marcos0927

En este post les voy a dejar la historia de la Musica espero que les guste,comenten y dejen puntos Hace mas o menos 51 mil años o mas nuestros antepasados inventaron la musica. Los hombres primitivos tenian preocupaciones. Como no conocian la agricultura tenian que buscar sin cesar el alimento, mientras se defendian contra sus semejantes o contra los animales feroces. Eran a la vez cazadores y cazados, lo que les obligaba a desplazamientos continuos. Un buen dia el hombre descubre que puede imponer su voluntad a la naturaleza. Algunos animales buscan su compañía y aprenden a obedecerle; algunos vegetales comestibles se pueden plantar y de esta forma multiplicarse. Entonces unas tribus nomades descubren los encantos de la vida sedentaria. Se afincan en valles fertiles o fundan pueblos y luego ciudades. Estamos entre los años 10 mil y 5 mil ac. Los pobladores de algunos valles; Tigris y Eufrates, Nilo, Rio Amarillo... fueron los primeros en muchas cosas: metales, carros de ruedas, escrituras, artitmetica y musica. Verdarera musica como hoy la entendemos. Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros antiquisimos hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizas se trate de inundaciones catastroficas provocadas por los grandes rios pero no por eso menos devastadoras. Ciudades enteras fueron destruidas con sus habitantes y sus tesoros. En cambio se han encontrado instrumentos de musica, escritos, esculturas de la epoca que siguio al Diluvio, etc. Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Eufrates tocaban la flauta de plata, el arpa, la lira, el tambor o el laud. Historia de la música La musica en Egipto En Egipto, tierra de las piramides y la esfinge, la musica es un misterio. Se admite su influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados. Se deduce que los egipcios poseian instrumentos de cuerda viento y percusion ya que se encontraron en algunas tumbas faraonicas figuras de flautas. Empleaban el movimiento de la mano, para indicar la ondulcaion melodica marcaban el ritmo con palmadas, cistros platillos y tambores. Tambien para indicar la marcha de la melodia se valian de movimientos de las manos. La musica se la asignaba con una doble posibilidad, por un lado la capacidad de motivar en el hombre una sensacion (gozo y alegria) y por otro lado el de crear sensaciones de naturaleza mistica y magica. Historia de la música La musica en la antigüedad consistio en la extereorizacion de los sentimientos del hombre a travez del sonido de su propia voz. Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podian producir sonidos. Los diferentes instrumentos musicales primitivos estan clasificados en: * Autofonos: Aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que estan construidos. * Membranofonos: Serie de instrumentos mas sencillos que los construidos por el hombre, por ejemplo tambores hechos con una membrana tirante sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia. * Cordonofonos: De cuerda, por ejemplo el arpa. * Aerofobos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos fue la flauta, construida con un hueso con agujeros. La musica en Grecia Los griegos componian musica sobre la base de tipos de musica ya consagrados o sea: no creaban musica. Solian agregarle un determinado esquema musical a diferentes poesias o alteraban su ritmo dando nacimiento a otras obras musicales. Tenian generos melodicos muy variados: * Prosodia: canto entonado cuando la procesion se dirigia al templo. * Hipoquerma: melodia asociada a movimientos corporales propios de danzas griegas. * Ditirambo: cancion en honor de Dionisio o Baco (Dios del Vino) * Pean: himno en homenaje a Apolo. * Treno: canto funebre y doliente creado por Linos. * Elegia: carácter triste. * Himeneo y Apitalemio: carácter alegre para el casamiento. Sobre la base de estos generos se elaboro toda la musica lirica en Grecia, pero se fueron introduciendo otros generos liricos como: * Dafneforicas: entonados por portadores de laurel. * Oscoforicas: entonados por quienes llevaban una rama de vid. * Tipodeforicas: entonadas por 2 personas que cargaban tripodes. El sistema musical se nutrio de los principios de Pitagoras. Los antiguos griegos dividian el marco melodico en 2 cuartas. En las celebres fiestas nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y cantaban ditirambos. En las representaciones teatrales el coro era un personaje importante en las tragedias griegas. La musica en Roma Roma conquisto militarmente a Grecia pero el vigor y el esplendor de la civilizacion griega domino al nuevo imperio. Las artes, las ciencias, la filosofia pasaron a integrar el pensamiento romano. La tragedia y la musica griega se afincaron en la peninsula desarrollandose a la manera romana, tomando caracteristicas que en muchas oportunidades desvirtuaron el significado estetico que la musica habia alcanzado entre los griegos. En Roma tuvieron gran auge las fiestas musicales consistentes en brillantes cortejos formados por centenares de musicos y coros inmensos que recorrian la ciudad. De todos los ambitos del Imperio acudian a Roma los “musicos virtuosos”, verdaderos showmen a quienes interesaba brindar un espectaculo lleno de excentricidades. Habia celebres artistas que se hacian pagar muy bien y que llevaban una vida de lujo. Entre los mas famosos sobresalieron los griegos como Terpnos, gran citarista y maestro de Neron, Polon, etc. En los teatros romanos edificados a la manera griega se comenzo a reperesentar “ comedias”, siendo los principales autores Plauto y Terencio. La Tragedia no tuvo mucha aceptacion su principal cultor fue Seneca. Entre las obras del filosofo quedaron algunas como Medea, Las Troyanas y Agamenon. Los romanos utilizaron instrumentos de distintos pueblos de la antigüedad. Roma tuvo bajo su poder a pueblos enteros que a su vez aportaron sus tradiciones al mundo romano. Los instrumentos solistas mas importantes fueron: la lira, la citara, el aulos, el oboe, el cerni, tambien los platillos y los timbales. El pueblo romano se preocupo por la musica y el lenguaje, por ejemplo, algunos oradores estaban acompañados por un flautista. Desarrollo de la musica en el Lejano Oriente La musica en China: En China el emperador Shih Huang-Ti fue quien ordeno la destruccion de todos los libros. Todo lo que se sabe del pasado de China se sabe por leyendas o por la enseñanza oral de los sabios que preservaron la antigua cultura. La musica en China atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese pais anciosos de novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la musica, las notas eran para los hombres ordinarios , la musica a los hombre sabios. Linr-luen, de profesion sabio, invento la teoria musical china, una teoria tan perfecta que ha servido hasta nuestros dias. Creo la gama china, cortando caña de longitudes bien calculadas y soplando en su interior. Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron “cromatica”, descubierta por el maestro de musica de Hoan-Ti. Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos: piedra, metal, seda, bambu, madera, cuero, calabaza y tierra. Entre los instrumentos de viento estan las flautas de Pau, la flauta de bambu con orificios, las flautas traversas y las trompetas. Entre los de cuerda estaba el Kin, el Che, el Pi-pa. Historia de la música La Musica en Japon La teoria musical y los instrumentos utilizados en Japon eran provenientes de Corea, que a su vez, los habia incorporado desde China. A pesar de esto el refinamiento musical japones alcanzo un nivel superior al chino. Los instrumentos favoritos japoneses eran: el koto, el Yamato-goto y el Yamato-bue. En los casos de acompañamiento musical no acostumbraban a hacer sonar simultaneamente la voz y el instrumento. Existian diferentes generos musicales: el Bagaki para ceremonias del emperador, el No para la musica de fondo en actos de teatro, el Ko-uta para la musica folclorica y el Noga-uta para la musica seria. La musica en la India La India por su situacion geografica alejada de Europa no dio a conocer su musica hasta despues de varios siglos. El carácter de la musica india se encuentra mas cercana a la musica occidental que a la china y japonesa. Sus rasgos principales son de origen mitologico, predomina el compas ternario y la division cromatica de la escala. Igual que en la China las notas de la escala tenian cierta relacion con los individuos. La teoria musical tenia como base la raga (forma melodica), el cual al modificar sus ritmos permitia nuevos cantos. Las ragas representaban colores, estados del alma, etc. La musica vocal e instrumental de India tenia variadas aplicaciones, en la religion, en palacios, entre gente humilde, etc. Algunos de sus instrumentos fueron: * De arco: ravanastia, ravana y amurita. * De viento: flautas, oboes, cornamusas y trompetas. * De percusion: campanas, platillos, panderos y tambores. La musica en Israel La musica en Israel era un elemento inseparable del culto. * Pentateuco: el caso de Laban * Genesis: que cita instrumentos musicales. * Exodo: el canto oral. Algunos instrumentos usados por el pueblo de Israel fueron: * Cuerdas: las lisas y citaras. Salterios de 13 cuerdas, arpa egipcia de 10 cuerdas, tambien llamada “Arpa de David”. * Viento: flauta simple, cueron de carnero. * Percusion: tambores, cimbolos, y castañuelas. La musica en la Edad Media La musica en la edad media se divide en el Periodo Patristico (hasta el año 840). En el Romantico (año 840 hasta el año 1250 en el siglo XII). En el Gotico (1250 a fin de la edad media y 1453, fines del siglo XV). En el Periodo Patristico aparecio la Era Cristiana y la Era Media, en esta ultima la historia de la musica se encuentra intimamente ligada a la forma en que se desarrollo la liturgia cristiana, ya que se consideraba a la musica el vehiculo por medio del cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios. Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la existencia de textos y melodias profanas que trataron de penetrar en los oficios religiosos. Los personajes de la musica profana dedicados a la disposicion de esta musica fueron: * Juglares: musicos ambulantes y plebeyos que divertian en fiestas y castillos. * Los Trovadores: pertenecian a la nobleza y eran musicos y poetas que inventaban rimas y ritmos. * Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proesas de sus heroes valiendose del laud. * Los ministeriles: verdaderos productores musicales que administraban musica y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar espectaculos musicales. En el año 374 a 397 San Ambrosio reunio aquellos signos que debian ser aceptados en un credo antifonario naciendo asi el Canto Ambrosiano. En el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que tenian origen popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano. Desde su nacimiento la musica cristiana fue una oracion que se tenia que cantar con devocion tal como lo decia San Pablo “Cantando a Dios con vuestro corazon”, asi pues el texto es la razon de ser del canto gregoriano ya que “el que canta reza dos veces”. La melodia del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes: * El Silabico: cada nota representada por una silaba. * El Neumasico: una misma silaba corresponden a 2, 3 ó 4 sonidos diferentes. * Las Secuencias: intercalacion de un texto en las notas del aleluya. El texto es el que da sentido a la melodia y no se puede concebir el canto gregoriano sin texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto gregoriano, los cantantes han tenido que entender muy bien el sentido del texto. Esta musica se canta a capella sin acompañamiento instrumental, se canta al unisono o lo que es lo mismo todos los cantores entonan la misma melodia. A esta forma de canto se le llama Monodia. Se canta con ritmo libre. Notacion Gregorianas: Notas simples Historia de la música Historia de la música Historia de la música Virga Punctum Quadratum Punctum Inclinatum Neumas Simples Historia de la música Historia de la música Pes (podatus) Clivis Historia de la música Historia de la música Torculus Porrectus Historia de la música Historia de la música Climacus Scandicus Historia de la música Salicus Neumas compuestos Se forman por la unión de neumas simples por una sola sílaba Flexus: cuando se complementan con notas descendentes Historia de la música Resupini: cuando se complementan con notas ascendentes Historia de la música Praepunctis o subpunctis según contengan notas antes o después: Historia de la música Historia de la música Praepunctis Subpunctis ALTURA DE LOS SONIDOS La altura de los sonidos viene indicada por la colocación de las notas al tetragrama con la posibilidad de utilizar líneas adicionales inferiores y superiores. Historia de la música Las claves utilizadas son de Do (C) y FA (F) que pueden estar en 2ª. 3ª. o 4ª. línea. Historia de la música Historia de la música Clave de DO (C) Clave de FA (F) La extensión posible de los sonidos es: Historia de la música SIGNOS DE PAUSA. Los signos de pausa, originados por la estructura del texto, son: Historia de la música a) Línea divisoria mínima, que separa los incisos o partes menores en que se divide el texto; no implica respiración. b) Línea divisoria menor, que separa los miembros de la frase. No son más que incisos de más amplitud. Casi siempre implica respiración. c) Línea divisoria mayor que separa les frases: Equivale a un silencio con una durada de nota simple y obliga a respirar. d) Línea divisoria doble, que indica más sentido conclusivo o también final de la composición, equivale a silencio de nota simple, a veces un poco más prolongado. OTROS SIGNOS E1 guión es un signo que va al final de cada tetragrama, para indicar que nota es la inicial. Historia de la música El si bemol Historia de la música El canto gregoriano es música modal, se utilizan varias escalas o modos de sonidos muy particulares, sirven para despertar diferentes sentimientos como: alegría, tristeza, serenidad, etc. Esto es consecuencia de la colocación de los semitonos dentro de las escalas. * Guido D'Arezzo dijo: “El primero es grave, el segundo es triste, el tercero místico, el cuarto armonioso, el quinto alegre, el sexto devoto, el séptimo angélico, y el octavo perfecto”. * Adán de Fulda los comenta: “El primer modo se presta a todo sentimiento, el segundo es apto para las cosas tristes, el tercero es vehemente, el cuarto tiene efectos tiernos, el quinto conviene a los alegres, el sexto a los que tengan piedad, el séptimo pertenece a la juventud y el octavo a la sabiduría”. * Juan de Espinosa, autor del siglo XVI, comenta: “ El I es alegre y muy hábil para suavizar pasiones de animo...; grave y llorón es el II, muy apropiado para provocar lagrimas...; el III es muy eficaz para incitar la ira...; mientras que el IV coge toda la alegría y incita a gozar de las cosas...; el V causa alegría y placer a los que están tristes...; llorica y piadoso es el VI...; placer y tristeza se reúnen en el alegre VIII...” LOS MODOS GREGORIANOS La única escala diatónica que se utiliza en el Canto Gregoriano, es: Historia de la música No todas las melodías cogen toda la extensión: algunas se mantienen en la octava inferior (de La a La), otras en la central de (Mi a Mi) y otras en la superior (de Sol a La). En cada una estas octavas, los SEMITONOS a más o menos distancia de la nota final, con lo cual tenemos un elemento fundamental para entender los Modos. Para los Greco-romanos, la octava que conocemos hoy en día no existía. Eran más bien dos tetracordos separados: Do, re, mi, fa sol, la, si, do. El Tetracordo es considerado como la base modal, el primer elemento completo o núcleo generador de toda la melodía. Las escalas tienen una quinta central a partir de la nota tónica, llamada también final, más tres sonidos, que pueden estar en la parte superior, y en este caso se llaman modos auténticos (agudos), o en la parte inferior, y entonces se llaman modos plagales (o graves). El nombre de los modos son: Historia de la música Existe una tónica en la cual, si bien no siempre comienza la melodía, normalmente acaba y descansa. Las tónicas pueden ser: Re, Mi, Fa y Sol. A más a más en cada modo hay una nota Dominante, llamada así porque la melodía se mueve sobre ella con relativa frecuencia, les dominante son: MODO I II III IV V VI VII VIII DOMINANTE RE FA SI-DO LA DO LA RE DO La melodía es silábica si a cada sílaba del texto le corresponde un sonido y es melismática cuando a una sílaba le corresponde varios sonidos. Hay melismas que contienen más de 50 sonidos por sílaba. El texto es en latín, lengua del Imperio romano y extendida por Europa, los textos se cogen de los salmos, del Antiguo Testamento, de los Evangelios y otros eran de inspiración propia, generalmente, anónima. El canto gregoriano está escrito sobre tetragramas, es decir sobre 4 líneas, las notas se denominan punto cuadrado (punctum) o virga si aparecen solos, o neumas si aparecen agrupados. EL ESCENARIO DEL CANTO GREGORIANO El canto gregoriano nació para ser interpretado dentro de la Liturgia de la Iglesia, la Liturgia es su escenario natural. La Misa. 1.La Misa: En la celebración de la Eucaristía hay dos grupos principales de piezas: a) El ordinario: Está formado para textos que se repiten en todas las Misas. - Kyrie Eleison - Gloria in excelsis Deo - Credo - Santo y Benedictus - Agnus Dei b) El Propio: Está formado por piezas que se cantan según el tiempo litúrgico o según la fiesta que se celebra. - Introito: canto de entrada para iniciar la celebración - Gradual o Aleluya o Tracto: después de las lecturas - Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas o Comunión La Polifonia. Hacia finales del siglo IX y principios del X se procucen 2 hechos de gran trascendencia desde el punto de vista musical nacidos para dar mas riqueza al canto gregoriano: * Los primeros indicios de polifonia. * Los tropos y las secuencias. La polifonia era una nueva tecnica musical resultante del cruzamiento de varias voces, según reglas y esquemas armonicos. La musica polifonica tuvo origen en el canto gregoriano, o sea que el tema de un canto liturgico se tomaba como base superponiendole otro nuevo. * El Organum: forma mas antigua de la polifonia que se conoce y tiene por base la superposicion de voces a distancia de cuartas o quintas. * El Discantus: las voces o melodias realizaban movimientos contrarios en lugar de movimientos directos. * El Conductus: con su aparicion los compositores tienen una mayor libertan en su creacion, sin sujetarse a la melodia base. * El Gymel: las voces o melodias se movian en distancia de terceras solamente comenzando y concluyendo en el unison. * El Faux-bordon: procedimiento musical en el cual las voces se disponian en intervalos de tercera y sexta. Con la aparicion del conductus y con los organums de perotin ue ya tienen cuatro voces, se habren caminos a nuevas combinaciones de polifonia medieval hasta culminar en la forma del Motete. La palabra Motete deriva del frances Moté (texto). La voz principal es el tenor y se va renovando con las otras voces con variantes y diversos desarrollos. Es condicion escencial del motete que sus voces canten simultaneamente al menos dos letras. Aunque nacio de la liturgia poco a poco se va aliando cada vez mas con los razgos melodicos de las canciones de los trovadores, marcando asi la primera aparicion de un arte polifonico profano lleno de vida. La lengua empleada en el motete era el latin para el teros y otras dos voces en frances. La musica en el Renacimiento Historia de la música El termino Renacimiento no es muy adecuado para la musica ya que no hay ninguna rutura con la etapa anterior si no una evolucion estilistica; es mas bien un termino cronologico que nos sirve para hablar de la musica de los siglos XV y XVI. El espiritu del renacimiento nace en Francia y se extiende hacia Italia. A partir de la primera mitad del siglo XV se olvida el espiritu feudal. Los pintores descubren la perspectiva, los arquitectos dejan que entre la luz en las casa, y se construyen calles y plazas como si estuvieran pensadas por los poetas y musicos. Los artistas del renacimiento trabajan para ser perfectos en su ciencia. ¿Pero que renace?, lo que se pretende renacer es la civilizacion antigua despues de un largo periodo de barbarie tambien llamado edad media. El hombre vuelve a mirarse a si mismo, a la naturaleza que lo envuelve y a buscar las fuentes de la cultura clasica. Los centros de produccion artistica ya no son los monasterios si no los circulos artisticos, las cameratas, alrededor de las cortes de los nobles que se convierten en los grandes centros de las artes. La imprenta existia desde hace medio siglo pero todavia no se habia conseguido imprimir musica de buena calidad para poderla comercializar. Va a ser durante el año 1501 cuando se va a publicar por primera vez una colección de 94 obras polifonicas. Esta etapa va a ser muy importante en la historia de la musica. En Italia, Francia y los Paises Bajos, se publican numerosos libros de musica. Unos de los primeros musicos del renacimiento fue Guillaume Duffay, despues de él, el siguiente gran genio de la musica es Josquin des Prés. Su importancia musical a travez de los siglos es tan solo comparable con la de Mozart. Historia de la música La musica que se publica es la de Josquin y la de sus contemporaneos, tambien sus canciones. No son canciones como las de hoy dia, si no canciones polifonicas y algunas tan complejas como las misas. Como no todo el mundo es capaz de interpretar esta musica y como a la mayoria de los aficionados les gustaria tocar esta musica, ellos solos, se publican arreglos para laud, o para una sola voz acompañada de laud. Historia de la música Laud Gracias a la musica impresa el siglo XVI es la epoca de la historia en la que ha habido mas numero de buenos musicos aficionados. En las clases acomodadas, que desgraciadamente son las unicas que pueden comprar estos bonitos y caros libros, la musica forma parte obligatoria de la cultura general. Todo el mundo sabe cantar o tocar uno o dos instrumentos y tambien desifrar la musica. Cuando sus amigos vienen a cenar se les invita a formar parte de la orquesta familiar. Los pobres compositores no se hacen ricos y la musica no es un objeto que se venda como si fuera un cuadro. El salario anual del musico mas grande ni siquiera iguala el precio de una obra de un pintor ilustre. A pesar de esto algunos musicos se hacen famosos gracias a la edicion de su musica, este es el caso de Clement Janequin, director del coro de la catedral d'Angers, quien se dio a conocer por sus numerosas canciones francesas. Algunas son faciles y bonitas como canciones populares y otras son verdaderas escenas animadas a cuatro o cinco voces por ejemplo “La Guerre”. Durante la segunda mitad del siglo XVI los italianos dominaban el mundo artistico. El Madrigal era sinonimo de cancion a Francia. Es musica de camara, tan solo para unos cuantos cantores e instrumentistas, todos sentados alrededor de una mesa. No es musica coral. El mas grande de los compositores italianos es sin lugar a dudas Claudio Monteverdi. Su genio sobrepasa todos los modelos y hace brillar la polifonia. Va a ser al mismo tiempo el mejor compositor tradicional y el mejor compositor de vanguardia de su tiempo. Los ultimos libros de Madrigales que compuso son fascinantes, algunos son cantatas y escenas de opera. Con el siglo XVI la musica polifonica llega a su cima, con una inaudita complejidad y perfecta armonia. No obstante a fuerza de ir ligando las voces ya no se entienden las palabras. Los poetas de la musica tienen la impresión de cansarse para nada. Algunos compositores como Josquin des Pres, Orlando de Lassus, Giovanni Palestrina, Tomas Luis de Victoria escribieron misas y motetes que son la culminacion del arte del Renacimiento Johann Sebastian Bach (1685-1750), fue un musico aleman, quien fue como todos los musicos de su tiempo, logado a los principes de las pequeñas cortes alemanas. Bach no pudo imponerse como compositor ya que se le consideraba un virtuoso del organo. Las bases de su tecnica musical se hallan en el aprovechamiento de todos los logros anteriores, y especialmente en el enriquecimiento de la antigua polifonia: la fuga llega a su punto culminante. La musica en el Romanticismo La palabra Romantico comenzo a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los ultimos años del siglo XVII, comienza como una reaccion contra el clasisismo. Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta si no alienta la sobreposicion de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo y a la vez amor al projimo; un disfrute de lo exotico junto a una nostalgia por lo familiar; una aficion a lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el pasado. El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse a solo un periodo de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija de las ideas de la revolucion francesa, desea liberarse del pasado y, asi, conseguir un arte que exprese el comportamiento y las ideas de su tiempo. A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada vez mas, de la literatura en la musica: en Alemania los poemas de Wolfgang Von Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann, Brahms, etc, para producir una de las manifestaciones musicales-poeticas mas importantes de todos los tiempos, el Lied Aleman. Asimismo escritores franceses y britanicos fueron los inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y otros. El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la acentuacion de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llego a venerarse a la cancion popular como expresion espontanea del alma naicional. Tambien aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del “colorido” sonoro, lo que permitira enriquecer el vocabulario musical con los medios que transformaran y ampliaran el arte sinfonico de los tiempos modernos. El siglo XIX sera el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifonicas, sonoras y de virtuosismo extraordinario. El Lied Los razgos romanticos comenzaron a aparecer en el Lied Aleman hacia fines del siglo XVIII. Se desarrolla un tipo nuevo de cancion, la balada (poemas largos que alternaban la narracion y el dialogo con historias llenas de aventuras). La influencia de la balada tuvo por efecto la expansión del concepto de Lied, tanto en su forma como la amplitud y fuerza de su contenido emocional. La parte de piano se elevo de simple acompañamiento a una posicion de acompañante de la voz. Hacia comienzos del siglo XIX el lied, se habia convertido en un vehiculo apropiado para el maximo despliegue de facultades de cualquier compositor. El caso de Franz Peter Schubert (1797-1828), es unico en la historia de la musica. Antes de cumplir los 20 años ya habia escrito 8 operas y 4 misas. Su produccion es enorme: se le conocen 1270 obras compuestas: 9 sinfonias, 22 sonatas para piano, unas 35 obras de camara, 6 misas, 17 obras del genero operistico y mas de 600 Lieder. Ludwig Von Beethoven(1770-1827), compositor aleman, de gran importancia en la musica. Su carácter arisco e independiente le hacia vivir replegado en si mismo su pesimismo se refleja en el “testamento de Heiligenstadt”, Beethoven escribio musica instrumental, vocal y para el teatro, entre sus obras mas destacadas se encuentran la Sinfonia nro 3 llamada “Heroica”, la nro 6 llamada “Pastoral”, La misa Solemnis y otras muchas obras, hasta un total aproximado de 260. Con Beethoven la musica deja de ser una diversion aristocratica y se dirige al conjunto de la humanidad. Robert Schumann (1810-1856), este compositor aleman fue uno de los maximos exponentes del movimiento musical romantico del siglo XIX. Una lesion en la mano derecha desbarato su carrera como concertista de piano. Se dedico entonces a la composicion y a escribir sobre musica. La musica para piano de Schumann, aunque dista de ser facil de ejecutar, jamas trata de impresionar al oyente mediante su bravura. Su musica encarna mas plenamente que la de cualquier otro compositor, las profundidades, contradicciones y tenciones del espiritu romantico. Sus obras para pianoson colecciones de piezas cortas en las que una pequeña idea deriva en la creacion de toda la obra a travez de una sencilla organización; ejemplo de estos son: “Mariposas”, “Escenas de Niños” y “Album para la juventud”. Federico Chopin (1810-1849), compositor y pianista polaco, considerado como uno de los mas grandes compositores de musica para piano. Comenzo a estudiar piano a los 4 años. Tambien fue precoz como compositor, donde destaco con sus piezas cortas tales como: Mazurkas y Polonesas. Chopin, a cada pieza, por corta que fuera, le dedicaba extrema atencion, asegurandose de que cada nota tuviera una funcion y significado especificos. Musica de Camaraca Felix Mendelssohn (1809-1847), este musico demostro ser un genio precoz, a los 16 años Mendelssohn produjo sus primeras obras: el rondo capricioso para piano y el octeto para doble cuarteto de cuerda, al año siguiente, “Sueño de una Noche de Verano”. La obra que contiene su famosa marcha nupcial la compuso 17 años despues. Como pianista y director realizo giras por Europa, sobre todo por Inglaterra. Trabajo como director musical. Cesar Franck (1822-1890), compositor y organista nacido en Belgica, donde estudio en el conservatorio, para pasar luego al de Paris, donde realizo toda su carrera musical. Su obra se caracteriza por el uso de las formas clasicas, entre ellas la sinfonia y las sonatas. Franck fue el fundador de la musica de camara francesa moderna y su principal obra en este terreno, es la muy conocida sonata para violin en La mayor. El poema Sinfonico Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen hungaro, fue el precursor del recital para piano, tal como lo entendemos hoy, en el que un solo artista toca una velada completa. Recorrio Europa en gira de conciertos y consiguio una fama sin precedentes. Fue director musical, maestro, compositor, incluso llego a estudiar teologia. El nombre de poema sinfonico es significativo: estas obras son sinfonicas, pero Liszt no las denomino sinfonias, quizas por que son breves y no estan divididas en movimientos separados en un orden convencional. Sus mas conocidos poemas sinfonicos son: “Orfeo”, y “Hamlet”. Su obra maestra, la sinfonia de “Fausto”, consta de 3 movimientos, con un final para tenor solista y coro masculino. La Sinfonia Johannes Brahms (1833-1897), compositor de origen aleman, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clasico y romantico. Brahms era especialista en el piano. Su principal interes como compositor comenzo por concentrarse en el piano. El enfocaba la composicion de una sinfonia con gran cuidado y reflexion. Sus sinfonias son clasicas en varios aspectos, estan expuestas de 4 movimientos. Las sinfonias son romanticas en su lenguaje armonico y en su sonoridad orquestal, plena y multicolor. Hector Berlioz (1803-1869), compositor frances, quien a lo largo de su vida hizo varias giras por Europa y Gran Bretaña, como director de orquesta. Fue maestro de toda una generacion de musicos y se convirtio en el primer director de orquesta virtuoso. Berlioz enriquecio la musica romantica con nuevos recursos de armonia, timbre, expresion y forma. La opera en el siglo XIX Francia La Grand Opera A partir de 1820, nacio un nuevo tipo de opera, destinado a atraer a los publicos relativamente incultos que llenaban los teatros en busca de emociones y entretenimiento. Los rasgos fundamentales de La Grand Opera quedan delineados asi: * Argunmento historico no aulico: con fuertes vetas romantico-populares. * Trama policentrica: variedad de situaciones, e incluso de estilos. * Grandiosidad orquestal y coral. * Duracion de la opera de 5 actos. * Costumbre de acabar el penultimo acto con un “falso” final feliz. * Concluir el ultimo con el final tragico. La Opera Comique Este tipo de opera, siguio su curso en Francia durante el periodo romantico, la diferencia entre la gran opera y la opera comique fue que la segunda utilizaba el dialogo hablado en lugar del recitativo, y en que era menos ambiciosa: exigia menor numero de cantantes instrumentistas, y estaba escrito en un lenguaje musical mas sencillo. La Opera Lirica La opera lirica, era el tipo romantico de la opera comica. Su atractivo principal se ejerce a travez de la melodia, su tema es el drama o las fantasias romanticas. George Bizet (1838-1875), fue un compositor frances muy conocido por sus operas. Una de las mas famosas es “Carmen”. Esta opera ejemplifica un rasgo que recorre todo el periodo romantico, el del exotismo. Italia A pesar de la enorme repercusion de Beethoven en la musica instrumental, durante los primeros años del siglo XIX, es la opera italiana la que domina Europa. La distincion entre opera seria y opera buffa se mantuvo con bastante claridad hasta muy entrado el nuevo siglo. Dentro de este ambiente, la figura mas resaltante es la de Giaccomo Rossini (1792-1868). Su fama crecio por toda europa. En su musica se fusionan la expresion lirica y la necesidad dramatica, con melodias cristalinas, una instrumentacion orquestal llena de colorido y un ritmo contagioso. Rossini utilizo el bel canto para crear melodias alegres de gran brillantes y emotividad. Algunas de sus operas mas famosa son: “El Barbero de Sevilla”, “La Cenerentola”, etc. Uno de los compositores italianos mas prolificos del segundo cuarto del siglo fue Gaetano Donizzeti (1797-1848). En general sus operas comicas resisten mejor que las serias, las pruebas del tiempo. El carácter rudo, primitivo e impulsivo de su musica, se adapta muy bien a la reprensentacion de situaciones crusdas y melodramaticas, pero sus obras resultan frustradas con harta frecuencia por la monotonia de su armonia, su ritmo y su orquestacion. Dentro del mismo genero, surgio en Italia otro gigante que llevo a la opera a una nueva cuspide: Giuseppe Verdi (1813-1901). Su trayectoria constituye practicamente la historia de la musica italiana, en la primera fase de su vida musical, se manifiesta el don de Verdi para producir melodias conmovedoras y crear situaciones tragicas y heroicas. En su segundo periodo produjo 2 operas de importancia: “Macbeth” y “Luisa Miller”. En su tercera fase se traslada a Paris, donde compone gran cantidad de operas. Con “Aida”, cierra esta tercera fase de creatividad. Con la famosa “Otello” abre su cuarta y ultima fase. Verdi transformo la opera italiana y actualmente sus operas se encuentran entre las mas representadas en todo el mundo. Alemania Una de las caracteristicas del siglo XIX, fue la fuerte influencia mutua ejercida entre la musica y la literatura, y puesto que Alemania era el pais en que el romanticismo florecio con mayor intensidad, algunos de los desarrollos y ramificaciones mas importantes de todo el movimiento se exhiben en la opera alemana. El compositor mas destacado de la opera alemana y una de las figuras mas importante en la historia de la musica del siglo XIX fue Richard Wagner (1813-1883). La importancia de este compositor es triple: llevo a su maximo la opera romantica alemana; creo una forma nueva, el drama musical; y el lenguaje armonico de sus ultimas obras llevo hasta el limite las tendencias romanticas. En “Tristan und Isolde”, el desarrolla un estilo orquestalmente mas rico, melodicamente mas cromatico, y logra una tension armonica nunca antes alcanzada en la musica. La obra de Wagner afecto a toda la opera subsiguiente. Por encima de todo, su musica se impuso por que, era capaz de sugerir, suscitar o crear en sus oyentes un estado total de extasis. Postromanticismo Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las ultimas etapas del romanticismo, y de la transformacion del lenguaje romantico en el nuevo lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente en Alemania. Sin embargo dos fuerzas desafiaban la posicion musical en Alemania. Una era el nacionalismo, y la otra era el surgimiento de una nueva escuela de composicion en Francia. Los ultimos 30 años del siglo XIX fueron relativamente pacificos en Europa, el comienzo del siglo XX se caracterizo por un creciente desasosiego social y un aumento de la tension internacional (La Primera Guerra Mundial). En el reino de la musica hubo tensiones e inquietudes similares, y durante estos años, concluyo el periodo clasico-romantico. Uno de los rasgos caracteristicos de este periodo en Alemania fue una resurreccion del interes por la opera sobre el cuento de hadas. Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta aleman, y uno de los orquestadores y polifonistas modernos mas excepcionales. Su obra puede dividirse en 3 periodos: en el primero creo su Sonata para violoncello y piano. En el segundo periodo perfecciono el poema sinfonico y creo su famosa obra “Don Juan”, al tercer periodo pertenecen sus operas “Salome” y “Electra”. La Musica en el Siglo XX Para comprender la musica en el siglo XX, es importante acercarse primero a la del siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente supone una autentica liberacion, se va a luchar por una musica mas individual y personal, saliendose para ello de las normas establecidas, la musica impresionista pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser escuchada. Se aplican nuevos acordes, colores y sonoridades. En esta musica el sonido va a constituir el alma de la musica. Claudde Debussy (1862-1918), genero ideas completamente nuevas en la forma, la orquestacion y fue uno de los renovadores mas eficaces de la historia de la musica en el mundo occidental. A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artistico europeo, lo mismo en arte que en musica va a cambiar enormemente. Cada musico tiende a crear su arte independiente, ademas los diversos estilos se iran sucediendo a gran velocidad. Igor Stravinsky (1882-1971), una de las figuras mas importantes del siglo XX. Toco en su obra los aspectos mas variados, investigo en todos los aspectos de la musica, se subio al carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su musica a la de la finales de barroco. Si hay algo que caracteriza al sigloi XX es la ruptura con la tonalidad “Atonalismo”. Esta regla consiste en crear una musica completamente distinta, obviando las reglas que rigieron durante siglos de señirse a una tonalidad. Primero se rompe con la armonia, luego con la melodia, el ritmo y con todo lo establecido. Bela Bartok (1881-1945), musico hungaro, es uno de los musicos que mas va a influir en la musica del siglo XX. Bartok consigue unir la musica moderna con la tradicional, creando un lenguaje nuevo. Mientras tanto en Italia aparecen una serie de musicos que incorporan a su musica, nuevos objetos sonoros: la incorporacion de ruidos. Esta corriente se llamo Futurismo y afecto tanto a la musica como a la literatura y al arte. El futurismo pone como punto de partida el ruido, no el sonido. En Francia mientras tanto, surgio paralelamente el Bruitismo (del frances Bruit, ruido), que parte de ese mismo punto. La musica despues de la Primera Guerra Mundial Despues de la 1ra Guerra Mundial, surge una nueva actitud que domina el campo artistico en las siguientes dos decadas. Sus caracteristicas son la claridad, la objetividad y el orden. Surge un deseo de evitar los excesos del romanticismo tardio o postromanticismo. Algunos de los mas importantes musicos de esta epoca fueron: el musico ruso Stravinski y el musico aleman Schoenberg. Entre los musicos ingleses con mas talento que surgio en la decada de los 30's se encontraba Britten, quien desarrollo su estilo, caracterizado por un eclecticismo claro, con una tecnica muy segura y expresiva. En Estados Unidos, los años que siguieron a la 1ra Guerra Mundial, fueron testigos de la aparicion de la primera generacion de compositores nacidos en su pais, entre ellos se destacan Coppland, que recibe las influencias directas del jazz y Vareze, que se intereso por introducir sonidos nuevos en sus composiciones. En America Latina, la musica estuvo influenciada por la tradicion cultural europea. Fue a finales del siglo XIX, cuando comienza a aparecer una musica latinoamericana por si misma. Casi todos los compositores latinoamericanos comenzaron como nacionalistas y poco a poco introdujeron en su musica las influencias de la musica europea. Entre sus maximos representantes estan Villalobos, Chavez, y Ginastera. La Musica despues de la Segunda Guerra Mundial Una de las caracteristicas de esta guerra fue la creacion de 2 bloques internacionales y antagonicos, el comunismo sovietico frente al capitalismo de EE.UU. Este turbulento contexto historico, tendra gran repercucion en la actividad artistica de la post-guerra; la mas inmediata la emigracion de muchos e importantes musicos desde Europa a EE.UU. lo que convertira a este pais en el centro de la musica y del arte occidental. La musica experimenta un desarrollo muy rapido y si en la decada de los 50's predominan solo 2 tendencias: el serialismo y la indeterminacion, en los 60, surgen el minimalistmo, la musica textural, la etnica, la ambiental, etc... Por fin una caracteristica importante del desarrollo cultural y musical a partir de la segunda guerra mundial, sera la inexistencia de una estetica central, ademas el desarrollo de estas culturas no comunes propisiara a un desarrollo individualista y a la desconeccion total. El espiritu composional de la post-guerra, supondra un gran aislamiento entre el compositor y el publico. Ahora todo se basa en una secuencia de proporciones melodicas, de duracion y soloridades. La indeterminacion es uno de los desarrollos musicales mas significativos que aparecen tras la segunda guerra mundial, y se basa en la utiliacion intencionanda de la casualidad en la composicion y/o interpretacion. Muchos de los musicos de esta corriente tenian la conviccion de que la musica carecia de proposito, de esta forma podian crear estructuras musicales lanzando por ejemplo monedas al aire, o utilizando las cartas de navegacion de cualquier barco. Desarrollo en la Tecnologia Musica Electronica La primera manifestacion de la musica asistida por medios electronicos es la musica concreta. Esta musica parte del ruido o de los sonidos naturales, al igual que el futurismo. En 1952, se crea en Alemania el primer estudio exclusivo de musica electronica. Esta musica esta exclusivamente creada con sonidos producidos electronicamente y parte de lo que se llama “tono sinusoidal”, un sonido puro, sin armonicos, que es fisicamente desagradable y que hay que elaborar con aparatos muy complicados. Entre las primeras obras puramente electronicas encontramos Study I y II del compositor aleman Stockhaussen. Sin embargo la musica electronica creo descontento en los compositores desde el principio ya que aunque permitia un contro exacto y una presicion absoluta sobre la obra, este resultaba pobre y parecia carecer de vida. Por ello, muchos compositores unieron la musica concreta y la electronica, para crearun genero que goza desde gran popularidad desde entonces y hasta hoy en dia, la musica electroacustica. El vertiginoso desarrollo de la tecnologia a partir de la 2da guerra mundial traera como fruto la incorporacion de sintetizadores y a la musica creada por computador o musica cibernetica. En nuestros dias, el panorama musical mundial se caracteriza por un pluralismo cultural y por la irrupcion de las culturas y musicas populares en la vida diaria de todos. El abismo entre compositor y publico es hoy mas acusado que nunca y la musica “culta” parece haberse distanciado de los gustos y preferencias del publico, mas interesados por las musicas mas populares y cercanas, tales como el rock el pop, etc... A pesar de todo esto no parece probable un cambio de la magnitud que la musica viene experimentando a lo largo de todo el siglo XX. Para que la musica cambie, parece que antes el mundo debe cambiar de nuevo... Indice Introduccion # La Prehistoria y las Civilizaciones Antiguas. # La musica en Egipto. # La musica en Grecia. # La musica en Roma. Desarrollo de la musica en el Lejano Oriente. # La musica en China. # La musica en Japon. # La musica en la India. # La musica en Israel. La Musica en la Edad Media. # El Canto Ambrosiano. # El Canto Gregoriano. # La Polifonia. La musica en el Renacimiento. # Johann Sebastian Bach. La musica en el Romanticismo. El Lied. # Franz Peter Schubert. # Ludwig Von Beethoven. # Robert Schumann. # Federico Chopin. Musica de Camara # Felix Mendelssohn. # Cesar Franck. El Poema Sinfonico. # Franz Liszt. La Sinfonia. # Johannes Brahms. # Hector Berlioz. La Opera en el Siglo XIX. # Francia. La Grand Opera. La Opera Comique. La Opera Lirica. # Italia Giaccomo Rossini. Gaetanno Donizzeti. Giuseppe Verdi. Alemania Richard Wagner. Postromanticismo. Richard Strauss. La musica en el Siglo XX. Claudde Debussy. Igor Stravinsky. Bela Bartok. La Musica despues de la Primera Guerra Mundial. La Musica despues de la Segunda Guerra Mundial. Desarrollo de la tecnologia. Musica electronica. Bibliografia Iniciación Musical, O.S Bareilles. Editorial Kapeluz. Editado en diciembre de1968. Educación Musical, de Gastón Mathias. Editorial: Sainte Claire. Editado en marzo de 1979 Enciclopedia Multimedia Salvat año 2000 Enciclopedia Encarta 2000. Musica de Todos los Tiempos, Icarito.

Hola en este post les doy la Historia de Yamaha espero ke les guste En la década de los 60's Coltejer era una de las mayores textileras del país. Una de sus filiales más importantes fue Furesa (Fundiciones y repuestos S.A.) la cual comenzó fabricando partes y repuestos para la maquinaria textil de Coltejer, pero muy pronto, gracias al fuerte desarrollo tecnológico que tuvo, incursionó en la fabricación de telares, válvulas y máquinas cortadoras de césped entre otros. En la segunda mitad de los 60's, los directivos de esta compañía se interesaron en desarrollar auto partes y además evaluaron la factibilidad de crear una ensambladora de automóviles, considerando que en Colombia hacía falta un vehículo popular. Establecieron contacto con la empresa francesa Renault con la que llegaron a un acuerdo para el ensamble de vehículos de esta marca, pero por petición del gobierno nacional este proyecto fue cedido al IFI (Instituto de Fomento Industrial) y en asocio con el gobierno Francés fundaron en 1970 a SOFASA. La RS 100 fue la primera sport de Yamaha. Cerrado este capitulo, Furesa siguió investigando que otro vehículo popular se podía desarrollar, barajaron varias opciones, incluso la del ensamble de bicicletas apoyados por una industria internacional. Fue de esta manera que se pensó en las motocicletas, basados en el desarrollo que había tenido este vehículo como transporte popular en los países de Asia. En esos años, principios de los 70's, las motos eran vehículos poco comunes en nuestras ciudades, la única ensambladora existente era Auteco que ensamblaba motos Lambretta y Kawasaki. Se realizaron contactos con Yamaha de Japón con quienes se estudió la posibilidad de establecer un acuerdo de asistencia técnica y ensamble en nuestro país. Basados en estas conversaciones los directivos de Furesa presentaron a la junta directiva de Coltejer este proyecto, siendo rechazado siete veces en tres años hasta que por fin fue aprobado y se determino comenzar el ensamble en 1975 con una proyección inicial de 800 motocicletas anuales. Una vez que se tuvo luz verde, la principal inquietud de los responsables del proyecto fue como mercadear y comercializar un producto tan poco conocido y usado. Lo primero que hicieron fue aprender a montar en moto y salir a recorrer el país para evaluar los vehículos y su desempeño en nuestra topografía y de paso medir la reacción de la gente, sirviendo esto como estudio de mercado. Algunos directivos de Furesa listos para salir a probar las motos. La línea de ensamble inició operaciones en 1975 dentro de las instalaciones de Furesa en la ciudad de Medellín. Los primeros modelos fueron una moto todo terreno, la DT-125 / 175 y otra de calle, la RS100. Ese año se cerró con un total de 160 unidades vendidas. Aquellas primeras DT tuvieron una importante evolución técnica en 1978 cuando se introdujo el modelo Monoshock, en el cual se reemplazaron los dos amortiguadores traseros por uno solo central, configuración que prevalece hasta nuestros días. En su época esta moto causó un gran impacto porque era la primera vez que se veía un sistema de estas características, además el motor contó con un importante aumento de potencia que las hicieron más rápidas. Gracias a estas mejoras las ventas se incrementaron y se comenzaron a usar en competencias deportivas. En 1980 se mejoró aún más el modelo con la introducción de un nuevo carburador que contaba con un sistema mecánico que compensaba la mezcla de aire - gasolina de acuerdo a la altura sobre el nivel del mar, este nuevo carburador se denominó Calibmatic y dio nombre al nuevo modelo de la saga DT que siguió cosechando éxitos en ventas y que hasta la fecha sigue triunfando en competencias de velocidad. En 1984 apareció por primera vez la última evolución importante de la línea DT, que incorporó un diseño muy moderno para su época que todavía se mantiene vigente. Desde entonces solo ha habido cambios menores siendo lo más relevante en estos años la introducción de accesorios de aluminio, freno de disco delantero y sistema eléctrico de 12 voltios en el 99. La "Calima" fue y sigue siendo una de las mejores motos de Yamaha Sobre estas lineas vemos un catálogo con la línea completa de Yamaha a finales de los 70's, están las RX 100/125, la Monoshock, la DT 100, la Furia, la YZ 250 y la RD 250. Sin duda la línea DT, con todas sus variantes, ha sido una de las más exitosas de Yamaha en nuestro país, con una producción hasta el momento de más de 170.000 unidades, incluyendo la DT200 que se produjo del 93 al 2000 y que fue la más avanzada gracias a su sistema de refrigeración por agua, válvula de escape YPVS y varias innovaciones tecnológicas que le daban un sorprendente rendimiento, el cual ha sido aprovechado en las pistas. En cuanto a los modelos de calle, la línea más significativa ha sido la RX, que es la evolución de las primeras RS. La RX, en todas sus versiones, 100/115/125 y 135, de las cuales se han ensamblado más de 87.000 unidades hasta el momento, han sido muy apreciadas por sus usuarios, en especial por los jóvenes por ser motos muy rápidas, lo que a su vez ha hecho que haya tenido y tenga en la actualidad, una nutrida asistencia en las competencias de velocidad. También de aquella época data la FS80, más conocida como Furia, nombre inspirado en un caballo de una película de cine y cuyo logo le daba una importancia predominante a la "F" en clara alusión a Furesa. Este modelo fue muy estimado por su bajo precio de compra, económico funcionamiento y excepcional calidad y resistencia. Todos estos atributos la hacían ideal para el transporte en la ciudad por lo que era muy valorada por estudiantes y trabajadores quienes fueron sus principales compradores, todavía se pueden ver algunas unidades rodando por nuestras calles. La indestructible Furia fue la primera moto de muchos colombianos En total se han ensamblado más de 87.000 RX en todas sus versiones en nuestro país La DT es el modelo más vendido de Yamaha en Colombia, una moto que cumple dos décadas sin mayores modificaciones En aquellos primeros años se experimentó con un modelo pensado exclusivamente para el campo, la AG100, más conocida como la Agro, la cual contaba con protecciones especiales, una caja de cambios modificada para tener más fuerza a bajas velocidades y una inmensa parrilla para cargar grandes bultos o animales pequeños. Este modelo no encajó bien en nuestro mercado porque las motos en aquella época eran un medio de transporte muy poco conocido y aceptado en el campo, a diferencia de otros países como por ejemplo Australia donde la Agro es toda una leyenda. En sus inicios el mayor reto para Yamaha fue la promoción de sus productos, con el agravante de que el presupuesto de publicidad era muy pequeño. Por esto la estrategia se baso en dos puntos; el primero en promover el uso de la moto entre reconocidos directivos industriales de la ciudad y el segundo en participar en carreras de velocidad que se corrían en circuitos callejeros y de motocross, eventos que gracias a incontables triunfos se convirtieron en la mejor vitrina de Yamaha. Aquí se aprecia la RX 115 Las primeras carreras de motocross en las que estuvo Yamaha, fueron las que se realizaban en la pista de la Arenera ubicada en los terrenos de una fábrica de ladrillos cerca de las instalaciones actuales de Pintuco, en Medellín. Posteriormente Furesa inauguró su propia pista en Envigado donde se organizaban carreras, tanto departamentales como nacionales y además se corría la categoría Enduro, en la cual los aficionados participaban con sus propias máquinas de serie y donde las Monoshock y Calibmatic eran muy comunes en la grilla de partida. Inclusive se realizó en una oportunidad la Copa Monomarca Yardley solo para motos Monoshock, la cual tuvo una nutrida participación. De esa época data el primer equipo profesional Yamaha de Motocross integrado por personajes como Fernando y Cristian Echavarria, Juan Pablo de Bedout y otros que seguramente los aficionados de los 70's y 80's recordarán. En la segunda mitad de los 80's la actividad deportiva de está especialidad, se vio muy disminuida por diferentes factores pero volvió a resurgir en los 90's y Yamaha conformó nuevamente un equipo oficial con el cual ha cosechado grandes éxitos, primero con Nicolás Stankov y más recientemente con Juan David Posada, ambos varias veces campeones nacionales en diferentes categorías. Yamaha también estuvo presente desde sus inicios en las competencias de velocidad, las cuales se corrían mayoritariamente en circuitos callejeros como por ejemplo el del Estadio y el del Poblado en Medellín y muchos otros a lo largo de toda la geografía nacional. Las motos usadas eran las RX100 y XT500, muchas de ellas modificadas por los mismos corredores. Además de esto la empresa patrocinaba algunos pilotos que competían con máquinas especiales traídas de Japón como por ejemplo las TZ125 y 250. Actualmente, aunque Yamaha no tiene equipo oficial de velocidad, sus modelos son muy usados en esta especialidad, como por ejemplo la BW'S (en la categoría scooters), las DT (en todas sus variantes) y las RX. Adicionalmente Incolmotos-Yamaha patrocina la Copa RX 115 en la cual solo corren las 115 sin ninguna modificación, dándole la oportunidad a numerosos amantes de la velocidad de dar sus primeros pasos en competencia. Orlando Vélez corriendo en el latino de 1978 con una Yamaha patrocinada por Furesa Algunos pilotos del Team Yamaha de comienzos de los 80's listos para correr en la pista de Furesa al sur de Medellín A principios de los años 80's Yamaha vendía 13.000 unidades anuales y el portafolio estaba compuesto por las líneas DT, RX y la Furia. Además se importaron motos ensambladas entre las cuales estaban las míticas XT500 y su versión de Enduro la TT500, que fue la moto de los sueños para los aficionados de la época por ser la más potente del mercado y además por su versatilidad. Los afortunados que podían tener una TT o una XT, no solo disfrutaban de su enorme potencia sino también con la admiración que suscitaban estas máquinas en la calle cuando la gente se volteaba a admirarlas al sentir el inconfundible sonido del poderoso monocilíndrico. No pasó mucho tiempo antes de que se formaran grupos de usuarios de este modelo quienes frecuentemente organizaban paseos y diferentes actividades. La fama de la XT500 también se formó en las pistas de carreras donde cosechó muchos éxitos y tuvo un gran impacto. En esa época también arribaron algunas RD200 - 350 y 400, motos deportivas de calle con potentes motores bicilíndricos de 2 tiempos pero sus ventas no fueron muy significativas, aunque si dejaron una huella imborrable gracias a su sorprendente desempeño y al delicioso sonido que fluía de sus dos escapes cuando eran aceleradas a fondo. La XT 500 fue y sigue siendo uno de los más apreciados modelos de Yamaha Junto a la creación de la línea de ensamble se estableció la sociedad Impormoto que importaba y distribuía los repuestos Yamaha. La primera importación que se hizo fue de un contenedor y costó tres millones de pesos, una cifra astronómica en ese entonces y como el negocio de Yamaha era tan nuevo se cometieron errores porque las cantidades de piezas se pedían sin ningún tipo de criterio sino por simple percepción. Otro hecho que marcó el futuro industrial de la naciente ensambladora de Yamaha, fue la compra de Coltejer por parte de la organización Ardila Lulle en la segunda mitad de la década de los 70's, que dentro de sus planes estratégicos determinó que Furesa se debía concentrar mayoritariamente en los textiles. Esto ocasionó que la línea de ensamble fuera absorbida por Impormotos y se trasladara a unas nuevas instalaciones en el municipio de Envigado, Antioquia. En 1985 la organización Ardila Lulle puso a la venta la línea de ensamble de motos y un grupo de industriales de la ciudad junto con Yamaha Motor Co. compraron la sociedad cambiando la razón social por su nombre actual, Incolmotos (Industria Colombiana de Motocicletas). Con este nuevo panorama la empresa se trasladó a unas instalaciones localizadas en la avenida las Vegas cerca de donde está ubicado actualmente el periódico El Colombiano. En un principio la participación de Yamaha fue del 19% y en 1999 adquirió el 50% de la empresa, momento en el cual pasó a llamarse Incolmotos - Yamaha. Las veloces RD en sus diferentes cilindradas hicieron epoca en nuestras calles y carreteras En la década de los 80's la producción se concentró en las líneas DT y RX y se introdujeron dos pequeñas motocicletas de dos tiempos y 50cc, la Passol y la Towny, esta última tuvo una importante difusión en la ciudad de Medellín donde se vendieron la mayoría de las 5.000 unidades fabricadas. Este modelo es muy recordado por su accesible precio, fácil maniobrabilidad y sencilla mecánica que hizo que fuera la primera moto de muchos aficionados aunque las compraran usadas después de varios dueños. Todavía podemos ver muchas de estas, algunas corriendo en las categorías inferiores de scooters. Otro modelo que se comenzó a fabricar en esta década fue la V80, la primera moto semiautomática que ensambló Yamaha y que estuvo en producción durante 19 años hasta el 2003 gracias a su gran aceptación. La V80 permitió a Yamaha acceder a un público al cual, hasta el momento, había tenido muy poca penetración, el de las mujeres a quienes este tipo de motos se adapta muy bien. Curiosamente dentro de la empresa pocos creían que fuera exitosa en nuestro medio, pero la realidad demostró lo contrario; para cuando se dejo de ensamblar se habían vendido más de 115.000 unidades y actualmente es muy cotizada en el mercado de motos usadas. También tenemos que destacar la XT200 que tuvo escaso éxito entre el público pero que es muy recordada porque el transito de Medellín adquirió un lote de 140 unidades, de las cuales la mayoría estuvieron en funcionamiento por más de 15 años rodando continuamente por las calles de la ciudad. La Towny fue la escuela de más de uno A finales de los 80's, los directivos de la empresa previendo un incremento de ventas y con el fin de aumentar la capacidad productiva adquirieron unos terrenos en el municipio de la Estrella, donde actualmente opera la línea de ensamble, las bodegas y la sede administrativa. En los primeros años de los 90's Incolmotos tuvo un acelerado desarrollo gracias al aumento de ventas de motocicletas en nuestro país, pasando de poco más de 9000 unidades en 1990 a casi 50.000 unidades en 1995. Esto animó a los directivos de la empresa a pensar en incrementar aún más la capacidad de producción, para esto se adquirió un terreno en Girardota donde se pensaba construir unas nuevas instalaciones de 20.000mts cuadrados y un complejo de motocross, pero estos planes fueron aplazados debido a una sorpresiva caída en las ventas durante el 97 y 98, asociada a la crisis económica del país, que llevó a Incolmotos a una fuerte reducción de las ventas, cerrando el año 2.000 con menos de 20.000 unidades vendidas. Actualmente en estos terrenos funciona la pista de Motocross más importante de Antioquia. En la década de los 90's se amplió la gama de productos con la introducción de los Scooters Jog de 50cc, Axis de 90cc y la Chappy, una moto que a pesar de su curioso diseño fue muy apreciada por sus usuarios y aunque se vendía muy bien fue descontinuada desde la casa matriz en Japón. Estos modelos permitieron a Yamaha seguir ofreciendo un producto para el segmento de compradores que consumía la Towny. En el año 1999 se introdujo la BWS, un potente scooter de apariencia "todo terreno" dirigido a un público joven, tanto hombres como mujeres, que de inmediato tuvo gran aceptación gracias a su novedoso diseño y buen desempeño tanto en calle como en las pistas, donde ha logrado bastante reconocimiento. La BWS representa la nueva imagen de Yamaha A partir de 1998, siguiendo las tendencias mundiales hacia la paulatina eliminación de los motores de dos tiempos por su alto grado de contaminación, Yamaha ha introducido varios modelos de cuatro tiempos, el primero de los cuales fue la Crypton, una semiautomática de 110cc con la cual se quiso dar un diseño más moderno y actual a esta categoría cuya única representante hasta el momento había sido la V80 y que además permitió introducir mejoras como el arranque eléctrico y el freno de disco. Continuando con la política de incrementar los modelos de cuatro tiempos, en el 99 se lanzó la XT225, una enduro concebida para ser el reemplazo de la DT200 y dirigida a un segmento de usuarios que desea una opción diferente a las DT125/175. En la categoría de calle se introdujo en el 2001 la YBR125 procedente de Brasil. Adicionalmente en el comienzo del nuevo siglo Yamaha comenzó a ensamblar modelos que antes se importaban como el caso de la XT 600, sucesora de las primeras XT500 y la Virago 250. Además se siguen produciendo tradicionales DT y RX que han existido a lo largo de toda la vida de la empresa. Yamaha ha estado presente en el mercado colombiano por casi 30 años, tiempo en el cual pasó de ser una idea en la mente de unos pocos empresarios con visión, que creían en el futuro de la motocicleta como vehículo popular de transporte, a ser una importante empresa con presencia nacional y con intereses en varias líneas de negocios. En sus inicios contribuyó a expandir y popularizar el mercado de la motocicleta y a través de los años sus productos han sido muy valorados por los usuarios de nuestro país por la calidad, rendimiento, confiabilidad y respaldo que han encontrado en esta marca, cualquiera que sea su uso; transporte, trabajo, recreación o competencias deportivas. Sin duda Yamaha, en el sector de motocicletas, es una de las marcas más apreciadas y en el futuro seguramente seguirá ocupando un lugar predominante en nuestro mercado. Ahora imagenes Esefue el final de mi post espero ke les haya gustado comenten dejen puntos y si kieren sigan el usuario

Bueno en este post les voy a dejar el analisis del l.a noire xdxdxdxd ojala les guste El L.A noire es un videojuego ùnico desde todos los puntos de vista que aùn a lo mejor de sagas como GTA con un elemento de investigacion formidable.El l.a noire tambien es mitad juego de accion, mitad aventura grafica del siglo 21; lo nuevo del creador de ''the getaway'' para rockstar es un videojuego de sobresaliente Ahora unas imagenes Bueno este ha sido el final de mi post asi ke espero ke les haya gusto, comenten, dejen puntos y no se olviden de seguirme el usuario

Bueno en este post les voy a dejar el analisis del NFS Hot pursuit Need for speed es uno de los nombres más reconocidos dentro del panorama de la conducción arcade en las consolas. La saga, que ah pasado por diversas fases bastante alejadas unas de las otras, volvió a la carga en el anterior 2010. Por otro lado está criterion, padres de los excelentes burnout y un estudio que ah demostrado infinidad de veces el buen saber hacer dentro de la conducción más frenética. De ambos casos nace Hot pursuit, una sonrisa al pasado con herramientas actuales. Es la hora de quemar el asfalto, ganar... y escapar. O dar caza. Lo que sea menester. Ahora unas imágenes