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Raoul Dufy (Le Havre, 3 de junio de 1877 - cerca de Forcalquier, 23 de marzo de 1953) fue un pintor fauvista, artista gráfico y diseñador textil francés. Desarrolló un estilo colorido y decorativo que se hizo popular en diseños para cerámica, telas y esquemas decorativos de edificios públicos. Destaca por sus escenas de acontecimientos sociales al aire libre. Biografía Nació en El Havre, en Normandía, en una familia de nueve miembros. Dejó la escuela a los catorce años para trabajar en una compañía importadora de café. En 1895, cuando tenía dieciocho años, comenzó a recibir clases de arte por la tarde en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre. Él y Othon Friesz, un amigo de la escuela, estudiaron las obras de Eugène Boudin en el museo de Le Havre. En 1900, después de un año de servicio militar, Raoul obtuvo una beca que le permitió estudiar durante un corto periodo en la Escuela de Bellas Artes de París, donde fue compañero de Georges Braque. En un principio Dufy estuvo sometido a la influencia de los paisajistas impresionistas, como Claude Monet y Camille Pissarro. En 1902 conoció a Berthe Weill, quien expuso la obra de Dufy en su galería. La obra de Henri Matisse Luxe, Calme et Volupté (Lujo, calma y voluptuosidad), que Dufy vio en el Salon des Indépendants en 1905, fue una revelación para el joven artista, quien dirigió su interés hacia el Fauvismo. Los fauves (que significa «fieras», «bestias salvajes») trabajaban con colores llamativos e irreales y atrevidas formas; ricos contornos marcaban su obra. Dufy adoptó este estilo al que añadió un trazo vigoroso y espontáneo. La pintura de Dufy refleja este enfoque hasta alrededor de 1909, cuando el contacto con la obra de Paul Cézanne le lleva a adoptar una técnica algo más sutil. No fue hasta el año 1920, después de haber hecho sus ensayos con otro estilo, el cubismo, cuando Dufy desarrolló su propio enfoque distintivo que implicabla estructuras esqueléticas, colocadas en una perspectiva disminuida, y el uso de baños ligeros de color dispuestos mediante veloces pinceladas de una manera que llegó a conocerse como taquigráfica. Poco a poco su obra se hizo más amable, alegre y luminosa, mostrando un predominio cada vez mayor de la línea, características que fueron más evidentes en sus acuarelas. Los temas favoritos de Dufy eran los barcos de vela, con brillantes vistas de la Riviera francesa; fiestas elegantes, acontecimientos musicales, las carreras de caballos y otras actividades al aire libre en lugares de moda, como Carreras de caballos en Deauville (1931, Colección particular, París), L'Opéra (Phillips Collection, Washington). También pintó flores, instrumentos musicales y desnudos. La naturaleza ilustrativa y decorativa, optimista y a la moda, de gran parte de su obra, ha hecho que su producción sea valorada menos por la crítica que la de aquellos otros artistas que tratan un tema más amplio de asuntos sociales. Realizó murales, como los del palacio de Chaillot en París. En 1938, Dufy acabó una de las pinturas más grandes que se hayan hecho nunca, un canto enorme e inmensamente popular a la electricidad, el fresco La Fée Electricité para la Exposición Internacional de París. Hizo pinturas de caballete. Dufy también cobró fama por su obra gráfica y en las artes aplicadas. Destacan sus ilustraciones para El bestiario (1911) de Guillaume Apollinaire. Ilustró también obras de Stéphane Mallarmé y André Gide. Cambió la cara de la moda y el diseño de telas con su obra para Paul Poiret. En 1909, Raoul Dufy recibió el encargo de Poiret de que diseñara ropa para el hogar, y también modelos textiles para la ropa de Poiret.1 También realizó xilografías y produjo un número prodigioso de tapices y diseños de cerámica. Su hermano Jean Dufy, que también era pintor, desarrolló un estilo similar. Dufy murió cerca de Forcalquier, Francia, el 23 de marzo de 1953, y fue enterrado no lejos de Matisse en el cementerio monacal de Cimiez, un suburbio de la ciudad de Niza, Francia.

El informalismo surge en Europa despues de la Segunda Guerra Mundial, paralelamente al expresionismo abstracto estadounidense. El termino "informalismo" tiene sus origenes en 1952 como consecuencia de una exposicion organizada por Michel Tapié, tambien se lo denomino "tachismo" o "manchismo", expresionismo abstracto, "action-painting" (pintura-accion), pintura gestual, "art-autre" (arte distinto) y pintura materica. En sus obras el artista busca reflejar y liberarel misterioso mundo del inconciente, el artista se deja llevar por sus impulsos y elaborar sus composiciones sin importar el orden de los elementos, rechazando el dibujo y el control, así como la concepción tradicional de la pintura y su desarrollo, que va de la idea a la obra terminada, pasando por los esbozos y los proyectos; el artista comienza por la fabricación de signos y da a continuación el sentido. La materia ocupa un papel fundamental y se aplica utilizando técnicas poco comunes: se lanza la pintura al azar y se deja chorrear. Se emplea deade el óleo hasta el cemento, tambien arpilleras, maderas y chapas. El expresionismo abstracto de Nueva York se relaciona con el informalismo, tienen los mismos ideales y las mismas técnicas pictóricas, ambos buscan representar el interior de cad artista, el inconciente a través de la pincelada gestual rápida (action-painting) o el goteo de la pintura sobre el lienzo (dripping). Artistas del informalismo: -Dubuffet -Jean Fautier -Grupo Cobra -Antoni Tapies -Manolo Millares -Antonio Sauro Artistas del expresionismo abstracto: -Jackson Polloc -Gorky -Marc Tobey -Kline -Kooning

El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (aprox. 1905-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color. Origen del nombre El término fovismo surge durante la celebración del Salón de Otoño de 1905 ya que se presentaron numerosas obras a concurso y aparecieron problemas a la hora de clasificar y encajar algunas de ellas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de «incoherentes» y sus autores excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente. El crítico Louis Vauxcelles afirmó sobre ese conjunto de obras: “Mais c'est Donatello parmi les Fauves” ('Esto es Donatello entre las fieras'), por lo que de la palabra fauve se derivó en fauvisme (fauvismo o fovismo). La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista. Los autores de las obras no dieron importancia a lo peyorativo del nombre «fauvisme», sino que, en cambio, lo adoptaron como distintivo de sus obras. Contexto En 1904 Henri Matisse considerado padre del fovismo, pintó Lujo, calma y voluptuosidad, considerada como la obra síntesis del postimpresionismo que fue fruto de un ejercicio de búsqueda personal y se convirtió virtualmente en un manifiesto de lo que sería el fauvismo poco después. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleados por Matisse sorprendieron a todos cuando fue expuesto por primera vez, mientras que su desinterés por el acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1905. Allí también se expuso el Retrato de la Señora Matisseo la La Raie Verte (La línea verde) donde se presentaba como una caricatura de la feminidad y una excentricidad en la pintura de retrato. El repudio de la crítica convirtió al fovismo en el grupo de vanguardia en París, poco después Maurice de Vlaminck se unió al fovismo de Henri Matisse y André Derain. Como movimiento expresionista, apareció cronológicamente a la vez que el Expresionismo alemán, con una propuesta de protesta contraria al Positivismo, al Naturalismo y al Impresionismo. Sus principales influencias vienen de Paul Gauguin y de las ideas de Zola, Nietzsche, Stirner y Huysmans. Aunque concebían la actividad artística como consecuencia de un impulso vital, su punto de partida fue la resolución de problemas puramente plásticos, como el empleo del color en una doble función plástica y constructiva al mismo tiempo. El maestro del grupo fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Matisse y Rouault, Marquet, Manguin, Camoin y Jean Puy. Moureau no enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento. De la obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo (los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición y orden. Características • El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática. • Este planteamiento, conocido como modelo RYB, clasifica los colores en: o Colores Primarios: rojo, amarillo, azul o Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde). o Complementarios: se entiende por color complementario de otro, el color que se sitúa en la parte opuesta: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta. • En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad. • Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos. • El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matisse no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas. • Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico. • Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir. Cerca del impresionismo, que supone una ruptura sustancial con la pintura academicista, surgieron en el panorama artístico nuevos movimientos pictóricos, algunos de corta duración. A pesar de su breve vigencia, constituyen los pilares de una línea evolutiva coherente; este es el caso del fauvismo, movimiento que no llegó a cumplir diez años de existencia, pero cuyas investigaciones estéticas y técnicas constituyeron, sin embargo, un elemento esencial de una etapa crucial de la historia de la pintura contemporánea. La invención de la fotografía hizo surgir entre los jóvenes pintores la inquietud por la investigación de nuevas fronteras en el arte y sobretodo, de una mayor subjetivación. Con objetivos parecidos y con la misma concepción subjetiva de la pintura, nacen por las mismas fechas los dos movimientos pioneros del siglo XX: el fauvismo y el expresionismo, los cuales utilizan como instrumento de su concepción la exageración de la experiencia. Utilizan este método para hacer más fácilmente comprensible y comunicativa la pintura; emplean los mismos métodos (la síntesis, la ausencia de detalles accidentales, la concisión y la discontinuidad); ambas tendencias artísticas pretenden los mismos fines: el efecto, la expresión. Sin embargo, hay aspectos que separan los dos movimientos: los fauvistas no se preocupan del sentido metafísico y de los problemas sociales (cosa que si hacen los expresionistas). El fauvismo goza más con la investigación plástica: la pasión por el color será su manifestación más ostensible de este goce. Esta despreocupación de los fauvistas por el sentido metafísico y profundo de la existencia los induce a crear una estética violenta pero armoniosa, lejana de todo pesimismo: rebeldes ante la concepción clásica del realismo idealista, proponían la comunión de los espectadores con las visiones subjetivas que nacían de la sensibilidad del artista en contacto con la naturaleza. Se trata, según Matisse, de "choques", de sensaciones violentas provocadas por el artista con imágenes que nacen en el pensamiento del poeta. Basados en las nuevas tentativas de organización propuestas por Cézanne, Manet, Van Gogh y Gauguin, que consideraban el color como elemento susceptible de ser empleado en toda su potencia, los fauvistas empezaron a elaborar su estética, su visión particular del mundo: pretendían que esta visión fuera más auténtica que la de la apariencia. Tomaban de la objetividad sólo algunos aspectos indispensables. Tuvieron como fin supremo construir por medio del color: aunque este amor por color puro fue la causa de la muerte del grupo. Orígenes y desarrollo (1905-1909) El arte de Van Gogh se considera como una de las fuentes del fauvismo y del expresionismo (por ejemplo El catorce de julio). La influencia de Gauguin en el nacimiento del fauvismo también es muy notable: El caballo blanco o El Cristo amarillo llaman la atención por el elemento que el pintor reconoce como primordial en su obras: el color. Mujeres de Tahití o Ta Matete perfilan ya algunas de las características técnicas del fauvismo: riqueza cromática, ausencia de modelado, ruptura con la perspectiva clásica... Es, pues, bajo la influencia de Van Gogh y Gauguin, como también de Manet y Cézanne, que se formaron los primeros fauves, sin olvidar, la parte que aportaron las estampas japonesas y las vidrieras polícromas, dada la estima que tenían por estos objetos. En el año 1898 Marquet y Matisse ya trabajaban juntos; por medio de Derain se establecería el contacto entre los máximos representantes del movimiento: Viaminck y Matisse (1901). Pero cuando su pintura produjo un fuerte impacto en la crítica fue en el Salón de Otoño de 1905. El crítico de arte Louis Vauxcelles dio el nombre de cage aux fauves (jaula de las fieras) a las obras que se exponían. Pero ya hacia el año 1908 o el 1909, cada fauvista seguía su propio camino. ¿Por qué? Por agotamiento. Habían agotado hasta tal punto su ímpetu, su agresividad artística, que se vieron forzados a derivar hacia una manera más serena de ejercer su arte y hacia un cromatismo más contenido. "Los colores llegaron a ser para nosotros cartuchos de dinamita, cuya misión era descargar luz. Acometíamos el color directamente. Era maravillosa, en su frescura, la idea de que podía elevarse todo por encima de la realidad". Derain Estética y formas El fauvismo no es un movimiento teórico (como lo son, en cambio, el futurismo o el dadaismo): No tenían más catecismo que el que les dictaba su sensibilidad de artistas. "Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, dirigido a todo aquél que trabaje con el cerebro, tanto al hombre de negocios como al artista de las letras, una cosa así como un lenitivo, un calmante cerebral como una cómoda butaca donde uno reposa después de la fatiga física" (Matisse) Tienen una temática casi exclusivamente paisajística: continuando con el criterio impresionista de la pintura al aire libre, elaboran una obra en contacto directo con la naturaleza. Porque el fauvismo es, sobre todo, el producto de la libertad artística, de la ausencia de limitaciones. Liberados de los prejuicios de la anatomía, de la perspectiva convencional, de la proporción, los fauves construyeron su propia técnica. Técnica: 1. Simple, directa, concisa; 2. Uso de los colores puros, tal como salen del tubo; 3. Deseo de captar rápidamente la imagen forjada en la mente; 4. Dibujo simple, parecido a un arabesco; sin embargo, es, juntamente con el color, el elemento trascendental del cuadro; 5. A veces las figuras y los objetos llevan un contorno negro, delimitador, que suple la falta total de modelado; 6. Utiliza, pues, los perfiles y, así, consigue este efecto de monumentalidad y síntesis; 7. La fuerza del valor de sus cuadros está en la disposición de los elementos, en la composición de un conjunto expresivo y armónico; 8. Para los fauvistas, el cuadro es un espacio espiritual: no se trata de copiar el color y la luz, como habían hecho los impresionistas, sino de expresar la luz a través del color; teóricamente y prácticamente los fauvistas inician el camino hacia el arte abstracto. Objetivo pictórico: 1. A pesar de que el grupo no se homogeneiza ni tiene un programa definido, sus componentes se oponen a la ornamentación hedonista del Art Nouveau y a la evasión espiritualista del simbolismo. 2. Afrontan críticamente y quieren resolver una serie de problemas específicamente pictóricos, como el de la dualidad sensación (el color) y construcción (la forma plástica, el volumen, el espacio) potenciando la constructividad intrínseca del color. 3. El principal objetivo de su investigación era, pues, la función plástico-constructiva del color. Pintan con pinceladas separadas, limpias, dispuestas en un cierto orden o ritmo, que dan el sentido de la materia concreta, del color y de la construcción material de la imagen. La naturaleza de este orden o ritmo es: o Cézanne: El orden intelectual de la conciencia; o Signac: La ley óptica de los efectos de luz; o Van Gogh: El ritmo profundo de la existencia traducido en gesto; o Fauvistas: La estructura autónoma, autosuficiente del cuadro como realidad en sí misma. (El itinerario paralelo de Matisse seria André Gide: una novela es un sistema autónomo y cerrado, cuya ley estructural no es ni la verosimilitud del hecho narrado ni la coherencia psicológica de los personajes). Con la oposición entre La joie de vivre (1 905-1906) de Matisse y Las señoritas de la calle Aviñón (1907) de Picasso muere el fauvismo y nace el cubismo. Representantes: • Maurice de Vlaminck • André Derain • Othon Friesz • Raoul Dufy

Othon Friesz. Pintor francés, del movimiento fauvista. Trabajó con colores violentos y en facturas vigorosas, a menudo barrocas. Síntesis biográfica Infancia y juventud Nace en Le Havre, Francia en 1879. Asiste a clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad desde los trece años, donde estudia con quien sería su amigo de toda la vida, Raoul Dufy. Juntos, estudiaron en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre en 1895-1896 y luego marcharon a París juntos para profundizar en sus estudios. En París, Friesz encontró a Henri Matisse, Albert Marquet y Georges Henri Rouault, y se hizo miembro de los Fauves, participando en el Salón de otoño de 1905. Al año siguiente, Friesz dejó París para regresar a Normandía, y a un estilo de pintura mucho más tradicional, pues había descubierto que sus aspiraciones personales en pintura estaban firmemente arraigadas en el pasado. Abrió su propio estudio en 1912, y enseñó hasta 1914, año en el que se unió al ejército durante la Primera Guerra Mundial. Regresó a París en 1919, y allí permaneció, excepto por algunos breves viajes a Toulon y a las montañas del Jura. Trayectoria artística Participó en exposiciones colectivas en el Salón de los Independientes y el Salón de Otoño. Realiza en París en 1904, su primera exposición personal Características de sus obras Hacia 1909 Friesz orienta su gusto hacia un estilo más clásico, que continuará definitivamente en toda su obra posterior. Habiendo abandonado los vivaces arabescos y brillantes colores de sus años fauvistas. Pintó en un estilo que respetaba las ideas de Cézanne de composición lógica, tonalidad simple, solidez de volumen y clara separación de planos. Un ligero sabor barroco añade vigor a sus paisajes, naturalezas muertas y figuras. Obras • El castillo de Falaise (por la tarde) (1904)) • El carro rojo (1905) • Antwerp (1906) • La montaña de Santa Victoria (1906) • La bahía de Cassis (1906) • El puerto de Anvers (1906) • Paisaje de la Ciotat (1907) • La ciudad ((1907) • Trabajos de otoño (1907) • El jardín de Rodín (1908) • Tejados y catedral de Ruan (1908) • Paisaje con figuras (bañándose) (1909) • La escuela de entrenamiento del circo Madrano (1909) • Naturaleza muerta y estatua de Buda (1909) • La tentación (Adan y Eva) (1910) • Paisaje provenzal (1914) • En el jardín del Emir (1916) • Mujer en la ventana (1919) • Naturaleza muerta con peras y melocotones (1920) • El jardín (1930) • Paisaje del puerto (1920) • Naturaleza muerta con Anemonas (1922) Muerte Othon Friesz muere en París en 1949 y está enterrado en el cementerio de Montparnasse en París.

Georges Braque (13 de mayo de 1882 - 31 de agosto de 1963), pintor y escultor francés. Con Pablo Picasso y Juan Gris fue uno de los tres creadores básicos del cubismo. Vida Georges Braque nació en Argenteuil-sur-Seine, Francia, en una familia de artesanos. Creció en Le Havre y estudió en la Escuela de Bellas Artes (Ecole des Beaux-Arts) desde 1897 hasta 1899. Llegó a París en 1900. Allí estudió primero en la Academia Humbert, en la que conoció a Marie Laurencin y Francis Picabia, después, a partir de 1903, en la Escuela de Bellas Artes. La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando preferentemente los colores rosa y violeta. Realizó en 1906 con Othon Friesz un viaje a Amberes y, durante el verano boreal de 1907, a La Ciotat y a L'Estaque. En otoño de ese mismo año, la exposición retrospectiva de Cézanne y la amistad que trabó con Pablo Picasso, que acababa de pintar sus Señoritas de Aviñón, le hicieron cambiar de estilo. El trabajo de ambos, en estrecha relación, hará surgir y evolucionar al cubismo. En el verano boreal de 1908 pinta paisajes en L'Estaque, en 1909, en Normandía y La Roche-Guyon. En 1914, fue movilizado y participó en la Primera Guerra Mundial, siendo herido de gravedad en 1915. Regresó a París. En 1917 se reincorporó a su trabajo y realizó al final de la guerra una obra esencialmente basada en la naturaleza muerta. En 1930 se compra una casa en Varengville, cerca de Dieppe. La Segunda Guerra Mundial le inspiró obras más serias y austeras. A partir de 1947, su trabajo se ve constantemente interrumpido por la enfermedad. Murió el 31 de agosto de 1963 en París, a la edad de 81 años y actualmente hay un colegio en Nantes con su nombre. Estilo George Braques tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano boreal de 1907 pinta en L'Estaque, lugar donde pintó Cézanne, una serie de paisajes "lineales" que son ya pre-cubistas. Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso esta tendencia del cubismo sintético. A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar. Después de la Segunda Guerra Mundial pinto a Sofía y Mauro.

Maurice de Vlaminck (París, 4 de abril de 1876 - Eure-et-Loir, 11 de octubre de 1958) fue un pintor fauvista francés. Vlaminck fue uno de los pintores que causaron escándalo en el Salón de otoño de 1905, que recibió el apelativo de "jaula de fieras", dando nombre al movimiento del que formaba parte junto a Henri Matisse, André Derain, Raoul Dufy y otros. Vlaminck proviene de una familia de músicos bohemios afincados en París. En un primer momento Vlaminck no tenía intención de dedicarse a la pintura y su verdadera vocación era ser ciclista de profesión, que combinaba con dar clases de violín o escribir novelas eróticas para ganarse la vida. Debido a una enfermedad (fiebres Tifoideas) Vlaminck abandonará el ciclismo y tras entrar en el ejército y conocer a André Derain, se convence de que quizá su futuro esté en la pintura. Junto a Derain forman un estudio donde ambos pintan y conviven creando una buena amistad. Con anterioridad, Vlaminck siempre destacó por ser un pintor autodidacta, alejado de las academias que pintaba aquello que veía suceder alrededor suyo, bien fuera un incendio o el paso del Sena cerca de su casa. Su amistad con Derain le llevará a conocer y acercarse a la obra de Van Gogh que le influirá en el colorido y la estética de sus obras. En 1905, junto con Matisse, se presentará en el Salón de Otoño de París donde recibirán el nombre de Los Salvajes (Les Fauves) por su exposición. También representará en esta etapa flores que cambian respecto a su etapa anterior, los colores son mucho más fríos y oscuros aunque la estructura es similar, basada en flores realizadas como manchas en la pintura. En 1911 viajará a Londres donde capta la atmósfera de la ciudad pintando ríos y puentes. Ya no habrá cambios sustanciales en su pintura, aunque sí en sus cielos que pasan a ser teatrales y tempestuosos. Su Ego le hará luchar contra Hitler y ponerse en contra de Picasso. Obras Machine (1905) Las marcas fauvistas de Vlaminck en pinceladas de colores fuertes y bestiales que se desarrollan con mayor o menor medida a lo largo del cuadro. En el fondo únicamente destaca el Restaurante Marly, mientras que en un primer plano recibimos pinceladas de formas circulares que dan sensación de aceleración y nerviosismo a la obra formando flores y plantas Paisajes con Árboles Rojos Incorpora una línea vertical, aunque no hablemos de un cuadro estático. Trabaja los colores cálidos que nos acercan al cuadro, y los fríos, que nos alejan del mismo. Los árboles dan una sensación de movimineto debido a su inclinación que se enmarcan en un paisaje bañado por el Sena que recuerdan a Van Gogh en el contorno de los árboles. El Remolcador Vlaminck trabaja los reflejos en el agua jugando con diferentes tipos de pinceladas entre el primer plano y el fondo. Retratos Realizará también diferentes retratos que se acercan a Matisse en cuanto a las formas, pero se distancian en el color y la composición. Después de la intervención en el SALON DE OTOÑO su fama aumenta y alcanzará los 6.000 francos por encargo, muestra de su valía actual. El Fauvismo caerá en 1908 y Vlaminck se separará de Derain quien se acerca a las formas conceptuales de Picasso y Matisse mientras que Vlaminck los critica y prefiere investigar por su cuenta. Campos de Rueil Se trabaja siempre con un mismo sistema de pinceladas en diagonal que representan una carretera y una alambrada que prohíbe el paso. Llama la atención como Van Gogh inspira aquí en la representación de las marcas de luz, de los árboles y del color. En 1907 en París hay una retrospectiva de Paul Cezanne que visita y que le influye de tal manera que cambiará su manera de pintar. Prestará mucha más atención a la composición, defendiendo más la forma de los objetos y elementos representados. Se crean volúmenes sólidos que se encierran en masas que forman figuras geométricas. Esos colores fuertes y brillantes cambiarán a tonalidades suaves terminando así la fase fauvista. Bougival Realiza obras de pueblos cercanos al Sena desde puntos de vista altos para reconocer mayor número de detalles. Pintor fauvista francés, que nació en París. Antes de convertirse en artista, fue ciclista de competición y trabajaba como violinista. En buena medida fue un autodidacta que atacó los principios de la pintura académica hasta el punto de declarar que se sentía orgulloso de no haber pisado el Louvre. Después de 1900 compartió un estudio con su amigo André Derain durante un corto periodo de tiempo, ambos formaron parte del grupo que expuso en el Salón de Otoño de 1905 y que se conocería como los fauves ( bestias salvajes ). La obra de Vlaminck está muy influida por el colorido y la pincelada de Vincent van Gogh, sobre cuya obra se había mostrado una retrospectiva en París en 1901. Realizadas con pigmentos puros e intensos, sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906, Museo Nacional de Arte Moderno, París). Sin embargo, antes de que el fauvismo se agotara, en 1908 su obra —básicamente paisajes— se vuelve más suave en color y composición, como se refleja en las telas La casa del pintor en Valmondois (1920, Museo Nacional de Arte Moderno, París) y El camino de la aldea (1935, Colección Arthur Macrae, Londres). Vlaminck también escribió varias novelas.