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Indagaciones criticas acerca de un museo o galería- Muestra de Pettoruti en el MNBA, 2004 Las exposiciones de arte en museos y galerías resultan un tema para el análisis dado su amplio campo de enfoque. Muchas son las observaciones a que han sido expuestas a lo largo de la historia, desde los variados puntos de vista de distintos autores que en su momento abordaron la materia, pretendiendo como desenlace poner un manto de claridad sobre diversas cuestiones que acompañan a estos establecimientos. Aunque más adelante nos detendremos a distinguir con mayor precisión la mayoría de las cuestiones que competen a una muestra artística, nos apresuramos en destacar que la presente investigación referente a los asuntos de distinta índole que se encierran en el museo, se cree que, pueden emprenderse sobre la base de diferentes parámetros, siendo un posible punto de partida, el cuestionamiento esencial acerca de que implicaciones asume la institución del museo, continuando con la influencia social y económica en este campo, que carácter posee la muestra, así como la forma de percepción de determinadas obras, finalizando con la evaluación de una obra pictórica en particular, siendo los mencionados algunos de los factores tenidos en cuenta para el análisis. Descriptos estos puntos, también vale señalar, por otra parte, la influencia que asumen actualmente los medios de masa, los cuales invaden el museo 9entre otras cosas), volviendo a esta institución, en cierto modo, un sitio popular, de mayor acceso a distintos niveles de públicos, los cuales en el pasado no poseían dicho acercamiento. Retomaremos este tema mas adelante. Por otra parte, se estima importante subrayar y destacar la preeminencia del papel que ejerce el marco histórico y cultural, en estas instituciones ya que de algún modo participa e influye primeramente en la capacidad de percepción de las obras y posteriormente en la elección y preferencia por tal o cual estilo o composición y la comprensión de las ideologías de los autores. En el presente informe se pretende desarrollar de la manera mas clara posible las interpelaciones recientemente aludidas y elaborar un desglose, utilizando a modo ilustrativo, un enfoque personal recogido de la muestra pictórica Retrospectiva de Emilio Pettoruti, expuesta en el Museo Nacional de Bellas Artes desde noviembre de 2004 a enero de 2005 como ejemplo a analizar. Articulando esta ejemplificación representativa con argumentos expuestos por autores como, Andreas Huyssen, Pierre Bourdieu, Hesselgren, Carbonell, Anna Maria Guasch, entre otros, quienes vuelcan su orientación en relación con los temas anteriormente propuestos. El Museo Como posición inicial, se sugiere comenzar con la conceptualizacion que realiza Huyssen acerca del museo, determinando que dicha institución sobrelleva una naturaleza dialéctica, en la cual, por un lado, ante la perdida de las tradiciones, la institución es asumida como una caja fuerte para salvaguardarlas de su extinción. Se ocupa de coleccionar y conservar las obras que han sucumbido por la modernidad, pero a la vez, es este mismo museo el que es considerado por la vanguardia, por el arte moderno de cada época, como una cámara sepulcral del pasado, un aparato ideológico sin mas efectos que los de legitimación de las obras y hasta a veces asociado con la necrofilia, con el objeto de oponerse al museo con la intención de eliminar el pasado. Huyssen, conjuntamente, propone ciertas alternativas para lograr una articulación entre el museo y la vanguardia. Plantea que el museo debe modernizarse, es decir, contar con exposiciones temporales cercanas al entretenimiento, acercándose al espectáculo y a la cultura de masas, popularizarse, pero preservando el aura de la obra, el trazo del pintor, el contexto en el cual se realiza, el verdadero motivo por el cual se plasmo. Transponiendo esta postura a la experiencia en el Museo Nacional de Bellas Artes, vale señalar, que se puede percibir esa dualidad entre legitimación del pasado y cultura de masas. Las exposiciones temporales se encuentran en el tercer piso del edificio o en el anexo en la parte posterior del mismo, en el primer piso, como es el caso de la muestra pictórica de Pettoruti. Aun así se percibe por un lado un cierto cuidado de mezclar espacialmente el patrimonio permanente del museo con las exposiciones temporales (aunque estas contengan valor de legitimación), las cuales son el eje de una masiva publicidad en diarios, revistas y así mismo en la vía publica por medio de enormes carteles propagandísticos, pero al mismo tiempo, se puede observar a pocos metros de la entrada un mostrador destinado a vender al publico los mas variados artículos, desde una postal hasta un tapiz, y en cuyos dispositivos se esgrimen obras del mencionado artista. De esta manera se cree que en esta institución hay una interacción entre museo, modernidad y cultura de masas, la coexistencia entre estos tres factores, se piensa que simplifica el acceso de distintos públicos. La exposición y sus características Para dar un vistazo del carácter que puede comprender una exposición, se puede recoger la postura de Guasch, quien declara que las muestras en los museos son la conciencia de una época en donde priman el “aquí y ahora”, son medios que conforman todas las expectativas de todos los públicos, y carga con variados significados. Considera también que dichas exposiciones son interactivas porque se pone en relación al espectador con la obra. Según la autora, son un instrumento de poder cultural manejado por “comisarios” que fabrican artistas, los manipulan y edifican la exposición como un todo. Se puede creer que este no es el caso de “Retrospectiva”, de Pettoruti, dado que es un artista de renombre y legitimado hace tiempo el cual introdujo la vanguardia en Argentina. Se distingue por un ostensible refinamiento y coherencia en sus obras. Emilio Pettoruti nace en 1892 en La Plata, sus obras se dividen en distintas etapas, comenzando por la producción de retratos, siguiendo con la representación de naturaleza muerta y culminando con obras que muestran un Pettoruti perplejo, basándose en formas pintadas con colores brillantes. Sus obras son en su mayoría cubistas y sus paisajes abstractos y se consideran eminentemente poéticos. Con respecto a las dimensiones espaciales de la exposición, se puede expresar que son amplias y sinuosas, como se indico con anterioridad se encuentra montada en el anexo del edificio, sobre la confitería que se halla en la parte posterior, vinculado al museo por medio de un corredor vidriado que permite el acceso. Originalmente la Fundación Pettoruti pidió la sala central del museo pero la negativa del director aludió que dicha sala se reserva para la exhibición del patrimonio permanente. El circuito de la muestra esta dispuesto, en forma oval y al ingresar, un guía recomienda iniciar la recorrida hacia el lado izquierdo de la instalación dado que las pinturas (de carácter tradicional) están montadas sobre paredes y sobre paneles celestes y blancos los cuales se disponen en la sección céntrica del recinto y ordenadas por orden cronológico de producción, comenzando con “Autoportrait” de 1917 y finalizando con una biografía escrita sobre el autor a modo de mural. Se ubican las obras por tema, contraponiendo ejemplos de distintas épocas. Es el ejemplo de “Vino Rosso” de 1919 la cual cuelga en ángulo a “Vino Rosso”, óleo sobre tela de 1940. Esta instalación de la obra permite ver como se sostiene el interés del artista por los mismos temas a través del tiempo. Es posible, así mismo, un acercamiento máximo a las obras y además se encuentran a poca distancia unas de otras. La iluminación general de la sala se dispone por fuentes lumínicas artificiales tenues y cada obra se encuentra iluminada desde arriba, en forma vertical, por un pequeño spot, que en ocasiones distorsiona la percepción. Vale señalar, la ausencia de una de las obras del Museo Sivori, lo cual elevo una polémica. Forma de percepción de la muestra Escogiendo, por llamarla de alguna manera, la tercera etapa representativa de Pettoruti, en general sus obras constan (según las leyes de la Gestalt) de buenas formas, claras a la hora de definirlas, que oscilan entre círculos, líneas, óvalos, cuadrados. Los colores se encuentran en su mayoría saturados en este período y oscilan entre tintes análogos y complementarios. En cambio durante su primera fase donde prima la reproducción de retratos, hallamos tintes no saturados en su generalidad (utilizando terminología de Carbonell). La luz es primordial en Pettoruti, sobre todo después de los años ’50, la cual se envuelve, en la mayor parte de sus obras, con la presencia de sombras. Respecto de la iluminación proveniente del exterior, para lograr una percepción adecuada de la obra el receptor debe situarse en un ángulo de observación distinto del centro dado que se produce un reflejo que impide o distorsiona la percepción de algunas formas y tintes. Ahora bien, si analizamos dichas obras desde la perspectiva de Bourdieu, se debe considerar la intención estética, la obra es forma en lugar de función. La percepción de la pintura de Pettoruti, en este caso en particular, se piensa que depende de la intención y del saber del espectador. Dicho saber conlleva un conocimiento del código que porta esa obra, la cual existe para quienes tienen los medios para apropiarse de ella. Bourdieu por ello distingue dos tipos de percepción, por un lado una percepción que requiere conocimiento previo, el cual se adquiere por el asiduo contacto con las obras; y por otro una percepción ingenua en donde el mensaje de la obra supera la capacidad del espectador, y la obra es tomada como un objeto cotidiano. Por lo tanto, desde este punto de vista, la percepción de las obras de Pettoruti, en esta ocasión, se cree que es subjetiva, dependiendo de cada espectador o receptor, y de su competencia en relación con las obras y sus códigos. “Vino Rubí” “Vino Rubí” de 1945, es una de las obras exhibidas en “Retrospectiva”, es un óleo sobre tela de 50 por 65 cm. Tomando las premisas de Hesselgren, esta pintura se encuentra dispuesta en un marco de tintes rojo saturado (el cual puede inclinarse al “rubí”) y dorado. La pintura oscila entre los tintes rojos y verdes, considerados complementarios, por ser el primero el faltante en la composición del segundo. Conjuntamente se puede percibir variables del rojo, al destacarse la presencia de marrón y rosa. También se observa coloración lila, la cual se piensa, dentro del violeta (combinación de rojo y azul) acercándose al blanco. En referencia a la luz, como ya mencionamos anteriormente, Pettoruti contrapone en sus representaciones luz intensa y sombras, en esta obra puede percibirse una mayor sombra e intensa luminosidad en el sector del pico de la botella representada. Desde el punto de vista de las reglas de la Gestalt, se perciben buenas formas, pregnantes; factor de similitud, es decir que los elementos iguales se unen para formar grupos, como es el caso de dos manzanas del mismo color que se ubican una contigua a la otra; factor de cierre en el cual las líneas unidas forman Gestalten; la figura se superpone sobre el fondo, ambos definidos claramente. Para finalizar se desarrolla el abordaje de Carbonell, quien destaca dentro de la pintura un lenguaje artístico formado por elementos formales dentro de los cuales se encierran puntos como la línea, el espacio, el tiempo, el color y la proporción; y además formado por parámetros formales, es decir la ideología de quien crea la obra en un momento histórico, el modo de representar lo cual forma el contenido o tema de la obra, entonces se puede manifestar que esta obra de Pettoruti (como muchas otras) marca una manera de representar la ideología del artista próximo a los años ’50, quien, como ya se menciono, es una de los precursores de la vanguardia en la Argentina. Para sintetizar las indagaciones suministradas acerca de las implicaciones que abarcan a las exposiciones en los museos o galerías de arte, en este informe se pueden observar desde varios parámetros, todas con su nivel de relevancia, las problemáticas planteadas acerca de las muestras de arte. Primero se investiga como fusionar la institución del museo cargada de legitimidad por su relación con el pasado, con la vanguardia, con el arte moderno, con el arte nuevo el cual además rechaza el arte tradicional. Sin embargo Huyssen encuentra una posible solución a este dilema. Por otra parte se intenta hacer una breve descripción de la experiencia particular obtenida en la muestra de Emilio Pettoruti, en referencia a las cuestiones físicas de la misma, encontrando una gran selección de obras, montadas en un espacio apropiado, con un clima apropiado, sin poder decir lo mismo acerca de la iluminación sobre las obras, pero permitiendo a los neófitos sumergirse en el vanguardista universo de Emilio Pettoruti, conociendo su historia de vida y algunos aspectos de la historia del arte pictórico en nuestro país. En tercer lugar, se tratan cuestiones de percepción tomando las posturas de autores que desarrollan ese tema, siendo posibles percepciones directas, determinando formas y colores pertinentes; o basándose en una estética particular de cada obra, admisible por medio de un conocimiento previo. Finalmente se elige una obra para su análisis, “Vino Rubí”, y se examina desde puntos como las leyes de la Gestalt poniendo en primer plano formas, similitudes, fondos,etc.; siguiendo con el texto de Carbonell, en el cual la obra también es la representación ideológica del artista, dentro de un marco histórico; y también teniendo en cuenta el abordaje acerca del color y sus combinatorias de Hesselgren. Se concluye creyendo que la percepción de una obra enlaza factores disímiles y a la vez engloba todos los componentes de esa obra formando un todo perceptible por un espectador que tiene intención y competencia para percibirla. Bibliografía Bourdieu, Pierre; “Disposición estética y competencia artística”; España; Revista Internacional de Arte. Carbonell, Eduard; “Introducción a la historia del arte”; “La pintura”; Barcelona; Ed. Barcanova; 1990. Guasch, Anna Maria; “Los manifiestos del arte posmoderno”; “Textos de exposiciones 1980-1995; Akal; 2000. Hesselgren, Sven; “El lenguaje de la arquitectura” ; Buenos Aires; Eudeba; 1973. Huyssen, Andreas; “En busca del futuro perdido”; “Cultura y memoria en tiempos de globalización”; México D.F.; Fondo de cultura económica; 1ra edición; 2002.