es un fotógrafo español (nacido en 1946 en Madrid), que en parte por ser hijo de madre alemana y haber pasado mucho tiempo fuera de España, ha tenido interés en "hacer fotografía española, basada en una tradición pictórica y cultural española". Biografía Su padre pertenecía a una próspera familia española afincada durante generaciones en las Islas Filipinas. Su madre, alemana, murió a los pocos meses de su nacimiento y su padre contrajo segundas nupcias con una norteamericana. Así que Cristóbal pasó su infancia en las Islas Filipinas, Alemania, Estados Unidos y España Estudió Derecho y Dirección de Empresas en Madrid, Hamburgo y Múnich. Decidió dedicarse a la fotografía, residiendo en Londres en 1969 tras conocer el trabajo de Henri Cartier-Bresson, por lo que abandonó sus estudios. Su trabajo se exhibió por primera vez en la exposición itinerante Three Photographers, organizada por el Victoria & Albert Museum. Colaboró con las agencias John Hillelson en Londres y Viva en París. Trasladó su residencia a España en 1980, y posteriormente colaboró con la agencia Cover en Madrid. Hasta 1985, Hara había trabajado exclusivamente en blanco y negro, pero desde entonces lo hará exclusivamente en color. Quería ser fotoperiodista, pero su interés no era tanto por los temas como por el propio lenguaje fotográfico, lo que le llevó a una crisis que se resolvió en el momento en el que empezó a utilizar el color, evolucionando hacia una dirección en la que las fronteras entre realidad y ficción dejan de ser nítidas. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como Camera, Creative Camera, DU. Aperture, Photovisión y European Photography; así como en las revistas de El País, La Vanguardia y El Semanal. Su obra está presente, entre otras, en colecciones de instituciones como el Stedelijk Museum de Ámsterdam, Art Institute of Chicago, Museo Reina Sofía, Madrid y el Victoria & Albert Museum de Londres.

Perverso, polimorfo, anarquista, surrealista, excelso, divino, déspota supremo que rompe con todo, poseído de un delirio furiosamente dionisíaco, ávido de dólares – según la brillante presentación de Soler Serrano en 1977 – y metafísicamente monárquico, según añadiría el propio Salvador. Este fue Dalí en 25 anécdotas. 1. El pintor no fue el primer Salvador Dalí de la familia. Hubo un primogénito, de nombre Salvador Dalí que nació el 12 de octubre de 1901 y murió, con sólo 22 meses, el 1 de agosto de 1903. Nueve meses después, el 11 de mayo de 1904, vendría al mundo el segundo Salvador Dalí, que alcanzaría fama internacional. Dalí escribió que su hermano tenía la morfología facial de un genio y presentaba síntomas de asombrosa precocidad. En sus escritos ‘Confesiones inconfesables’, Dalí dice que al ponerle el mismo nombre que a su hermano, sus padres habían cometido un “crimen subconsciente”, al forzarle a compararse con un ideal imposible. En realidad, el primer Salvador Dalí tenía era un rostro bellísimo, fino y proporcionado, aunque es difícil discernir a qué se refería Dalí con una supuesta morfología propia de los genios. 2. Fue un niño mimado, protegido hasta el exceso quizás por la temprana muerte de su hermano y lo que no conseguía de primeras, lo hacía cuando desataba su “terrible genio”. Adorado y adulado por su familia desde su más tierna infancia, ese déficit en su educación parece haber influido de manera clara en su desmesurado ego posterior. Su tiranía infantil llegaba al punto de esconder heces por todos los rincones de la casa e incluso afirma que se orinó en la cama hasta los ocho años para humillar a su padre, que le había prometido regalarle un triciclo rojo si dejaba de hacerlo. 3. Una de las grandes aficiones de Dalí desde la infancia fue el cine, al menos desde que abrió la primera sala en su Figueras natal, allá por 1914. Cada vez que los padres del pequeño le preguntaban qué quería hacer, lo habitual era que optase por ir al cine. Todas aquellas películas consumidas durante su infancia no cayeron en saco roto. La primera película de Buñuel, ‘Un perro andaluz’, escrita al alimón con Dalí, cuenta con multitud de referencias cinéfilas y planos sacados de las películas que ambos disfrutaron en su infancia. Esta escritura compartida ha provocado cierta incertidumbre sobre la autoría de algunos de sus mejores planos, como la secuencia inicial del ojo, que Buñuel atribuyó a Dalí al principio para después apropiársela él. Pese a todo, Dalí y Buñuel repetirían colaboración en ‘La edad de oro’. 4. Cadaqués, el pueblo de veraneo de Dalí, a unos 30 kilómetros de su ciudad natal, fue durante años lugar de reunión de multitud de intelectuales, desde Lorca a Picasso pasando por Miró y Eugenio D’Ors. A Dalí le gustaba por encima de todo el cabo Creus, que describe como el “épico lugar donde los montes Pirineos llegan al mar en un grandioso delirio ecológico”. Creus será uno de los escenarios más habituales de la obra pictórica del autor y a este le reconfortará que dos de sus artistas más admirados, Pablo Picasso y Antonio Gaudí, se sintiesen igualmente subyugados por el cabo. 5. La timidez, casi enfermiza, fue una de sus grandes preocupaciones infantiles. En su libro autobiográfico ‘Vida secreta de Salvador Dalí’ afirma que la menor atención le hacía ruborizarse hasta las orejas y que pasaba mucho tiempo oculto y en solitario. Cuando era avergonzado públicamente – sin que hicieran falta grandes esfuerzos para ello – el pequeño Salvador ponían en marcha curiosos mecanismos de evasión, como el de salir corriendo y braceando o incluso saltar alturas considerables para salir del trance. Ian Gibson asegura que ningún otro escritor español se ha ocupado tan insistentemente de la vergüenza, lo que sorprende en el caso de un artista que llegaría a ser el súmmum de la extravagancia y el exhibicionismo. 6. Uno de los grandes terrores que ha acompañado a Dalí durante toda su vida es el miedo a las langostas, una fobia que le sobrevino a los seis o siete años cuando capturó un pez viscoso y repugnante cuya cara era idéntica a la de una langosta. El pintor dice que lo arrojó aterrorizado y que desde entonces le tiene auténtico pánico a este insecto. Desde entonces, sus amigos de Cadaqués supieron que para hacer enfadar a Salvador bastaba con decirle a un niño que le acercase una langosta entre las manos. En una ocasión, el colegio Maristas, Dalí se arrojó por la ventana fruto del pánico que le causó la visión de una langosta. Por suerte sólo estaba en el primer piso. 7. Las primeras referencias intelectuales de Salvador Dalí vinieron de la biblioteca de su padre, que manejaba tomos de Voltaire, Nietzsche, Kant y Spinoza. A Dalí le encantó el Diccionario filosófico de Voltaire y le impresionó la obra de Nietzsche – desde que leyó ‘Así habló Zaratustra’ abrigó el deseo de convertirse en un superhombre de la pintura –, si bien le pareció sospechosa su idea sobre la muerte de dios, la misma que su padre, un notario ateo y librepensador, manejaba con frecuencia. Dalí, que no sería nunca un hombre especialmente creyente – si descontamos el arrebatado y disparatado misticismo de su madurez – se preguntaba por qué si Dios no existía, se tomaban tantas molestias en matarlo. 8. A los 16 años, cuando su padre toma la decisión de inscribirle en la Academia de Bellas Artes, Salvador Dalí toma consciencia de su deseo de ser un genio y así lo escribe en su diario, agitado por la urgencia del triunfo: “Terminaré el bachillerato deprisa, si hace falta haré dos años en uno. Después me iré a Madrid, a la Academia de Bellas Artes. Allí pienso pasar tres años trabajando como un loco. Sacrificarme y doblegarme a la verdad nunca está de más. Luego ganaré una pensión para irme cuatro años a Roma y al volver seré un genio y todo el mundo me admirará. Tal vez seré menospreciado e incomprendido pero seré un genio, un gran genio, estoy convencido de ello”, afirma. 9. Dalí era un joven esbelto y apuesto, de complexión casi atlética – aunque era poco dado al deporte – y el pelo largo como el de su admirado Rafael. En la adolescencia, con 15 ó 16 años, su atuendo empezó a ser extravagante, propio de un dandy. Llevaba sombrero de ala ancha, corbata suelta y abrigo a los hombros o directamente capa. “El vestir es esencial para triunfar – diría mucho después –. En mi vida son contadas las ocasiones en las que me he envilecido vistiendo de paisano. Siempre voy de uniforme de Dalí”. Además, Dalí empezará a ser consciente de su atractivo entre las chicas, lo que le ayudará a ir perdiendo su enfermiza timidez. 10. La muerte de su madre, de cáncer de útero el 6 de febrero de 1921, fue el momento más trágico de su temprana vida. Aquel golpe le llevaría a reafirmarse en su determinación de alcanzar la fama. “Tuve que llegar a la gloria – dijo – para vengar la afrenta que significó para mi la muerte de mi madre, a la que adoraba religiosamente”. Su padre acabaría casándose, un año y medio después, con Catalina, la hermana de su mujer. La boda se consumaría poco después de la muerte de la abuela materna de Dalí. 11. La lectura de Valle-Inclán y el conocimiento de su personaje, el marqués de Bradomín, cautivan a Dalí, que empieza a indagar en su pose, en la imagen que transmite, tocada de una egolatría excéntrica y a la vez simpática muy parecida a la del aristócrata valleinclanesco. Al pintor le preocupa que la gente le encuentre vulgar, quiere ser histriónico, diferente, fascinante, incluso raro. Su vida comienza a ser una farsa en la que el protagonista, un Narciso enamorado de sí mismo, se ve obligado continuamente a actuar para estar a la altura de su personaje. 12. Al llegar a Madrid, una vez ingresa en la Academia de Bellas Artes, Dalí se aloja en la Residencia de Estudiantes, muy en la línea de Ginés de los Ríos y su Institución Libre de Enseñanza, donde conocerá a algunos de los amigos e intelectuales que serán cruciales en aquellos primeros años, como Federico García Lorca, Luis Buñuel o Pepín Bello. En aquellos años de aprendizaje intelectual y jaranas nocturnas, Dalí empezaría a tratar a otros intelectuales de su generación, como Ramón Gómez de la Serna – cuya tertulia Pombo frecuentaba junto a Buñuel –, Gregorio Marañón, compañero de la Residencia, José María Hinojosa o Rafael Alberti. 13. Para algunos autores, como Ian Gibson, la relación entre Dalí y Lorca fue una amistad que rozó el enamoramiento. Lorca tenía sentimientos profundos hacia Dalí y este, que sentía una enorme admiración hacia su amigo, detenía cualquier atisbo de atracción que pudiera dominarle. Dalí, que siempre tuvo una sexualidad complicada, no quería indagar en nuevos caminos y rechazaba su posible homosexualidad. Lorca y Dalí pasaron una Semana Santa juntos entre Cadaqués, Figueras y Barcelona que el poeta granadino recordaría con anhelo, aunque no logró que Dalí le devolviera la visita a Granada, donde ya le tenía preparada una fiesta gitana de bienvenida. De su visita a Cadaqués encontrará Lorca inspiración para componer su Oda a Salvador Dalí. 14. Para un obsesivo de la infancia y la sexualidad como Dalí, el descubrimiento de Freud, cuyas obras principales se publicaron durante su juventud, tuvo un impacto considerable en su formación. Sobre la ‘Interpretación de los sueños’ dirá el pintor ampurdanés que fue uno de los descubrimientos capitales de su vida. “Se apoderó de mi un verdadero vicio de autointerpretación, no sólo de los sueños, sino de todo lo que me sucedía, por casual que me pareciese a simple vista”, afirma en su libro autobiográfico ‘La vida secreta de Salvador Dalí’. Más tarde, Dalí afirmaría que la exploración del subconsciente pregonada por Freud constituiría el auténtico meollo del surrealismo. 15. En abril de 1926, en una visita a París y gracias a la intermediación de un amigo de ambos, Manuel Ángeles Ortiz, Dalí conocerá a su gran ídolo, Pablo Picasso. Dalí le lleva dos lienzos, Muchacha de Figueras y Venus y un marinero, que el pintor malagueño examina con detenimiento. A su vez, Picasso le muestra algunos de sus últimos trabajos, entre ellos algunos bodegones de inspiración cubista que causan honda impresión en Dalí, a tenor de su obra posterior. Para el genio ampurdanés, la visita a Picasso es crucial en su carrera, sobre todo por la admiración que muestra hacia su obra, un gran halago del que considera uno de los mayores pintores contemporáneos. 16. El padre de Dalí quería que su hijo terminase los estudios en la Real Academia de Arte de San Fernando. Quería que su hijo fuese catedrático de Arte o al menos que tuviese un sustento seguro como profesor. Sin embargo, todas aquellas ilusiones se desvanecerían en junio de 1926, cuando el joven y ya ególatra Dalí se negó a ser examinado oralmente por un tribunal que juzgó incompetente. Según explican algunos de los presentes el pintor acudió al examen enfundado en una excéntrica americana y con una gardenia en el ojal, contraponiendo su pose de dandy a la seriedad académica del tribunal. Según explicaría en sus diarios, tras su experiencia en París, Dalí quería quemar etapas cuanto antes y esto pasaba por romper con Madrid para dedicar un año entero a pintar y marchar después a Francia a completar su formación. 17. Al final del verano de 1927 Dalí recibe una sorprendente llamada de un artista al que no conoce personalmente, Joan Miró, que se interesa por su obra y al que promete visitar acompañado por su agente, Pierre Loeb. Dalí les muestra sus dos últimas obras, ‘La miel es más dulce que la sangre’ y ‘Aparato y mano’, las cuales contienen todos los elementos recurrentes de su pintura. Miró y Loeb alaban su obra, la comparan con la de Yves Tanguy pero reconocen en el figuerense más técnica y una naturalidad mayor. Miró se encargará desde entonces de promocionar a Dalí en Francia y de alentar su carrera, un gesto generoso que le permitirá alzarse como uno de los pintores jóvenes – tiene sólo 23 años – más prometedores de Europa. 18. Dalí conocerá a Gala en Cadaqués en agosto de 1929, donde acude junto a su marido Paul Eluard y su hija Cecile, junto a otras parejas como René Magritte y su mujer Georgette o Camille Goemans y su novia, además de Buñuel, que quería empezar a trabajar con el pintor en una nueva película tras el éxito de ‘Un perro andaluz’. Diez años mayor que él, pero aún joven y bella, Gala dejará prendado a Dalí y tan enfebrecido que Buñuel desistirá de intentar colaborar con él. Eluard, que mantenía una relación abierta con su mujer, no aparentó celos de ningún tipo, de modo que Gala y Dalí empezaron a flirtear sin reparos, aunque el pintor, verdadero neófito en tales lides, ensayase cortejos tan surrealistas como impregnarse de heces de cabra o mancharse de sangre las axilas, además de prorrumpir ante ella escandalosas y repentinas carcajadas. 19. Dalí recibió extraordinarias críticas de sus amigos en su primera exposición en Francia en 1929, si bien la crítica parisina no fue tan condescendiente con el ampurdanés y sólo le concedió breves reseñas carentes de excitación. Una de las que más debieron dolerle al egocéntrico pintor catalán fue la que escribió el crítico de L’Intransigeant, E. Tériade, que aseguró que sus cuadros no sólo eran provincianos, sino que expresaban una desesperación provinciana por tratar de ponerse al día. No obstante, el genio de Dalí empezaba a ser reconocido y el surrealista André Breton no tuvo dudas del magisterio del ampirdanés: “Con Dalí nuestras ventanas mentales se han abierto de par en par, quizás por primera vez, con él vamos a sentir cómo nos escabullimos por la trampilla que se abre al cielo leonado”. 20. Espeso y retorcido en las puntas, el bigote ha sido uno de los rasgos más característicos del Dalí maduro. Ese peculiar bigote pudo tener dos influencias, el de Diego Velázquez o el prominente bigote del militar catalán Josep Margarit, cuyo retrato presidía el cuarto de estar de la casa paterna. La escritora Gertrude Stein aseguraba que el bigote de Dalí era sin duda sarraceno y opinaba que era el más bello bigote que le había visto a un europeo. 21. A mediados del mes de agosto de 1936, Dalí empezó a escuchar rumores sobre la muerte de su buen amigo Federico García Lorca. Su mujer Gala lo había conocido apenas un año antes y había quedado fascinado con la personalidad del poeta. “En la guerra civil la gente no se mataba siquiera por las ideas sino por razones personales, por razones de personalidad; y, como yo, Lorca tenía personalidad de sobra y, con ella, mejor derecho que la mayoría de los españoles a ser fusilado por españoles. El sentido trágico de la vida que poseía Lorca se distinguía por la misma constante trágica por que se distingue el destino de todo el pueblo español”, escribió en ‘Vida secreta de Salvador Dalí’. El recuerdo del mejor amigo de su juventud le seguiría durante toda su vida. 22. La década de los cuarenta supuso el definitivo despegue de la fama de Dalí, alcanzada tanto en España como en Estados Unidos, donde pasó gran parte del tiempo visitando a las más rutilantes estrellas, participando en exposiciones y conferencias y recibiendo homenajes. En 1941 la obra de Dalí fue expuesta por primera vez en el MOMA, en una exposición conjunta con Gabriel Miró en la que Dalí ya despuntaba como la estrella del cartel. En pleno apogeo artístico, Dalí fue requerido por las grandes figuras del cine de la época, Alfred Hitchcook y Walt Disney, si bien aquellas colaboraciones no llegarían a plasmarse. En 1942 el pintor publicaría en una editorial neoyorkina su ‘Vida secreta de Salvador Dalí’, una autobiografía megalómana que resultó ser un gran éxito de ventas pese a que algunos escritores, como el prestigioso George Orwell la despreciasen por pornográfica. 23. A Dalí se le han reprochado dos cosas por encima de otras: su ambigüedad respecto a las dictaduras – entre ellas la franquista – y su excesiva afición por el dinero. En el cenit de su carrera, en las décadas de los sesenta y los setenta, Dalí se sumó a la corriente de las litografías, popularizadas por el ‘pop art’. Ávido de ganancias, Dalí empezó a estampar su firma en láminas suyas… preparadas por otros, e incluso llegó a firmar hojas litográficas en blanco, lo que le reportaba inmediatamente una jugosa comisión, sin que supiese en ocasiones el destino de aquella lámina. El número de láminas que firmó se desconoce, pero pudieron ser decenas de miles, lo que repercutió en el valor y la credibilidad de este tipo de obras. Cuando Dalí envejeció y el temblor de su mano derecha le impedía pintar, se dice que algunos de sus colaboradores le pasaban cuadros para que estampase en ellos su firma, de ahí que el mundo del arte sea tremendamente susceptible con la autoría de las últimas obras del ampurdanés. 24. El 10 de junio de 1982 fallecía la musa y esposa del pintor, Gala Eluard Dalí. Nacida Elena Ivanovna Diakonova, Gala era una mujer de belleza agresiva y costumbres promiscuas que antes de Dalí fue musa y amante de todo el movimiento surrealista. Gala fue una mujer sexualmente muy activa, en contraposición al voyeurismo extravagante de su marido, que consintió sus aventuras. En sus últimos años, Gala se encaprichó con el joven Jeff Fenholt, que consiguió que la otrora depredadora sexual le regalase cuadros originales de su marido – presuntamente a escondidas – e incluso le compró una mansión en Long Island de más de un millón de dólares. La muerte de Gala, su amor místico y platónico, fue para Dalí un duro trance, aunque presenció el entierro con admirable compostura. El Estado español cuidaría con mimo al viudo y poco después del deceso, el rey nombró a Dalí marqués de Púbol, un título que el pintor, gran admirador de la aristocracia, acogió con entusiasmo. 25. El 23 de enero de 1989, hace 25 años, moría Salvador Felipe Jacinto Dalí i Doménech a los 84 años de una parada cardiorrespiratoria. El funeral no estuvo a la altura del genio, fue sobrio y absolutamente común y entre los asistentes abundaron las personalidades y faltaron los artistas. La ausencia más notoria fue la de su hermana Anna María. Como última voluntad, el gran exhibicionista dejó escrito que le taparan la cara, no quería que nadie viese su decrepitud y padecimiento. El genio fue enterrado en la cripta de su casa museo de Figueras, muy cerca de la iglesia en la que fue bautizado.

Al igual que John Huston y Alfred Hitchcock, Federico Fellini (La dolce vita, 1960, 8 ½, 1963) acostumbraba dibujar, esbozar y trazar imágenes que ocurrían en su mente. Plasmaba sus ideas en papel para tenerlas siempre presentes. No obstante, nunca tuvo mayores pretensiones artísticas respecto a sus dibujos. Cuando un viejo amigo, el artista gráfico y periodista, Vincenzo Mollica, se acercó a Fellini con la idea de publicar un libro sobre sus dibujos, el director se resistió con cierta hostilidad. No veía mérito apreciable en sus "garabatos" –la mayoría eran caricaturas de amigos, actores y actrices–. El realizador de La strada (1954) y Le notti di Cabiria (1957) le comentó a Mollica: "Creo que si no fuera director de cine, nadie hablaría de mis dibujos Para mí es una actividad secundaria, marginal, periférica, que ha despertado el interés de los demás sólo porque he hecho algunas películas." De cualquier manera, Mollica escribió el libro (Fellini: Palabras y dibujos se publicó en 2000, siete años después de la muerte del cineasta italiano), y muchos de los dibujos, hechos a lápiz o con marcadores, han sido exhibidos en recintos como el Guggenheim, al lado de obras de Pablo Picasso y Paul Cézanne. A continuación les compartimos una galería con algunos de los dibujos de Fellini que incluyen retratos de actores de cine, diseños de vestuario y caricaturas de sus propios personajes. "¿Por qué dibujo los personajes de mis películas?¿Por qué bosquejo sus caras, sus narices, sus bigotes, sus corbatas, sus bolsos, su manera de cruzar las piernas y esbozo las personas que vienen a verme a la oficina? A lo mejor ya lo he dicho; es un manera de empezar a mirar la película en la cara, para ver qué tipo es, el intento de fijarme en algo, aunque sea minúsculo, incluso insignificante, pero que me parece que tiene que ver con la película y, de manera velada, me habla de ella." Federico Fellini. Dibujos para los filmes El jeque blanco: Cabiria, Matilda y el tragafuego Amarcord: el pavorreal y la fuente Giulietta de los espíritus: Giulietta Satiricón: Trimalcione Satiricón: Vernacchio I clowns: Pierino, el payaso con vela I clowns: el payaso blanco Roma: el casino popular Roma: la prostituta de la vía Appia 8 ½ : la corista La strada: el vehículo de Zampano Autorretratos 1961 1974 1975 1977 Autorretrato con Oscar en 1993 Caricaturas Alberto Sordi Aldo Fabrizzi Anita Ekberg Anna Magnani Sophia Loren Marcello Mastroianni Roberto Rossellini Vittorio De Sica

LA GRÁFICA EXPONE SOBRE TODO LOS HÁBITOS DE NOVELISTAS Y POETAS, PERO TAMBIÉN, DE OTRAS GRANDES MENTES DENTRO DE LAS ARTE Los mejores hábitos son los que mejor te hacen sentir: si eres una persona diurna o nocturna, lo mejor que puedes hacer es confiar en que tu cuerpo sabe lo que es mejor para él. No importa que no te dediques profesionalmente al arte o no seas esa quimera dudosa que llamamos “genio”: estar despierto es ya, en sí mismo, estar tomando decisiones creativas y construyendo el mundo a tu alrededor. Pero, si conoces la presión de tomar una decisión creativa, seguramente entiendes que un cuerpo descansado funciona mejor que uno que duerme dos horas al día -a menos que dormir dos horas al día fomente tu creatividad-. Desde Marina Abramovic hasta Ludwing van Beethoven, este infográfico nos muestra las rutinas de sueño de 27 artistas y pensadores de la historia moderna. Mientras Freud dormía apenas seis horas por día, el prodigioso Balzac se iba a dormir cuando bajaba el sol, a las 6 p.m., y se levantaba a beber taza tras taza de café desde la 1 a.m. La imagen fue elaborada por la  revista New York  a partir de datos tomados de  Daily Rituals: How Artists Work , de Mason Currey, un libro que retoma el tema de moda sobre la cotidianidad de los artistas y los grandes pensadores de la historia, de quienes esperamos imitar rutinas o simplemente divertirnos comparando sus hábitos.

De Benedict Cumberbatch a Johnny Depp, pasando por Jim Carrey y James Franco: te ofrecemos un museo de actores que embadurnan lienzos en su tiempo libre. Benedict Cumberbatch Dada  su próxima boda , la legión de  cumberbitches  que se desmelena cada vez que guiña el ojo y esa carrera siempre en alza, por no hablar de lo majo que suele mostrarse siempre ante la prensa, cualquiera diría que Benedict Cumberbatch lleva bien eso de ser una estrella de cine. Nada más lejos de la realidad: el hombre de Sherlock, al que muchos dan como inminente candidato para los  Oscar 2015  gracias a  The Imitation Game , no parece muy contento con dicha condición, y por ello busca solaz en el carboncillo. “Dibujar me permite alejarme de ese sinsentido que es la fama”, reconoció Benedict el fin de semana en una entrevista con la BBC (vía  The Guardian ), y si los autorretratos firmados por el actor nos permiten entresacar algo de su estado anímico, parece que este hombre está para hacérselo mirar. A qué, si no, esa manía por esbozarse a sí mismo con un aspecto depauperado y unas ojeras que nos recuerdan a ciertas obras de Egon Schiele. Salvando las distancias y contando con el factor sexy, eso sí. Johnny Depp Es el actor fetiche de Tim Burton. Es el capitán Jack Sparrow de Piratas del Caribe. Y también es un pintor de estimable talento, muy influido por el expresionismo abstracto y conocido sobre todo por sus habilidades como retratista: en la obra pictórica de Johnny Depp hay espacio para las efigies de sus ídolos (el actor y dramaturgo Antonin Artaud, por ejemplo) y de amiguetes como Keith Richards, Julian Schnabel, Marlon Brando o, cómo no, su director de cabecera, protagonista (aunque no se note mucho) del cuadro que podéis ver arriba. Pierce Brosnan Mucho antes de ser James Bond, incluso antes de que Remington Steele llamara a su puerta, el irlandés no iba para actor, sino para virtuoso del pincel. A finales de los 60 Brosnan se formó como ilustrador en la prestigiosa escuela de arteSaint Martin’s de Londres, pero después de sacarse el título abandonó la cosa gráfica para unirse a un circo ambulante (bueno, y también para estudiar Arte Dramático). En 1987, cuando a su mujer Cassandra Harris le fue diagnosticado el cáncer que habría de acabar con su vida, Pierce volvió a enfrentarse al lienzo. Según explica él mismo, su obra pictórica rinde tributo a Matisse y Kandinski, sus pintores favoritos. Y, por si fuera necesaria la precisión, aclaramos que el cuadro que veis a la derecha en la imagen es un autorretrato. Viggo Mortensen Como sabemos, el argentino-danés-estadounidense (y soberano de Gondor) es un montaraz de lo más polifacético: además de como intérprete de bien ganados laureles, Viggo ejerce como poeta, editor literario, músico, fotógrafo… y pintor. Señalemos que Mortensen es poco proclive a exponer sus trabajos en galerías, prefiriendo darlos a conocer en forma de ilustraciones para sus propios libros. Así han aparecido obras como las que aparecen en la imagen: la de la izquierda lleva por título Autorretrato, mientras que la de la derecha pertenece a una serie titulada Gulf Stream. Billy Dee Williams Atención, amantes de la saga Star Wars: ¿puede haber algo más molón que colgar en vuestra pared un cuadro firmado por el mismísimo Lando Calrissian? Pues, si vuestra respuesta es “no”, estáis de enhorabuena: además de actuar, Billy Dee Williams tiene una carrera paralela como pintor cotizado y laureado, cuya obra figura en las colecciones del Instituto Smithsoniano y del Schomburg Museum de Nueva York. Como puede apreciarse en este cuadro, titulado Good Times Jungle Club (The Savoy), la obra de nuestro hombre está marcada por los homenajes a la historia y la cultura afroamericanas, siguiendo el ejemplo de artistas como Ernie Barnes. Antony Hopkins Aunque ahora todos le reconozcamos como un titán de la pantalla, la vida de Sir Anthony no ha sido precisamente un camino de rosas: tras unos comienzos brillantes (incluso un ególatra como Laurence Olivier reconoció su talento juvenil), el galés tuvo que luchar durante décadas contra un alcoholismo pertinaz y severos problemas de autoestima, antes de que El silencio de los corderos le lanzase al estrellato. Tal vez por ello sus trabajos como pintor abunden en rostros fantasmagóricos y paisajes de pesadilla, ante los cuales, sospechamos, Hannibal Lecter esbozaría una sonrisa de aprobación. David Arquette Ahora toca alejarse de museos y escuelas académicas: el ex de Courteney Cox y hermano pequeño de Rosanna y Patricia (bueno, y también de Richmond y Alexis) también ha llamado la atención por su destreza en las artes plásticas, pero en lugar de derrochar su talento sobre un lienzo él prefiere hacerlo sobre una pared. Y es que estamos hablando de un grafitero, que formó parte durante mucho tiempo de una crew de artistas urbanos llamada KGB. A día de hoy, David sigue empuñando el spray ocasionalmente: la imagen de arriba muestra una obra elaborada el año pasado para promocionar el certamen de arte urbano PieceFest de Los Ángeles. Señalemos que, además, Arquette escribe guiones de cómics, compone música y ha hecho sus pinitos en el mundo de la lucha libre. Jim Carrey Ahora que está a punto de volver a la pantalla con Dos tontos todavía más tontos, es de ley recordar que el hombre de las mil muecas compagina una carrera muy jocosa con una historia familiar marcada por la pobreza y una psique repleta de demonios. Tal vez por ello, Carrey desahoga sus inquietudes como pintor sin por ello dejar de lado su gusto por el absurdo: su primera exposición, celebrada en Palm Springs hace dos años, llevaba el elocuente título de Aquí no hay nada que ver. Hablamos de un artista aficionado a las obras de gran formato, que admite haberse pasado alrededor de 10 horas seguidas con el pincel en la mano y que suele moverse por derroteros abstractos y surrealistas. Lucy Liu Alrededor de 2009, algunos coleccionistas y marchantes de arte se llevaron las manos a la cabeza: resultó que Yu Ling, una artista cuyas pinturas y collages gozaban de cierta repercusión en galerías de EE UU y el Reino Unido, no era otra que la actriz de Los ángeles de Charlie y Kill Bill. Resultó que Liu, antigua estudiante de Bellas Artes, había optado por emplear ese álter ego para que su celebridad hollywoodiense no empañase la percepción de su obra, donando a UNICEF los beneficios obtenidos con las ventas. Poca broma, porque algunos de sus trabajos (muy inspirados, por lo demás, en las tradiciones pictóricas de China) han salido a subasta con precios lindantes en los 16.000 euros. James Franco Tenía que salir, ¿verdad? Pues sí: mientras seguimos debatiendo si es un auténtico artista o un hipster insoportable, y mientras los críticos de arte se pitorrean de su producción como fotógrafo (y es que eso de hacerle un órdago a Cindy Sherman está sólo al alcance de los más grandes), Franco desarrolla una obra como pintor que suele mantenerse afín al informalismo de genios como Jean-Michel Basquiat, pero que también depara grandes sorpresas cuando le da por lo estrictamente figurativo. Sin ir más lejos, el díptico que podéis ver arriba está formado nada menos que por dos retratos al desnudo de Seth Rogen. Intentad olvidarlo, si es que podéis. Jane Seymour Por más que su carrera le haya deparado dos Globos de Oro, y que haya hecho un cameo en Cómo conocí a vuestra madre, mentiríamos si dijésemos que la actriz de La doctora Quinn ha apostado alguna vez por el riesgo. Esa es una verdad que se aplica tanto a su trabajo en la pantalla como a una trayectoria en las artes plásticas (además de pintora, Seymour también es escultora, amén de diseñadora de moda y joyería) marcada por un carácter más bien blandito y que, en lo que al lienzo se refiere, destaca por su emulación de los maestros del Impresionismo. Vamos, que tras ver cuadros como el de arriba (Retrato de la artista en su jardín) no nos sorprende nada saber que Jane también escribe libros de autoayuda. Macaulay Culkin Tras todo lo que Culkin ha pasado en su vida (el exceso de fama precoz debido a Solo en casa, los mangoneos económicos de su padre y los problemas con las drogas, nos alegra saber que sigue vivo, bien y reciclado en artista multimedia junto a su amigo Adam Green. Ahora bien: vistos ejemplos de su trabajo como el que aparece en la imagen de arriba, mejor le dejamos a los críticos la tarea de valorarlos, porque a nosotros se nos escapan un poco. Sylvester Stallone Sí, lo sabemos: a estas alturas de la jugada, recordar a ‘Sly’ y sus discutibles pinitos como pintor es un lugar común. Pero, bromas aparte, reconozcamos una cosa: este señor protagonizó  y escribió una película que arrasó en los Oscar (Rocky, claro), convirtió su rostro en emblema del cine de acción ochentero, fue capaz de sacar su carrera a flote cuando todos le daban por perdido… Y encima saca tiempo para embadurnar lienzos de gran tamaño. Ante tales credenciales, y por lo que a él respecta, sospechamos que tanto los críticos de arte como los de cine pueden irse a freír espárragos.