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Registrate y eliminá la publicidad! aprovecho de rendir un "tributo a los ex-miembros de guitarraonline" ya que aqui revivo sus infos y aprovecho de masificarlas El Cifrado Americano Por Ricardo Aiello Por diversas razones, vas a encontrar en muchos lugares los acordes expresados con letras en lugar de los nombres clásicos de los acordes. Te comento que hay infinitas formas de expresarse, que son producto de la combinación de distintos sistemas de notación. Las tablas que siguen te van a orientar un poco en esto de entender un sistema que tal vez es completamente nuevo para vos. Las dos primeras presentan los elementos que forman los acordes, y la tercera te da algunos ejemplos, y otras formas válidas de representar el mismo acorde. C D E F G A B do re mi fa sol la si en alemania esta la H que representa la nota si Principales elementos que modifican al acorde m Menor # Sostenido b Bemol <nº> Con la <nº> nota del acorde maj<nº> Con la <nº> nota del acorde, mayor dim Disminuido sus<nº> Con la <nº> nota del acorde, suspendida /<nota> Con bajo en <nota> Afinando la Guitarra Por José Ignacio Santa Cruz González Para un guitarrista no hay nada más desagradable que tocar en una guitara mal afinada y la gran mayoría de las veces no se dispone de un afinador electrónico que nos asegure que cada cuerda esté afinada en la frecuencia que le corresponde. Entonces sólo nos queda confiar en nuestro oído, claro que a veces ni siquiera eso es suficiente. Aquí van unas papitas (hints, en inglés) para afinar bién una guitarra. La manera clásica de afinar es empezando por la cuerda más delgada, llamada la primera, que se afina en Mi. Si no se tiene un piano, teclado u otra guitarra que si esté afinada pueden buscar las tonalidades de las cuerdas en alguna canción, yo personalmente usaba la introducción de "Nothing Else Matters" de METALLICA. Después de afinar la 1era cuerda hay que afinar la 2da (brillante...) y así sucesivamente hasta llegar a la sexta que también es un Mi, pero una octava más bajo, por ende su sonido es más grave (ronco). Aquí voy a listar la equivalencia en las notas para cada cuerda y su respectiva frecuencia en Hertz: * 1era = Mi = 1318.5 Hz * 2da = Si = 987.77 Hz * 3era = Sol = 783.99 Hz * 4ta = Re = 587.33 Hz * 5ta = La = 440 Hz * 6ta = Mi = 329.63 Hz Nótese que a medida que aumenta el grosor de la cuerda su sonido se hace más grave. Haganse la idea de que en un piano las notas de las cuerdas al aire de una guitarra avanzarían hacia la izquierda. La idea es usar las cuerdas ya afinadas para terminar de afinar todas las cuerdas. Una vez afinada la 1era, la segunda debe afinarse de manera que presionandola en el 5to espacio (fret, en inglés) contando desde arriba (sin apretar nada es el espacio cero, y se dice que se está tocando la cuerda al aire) suene igual (o casi igual, por lo menos el mismo tono) que la 1era. Esto suele conseguirse moviendo la clavija correspondiente hacia arriba (dirección de los punteros del reloj) para conseguir más tensión y un sonido más agudo o hacia abajo (contra punteros de reloj), menos tensión y sonidos más graves. El dilema es saber cuando hay que apretar o soltar las cuerdas, entonces empiezas a buscar el espacio X en que debes presionar la 2da cuerda (en este caso) para que la 2da suene igual que la 1era Si el espacio que encontraste es mayor que 5, es decir el sonido en el 5to espacio es más ronco que la 1era, tienes que apretar, y si es menor el sonido será más agudo por lo tanto tienes que soltar la cuerda. La tercera cuerda es la única que rompe el esquema, esa tienes que presionarla en el cuarto espacio para que suene igual a la segunda. El resto de las cuerdas, es decir la 4ta, 5ta y 6ta, las afinas siguiendo la misma idea que para afinar la 2da, o sea presionándola en el 5to espacio. Una version en tablatura (ver la lección X) sería: E|-0---0---0---------------------------------------------------| B|---5---5---5--0---0---0--------------------------------------| G|----------------4---4---4--0---0---0-------------------------| D|-----------------------------5---5---5--0---0---0------------| A|------------------------------------------5---5---5--0---0---| E|-------------------------------------------------------5---5-| Si la guitarra está bién afinada lo que acabas de ver en la tablatura debería entregarte sonidos iguales en pares de cuerdas. Algo que te puede ayudar para conseguir mayor presición en la afinación es sentir la vibración de la cuerda que estas afinando cuando pulsas la cuerda anterior (esa es la cuerda con la que estás afinando). Pero como suele suceder, este método no es infalible, entonces, por lo menos yo lo hago, se verifica que la guitarra esté bién afinada usando la repetición de notas por octavas y las vibraciones. En tablatura: Mim E|-0---0---------3---3---------5---5--0---0------------0-------| B|--------0-0-0---------3-3-3------------------------0---------| G|---------------0-0-----------2-2-----------------0-----------| D|-2-2------------------0-0-0---------2-2--------2-------------| A|--------2-2-2------------------0-0-----------2---------------| E|---0-0-----------3-3------------------0-0--0-----------------| La última secuencia de números es un Mi menor, si suena como tal entonces la guitarra debería estar bién afinada. Se ha discutido sobre un cierto error que se genera afinando de acuerdo a los distintos métodos, se sigue diciendo que usar un afinador es lo más preciso, pero como soy uno de muchos que no poseen uno de esos voy a mostrar dos métodos más para lograr una afinación casi perfecta (el casi es por infinitésimas de Hertz de error). Otra manera de afinar la guitarra es prácticamente igual al método clásico, con la única salvedad de que en vez de afinar la 1ea al aire, se la afina presionándola en el espacio 12, la 2da se presiona en el 17, la 3era en el 16, la 4ta en el 17, etc. Es decir es el mismo método clásico, pero se suman 12 espacios. Algunas personas prefieren usar este en vez del clásico debido a que les es más fácil identificar igualdad de sonidos con notas más agudas. El siguiente es un tanto más complicado para aquellos que están recien empezando, no tanto, pero no es así de fácil. Previo al método pongan el dedo índice de la mano izquierda (derecha para los zurdos) sobre el traste número 12 (es el fierrito inferior del espacio 11) sin ejercer presión, o sea sólo tocando la cuerda (cualquier cuerda, aunque el efecto se nota más claramente en las primeras 3). Ahora pulsa la cuerda retirando al mismo tiempo tu dedo. Si hiciste todo bién deberías escuchar algo así como un silbido (la descripción del sonido es muy a grandes rasgos). Si no te resultó inténtalo hasta que lo consigas. Eso es lo que se llama un Harmónico Natural. Estos se consiguen fácilmente en los espacios 5 (no tan fácilmente), 7, 12, 19, 24 y 29 (si es que existiera). Prueben... Ahora el método; el harmónico en el espacio 5 de la 2da cuerda debe sonar igual al hármonico en el espacio 7 de la 1era, el harmónico en el espacio 5 de la 2da igual al harmónico en el espacio 4 de la 3era cuerda, el harmónico en el espacio 7 de la 3era cuerda igual al harmónico en el espacio 5 de la 4ta cuerda y de la misma manera que el par anterior para el resto de las cuerdas. En tablatura, considerando que los harmónicos suelen simbolizarse con un número entre "<>": E|-<7>---<7>---------------------------------------------------| B|----<5>---<5>-<5>---<5>--------------------------------------| G|-----------------<4>---<4>-<7>---<7>-------------------------| D|------------------------------<5>---<5>-<7>---<7>------------| A|-------------------------------------------<5>---<5>-<7>-----| E|--------------------------------------------------------<5>--| Ahora lo único que tienes que hacer es verificar con cada uno de los métodos y si el resultado de la afinación inicial los satisface a todos eso indica que tu guitarra está bién afinada. Me extendí algo más de lo necesario en lo que a texto se refiere, pero supongo que les quedó claro como se afina una guitarra. LA4 Lasus4 Las tres últimas columnas de esta última tabla representan algunas otras formas de expresar los acordes, pero no son las únicas. Como dije antes, hay infinitas formas de expresar un acorde, todo depende de la persona que lo escriba. Los Acordes Básicos Por Pablo Muñoz Lo primero que debe aprender alguien que no sabe nada sobre nuestro instrumento, son los acordes. En este apartado vamos a detener nuestra atención en como se forman los mismos (no tanto en el porqué se forman sino en su práctica con la guitarra). Realicé unas imágenes con la webcam que pienso te servirán de gran ayuda para ver como es su formación, usalos como guía para los gráficos que se muestran a la derecha. Los números sobre los puntos verdes representan los dedos que debemos usar. Hay ciertos acordes que resultan mucho mas dificil que otros. Estos son los famosos acordes con cejilla, en donde se coloca el dedo indice realizando una barra a traves del traste. Para ellos debes tener mucha mas dedicación ya pueden ser dificultosos para realizar. Los acordes con cejilla que se muestran aca son: F, Fm, Gm, B, Bm y Cm. A medida que los vas aprendiendo intenta hacer cambios rapidos entre unos y otros, al principio va a costarte pero es solo cuestion de practica y mucha paciencia. Acordes Mayores DO/C RE/D MI/E FA/F SOL/G LA/A SI/B Aprendiendo a tocar de oido por Christopher Sung A lo mejor ya te sabes algunos acordes básicos: has estado trabajando en el ritmo y de pronto las cosas parecen ir tomando forma. Quizá ya puedas tocar un par de canciones que te salgan bastante decentes. Cuando afinas tu guitarra, empiezan a sentir que efectivamente está afinada. ¿Y ahora qué? ¡A tocar de oído! Tocar de oido es FUNDAMENTAL y lo he puesto en mayúsculas para que te des cuenta de la importante que es. Si tocas de oido, cualquier cosa que hayas oído alguna vez está a tu disposición. Solo se trata de "descifrarlo". Aprender a tocar de oido es como cualquier otra habilidad: entre más la practicas, más fácil se vuelve, si lo haces con la suficiente frencuencia llegará el punto en el que ni siquiera necesitarás tu guitarra para saber qué está tocando alguien. El primer paso es tomar una canción que te guste. Escúchala con mucha atención. Lo primero es tratar de determinar cuando en la canción se cambia de un acorde a otro. Esto es importante porque te da un sentido del tiempo y va afinando gradualmente tu oido. Si no puedes determinar cuando cambia el oído por el sonido del acorde, trata de oir el bajo con más atención. Cuando quieras sacar una canción de oido, es muy importante que tu guitarra esté afinada. Normalmente (aunque hay excepciones) todo el mundo utiliza la afinación universal en la que la nota LA está a 440Hz. Esta afinación puedes obtenerla con un afinador electrónico o con un piano. Una vez afinada tu guitarra, lo primero es localizar el primer acorde de la canción. Primero trata de determinar en las cuerdas más graves de la guitarra cual es la nota básica de donde sale el acorde. Es un poco como afinar la guitarra. Si logras encontrar la nota básica, lo demás es saber qué clase de acorde se está tocando, pero ya tienes un avance. Por ejemplo si sabes que la notaba básica es un Do, ahora tendrás que ver si es un acorde mayor, menor, dominante, etc. pero en cualquier cosa será un acorde de Do. Ahora que ya sabes una nota básica, ¿Cómo sabes qué acorde es? Aquí comienza un camino de prueba y error. Asume que es un acorde mayor y tócalo. Con un poco de suerte quizá sí sea el acorde adecuado, pero si no, escucharás la diferencia. La gran mayoría de las canciones está escrita en una tonalidad mayor, es decir, que la canción seguramente empezará y terminará con un acorde mayor. Si la canción suena triste y melancólica, es muy probable que su tonalidad sea menor, y la canción empezará y terminará con acordes menores. ¡Haz pruebas! Familiarízate con los acordes menores y mayores, porque de ahí parte todo. En adelante, el asunto está en ver cuales son los demás acordes. Al principio no es una tarea tan sencillal porque requier tiempo, pero pronto te darás cuenta de que en la música hay muchas fórmulas preconcebidas y que la mayoría de los grupos tienden a usar ciertas secuencias, repeticiones y estructuras. Hay incluso grupos que se limitan a tocar tres o cuatro acordes y aunque suenen como algo muy complicado, en realidad tocan cosas muy simples. Aprender a tocar de oido te ayuda en primer lugar a conocer mejor los acordes y a familiarizarte cone llos. Conforme saques más canciones de oido, las cosas se te facilitarán. También te ayudará a conocer soluciones nuevas a problemas concretos. Al igual que al empezar tus dedos eran débiles y te costó una buena cantidad de tiempo acondicionarlos y moverlos, con tu oido es lo mismo. Tienes que entrenarlo, y la única forma es no desesperarse y hacerlo una y otra vez. Lo fundamental es no dejar de hacerlo. Pon el radio y trata de escuchar las canciones. Cuando tocas de oído, ya no tienes que esperar a que alguien te pase la tablatura de una canción que te gusta, o un libro. Simplemente tendrás que oirla, y podrás tocarla. Vale la pena ¿No? Como Leer Tablatura Por Pablo Muñoz La tablatura, que abreviado se denomina TAB, es un método para escribir música para ser interpretada por instrumentos de cuerdas como la guitarra y el bajo. Se utilizan letras (ASCII) y números , haciéndolo ideal para lugares como internet en donde cualquier persona puede tener acceso a un archivo de texto copiarlo y leerlo. La tablatura es una representación del brazo de la guitarra por medio de seis lineas dispuestas de manera horizontal representando las cuerdas de la guitarra (si se trata de un bajo, seran cuatro lineas y asi con cualquier instrumento). A la izquierda, al principio de cada linea horizontal se colocan letras en cifrado americano que dicen las notas de cada cuerda y se deduce en que afinacion debemos tocar la tablatura, si no hay ninguna indicación se toma la afinación estandar. La cuerda mas aguda estara representada arriba de todo, es decir es la primera linea que se dibuja, en ocasiones la primera cuerda se dibuja con una "e" minúscula al lado. e|-------------------------------------------------------------| B|-------------------------------------------------------------| G|-------------------------------------------------------------| D|-------------------------------------------------------------| A|-------------------------------------------------------------| E|-------------------------------------------------------------| Basicamente, la tablatura indica que nota se debe tocar en el lugar exacto (esta es la gran diferencia que existe con respecto a la partitura en donde uno debe deducir que digitación usar). Los numeros representaran el traste en el que esta ubicada la nota, en el caso de que diga 0 se tomará como una cuerda al aire. Es importante saber que en un TAB no se indican la duración de las notas, es mejor conocer la canción para darte una idea de como tocarla. En ocasiones la duración puede deducirse segun la distancia que hay entre cada numero, por ejemplo si estan muy juntos el tema sera rápido. Tampoco te indicará que dedos debes utilizar para presionar las cuerdas. Una tablatura puede verse mas o menos asi: E----5----7--------------------------3-----7--------------------------- B----5----8---------------0-1------1-1-----5--------8--7-5-7--------2-3 G----5----7-------------2-----2----------5------------------------4---- D----7----9----7-9----2-----------------------------------------4------ A----7----10--------0-----------0-----------------------------2-------- E----5----7-----------------------------------8-7---------------------- Al principio puede resultar bastante complicado pero la tablatura requiere mucha menos dedicación que la partitura. Observa que cuando hay varios numeros uno encima de otro (como en el ejemplo) indicara que deben tocarse al mismo tiempo, representando un acorde. El TAB debe leerse al igual que cualquier texto, de izquierda a derecha. La tablatura suele estar enriquezida por los distintos efectos que se pueden hacer con la guitarra: BEND UP/DOWN (Tensión Ascendente /Descendente) e|-------------------| B|-------------------| G|-----5b7b5---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Pulsa la nota de salida (aqui en el 5to traste) y tira de ella hasta conseguir la afinación de la nota que esta despues de la "b", para luego soltarla a la afincion inicial. REPICK (Pulsacion repetida) e|-------------------| B|-------------------| G|-----5b7r7---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Has bend up a la afinación mostrada luego de la "b", entonces vuelve a pulsar la nota que esta posterior a la "r", mientras aguantas la tension de la cuerda a la afincación indicada PRE-BEND (Pulsación en tensión) e|-------------------| B|-------------------| G|-------b7b5--------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Tensiona la cuerda previamente hasta conseguir la afinación despues de la "b" (en este caso 7) y luego pulsa la nota para luego aflojar HAMMER-ON (Ligado Ascendente) e|-------------------| B|-------------------| G|-------5h7---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Pulsa en el 5to traste, entonces has sonar otra nota en el 7mo traste con la mano en el diapasón sin pulsar nuevamente. PULL-OFF (Ligado Descendente) e|-------------------| B|-------------------| G|-------7p5---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| presiona la nota en el 7mo traste, y ademas el 5to con otro dedo (sobre la misma cuerda), entoncestira del dedo hacia arriba para que suene la nota inferior SLIDE (Glissando) e|-------------------| B|-------------------| G|-------7s5---------| D|-------------------| A|-------------------| E|-------------------| Pulsa la nota del septimo traste luego desliza el dedo abajo hacia el quinto sin pulsar nuevamente, esto puede hacerse de manera invertida tambien, en ocasiones los slides se representan con / o \ segun sean ascendente (el primero) o descendente (el segundo) FRETBOARD MUTES (Apagados de diapasón) e|-----------------------| B|--6--x--x--x--6--x--x--| G|--7--x--x--x--7--x--x--| D|--6--x--x--x--6--x--x--| A|--7--x--x--x--7--x--x--| E|-----------------------| Las notas marcadas con x debieran ser apagadas usando los dedos de la mano que pulsa en el diapasón. PALM MUTES (Apagados) e|-----------------------| B|--6-----------6--------| G|--7-----------7--------| D|--6-----------6--------| A|--7-----------7--------| E|-----0--0--0-----0--0--| PM PM PM PM PM Apagados hechos reposando la mano que pulsa sobre las cuerdas cerca del puente, es decir utilizando la palma de la mano derecha (izquierda si eres zurdo) VIBRATO (Vibración) e|-------------------| B|-------------------| G|----12~------------| D|-----------14~-----| A|-------------------| E|-------------------| Vibra la nota con la mano que esta sobre el diapasón, normalmente con un leve movimiento ascendente y descendente. Tambien se puede hacer con la palanca y de manera exagerada. Puede representarse tambien con una "v" Fuente: www.guitarraonline.com.ar <a href="http://ads.us.e-planning.net/ei/3/46bb/f9cfaf75666c1c8a?it=i&rnd=$RANDOM" target="_blank"><img width="728" height="90" alt="e-planning.net ad" src="http://ads.us.e-planning.net/eb/3/46bb/f9cfaf75666c1c8a?o=i&rnd=$RANDOM" border=0></a>

Curso de Bajo Por Cristian Grüner de AulaActual Principios básicos de Bajo como siempre les rindo tributo a los musicos de guitarraonline por este groso material Este método esta expresado para diestros, por lo que pido perdón a todos los zurdos, que tendrán que invertir siempre los términos "izquierda" y "derecha" . Partes del instrumento: Haremos una reseña no de todas las partes del instrumento, sino de aquellas que nos veremos obligados a mencionar a lo largo de las clases. Existen infinidad de modelos de bajos eléctricos, que varían en la cantidad de cuerdas (4, 5, ó 6, y ocasionalmente 7), en la cantidad de trastes ( de los 20 del bajo "tradicional", se han llegado a construir bajos de 34 ), en la cantidad y ubicación de las pastillas, y desde luego en la forma del cuerpo, sonido, etc. Bajo eléctrico de seis cuerdas y 24 trastes También se puede hacer una diferencia entre bajos "activos" y "pasivos", estos últimos son los de sonido más "tradicional", mientras que los activos tienen un sonido más metálico y agresivo, ideal para la técnica de "Slap" Cuerdas al aire: Las notas en el bajo se escriben una octava arriba de su sonido real, la que aparece aquí es la tesitura escrita, para más aclaraciones sobre este punto, mira la clase 1 del Nivel 1 de Arreglos Para poder encontrar cualquier nota en el mástil, basta con saber las cuerdas al aire, el orden de las notas (do, re, mi, fa, sol, la, si) y los semitonos naturales. Cada traste que avanzamos sube la nota medio tono. Como sostener el instrumento: El bajo tiene que quedar en equilibrio sin que sea necesario sujetarlo con la mano izquierda. Deberá bastar con el brazo derecho que se apoya sobre el cuerpo del bajo. Técnica de la mano derecha: Si bien existen técnicas para tocar con 3 dedos, la más usual utiliza 2: el índice y el medio, a los que llamaremos 1 y 2 respectivamente. (El bajo también se puede tocar con "púa", y en ese caso la técnica es exactamente la misma que en la guitarra). Debemos tener en cuenta algunas cosas: 1) Buscar un punto de apoyo de la mano derecha, que puede ser sobre alguna pastilla: o sobre la cuarta cuerda: De acuerdo al sitio donde toquemos obtendremos un sonido diferente, y mayor o menor resistencia de las cuerdas, a medida que nos acercamos al puente, las cuerdas son más duras y el sonido más metálico: y a medida que nos alejamos, las cuerdas más blandas y el sonido es más lleno. Se trata de buscar el sitio donde uno se encuentre cómodo y el sonido sea aceptable. En general, las cuerdas ofrecen una resistencia adecuada en la parte central entre el final del mástil y el puente. En el tradicional modelo de bajo "Jazz Bass", esto es justo sobre la pastilla de graves, aunque en este caso deberemos desplazar un poco la mano para que al tocar no golpeemos la pastilla, con una cantidad considerable de volumen en el amplificador, estos golpes se oirían perfectamente. 2) siempre se debe alternar los dedos 1 y 2, se puede empezar con cualquiera, pero luego, aunque se trate de notas largas, intentaremos tocar con el 1 y el 2 alternadamente. 3) el dedo que ha tocado, debe quedar apoyado en la cuerda de arriba, esto nos ayuda a saber siempre "donde estamos", y por otro lado es muy útil para apagar el sonido de esta cuerda superior si la hemos tocado antes. En esta imágen, el dedo 1 ha tocado la cuerda RE, y queda apoyado sobre la cuerda superior, el LA 4) Con estas tres cosas básicas conseguidas, lo que resta es encontrar un punto adecuado de presión sobre las cuerdas, que no debe ser muy suave, porque el instrumento no sonaría en todo su potencial, ni muy fuerte, puesto que las notas sonarían mal y se produciría en típico "trasteo". Pensemos que las cuerdas no se han de golpear sino tocar, si pudiésemos reproducir un toque adecuado en cámara lenta, veríamos que se trata de apoyar y luego tocar. Algo parecido se consigue también intentando que el movimiento de los dedos, sea lo más corto posible, sin perder presión (o volumen), al mismo tiempo esto nos ayuda a conseguir velocidad. Para aplicar esta técnica haremos unos ejercicios sólo para la mano derecha, la izquierda, de momento sólo la usaremos para apagar el sonido de las cuerdas al aire. Fuente: http://www.guitarraonline.com.ar/bajo/bajo1.htm Técnica de la mano izquierda/Primeras escalas Este método esta expresado para diestros, por lo que pido perdón a todos los zurdos, que tendrán que invertir siempre los términos "izquierda" y "derecha" . La Técnica de la mano Izquierda es un poco más difícil de adquirir que la de la Derecha, por lo que deberemos empezar con ejercicios más simples. Partimos de la base de que "nunca has tocado un bajo eléctrico". Los puntos más importantes de la técnica de la mano izquierda podrían ser estos: 1) Que los únicos puntos de contacto de la mano con el instrumento sean el dedo pulgar, que se apoya detrás del mástil, y las yemas de los dedos que tocan: 2) Intentar que el dedo pulgar quede más o menos en la mitad del mástil traten de evitar estas dos posturas de manos 3) Intentar que el dedo índice quede perpendicular a las cuerdas. Esta posición, tal como aparece aquí, puede ser un poco difícil de conseguir al principio, e incluso resultar más incomoda; pero una vez que la mano se acostumbra a ella, resulta la que nos permite tocar más cosas con más comodidad. Evita especialmente esto: si los dedos están inclinados de esta manera, se pierde casi toda la abertura de la mano, de modo que sólo alcanzamos dos o tres trastes. O esto: en esta posición, la mano está en contacto con la parte inferior de mástil, y esto resta movilidad a los dedos. 4) debemos intentar que los dedos permanezcan en forma de "martillo" al pisar las cuerdas Evitando especialmente esto: si bien esta técnica de "aplastar" el dedo se puede utilizar para ciertos pasajes, hay que descartarla como técnica usual. 5) El lugar adecuado para pisar la cuerda es lo más cerca posible del final del traste. Evitando esto: si pisas de la mitad hacia atrás, es facil que se produzcan ruidos o trasteos. Los cuatro dedos que usamos de la mano izquierda son el índice, medio, anular y meñique, a los que llamaremos 1, 2, 3, y 4 respectivamente.Existen diferentes posiciones. Según el traste donde se ponga el dedo 1, en todas se abarcan 4 trastes consecutivos con los 4 dedos: Fuente: http://www.guitarraonline.com.ar/bajo/bajo2.htm Arpegio Mayor/Ejercicios con la pentatónica Este método esta expresado para diestros, por lo que pido perdón a todos los zurdos, que tendrán que invertir siempre los términos "izquierda" y "derecha" . En el bajo no se suelen usar acordes en los que todas las notas suenan al mismo tiempo, más bien se utilizan los "Arpegios", que son las notas del acorde tocadas una a una. El primer acorde que estudiaremos será el acorde mayor, y lo tocaremos en DO, las notas deben sonar de más graves a más agudas: Como ves, las notas del acorde quedan todas dentro de una misma posición, la segunda, y deberemos respetar esa digitación siempre que toquemos sobre el acorde mayor. Esta posición es "móvil", es decir que si tocas este "dibujo" sobre las cuerdas a partir de LA, estarás tocando el arpegio de LA mayor, y así con cualquier nota. Para identificar los acordes, utilizaremos el sistema de "Cifrado Americano" FUENTE:http://www.guitarraonline.com.ar/bajo/bajo3.htm Arpegio menor/La Bossa/Lectura de cifrado Arpegio menor: La primera nota de un arpegio se llama: Fundamental La segunda: Tercera La tercera: Quinta Parece broma, pero lo que pasa es que este nombre no tiene nada que ver con el orden en que se tocan las notas, y si con el orden en que aparecen en la escala. La escala mayor la estudiaremos más adelante Entre el acorde mayor y el menor sólo cambia la tercera, sin embargo la digitación resulta bastante diferente, se empieza con el dedo 1, el ejemplo es el acorde de Am (LA menor): La Bossa La Bossa es un ritmo característico, en el que el bajo toca siempre un mismo patrón rítmico, principalmente con la fundamental y la quinta de cada acorde. Si tuviéramos una progresión de acordes como la siguiente, para tocar en ritmo de bossa, esta sería una línea de bajo que resultaría de tocar la fundamental y la quinta de cada acorde: Este ritmo es muy útil para practicar la lectura de cifrado. Como sólo tocamos la fundamental y la quinta, no tenemos que preocuparnos de si el acorde es mayor o menor, y en principio, podemos buscar la fundamental con el dedo 1 y recordar luego la posición de la quinta (a la que le correspondería el dedo 3, en la cuerda de abajo) como si se tratase de un arpegio o una escala. Aunque sí hay otras cosas que se deben considerar y que veremos más adelante FUENTE:http://www.guitarraonline.com.ar/bajo/bajo4.htm Quinta disminuida / Más Bossa / Improvisación con la escala pentatónica menor / Fraseo en dos compases/ Quinta disminuida: En las bossas que hemos tocado en las clases anteriores, salían sólo "quintas justas". La quinta disminuida se toca medio tono (un traste) más abajo de la quinta justa. La quinta Justa de FA es DO, la quinta disminuida es SI (medio tono abajo) Si al acorde menor, le cambias la quinta justa por la disminuida, resulta un acorde menor con quinta disminuida, que es un acorde bastante usado. La teoría tradicional llama a este acorde "disminuido", y se cifra Gdim, ó Gdis Improvisación con la escala pentatónica: En cualquier contexto y con cualquier escala, el factor más importante en la improvisación es saber "donde estas", es decir, en que parte del tema. Hay ciertas progresiones de acordes, que nos permiten improvisar todo el tiempo en una misma escala (aún así es bueno saber cuando la progresión termina y cuando vuelve a empezar), pero si tenemos que cambiar de escala, o de tono, es imprescindible saber el momento exacto en que se produce el cambio. La única manera que hay de saber esto es guiándose por lo que tocamos, y la mejor forma de empezar a improvisar siendo conscientes de donde estamos, es hacerlo tocando frases de 2 compases. En diversos ejercicios anteriores, sobre todo en los de repetición, nos hemos acostumbrado intuitivamente al fraseo de 2 compases, no obstante, en el archivo que usaremos para ejercitar esto encontrarás grabada una pista de guitarra con un ejemplo, se trata de frases muy sencillas sobre la escala pentatónica menor, con la finalidad de que se entienda este concepto. La forma más clara de frase de dos compases es la que comienza en el primer tiempo del primer compás y acaba en el primer tiempo del segundo. Para la improvisación es conveniente utilizar una tesitura lo más aguda posible. En el ejercicio de improvisación tocaremos la escala pentatónica menor en DO, pero en el traste 15, (en el traste 12 las notas vuelven a coincidir con las cuerdas al aire pero una octava arriba, y las notas están en la misma ubicación que en la 1ª posición). Puede que esta zona del bajo no te sea cómoda para tocar esta escala. Esta sería una posición para tocar en graves: Para tocar en agudos, intenta mover el bajo hacia afuera, de modo que la parte superior del mástil se aleje de tu cuerpo, esto permitirá que tu brazo izquierdo siga manteniendo una posición parecida. FUENTE:http://www.guitarraonline.com.ar/bajo/bajo5.htm Quintas conducidas / Bossas con dos acordes por compás / La Balada Quintas conducidas: En las bossas que hemos tocado hasta ahora, siempre hemos utilizado la quinta "aguda" del acorde. Es decir, tocábamos la fundamental, y luego la quinta más aguda. Si utilizamos también la quinta grave, podemos conseguir una línea de bajo que se mantenga dentro de un registro más corto, con menos saltos. En esta imagen ves la quinta de DO tal como la tocábamos hasta ahora, y la quinta grave. Naturalmente, se trata de la misma nota, pero una octava más grave. Esta quinta la puedes tocar subiendo el mismo dedo 1, en general se utiliza esta posición, aunque hay algunas situaciones en las que se puede usar dedos 4 y 3, si te moverás luego hacia atrás en el mástil. Es muy útil de recordar la posición de octavas, puesto que nos permite guiarnos mejor en el mástil. Conociendo esta posición para tocar las quintas graves, deberíamos buscar siempre la quinta que queda más cerca de la fundamental que tocaremos luego: En el ejemplo sin conducción, se produce un salto muy grande justo en el cambio de acorde. En el primer ejemplo con conducción esto se evita usando la quinta grave de DO. En el segundo se usa la quinta grave de LA, y también se evita el salto. Los dos casos serían correctos, aunque para acompañar, se suele usar la tesitura más grave, por lo que el primer ejemplo sería más apropiado. Por último, las quintas sin conducir no están necesariamente "mal", es sólo que es bueno saber conducirlas para cuando se desea una línea melódicamente más suave. Bossas con dos acordes por compas: En la clase anterior aparece como ejercicio el tema Blue Bossa. El último compás de este tema tiene dos acordes, es posible que esto te haya generado alguna duda. En estos casos, como no tenemos tiempo de tocar la fundamental y la quinta de cada acorde, tocamos simplemente las dos fundamentales, manteniendo el mismo ritmo.Así quedarían los últimos dos compases de "Blue Bossa" En el primer compás del ejemplo anterior, si tocamos la quinta de Am (MI), tanto grave como aguda, estaremos aumentando el registro. En el ejemplo la nota más grave es SOL y la más aguda RE . Insisto en que, esto de que la línea de bajo se mueva con suavidad, sólo es mejor en ciertas ocasiones, y en otras puede no serlo, por ejemplo cuando se desea un bajo más melódico, o se toca un patrón muy definido. Pero sí es una buena forma de ejercitar las notas de los acordes, y aprender a escoger entre unas u otras "sobre la marcha". FUENTE:http://www.guitarraonline.com.ar/bajo/bajo6.htm Escala Mayor / Nueva digitación para arpegios mayores / Modificación de la línea de bajo Escala Mayor: Digitación: En este ejemplo aparece la digitación de la escala de DO mayor, al igual que en los arpegios, esta digitación se reproduce igual en cualquier parte del mástil. Es decir que para tocar la escala mayor de LA, sólo tienes que reproducir esta misma digitación a partir de la nota LA (5º traste de la 4ªcuerda) Nueva digitación para arpegios mayores: Arpegio en el acorde de A Como el Bajo Eléctrico es un instrumento de dimensiones grandes, los cambios de posición pueden resultar incómodos. Por eso es bueno conocer diferentes digitaciones para tocar un mismo acorde, esta digitación que acabamos de ver nos permitirá tocar algunos enlaces de acordes sin cambiar de posición: En el pentagrama siguiente, aparecen los arpegios de C y A, con la digitación antigua, que nos obliga cambiar de posición. En el pentagrama de abajo, usando esta nueva digitación para el A, podemos tocar todo en la segunda posición. Modificación de la linea de bajo: Para este punto tomaremos directamente un ejemplo: Supongamos que tenemos estos acordes, y un patrón básico que es el arpegio: Un patrón es una línea que reproduce el mismo ritmo y orden de notas, adaptándolo a cada acorde, en este caso el patrón es de corcheas y con la F, 3ª , 5ª y 3ª de cada acorde: Si respetamos el patrón estrictamente, en el compás que está marcado se produce una situación dudosa, la última nota del compás 3 (la tercera de Bb) coincide con la primera del compás siguiente (la fundamental de D), y esto hará que el cambio de acorde sea menos definido. Si cambiamos el patrón del bajo en ese momento, lo podemos solucionar: Una línea de bajo, se puede modificar cuando hay algún pasaje que no suena del todo bien, para crear una que nos guste más, o simplemente para no tocar siempre la misma. Para hacer modificaciones debemos tener presentes dos cosas: 1) Sólo podremos usar notas del acorde, (de momento) y nos podemos mover entre ellas de la forma que queramos, tampoco es necesario usar todas las notas de cada acorde, a veces puede quedar mejor una sola. 2) Podemos usar Inversiones. Esto significa que podemos tocar como primera nota del compás una nota que no sea la fundamental, en general, en estos casos, la fundamental se toca como segunda nota. Es aconsejable no abusar de las inversiones, ya que el resultado global puede ser un poco confuso, y usarlas sólo cuando sirvan para crear una línea de bajo más interesante (este suele ser, en general, el único motivo de las inversiones) FUENTE: http://www.guitarraonline.com.ar/bajo/bajo7.htm Ultima leccion: Nueva digitación para arpegios menores / Ejercicios para los contenidos de todas las clases Nueva digitación para arpegios menores: Arpegio del acorde Am: Esta nueva digitación nos permitiría tocar algunos enlaces de acordes sin cambiar de posición: En el pentagrama siguiente, aparecen los arpegios de C y Am, con la digitación antigua, que nos obliga a un cambio de posición bastante incómodo(de la 2ª posición a la 5ª). En el pentagrama de abajo, usando esta nueva digitación para el Am, podemos tocar todo en la segunda posición. Ejercicios: Ejercicio 1: Esta progresión de acordes se puede tocar sin salir de la segunda posición, utilizando las dos digitaciones que hemos visto para arpegios mayores (dedo 2 y dedo 4) y las dos para arpegios menores (dedo 1 y dedo 4). Puedes tocar alguno de los patrones que usamos habitualmente para arpegios: FUENTE: http://www.guitarraonline.com.ar/bajo/bajo8.htm link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=4dWb-aCWR8U link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=8vdJvHE8qxA&feature=related

Lo fundamental que necesitas si lo tuyo es la eléctrica. La Guitarra Comencemos por algunas cosas básicas al comprar una guitarra eléctrica: Una guitarra eléctrica puede tener dos tipos de pastillas: las single coil, que hacen un poco de ruido y son más bien agudas (muy buenas para tocar pop, country y blues) o las Humbuckers, que son como "single-coil" dobles. Su sonido es más grave, de volumen más alto y muy buenas para tocar Heavy Metal, Rock, Jazz y Blues. Para tu primera guitarra eléctrica, te recomendamos la Yamaha Pacifica 120SD. Es una guitarra bien construída, de muy buen precio y con muy buen sonido, además, su acabado natural es bastante atractivo. Esta guitarra tiene pastillas Humbucker. Si quieres un sonido versátil, puedes optar por la Yamaha Pacífica 112, que tiene humbuckers y single-coils. Ambas guitarras son de precio bajo (menos de $200.00USD), pero de calidad bastante aceptable. Para comenzar, pueden serte más que suficientes. Ahora bien, si no tienes limitaciones de presupuesto puedes pensar en algunas de las mejores marcas de guitarras eléctricas: Gibson, Fender, Jackson, Paul Reed Smith, Parker, entre otras. Una guitarra eléctrica realmente buena puede costarte entre $2,000 y $5,000 dólares. Te recomendamos que por lo pronto te consigas una Yamaha. El Amplificador Una guitarra acústica tiene un "amplificador integrado" en la caja de resonancia. Una guitarra eléctrica no. Por ello junto con una guitarra eléctrica, es necesario amplificar la señal que sale de las pastillas. Durante décadas, los principiantes han amplificado sus guitarras conectándolas a la entrada de micrófono de sus equipos de sonido en casa. Esta no es una buena idea, pues puede arruinar fácilmente el estéreo de tu hogar, y obtener un sonido pésimo. Para comenzar, te recomendamos un amplificador de práctica. El Marshall MG 30 RCD de 30 watts ($180.00) te permitirá amplificarte sin arruinar tu estéreo y tiene el legendario sonido de esta marca inglesa de amplificadores. Cuenta con un canal limpio y uno distorsionado. Es sin duda una magnífica decisión. Pero si tu presupuesto está realmente apretado, tu opción es el Marshall G10 MK II, un ampli pequeñito (10 watts) y barato ($70.00 USD), pero que funciona bastante bien para aprender. Por otra parte, si el presupuesto está un poco más holgado, puedes pensar en un amplificador un poco más grande, pero notablemente más versatil. El MG 50 RCD ya entra en el terreno de lo serio y su precio es relativamente accesible ($320.00 USD). Pero si realmente necesitas algo potente, entonces no lo pienses y consíguete un Marshall Valvestate VS100R ($550.00) Las marcas de las que debes huir son Peavey, Rogue y Squier, estas dos últimas son los segmentos baratos de Marshall y de Fender respectivamente, pero francamente la calidad es pésima, el sonido muy malo y aunque sean baratos a la larga te disgustará bastante el resultado. También debes tomar en cuenta el tipo de sonido que deseas: si quieres un sonido rockero y distorsiones de primera tu opción es Marshall, si quieres un sonido más funk o para blues piensa en un sonido Fender. Si lo que te gusta es el Jazz, nada mejor que un Roland Jazz Chorus, y si deseas todo... ¡Cómprate un Mesa Boogie Mark IV aunque cueste una fortuna! Si el presupuesto no es problema, entonces el asunto es fácil: compra cualquier amplificador que cueste más de $1,000 USD de marca Marshall, Fender, Line 6 o Mesa Boogie y ya estás. El procesamiento digital La primera experiencia con una guitarra eléctrica puede ser decepcionante si no se sabe que la señal de una guitarra tal como sale a un amplificador es bastante seca y sin mucha vida. ¿Cómo se obtiene el sonido que usan los profesionales? El secreto está en los amplificadores y los procesadores de señal. Vale la pena procesar la señar de la guitarra para obtener un sonido mucho más rico. Las diferencias entre una guitarra "seca" y una procesada puede ser abismales. Hace unos años obtener un sonido como el que escuchaste en las muestras podía costar una fortuna. Ahora hay varias opciones asequibles, que debes considerar seriamente al equipar tu guitarra. Todos los procesadores que te sugerimos son los mejores de su clase al precio más bajo posible. Cualquiera de las opciones que te vamos a presentar es estupenda: ToneWorks PX3 de Korg. Este procesador de bolsillo es extraordinariamente bueno. Tiene un sonido que verdaderamente asombra. Puedes utilizar distorsiones, efectos como eco, reverberación y muchísimo más. Su sonido es de primera categoría y el precio muy atractivo ($200.00 USD aprox.). ¿Su desventaja? Que es estupendo para practicar y aprender, pero no te será muy útil si un día te juntas con tus amigos y quieres tocar una canción con ellos, pues si bien es muy portátil, es difícil de manejar si tienes las manos ocupadas tocando. ToneWorks AX1G de Korg. Muy similar al PX3 pero esta es una pedalera más versátil, puede usarse con pilas o con un eliminador de baterías. Si tienes un poco más de presupuesto, te recomendamos que te compres el Digitech 2000 ($400.00 USD), el Boss GT-3 ($400.00) o el Toneworks AX100G ($200.00USD) . Los tres hacen esencialmente lo mismo y son igualmente buenos. La gran ventaja con estos procesadores de pedaleras es que te permiten cambiar de efecto con los pies mientras tocas. Esto es realmente útil para tocar con los amigos. El Digitech y el Boss están en el mismo rango de precio. Ambos te pueden dar muy buenas distorsiones y efectos como eco y reverberación de gran calidad. Sin embargo, el Toneworks cuenta con el mismo procesador del AX3 pero es mucho más versátil y cuesta casi la mitad de lo que te piden por los otros dos modelos mencionados. Si no tienes demasiado dinero, consíguete el Toneworks, pero si ahorras un poco más, encontrarás que el Digitech o el Boss te darán un rendimiento mejor a la larga. Advertencia sobre los multiefectos Verdaderamente debes tener mucho cuidado con los multiefectos. Hay unidades más pequeñas y baratas, pero después de hacer una larga (muy larga búsqueda), los efectos que te presentamos son lo mejor que hay hoy en día en el mercado. Si ves algún Zoom, DOD o similar, huye de ellos como la peste: suenan mal y es casi imposible venderlos. También puede ser que te enfrentes a los pedales individuales. No son una mala idea, suenan bien, son resistentes, pero si quieres un sonido relativamente sofisticado, te costará a la larga una fortuna, y tu señal final será muy ruidosa. Por el precio que hay ahora, te recomendamos un multiefectos. PASTILLAS O CAPSULAS Las guitarras eléctricas tiene un componente crucial para amplificar su sonido: la pastillas. Aquí revisaremos los distintos tipos y la forma en la que influye la elección de éstas en tu música. Existen dos tipos básicos de pastilla: las humbuckers y las single coils. Son muy fáciles de identificar, pues las single coil son pastillas sencillas y las humbucker dobles. Pastillas Humbucker Pastilla Single Coil Una característica importante es que de manera natural las pastillas single coil siempre producen un zumbido muy característico (se puede eliminar con un supresor de ruidos), mientras que las humbucker en realidad son dos pastillas single coil configuradas de tal modo que se bloquea el ruido. Las pastillas single coil (particularmente en la posición del diapasón) tiende a tener un sonido muy identificable, aunque difícil de describir. Algunos le llaman sonido "nasal" y los estadounidenses le llaman "Twang". Este twang es particularmente acentuado en los modelos Telecasters. Normalmente se tiende a ver las single coils como pastillas no muy potentes ideales para sonidos de Cowntry, Bluegrass, Blues y también mucho para tocar acordes de Funk o Pop. Las humbuckers tienen un sonido en general más potentes, pero también su sonido es más oscuro con predominancia en la gama de los graves. Sin embargo en esto tampoco hay leyes escritas, pues por ejemplo una pastilla single coil puede tener un sonido bastante agresivo. Por ejemplo, Stevie Ray Vaughan que tenía uno de los tonos y estilos más potentes en la historia de la guitarra eléctrica usaba casi siempre la pastilla single coil del diapasón. Las guitarras Fender Telecaster y Stratocaster deben su tradicional sonido nasal y "twang" a las pastillas single coil. Para quienes creen que no se puede tener un sonido distorsionado y potente con single coils basta decir que Jimmy Page de Led Zeppelin tocó una telecaster en el solo de Stairway to Heaven (Escalera al cielo). El estilo que quieras tocar determina el tipo de pastillas que debes usar. Si quieres un sonido como el de Carlos Santana, Gary Moore, Wes Montgomery o hacer solos al estilo Brit-Rock (Oasis, etc.) entonces lo tuyo son las humbuckers. Si quieres tocar funk, blues, pop o al estilo "The cure" o "The Police" entonces hay que buscar las single coils. Una guitarra con ambas pastillas siempre es práctica cuando estás desarrollando tu propio estilo. Si no deseas muchas distorsiones, las single coils tendrán el sonido ideal. COMO LIMPIAR UNA GUITARRA ELECTRICA Los métodos que voy a describir ahora son lo que he encontrado hasta ahora y que me han funcionado bien. Sin duda, hay muchas otras maneras de lograr estas mismas tareas. Hay muchos productos disponibles y muchos lograrán los mismos resultados. Los acabados en las guitarras generalmente son de esmalte, laca o de uretano, las técnicas siguientes que describiré podrán ser utilizadas para el mantenimiento de todos ellos. Hay otros acabados raros, el conocido como "Cashew Lacquer" o los que son en base de aceite, los cuales tienen cuidados similares, aunque estos no deben seguir los siguientes procedimientos sin el extremo cuidado y atención. Si se tiene dudas sobre la compatibilidad de un producto o técnica con el acabado que se tiene sería mejor probar primero en un punto discreto de la guitarra, si se cree necesario hacerlo ayudándose de cinta adhesiva (esto para que no corroa el producto). Limpieza de la caja La manera más simple de cuidar el acabado de la guitarra es limpiar la guitarra con un trapo suave de algodón después de cada uso, esto evitará la acumulación de impurezas que consigue a medida que se desprenden los ácidos de la piel y la mantendrá brillante durante mucho tiempo. El más simple solvente limpiador y universal es el agua. Un trapo de algodón húmedo puede restablecer un brillo que ha llegado a ser sucio y opaco. Limpiar y secar. Aunque a veces permitimos que las cosas consigan el punto en que necesitamos un poco de ayuda, el agua solamente no nos está consiguiendo de nuevo al brillo que deseamos. El producto preferido por muchos para una limpieza básica de los acabados ya mencionados es el aceite rojo, común para el cuidado de los muebles de casa, que contiene muy poco a nada de cera o silicona (según lo que dice la etiqueta). Estos elementos no son tan malos como algunos piensan, tienen muchas características protectoras, son más resistentes al agua que el esmalte, ayudan a proteger contra los ácidos, por lo tanto la "acumulación" se evita. Pero estos podrían acarrearnos algunos problemas ya que puede impregnar el acabado dificultando futuras restauraciones del mismo y tiene un efecto adverso si se reblandecen en temperaturas cálidas. También existen productos para limpiar y pulir especialmente hechos para la guitarra como es el Dunlop Formula Number 65, mi preferido. Este pulidor fue formulado después de una consulta con químicos, músicos, lutieres, etc. Este ha sido creado para proveer una limpieza, brillo y protección y no es nada abrasivo. Pero claro, tu tendrás tus propias opiniones usando este u otros productos. Dentro de la caja de las guitarras acústicas puede acumularse polvo que atrae la humedad y afecta al sonido. Este se puede eliminar a través de la boca con una aspiradora. Las cuerdas Las cuerdas deben de estar limpias si se desea un buen timbre y afinación. La suciedad y la grasa se acumulan rápidamente al tocar y la sal de la transpiración produce corrosión si se deja aún en periodos muy breves. Deben limpiarse después de tocar con una tela limpia sin pelusas, que puede pasarse por debajo a través del largo de las cuerdas. Su limpieza disminuye la sensibilidad al tocarlas, alarga su vida útil y aparte les devuelve el brillo original. Los lubricantes para cuerdas pueden impedir su corrosión y mantenerlas en buen estado, pero debe de eliminarse todo exceso del producto. Este tipo de lubricantes no los recomiendo para las cuerdas de nylon (solo lo uso para las 3 últimas cuerdas), aunque lo diga el producto. El que uso yo es el Tone Finger Ease que me a funcionado muy bien y viene en aerosol, aunque las instrucciones dicen que se aplique con rociadas yo prefiero aplicar el liquido en un trapo para limpiar y luego uso uno limpio para abrillantar (hago esto para no aplicar sobre el diapasón ya que algunos acabados, de bajo precio sobre todo, pueden ser dañados). Uso el mismo procedimiento para limpiar los trastes con el mismo producto ya que los productos para los apliques son algo fuertes y podrían corroerse al acabado y este tipo de productos son suaves. El diapasón Si se mantienen las cuerdas limpias se evita también que la suciedad y la grasa se acumulen en el diapasón. Al cambiar las cuerdas se debe limpiar éste con una tela seca. En los diapasones de ébano o palo de rosa se puede aplicar un poco de aceite de limón para eliminar la grasa y la suciedad. Esto también "alimenta" la madera, impidiendo que se reseque en exceso. Hay que dejar el aceite por unos minutos antes de limpiarlo. Si el diapasón esta muy sucio hay que dejar el aceite durante más tiempo. Después de haber retirado el aceite hay que limpiar los trastes y la madera con un estropajo muy fino, en los diapasones de arce lacado no debe emplearse el estropajo a menos que se busque un acabado mate. La suciedad que se acumula en los costados de los trastes se elimina envolviendo una púa con una tela humedecida en aceite de limón. En las guitarras eléctricas hay que cubrir las pastillas para evitar que los imanes atraigan las partículas de acero del estropajo. Apliques Las partes metálicas chapadas (como las clavijas, puente, etc.) deben limpiarse también regularmente. Pueden emplearse productos especiales para los cromados y niquelados. Las piezas chapadas en oro deben limpiarse con una tela suave. Normalmente es posible corregir la corrosión sacando las partes afectadas y empapándolas con un aceite adecuado. Hay que asegurarse de limpiar bien estas piezas antes de volverlas a poner. Por último, resulta útil un pequeño pincel o brocha suave de pintura para limpiar las piezas del trémolo, puente y otras áreas difíciles de acceder a ellas para su limpieza. Una limpieza regular no sólo prolongará la vida de la guitarra, sino que conservará su sonido, tacto y apariencia. Pedales de Distorsión Los pedales de distorsión son hoy tan populares como hace veinte años. Son sumamente resistentes, relativamente baratos (aunque un buen pedal te cuesta actualmente la mitad que un multi-procesador básico que hace muchas cosas más) y especialmente tienen un muy buen sonido. Un pedal puede costar entre un rango de $45 a $100 dólares americanos dependiendo del tipo, qué tan clásico es. Una gran ventaja es que puedes obtenerlos usados a un precio muy asequible con cierta facilidad. Las marcas más reconocidas son Boss, Ibanez y Jim Dunlop, aunque algunos fabricantes como DOD han estado en el mercado varios años over drive Los Pedales de overdrive ofrecen una distorsión discreta, especial para el blues y el rock clásico (Eagles, etc.) El Boss Overdrive de la derecha ofrece a bajos niveles un sonido para blues, y a a niveles altos una gama de distorsiones más salvajes. Distorcion En la gama de los sonidos abiertamente distorsionados, ideales para solos a todo volumen o para acordes agresivos, una opción clásica es el Ibanez Tube Screamer (unidad verde) utilizada por grandes figuras de la guitarra, entre ellos Stevie Ray Vaughan. A la derecha tenemos un DOD Supra Distortion que no ofrece un sonido tan clásico como el Ibanez, pero es más barato. Distorcion Crujiente Para quienes simplemente nunca hay suficiente distorsión, existen dos buenas opciones en el mercado, el Boss Metal Zone (todo un clásico) o el DOD Grunge para sonidos más contemporáneos. Si lo tuyo es Metalllica o similares, entonces apuéstale al Boss, si te gusta más Nirvana o Korg, lánzate por el DOD. FUZZ Para los amantes del retro y el sonido de los 60's - 70's al estilo de los Rolling Stones o de Jimi Hendrix, un pedal de Fuzz es fundamental. El Roger Mayer Fuzz Tone de la izquierda te brinda una imagen art-decó. El Boss Fuzz hace su trabajo. A la derecha tenemos el clásico Jim Dunlop Hendrix System Fuzz que sin duda es un pedal con pedigree, un sonido clásico y por supuesto la mejor opción. Anatomia de la guitarra ANATOMIA DE LA GUITARRA. * Clavijero (Clavijas): Clavijero "clásico" / Clavijero perpendicular (tipo banjo) / Clavijero de seguridad / Clavijeros con cambio de afinación en guitarra eléctrica y en guitarra Bajo. * Cejilla : Hueso / Marfil / Marfil fosilizado de Mamut / Diente de Morsa / Plástico / Grafito / Bronce / Acero / Cejilla Wilkinson / Micarta. * Diapasón : Ebano / Rosewood / Pau Ferro / Brazilian Rosewood / Arce / Ebonol (ovation) / Resinas sintéticas (Parker, Modulus Graphite…) / Diapasón Festoneado / Radio de curvatura / Radio compuesto. * Trastes : Alpaca / Acero / 18% Níquel / "Normalización" Dunlop / Importancia de la colocación. * Puente en Guitarra Clásica y Acústica: Materiales / Puente "Compensado". * Puente en Guitarra Eléctrica: Fijo / Trémolo / Floyd Rose / Khaler / Steimberger / Muelles de "Memoria". * Pala * Cuerdas : Alma o Núcleo / Seda, Acero / Núcleo Liso / Núcleo Hexagonal, Octogonal, etc. / Entorchado Plano / Entorchado Redondo / Otros entorchados / Calibre y Gradación Americana en centésimas de Pulgada (2,54 cm) / Calibre y su importancia en el sonido resultante / Materiales y su sonido (Catgut, Plata, Nilón, Acero, Níquel, Bronce, Phosphor Bronze. * El Mástil: Mástiles C / Mástiles V / Mástiles ultra-finos (F. Gambale…) / El Alma / Almas Fijas / Almas Ajustables / Alma Tradicional / Alma "Anclada" (Rickenbacker) / Doble Alma / Triple Alma (Warmoth) / Sin Alma (clásica). * El Tiro o Escala: Clásica / Gibson 24 ¾ / Fender 25 ½ / PRS 25. * El Cuerpo en la Guitarra Clásica y Acústica: Concepto de Caja de Resonancia / Tapa Armónica / Varillaje y su importancia / "Agujero" / Tapa Sólida frente a Tapa "Contrachapada" / Aros / Fondo / Conceptos "Solid Wood" (madera sólida) y "Tone". * El Cuerpo en la Guitarra Eléctrica y Bajo: Cuerpo Sólido / de 1 Pieza / de 2 Piezas o más, (compuestos) / "Tapas" de Arce o similar / Front Routed / Rear Routed / Cuerpo Semisólido / Guitarra eléctrica de Caja / Cuerpos Bolt-On / Cuerpos Encolados / Cuerpos Atornillados (tres tornillos, cuatro tornillos). * Pickups o "Pastillas": Inducción Magnética / Pastillas de Bobina Sencilla, ventajas e inconvenientes / Pastillas de Bobina Doble (Humbucking), ventajas e inconvenientes / Circuito de Control (Volumen y Tono) / Circuitos "Activos", ventajas e inconvenientes. * La guitarra Resonadora: Cono / Araña. * Pedal Steel Guitar: 2, 3 Mástiles / 8, 10, 12, cuerdas / Afinaciones COMPRANDO UN AMPLIFICADOR Comprar un amplificador es una de las decisiones más importantes para cualquier guitarrista. ¿Por qué? Porque el amplificador correcto puede hacer tu guitarra mucho mejor y un amplificador malo puede hacerte sonar pésimo, aunque tengas la mejor guitarra del mundo. Tu primer tarea es pensar sobre tus necesidades como un músico. Si vas a tocar exclusivamente en tu casa, tus necesidades serán muy diferentes a las de un guitarrista que toca en un club, o del profesional que trabaja en los estudios o en concierto grandes. Veamos cual es el ampli correcto para tí. Bulbos (válvulas) vs. El Estado sólido Este es el debate que ha durado 30 años. En resumen, los bulbos representan la tecnología que impulsó toda la electrónica durante la mitad del siglo XX. Fueron la fuente del sonido clásico e irremplazable de muchísimos guitarristas, sin embargo requiere mcuho mantenimiento pues hay que reemplazar con frecuencia los bulbos. Por el otro lado está la tecnología de circuitos integrados (estado sólido) de más reciente desarrollo que no requiere virtualmente mantenimiento. Los amplificadores de bulbos tienen un sonido cálido, suave y al distorsionar suenen a gloria. Cuando la señal de la guitarra los sobrecarga comienzan a distorsionar, pero no pierden la nota musical básica y generan un sonido claro, definido y característico. Por otra parte, son muy flexibles, pues si bajas el volumen de tu guitarra, obtendrás un sonido limpio, cristalino pero igualmente cálido Los amplificadores de circuitos integrados tienen unas distorsiones generalmente muy malas, pues al sobre cargar un ampli de este tipo genera ruido. Sin embargo una buena solución es utilizar una pedalera de distorsión o un multiprocesador y asunto arreglado. Hasta recientemente, los amplificadores de bulbos eran típicamente más caros que los de estado sólido. Hoy en día cuestan más o menos lo mismo (aunque siempre son más caros los de bulbos). ¿Qué necesitas tu? Depende de tu oído y de tu estilo. Uno tiene que admitir los bulbos dominan el mercado profesional. Hay muchas compañías que hacen buenas emulaciones de este sonido clásico (Marshall o Peavey) a un buen precio, pero nunca suenan igual que el producto original. Hay que pensar que los amplificadores de bulbos son además mucho más pesados (y cuando tienes que llevar tu ampli de un lado a otro esto sí que cuenta). Puedes comenzar comprando un amplificador de estado sólido, y poco a poco escuchar amplificadores de bulbos. Si el precio, el sonido te convencen a pesar de su peso y necesidad de mantenimiento, algún día podrás comprarte uno de bulbos. Combo vs. Separados Los "combos" tienen en un solo gabinete los altoparlantes (bocinas) y toda la circuitería y controles. Por el contrario, los amplis separados (stacks) tienen una "cabeza" que guarda el amplificador en sí, y tienen alto parlantes separados en un gabinete aparte. Para el 90% de los guitarristas un combo funciona perfectamente. Los stacks suelen usarse para potencias muy altas (para tocar en un estadio, por ejemplo, aunque no es el único uso). Para el guitarrista principiante o que toca en casa, un combo pequeño con altoparlantes de 8, 10 o 12 pulgadas de diámetro será suficiente. Los "stacks" son para profesionales. La "gran muralla China" de muchos guitarristas (Jimi Hendrix, Ynwgiew Malmsteen, Jimmy Page) realmente no te hace mucha falta. ¿Nuestro consejo? Opta por el combo hasta que toques en espacios muy grandes. La potencia en watts La potencia en watts es una cosa curiosa, porque cada amplificador es muy diferente en cómo se ocupa de la electricidad. Por ejemplo, hay amplis de 30watts más ruidosos que algunos de 100. La potencia no tiene necesariamente que ver con los watts sino en cómo amplifica el circuito la señal de entrada. Realmente no necesitarás un ampli de 100 watts a menos que quieras volver locos a los vecinos o si tocas en una banda de heavy metal donde quieras destrozar todo lo que está al rededor. Potencia Uso 10 watts Práctica, tocar en casa y sonar fatal 15 watts Práctica, tocar en casa y sonar decente 30 watts Práctica a bajo volumen y suficiente para tocar con los amigos 50 watts Para tocar en un grupo con una batería que no ha sido amplificada 100watts Para tocar en un grupo en lugares al aire libre, locales muy grandes o cuando la batería ha sido amplificada por un sistema de poder central 250watts Realmente o quieres reventarte los oidos, o vas a tocar en un estadio o en la Arena de Continental Air Lines. Los altoparlantes (altavoces, bocinas) En este tema las marcas tienen mucho que ver y el precio. Normalmente los combos tienen altoparlantes adecuados a la potencia del ampli. Las marcas buenas tendrás altoparlantes Celestion, que es lo mejor de lo mejor en este ramo. A menos que compres un stack, no es necesario que te preocupes demasiado por este tema, porque el que fabricó el como ya se preocupó de que no los destruirás aún subiéndole al máximo. La configuración Lo que sí valve la pena es que el amplificador que compres tenga dos canales: uno limpio y otro distorsionado (a menos que toques Jazz). Asegúrate de que tu ampli tenga control de tonos (un ecualizador paramétrico o gráfico son una buena adición) y si tienen reverb mejor. Muchos amplificadors tienen todo lo que mencionamos: canales duales, ecualización y reverberación. Mucho ojo con los amplificadores que ofrecen un multiprocesador interno. No siempre son lo más recomendable. Es mejor comprar un ampli relativamente simple, y luego adicionarle los efectos de manera externa. No importa qué artilugios están disponibles en un amplificador, la línea del fondo es cómo suena. y por ultimo 50 formas de sonar major segun expertos de la musica 50 formas de sonar mejor Elliot Easton: Cuando estás intentando lograr ciertas partes y sonidos extraordinarios, visualiza el sonido que deseas antes de que intentes crearlo. Nunca agarro mi guitarra hasta que no se exactamente qué es lo que quiero hacer. Steve Vai: El sonar mejor, está mayormente en tu cabeza. La próxima vez que vayas a tocar, siéntate un momento en silencio y trata de imaginar cómo quieres sonar. No me refiero al seteo del amplificador, ni a cosas técnicas, me estoy refiriendo a la forma en que tus dedos golpean las cuerdas. Mantén esa imagen sonora en tu mente mientras estás tocando. También es muy importante el grabarte y luego escucharte con un oido crítico. De esta forma, serás capaz de moldearte a tu propio gusto. Jerry Garcia: Mi concepto de un buen tono es un sonido limpio e inequívoco en cada nota. Para mí, eso significa trastes relativamente altos, cuerdas pesadas y una pua fina, así tu toque viene de la mano y no de la pua. Es tan básico como parece. Dave Cell Block: El tono de la vieja escuela del punk es bruto y sin agregados, así que manténganse lejos de los pedales y aparatos. Consíganse un amplificador Marshall, súbanle el volumen a 10, y conecten una Les Paul. Yo grabo con dos Marshall. Uno está aislado en una cabina para lograr un sonido comprimido, y el otro está ubicado en un vestíbulo para otorgar un reverb natural. En el vestíbulo, colocamos un micrófono detrás del amplificador para capturar el sonido. Entonces, un micrófono es posicionado en el parlante para el ruido seco, y otro micrófono es puesto a 5 inches del frente del amplificador para capturar el ambiente. Farred Haque: No puedes depender muy seguido de los amplificadores o arreglos para lograr el óptimo tono, así que aprende a depender de tus manos. Pero primero, hay que tener en cuenta que no existe el tono "perfecto", la guitarra es uno de los varios instrumentos que producen un sinfín de tonos. Un guitarrista expresivo puede utilizar estos tonos para hacer cantar la guitarra. Elige notas a lo largo de los trastes y escucha como cada nota suena en forma única. Entonces toca una nota y varía su tono, tocando más cerca o lejos del puente. Para variar el ataque, intenta tocar más fuerte con tu pua de punta hacia las cuerdas, y más suave con el costado de la pua. Prueba cortando notas y compáralo cuando apagas suavemente una nota. Un vibrato intenso y rápido, logra que las notas duren más. Wes Montgomery: Independientemente del estilo que toques, lo más importante es mantener el sentimiento. Muchos guitarristas pierden el sentimiento en varios puntos - no a lo largo de todo el tono, pero sí en ciertos puntos - y esto les provoca altibajos, que la audiencia puede sentir. Sharon Isbin: Una de las maravillosas carácterísticas de los micrófonos valvulares, es su calidez. Los micrófonos valvulares pueden ser usados en guitarras acústicas para capturar la presencia del instrumento, pero no comprometerá al tono con entrecortados altos, lo cual generalmente sucede con micrófonos sólidos. Dan Erlewine: Algunos de mis tonos favoritos son producidos con una pua gastada. Cuando los bordes de una pua gastada se tornan ásperos, produce un asombrosamente agresivo efecto similar a un arco siendo arrastrado por las cuerdas de un violín. Cuando quiero que mis cuerdas realmente canten, tomo una vieja pua. Este efecto puede ser reproducido lijando una pua hasta lograrlo, pero nada se compara con una pua naturalmente gastada. También puede hacerse un pequeño agujero en el medio de la pua, para que esta no se resbale o gire, o pierda la posición mientras toco. Dave Navarro: Leyendo un artículo en una revista nunca me ha ayudado a sonar mejor - el tocar me ha ayudado a sonar mejor. Una hora o dos de práctica en mi habitación, ha sido siempre más efectivo y productivo que aprender que tipo de amplificador usa Carlos Santana. John Connolly: El tono proviene de tres cosas que no puedes comprar en una tienda musical: tu mano derecha, tu mano izquierda y el volumen. Si tu tono carece de entusiasmo, sube el volumen! (tus vecinos lo amarán). En el estudio, toco con dos amplificadores. El amplificador valvular me da la calidez - el cual se complementa perfectamente con algunos efectos digitales. Jeff Beck: Me gusta mantener las cosas simples, y siempre pareciera que tomo vuelo con un Marshall - conozco sus fortalezas y sus debilidades. Mike Turner: La principal preocupación de cualquier guitarrista siempre debería de ser la canción. La canción dictará la parte, y la parte dictará el tono, así que presta atención! Luego de eso, lo más importante es tocar en tiempo, tocar en tono y tocar musicalmente. La gente tiende a pasar de largo estas tres cosas simples en la búsqueda del mejor tono. En algún punto de la obsesión por el tono, te conviertes más en un sonidista que en un guitarrista. Estás ahí para tocar la guitarra, así que usa tu oido y hazlo. David Torn: Si bien es valioso y necesario el atravesar distintas etapas en las que intentas imitar el tono de tu guitarrista favorito, si pasas una gran parte de tu tiempo refinando tu sonido para imitar precisamente a otra persona, es seguro que termines por eliminar tus más personales rasgos. Con el tiempo, esos rasgos borrados podrían haber definido tu personalidad musical. En otras palabras: si está roto - pero piensas que podría ser bueno - no lo arregles! El tono de tu guitarra juega un rol importante con tu música, así que no temas usar tonos agudos, débiles, viciosos, dulces y lúgubres, si encajan con la música. Toca con el corazón y utiliza cualquier onda cerebral disponible como soporte. Leni Stern: Primero, encuentra una guitarra a la que ames. Una que suena grandiosamente con o sin amplificador, y que te de ganas de tocar por siempre. Segundo, aprende una de las sonatas para violín de J. S. Bach y tócala - permite que las notas se superpongan y encuentra esa forma de tocar que hace posible el producir un continuo flujo de sonido. Finalmente, comienza tu día tocando una nota y haciendo un sustain lo más largo posible. Usa vibrato hasta que comiences a oir un sonido que es sólo tuyo. Craig Chaquico: Utiliza la parte redondeada de la pua, en lugar de la parte puntiaguda. En otras palabras, utiliza tu pua al revés. Con esto lograrás obtener un tono más grave para los solos. La técnica funciona mejor con puas duras y cuerdas pesadas. Experimenta los distintos sonidos que puedes obtener utilizando distintos puntos de tu pua. Pete Townshend: Mi sonido tiene que ver con un sinfín de cosas que he desarrollado durante un largo período de tiempo. La forma en que agarro la guitarra, por ejemplo, y el hecho de que el cuello está siempre moviéndose por lo que realmente nunca está en tono. Además, uso cuerdas realmente pesadas por lo que realmente debo de luchar con la guitarra. Susan Tedeschi: Utiliza amplificadores viejos, para obtener un sonido cálido y un tono grave. Conéctate diréctamente al amplificador, nada de "cajas" locas. Toca con tus dedos y una pua. Puedes bajar el sonido de un solo tocando con tus dedos y después tocar alto y locamente con una pua. Y siempre toca con tu estilo. Las personas que intentan copias a otros guitarristas tan sólo terminan sonando estúpidos. Brian Henneman: El mejor consejo que puedo ofrecer para lograr un mejor tono es utilizar un amplificador Fender Pro Jr. Tiene sólamente dos perillas - volumen y tono - y suena grandioso a cualquier nivel. Eddie Van Halen: Demasiadas personas piensan que el sonido de una persona tiene que ver con sus equipos. Pero realmente no importa con qué estás tocando - tu sonido es tu cerebro y tus dedos. Gary Brawer: Las dos causas principales de problemas de tono son no poner las nuevas cuerdas correctamente y un nut mal puesto. El primer problema es obvio de corregir. El segundo problema se soluciona teniendo el nut chequeado y colocado de acuerdo al ángulo y diámetro para cada cuerda. Pero una cosa que puedes hacer y que elimina un montón de problemas de tono es simplemente sacar las cuerdas del nut y colocar un lápiz en cada abertura y girarlo. La fina capa de grafito que esto crea, actúa como un lubricante que evita que las cuerdas se corrompan. Eric Johnson: Para el mejor tono del amplificador en escenarios, conecta tu amplificador a tu propia salida AC. Conectarlo a una fuente de electridad común junto con los de los otros miembros de la banda será destructivo incluso para lo armónico del sonido de tu amplificador, especialmente si equipos computalizados comparten también la misma salida. Por razones de seguridad, sin embargo, es aún mejor mantenerse en el mismo circuito que los otros músicos. Billy Siegel: El tono es algo muy subjetivo, pero si existiese alguna recomendación para los guitarristas, es que suban el volumen - especialmente cuando usas amplificadores valvulares! Hoy en día, algunos guitarristas parecen tenerle miedo a subir el volumen de sus amps, pero hay una tremenda cantidad de respuesta tonal que viene de un amplificador exigido. Un amplificador fuerte te permite usar el volumen y tono de tu guitarra para ir desde un sonido limpio a uno medianamente distorcionado a uno totalmente distorcionado, y a cualquier lado en el medio de esto. Chet Atkins: Cada uno tiene su propio sonido, y si te escuchan lo sufiente, la gente llegará a reconocerlo. El estilo, sin embargo, es una cosa diferente. Intenta expresar tus propias ideas. Es mucho más difícil de hacer, pero las recompensas están ahí si eres lo suficientemente bueno como para sacarlo a relucir. Brent Rowan: Aparte del toque de cada guitarrista, la mayor diferencia de sonido de guitarrista a guitarrista puede estar dada por los cables que usan. El ancho, conección, tipo, largo y dirección del cable tiene más impacto sobre tu sonido del que probablemente piensas - y cuando todo esto se suma la diferencia puede ser asombrosa. Por ejemplo, los conectores de cobre o niquel pueden sonar fríos o cálidos, el ancho del cable puede afectar la capacidad (y como consecuencia afecta los bajos, medios y altos), y la dirección del cable puede permitir que la señal fluya naturalmente o restringuirla en alguna forma. Muddy Waters: No soy el mejor guitarrista que camina por las calles, pero el sentimiento que le pongo a mi guitarra - muchos guitarristas no pueden lograr eso. James Maddock: Cuando estás tocando una guitarra acústica en vivo, si atacas a la guitarra muy fuerte, el tono sonará ahogado. Puede ser que pienses que estás haciendo sonar la guitarra con la misma intensidad que, por ejemplo la batería, pero eso es totalmente imposible. Así que intenta mantener tu rasgueo uniforme, relajado, y no demasiado agresivo - deja que la emoción provenga de otra parte. Sal Trentino: Dale a tu amplificador mucha ventilación. Una manera de lograr este proceso grandioso, es comprar una pequeño ventilador de mesa en una tienda de segunda mano, y colocarlo detrás del amplificador, ventilándolo. Cuanto más fresco funcione tu amplificador, más tiempo durará. Tus capacitores especialmente, te amarán si los mantienes frescos. Y nunca coloques tu amplificador contra una pared - esto limita severamente la ventilación natural del amplificador. Andrés Segovia: Cuando empecé a tocar con mis uñas, no era por una cuestión de volumen. Lo más importante era darle a la guitarra diferentes colores en las distintas voces. Eric Clapton: Siempre quise lograr el sonido de Muddy Waters en sus primeros discos - pero más alto. Steve Howe: No parece correcto decir, que tan sólo me senté y toqué la guitarra cuando era joven, pero eso es basicamente lo que hice. Si sentía que algo me iba a ayudar, como por ejemplo aprender cosas de los discos, entonces me sentaba y lo hacía. Pero a pesar de que uno puede aprender mucho en casa, el progreso viene mucho más rápido si te sientas en una sala con otras personas y comienzas a tocar. Joyce Cooling: Cuando tocas un solo, puedes hacerlo blusero para encajar con los cambios de acordes, o puedes tocar a lo largo de los cambios - en el sentido de que puedes acentuar cada cambio. Es la diferencia entre tocar verticalmente u horizontalmente. Siempre quieres tocar horizontalmente, en el sentido de que quieres ser melódico, pero tu melodía puede ser determinada verticalmente por cada acorde que tocas - y eso se aproximaría más a un jazz. Mike Viola: Si quieres un poco de extra de tono, daja a un lado tu pua y utiliza un clip. Yo dejé mi pua años atrás en favor de un clip de papel 0.38. Harvey Citron: Cuando ajustes la altura de los micrófonos en una stratocaster, la mayor presencia ocurre cuando el micrófono está tan cerca de las cuerdas como es posible. Sin embargo, la atracción magnética de los micrófonos fender es tan grande, que puede inhibir la vibración - causando una pobre entonación y sustain - si los micrófonos están demasiado cerca de las cuerdas. Es un acto de balance. Con esto en mente, setea el micrófono lo más cerca de las cuerdas como quieras. Luego, ajusta el micrófono del medio para igualar la salida de volumen del micrófono del puente, y repite el mismo proceso con el micrófono del mango. LA GRAN FUENTE DE ESTO ES: AHORA UNA MUUY BUENA COMO CALIBRAR LA GUITARRA ELECTRICA TU MISMO AJUSTE DEL TENSOR: Todas las guitarras eléctricas y acústicas tienen un tensor o alma que está dentro del mango (Foto Nº 1) y que es el que lo mantiene recto (en realidad el mango tiene una pequeña curva pero esto, por el momento no es importante). El tensor se ajusta con una llave tipo Allen (Foto Nº 2) que viene como accesorio básico con toda guitarra. Un consejo antes de empezar, háganlo despacio, muy despacio, para no dañar irreparablemente el diapasón. Apretando la 6ª cuerda con un capodastro o capo en el primer traste y presionando la cuerda en el traste 17, tendría que haber un espacio entre esta cuerda y la parte superior del séptimo o noveno traste de unos 0,25 mm (0,10²) Foto Nº 3. Si el espacio es mayor, hay que mover el tensor en el sentido de las agujas del reloj. Si el espacio es menor, hay que moverlo en sentido contrario pero ojo, nunca forzarlo ya que sino puede romperse. El movimiento tiene que hacerse de a ³medias vueltas² y esperar a que el mango reaccione al ajuste que le estamos haciendo. ALTURA DE CUERDAS: Una vez que ajustamos el tensor, ajustaremos ahora la altura de las cuerdas. Usaremos una regla para medir la altura tanto de la 1ª como de la 6ª cuerda y la medida se tomará a la altura del traste 12. La 6ª cuerda puede estar a una distancia del diapasón de unos 2 mm y la 1ª a 1,5 mm. Esta altura la regularemos subiendo o bajando los puentes individualmente con una pequeña llave Allen (Foto Nº 4). Las cuerdas del medio irán subiendo gradualmente en altura para lograr un promedio entre las dos medidas antes mencionadas (Foto Nº 5) ENTONACION: ¿Escucharon la expresión: ³...mi guitarra miente²? Esto quiere decir que cuando por ejemplo tocamos un Mi al aire y uno en el traste 12, las notas no son exactamente iguales. Esto se soluciona regulando hacia atrás o hacia adelante los puentes individuales de la guitarra (Foto Nº 6). Es preciso utilizar para esto un afinador y chequear constantemente la afinación. Tocar el armónico en el traste 12 y luego tocar la misma nota pisándola sobre ese mismo traste. Si la nota está pasada con respecto al armónico hay que alargar la distancia entre el puente y la cejuela. En caso contrario, habrá que acortar esta distancia moviendo hacia adelante el puente. ALTURA DE PICKUPS: La altura de los pickups puede afectar la ganancia en la salida de la guitarra eléctrica. Si están demasiado lejos la cosa va a sonar con poca presencia, pero si están demasiado cerca puede haber problemas con el campo magnético que rodea a los pickups (Foto Nº 7). Lo ideal, sobre todo en las guitarras con pickups de bobina simple, es que si tocamos la 1ª cuerda en el último traste, exista una distancia de 3 mm entre la cuerda y el pickup. Esta distancia debe ser mayor en el caso de la 6ª cuerda, así que aquí habrá que aumentar esta distancia un par de milímetros(Foto Nº 8). Hasta aquí, estos pasos para un seteo tipo "hágalo usted mismo". Cualquier duda, lo aconsejable es que consulten con algún luthier de confianza. PARTE 2:

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