lunfardo

Registrate y eliminá la publicidad! este es un articulo que lei sobre Jim Morrison y me parecio muy bueno y quiero compartirlos con ustedes: "Estáis bebiendo con el número tres". Jim Morrison, cantante de "The Doors", profetizó así su propia muerte tras recibir la noticia de que Janis Joplin acababa de fallecer, 16 días después de morir Jimi Hendrix. Era octubre de 1970, le quedaban sólo nueve meses de vida y uno de ellos lo iba a pasar en España. Fue entonces cuando cansado de la fama, harto del rock y perseguido por la justicia estadounidense, buscó en París un refugio para esconderse de cuatro años de excesos. Sin embargo, en la capital francesa, éstos no cesaron y el alcohol siguió muy presente en su vida. Un día, tras toser sangre, un médico le recomendó descansar en un clima cálido. Sin pensarlo demasiado, el 10 de abril de 1971 inició un viaje en el que visitó España junto a su novia Pamela Courson. La pareja alquiló un Peugeot con el que atravesaron los Pirineos por Cataluña antes de parar en Madrid, donde visitaron el museo del Prado. Allí, según relata el escritor Stephen Davis en una biografía del artista, Pamela Courson grabó con su cámara Super-8 a Jim Morrison petrificado contemplando "El Jardín de las Delicias" de El Bosco, tríptico sobre el que había escrito en sus años de estudiante en la Universidad de Cine de Los Ángeles. JIM MORRISON Y LA ALHAMBRA La pareja atravesó el puerto de Despeñaperros y llegó a Granada. En la ciudad andaluza se iban a encontrar con un grupo de personas que habían creado un local en el que la cultura fluía por sus paredes. Se llamaba Zíngara y todas las noches ofrecía exposiciones de pintura, conciertos y encuentros poéticos. El granadino Ángel Carmona fue uno de los impulsores de aquel lugar mágico, ubicado en el barrio del Sacromonte y con unas vistas impresionantes a La Alhambra. Durante los años 60, Carmona visitó lugares emblemáticos de la contracultura hippie, como San Francisco o París, donde incluso llegó a conocer al filósofo Jean Paul Sartre. Cuando decidió volver a Granada, trajo unos conocimientos que prácticamente no existían en España. Pero no fue el único. Un amigo suyo, Rafael Cuéllar, visitó en 1968 la California más hippie de la historia. Cuando regresó a Granada, ayudó a Carmona a excavar con sus propias manos una cueva que acabó convirtiéndose en Zíngara. Allí ponían discos que trajeron de Estados Unidos de Ten Years Atfer, Jefferson Airplane, Santana o Jimi Hendrix, que se mezclaban con el folclore local. Aquel lugar fue adquiriendo fama y la voz se corrió entre los amigos que Carmona había dejado en California. "Comenzó a llegar gente de todo el mundo. Un día apareció una pareja canadiense que había oído hablar de Zíngara. Después fueron llegando más", explicó a EFE. Uno de aquellos visitantes fue Jim Morrison. Una noche, Cuéllar se percató de que pasaba algo diferente: "Era un lugar de difícil acceso. Vi un coche aparcado en la puerta, algo que me pareció extraño. Cuando entré, las dos camareras estaba alborotadas porque Jim Morrison estaba en el local". Joanie Roseblant y Joanne Yablosky eran dos jóvenes californianas que viajaban por Europa y pararon en Granada por un tiempo, donde trabajaron en Zíngara. Rápidamente reconocieron al barbudo Jim Morrison. "Pamela se acercó a la barra y nos dijo que iban de incógnito. Charlamos con ellos en una mesa y nos invitaron a su piso de París", recuerda Rosenblant. Después, Cuéllar decidió entablar conversación con el artista. "Me dijo que vinieron a Granada, porque habían oído hablar de Zíngara. Se alojaron en casa de tres australianos. Después me pidió whisky, pero como no había, salí a buscarlo. Conseguí una botella. Estaba acompañado por gente muy seria y silenciosa, y, salvo él, que se la bebió entera, el resto parecía alimentarse del aire", destacó. Jim Morrison no hacía caso al médico que le recomendó calmar sus hábitos destructivos. En 1969 relató su relación con el alcohol en Rolling Stone: "Tienes el control hasta un punto. Es tu elección cada vez que tomas un sorbito. Tienes un montón de pequeñas elecciones. Supongo que es la diferencia entre el suicidio y una capitulación lenta", dijo. La muerte rondaba a Jim Morrison, pero Zíngara ofrecía vida. Allí presenció varios conciertos, pero no se animó a cantar. "Nos pidió que le pusiéramos algo de Janis Joplin. Y lo hicimos. Estaba nostálgico", recuerda Cuéllar. El encuentro de aquel joven granadino con Morrison concluyó cuando le mostró La Alhambra. "Decía algunas palabras en español y le dije que era el lugar más bello del mundo y que tenía que visitarlo". Al amanecer, el "Rey Lagarto" y Pamela Courson subieron al monumento. El cantante quedó atrapado por su magia e insistió en verlo varios días seguidos. Pamela grabó a Jim sentado cerca de la famosa fuente custodiada por los leones de piedra. Tal y como asegura Stephen Davis, Morrison se levantó con una sonrisa angelical en su rostro y caminó hacia la cámara hasta que uno de sus ojos ocupó el último fotograma. Tras pasar varios días en Granada, la pareja viajó a Tánger, desde donde fueron a Marrakech. Después, cogieron un avión en Casablanca que les devolvió a París. Comenzaba la cuenta atrás para un trágico desenlace. Era el 3 de mayo de 1971 y a Jim Morrison le quedaban dos meses de vida. LA ÚLTIMA VISIÓN DE MORRISON Su cadáver apareció en la bañera del piso derecho de la cuarta planta del 17 de Rue de Beautreillis hace exactamente 36 años. La versión oficial dictaminó que murió de un ataque al corazón. Pero el francés Gilles Yepremian, que conoció a Jim Morrison en París tras recogerle borracho en un pub llamado "Rock and Roll Circus", explicó a EFE que el cantante falleció en los retretes de aquel local tras esnifar heroína que fue a recoger para su novia. La verdad de lo que pasó la noche del dos al tres de julio de 1971 nunca se sabrá. Pamela Courson contó que después de regresar del cine, pusieron las filmaciones de sus viajes por España porque Jim no era capaz de dormir. THE END (SUNTITULADO EN ESPAÑOL) genio morrison espero que les agrade la informacion saludos

Registrate y eliminá la publicidad! La página web www.enriquebunbury.com permitirá desde hoy lunes 15 de Septiembre a las 12:00h asistir al estreno en exclusiva de “EL HOMBRE DELGADO QUE NO FLAQUEARÁ JAMÁS”, un film de siete minutos de duración dirigido por el realizador francés Edouard Salier. Dicho cortometraje rodado en clave de psicodélico-sangrienta-road movie en el desierto de Salton Lake, California, cuenta con el propio Bunbury como actor protagonista y podrá ser visualizado en formato 480p., algo así como la alta definición del “streaming” de video por Internet. Enrique Bunbury y su discográfica, Emi, se han puesto de acuerdo para hacer el estreno de dicho cortometraje a través de la página web del artista, para preservar la integridad de su formato y de sus contenidos, algunos de los cuales pueden resultar hirientes para determinadas audiencias. la fuente es www.enriquebunbury.com no perderselo y no me borren el post que hay mucha gente que le gusta bunbury y no estan enterados de esto

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TOM WAITS :flower's grave Johnny Cash: Mercy Seat algunas frases de este genio: "No era mi día. Ni mi semana, ni mi mes, ni mi año. Ni mi vida. ¡Maldita sea!" "El hombre ha nacido para morir.¿Qué quiere decir eso? Perder el tiempo y esperar. Esperar el colectivo. Esperar un par de tetas alguna noche de agosto en un cuarto de hotel en Las Vegas. Esperar que canten los ratones. Esperar que a las serpientes le crezcan alas. Perder el tiempo" "Me da igual lo que hagan conmigo cuando muera; pueden quemarme, pueden hacerme rebanadas, pueden dar mis pelotas a la ciencia, no me importa." "Yo no analizo jamás, me limito a reaccionar... yo ando con todos mis prejuicios. jamás intento mejorarme o aprender algo. No soy uno que aprende, soy uno que evita." "A veces me miro mis manos y me doy cuenta que podría haber sido un gran pianista o algo así. Pero, ¿Qué han hecho mis manos?. Rascarme las pelotas, firmar cheques, atar zapatos, tirar de la cadena de los inodoros, etc., etc. He desaprovechado mis manos. Y mi mente." "Si ocurre algo malo, bebes para olvidar, si ocurre algo bueno, bebes para celebrarlo, y si no pasa nada, bebes para que pase algo" “La vida es todo lo agradable que se lo permitas” "La diferencia entre una democracia y una dictadura consiste en que en la democracia puedes votar antes de obedecer las ordenes." "Siempre habrá dinero y putas y borrachos, hasta que caiga la última bomba". “Algunas personas nunca enloquecen. Tendrán unas vidas realmente horribles” "No es suficiente con hacer tu trabajo, sino que además tienes que mostrar un interés por él, una pasión incluso." "El amor es para la gente real." "El morirse de hambre, desgraciadamente, no ayuda a mejorar el arte. Sólo es un impedimento. El alma de un hombre esta radicada en su estómago." "Los grandes amantes eran siempre hombres ociosos." "La gente no necesita amor, lo que necesita es triunfar en una cosa o en otra." "El camino del infierno estaría lleno de compañía, pero aun así era tremendamente solitario." "Ella era un alma más o menos buena, pero el mundo esta lleno de almas más o menos buenas y mira donde estamos." "Escribir te empuja a espacios acreos, te convierte en un extraño, en un inadaptado." "Iba muy poco al cine por que me bastaba a mí mismo para asesinar mi tiempo, no necesitaba ayuda extra." "Es el intento de escapar del sufrimiento lo que crea grandes escritores: te sientes tan bien que haces que los lectores se sientan bien." "Algunas veces si un hombre no tiene fe en lo que está haciendo, puede hacer una tarea mucho más interesante desde el momento en que su mente no está ciegamente absorbida por la causa a la que sirve." "Algunas veces la gente insignificante que se queda en un mismo sitio por mucho tiempo, alcanza un cierto poder y prestigio." "Parecía como si sólo hubiese dos elecciones: vivir dentro de la carrera de atropellos o ser un marginado hundido." "Mi objeción hacía la guerra no era lo de que tenía que matar a alguien o ser matado sin ningún sentido, el argumento clásico que difícilmente funcionaba. Lo que yo objetaba era que me negaran mi derecho a sentarme en un cartucho, no pegar golpe, beber vino barato y volverme loco por mi cuenta y riesgo." "Me encuentro bien entre marginados por que soy un marginado. No me gustan las leyes, ni morales, ni religiones o reglas. No me gusta ser moldeado por la sociedad." "Es bueno sentir hostilidad, mantiene la cabeza despejada." "¿Qué puede hacer un poeta sin dolor? Lo necesita tanto como a la maquina de escribir." "Los mayores inventos del hombre son la cama y la bomba atómica: la primera te aísla y la segunda te ayuda a escapar" "El hombre es la victima de un medio que se niega a comprender su alma" "La Muerte se está fumando mis cigarros" disfrutenlo las canciones son excelentes

este tema sale de su excelente album pateando tachos a disfrutar la calidad poetica de este gran señor que es Facundo Cabral Mujer de mi mala Suerte Con la patente del corazón vencida Transito entre los cadáveres buscándote mi amor, Y no te encuentro. Mujer de mi mala suerte, Asombro del pobre, Capricho del rico, Mujer que entraste en mi vida a pesar de los cerrojos que puse en todas mis puertas. Atraviesas las paredes De mi cuerpo y de mi alma Y me derribas los muros con que protegía a mi corazón. Mujer de mi mala suerte Que llenas de flores a mi cementerio. Engañaste a la gitana porque no estabas escrita en la palma de mi mano. Ni en las estrellas del cielo, Confundiendo a mi destino Con solo pasar corriendo al costado de la mano Alguien grito tu nombre Para que ya no pueda oír otro Resonando en el maldito mundo donde te espero en vano Mujer de mi mala suerte Como duele una hora de no verte Cuanto pesa tu ausencia Estoy cansado de respirar para vos De encontrarte en cada instante de mi soledad Para que me devuelvas puntualmente al día y ala hora en que te conocí. Mujer de mi mala suerte Apágame las flores Que me quitan el sueño. Mujer de mi mala suerte, Cuando apago al luz Se enciende tu risa Quiero saber como es tu noche Tu aliento en la madrugada Tu ventana abierta para calmar la sed De no se que viajero. Mujer de mi mala suerte Ni esta desgracia es tuya Ni este dolor es mío. Mujer de mi mala suerte Devolveme la vida No quiero ser ninguno De ese nadie que todos se llevan por delante Porque ya no soy nada Lo que fui esta contigo Mujer de mi mala suerte Facundo Cabral

este poema me encanta espero que lo disfruten al igual que el video de alejandro susti que hicieron para el tributo rock a cesar vallejo aca en peru el disco se llama "Los pasos lejanos" CONFIANZA (CESAR VALLEJO) Confianza en el anteojo, no en el ojo; en la escalera, nunca en el peldaño; en el ala, no en el ave y en ti sólo, en ti sólo, en ti sólo. Confianza en la maldad, no en el malvado; en el vaso, más nunca en el licor; en el cadáver, no en el hombre y en ti sólo, en ti sólo, en ti sólo. Confianza en muchos, pero ya no en uno; en el cauce, jamás en la corriente; en los calzones, no en las piernas y en ti sólo, en ti sólo, en ti sólo. Confianza en la ventana, no en la puerta; en la madre, más no en los nueve meses; en el destino, no en el dado de oro, y en ti sólo, en ti sólo, en ti sólo.

Para el pintor inglés Francis Bacon el cuerpo se presenta como un objeto mutilado que regresa a la animalidad. Toda su obra se ocupará del problema de la representación obsesiva del cuerpo humano con sus implicancias estéticas, biográficas e identitarias. En su pintura, como se verá, el hombre padece el desgarro de la carne, que es interpretado como el fin del cuerpo y el último reducto del yo. Con la deriva iconográfica del retrato y su búsqueda del reconocimiento existencial se difuminan los rostros, se escinde el yo y se desmiembran los cuerpos, en esa lucha por la fijeza, por la estabilidad jamás conseguida que encontramos en la obras de Francis Bacon. Una visión desesperada que nos adentra en el territorio de la decadencia y la alienación: el éxtasis, el deseo de la carne, los fluidos, el detritus, la mutilación y la muerte que invaden sus telas. Francis Bacon; el desgarro de la carne y la deriva del yo. - Bacon ya era un mito antes de morir. Él fue su mejor obra de arte. Un hombre de extremos. Genio maldito. Un caballero educado, elegante, borracho, jugador, promiscuo y pendenciero. Un ateo que pintaba papas. Con obra en todos los grandes museos de arte contemporáneo del mundo. Dulce y agrio. Traje a medida de Savile Row y labios pintados. Un vídeo de los ochenta le perpetúa sin rumbo fijo por Londres con su caminar elástico y ambiguo La fuerza de la ambigüedad de sus obras es lo que hace de Francis Bacon un referente crucial de la pintura posterior a la Segunda Guerra Mundial, cuando los basamentos modernistas parecieron desfallecer. Bacon pone de manifiesto el choque de fuerzas que se origina en el mundo occidental: por un lado la vertiente racionalista, por otro, la vertiente organicista, en el centro Bacon sosteniendo en espacios ascéticos los cuerpos que se desmiembran en esa lucha por la fijeza, por la estabilidad jamás conseguida. Una visión desesperada que nos adentra en el territorio de la decadencia y la alienación. La pintura de Bacon abrió heridas en la belleza, horadó el sentido iconográfico del cuerpo para someterlo a una pesadilla pictórica sin precedentes en la pintura de occidente. Supo como nadie retratar la soledad de seres desgarrados por la vida que tratan de limpiar sus pecados en sucios y desolados lavados; seres alumbrados por un sol degollado y concentrado en una anémica bombilla la cual ilumina, de malas maneras, estancias huidizas. Francis Bacon basa su producción artística en la representación obsesiva del cuerpo del hombre. Una representación que responde, básicamente a las siguientes ideas: - El cuerpo ya no es observado como el espacio, el refugio, que asegura la idea del yo, sino, por el contrario, el dominio donde el yo es contestado e, incluso, perdido. El control sobre el propio cuerpo es una ilusión, el hombre basa su existencia en una falta de estabilidad que le es desconocida. Se cuestiona la identidad y los valores que se consideraban conformadores del hombre el cuerpo es reconstruido y sus fronteras traspasadas y/o superadas. A consecuencia de todo ello, Bacon va a representar icónicamente el cuerpo como un objeto mutilado que regresa a la animalidad, que se encierra y enfrenta a sí mismo desbordando los estereotipados discursos de la masculinidad y la construcción cultural de los géneros, que, obsesionado por su proximidad a la muerte y su semejanza al cadáver llega a disolverse y a desaparecer. Bacon realiza una anatomía de la autodestructividad humana, ensaya atrapar la intensidad de la experiencia corporal en esos momentos de dolor y éxtasis que prefiguran la desaparición física y nos enfrentan al cadáver. La muerte invade así las telas de Bacon, el cuerpo se desfigura, se pudre, vulnera la frontera de lo orgánico y los detritus lo invaden todo: El cadáver es el punto culminante de la abyección. La muerte infecta la vida. Extranjería imaginaría y amenaza real que acaba por engullirnos. El cuerpo como objeto mutilado; regresión a la animalidad. El mundo de Bacon –su imaginario, sus preocupaciones pictóricas– se centraba en lo que podríamos denominar la realidad humana irreductible: la cabeza, la protuberancia con la que termina el ser humano. Bacon descubrió que la forma más simple y más efectiva para crear la intensa emoción que quería que sus cuadros transmitieran, era hacerlo de una sola embestida, que todo lo que necesitaba era una cara o una figura, apenas esbozada, una jaula o una cortina partida. A partir de estas consideraciones, que dieron lugar a innumerables cuadros impregnados de su sugestivo estilo, todo movimiento humano y toda expresión serían de su incumbencia: los amantes en la cama, los bebedores en el bar, los cuerpos de los luchadores revolcándose en la arena. Observar a los animales, generalmente en reportajes fotográficos, le sirvió a Bacon de entrenamiento para develar y expresar de forma más precisa el instinto humano. Bacon sólo quería captar ese instinto, el hombre despojado de su humanidad, el hombre como animal. El resto era “una glosa a la civilización, encubridora de la maraña de furia y del bramido de miedo que se escondían en grandes cantidades en seres humanos”. Bacon basa pues su producción artística en la obsesiva representación del cuerpo del hombre como animalidad. Bacon va a representar icónicamente el cuerpo como un objeto mutilado que regresa a la animalidad, que se encierra y enfrenta a sí mismo deconstruyendo las convenciones de género y desafiando no sólo la gramática de los sexos –en particular los estereotipos de la masculinidad– sino la anatomía de nuestra precaria carne, de nuestra decrepitud constitutiva, la que pese a nuestra obsesión cosmética por mantenerla en forma y –poder así– responder a los apetitos de su propia condición animal y autodestructiva, tiende a disgregarse y desaparecer. Durante más de medio siglo, Francis Bacon fue creando una serie de cuerpos crucificados, contorsionados, mutilados, deformes, con rostros en el límite de la desaparición, criaturas que copulan, defecan, vomitan, eyaculan, sangran, y se desmoronan. El cuerpo –en la obra de Bacon– se hace carne, se desacraliza, se presenta como espasmo, rompe con la armonía de la superficie y de la forma en un ser amenazado por su propia indefinición, esto es, por la dispersión de su identidad. Un cuerpo que se descompone, que escapa por una boca que grita, que se vacía, se prolonga en los torrentes de semen, se dilata, se mezcla con otros cuerpos, se metamorfosea en su reflejo. Frente a la concepción de un cuerpo o una piel idealizada, Bacon configura –o desfigura– la materialidad de la carne cuya viscosidad y crudeza de color nos recuerda la animalidad del ser humano. Bacon disecciona el cuerpo como un cirujano, para enfrentarnos a la vulnerabilidad de la condición humana. Bacon crea un texto fisiológico, marcado por lo más abyecto del ser humano, que nos lleva a una profunda agresividad y violencia hacia el propio cuerpo y el de los otros. “Lo abyecto nos confronta con esos estados de fragilidad en que el hombre vaga en los territorios de la animalidad”. Bacon deshace el rostro, hace que surja la cabeza bajo él. El hombre es acoplado a su animal gemelo en una tauromaquia latente. Mucho más allá del aparente sadismo, los huesos son los aparatos de los que la carne es acróbata. La animalidad esta impresa en la carne grosera, innoble, sórdida y, también, en los seres desgarrados, inacabados y descompuestos que Bacon pinta. Sus figuras –encerradas en una bestial carnalidad– describen las etapas de una metamorfosis que evidencia el aspecto larvario del individuo, que va desde lo informe a lo abyecto: “Eso que la pintura de Bacon conforma es una zona de ‘indiscernibilidad’ entre el hombre y el animal. El hombre deviene animal (…) hasta el punto que la figura más solitaria de Bacon es ya una figura acoplada, el hombre acoplado con su animal”. Así es, por ejemplo en el cuadro Segunda versión del tríptico 1944, de 1988, en el que tres figuras situadas de pie sobre sus respectivos pedestales abren sus bocas, mostrando ampliamente sus dientes, hasta convertirlas en orificios horrorosos de bestialidad. Para Francis Bacon, el grito cuenta menos que la fascinación por la cavidad bucal que, cuando la representa, anula la parte superior del rostro. La boca es el orificio que enlaza con el interior del cuerpo; [una abertura profundamente sexual] “Ese terreno ambiguo poblado de amenazas”. Todo aquello que hace referencia a los límites del cuerpo, que atraviesa o invade sus fronteras -cualquiera de sus orificios- , que signifique restos corporales (de piel, uñas, pelo...), que brote o fluya de él (esputos, sangre, leche, semen excrementos...) comporta peligro o recibe el calificativo de impuro. Siendo la contaminación más peligrosa la que por el placer sin vergüenza que ese cuerpo pueda permitirse, mediante el uso de drogas o la prácticas sexuales “desviadas”, y que suelen ser aquellas por las que se sufre una verdadera dependencia. Entre ambas experiencias se establece una importante vinculación (en inglés, el término 'shot' designa, a la vez, eyaculación e inyección -inyectarse-), en ambas prácticas se produce la tensión-carga-descarga-relajación en las que se basa el principio del del placer y el fantasma del thánatos, el impulso hacia la muerte o la disolución del Freud de Más allá del principio del placer. Lo que Bacon intenta capturar es la psique del sujeto, sus denodados esfuerzos por conocerse y llegar a definirse en una imagen que se disemina y dispersa como una superficie de reflexión donde se inscribe el doble, el Otro. Sin embargo, todas esas parejas presentes en sus pinturas, esas 'dos figuras', a pesar de estar tan próximas, parecen estar completamente solas, revolcándose juntos pero separadas por abismos de incomunicación. Bacon en 1951 pintó su primer retrato de una persona identificable –utilizando como punto de partida una instantánea de Franz Kafka– plasmó en el lienzo a su amigo Lucien Freud. Al año siguiente, Freud le devolvería el cumplido pintando una cabeza de Bacon muy llamativa. La afinidad entre ambos pintores profundamente comprometidos con la pintura figurativa sin duda se vio reforzada por el hecho de que en aquella época la abstracción estaba siendo progresivamente aceptada como la única forma creativa de pintar. También sobre esta época pinto su primer Autorretrato –reconocible–, otro tema en que se concentraría en la medida que iba cumpliendo años –avanzando en edad o en años-. Asimismo, muy importante en este período creativo fue la realización de su Estudio de la niñera de la película El acorazado Potemkin. Bacon vio por primera vez la obra maestra de Eisenstein a una edad muy temprana, posiblemente durante su adolescencia en Berlín, donde se proyecto la película después de haber sido prohibida. Bacon pareciera preguntarse sobre lo que hay detrás de la apariencia, o ¿cuando no hay apariencia qué hay? El pintor dice: "la mayor parte de un cuadro siempre es convención, apariencia y eso es lo que intento eliminar de mis cuadros. Busco lo esencial, que la pintura asuma de la manera más directa posible la identidad material de aquello que representa. Mi manera de deformar imágenes me acerca mucho más al ser humano que si me sentara e hiciera su retrato, me enfrenta al hecho actual de ser un ser humano, consigo una mayor cercanía mientras más me alejo". Despojamiento de la consistencia imaginaria, Bacon encuentra el ser cuando se desentiende de la apariencia, el vacío en el que se construye la existencia; lo que el llama el "accidente" a partir del cual surge el cuadro. Pero llegados a este punto, ¿qué es lo que surge?, el rostro. Los retratos de sus amigos, a los que les pone el nombre, y los autorretratos constituyen la producción más abundante de su obra. Para la tradición pictórica el retrato es un género de segundo orden y tiene, además, una función emblemática: expresar la condición social o profesional de un personaje. Para Bacon es el intento de capturar una identidad más allá de los emblemas. Ir en búsqueda del núcleo de una identidad. Pinta insistentemente retratos y autorretratos introduciendo, según su estilo, torsiones y distorsiones de los ejes espaciales que dan como resultado la deformación de los rostros. Sin embargo, en esta misma deformación rescata el gesto personal, demarca, aisla, extrae el trazo borrando o diluyendo el resto. En todos los retratos los personajes son reconocibles. En el movimiento del borrado y en el momento conflictivo en que la presencia parece a punto de disolverse rescata los rasgos mínimos y diferenciales entre uno y otro personaje. La abstracción, la reducción a los rasgos fisionómicos elementales, es un intento de transcribir el conjunto de sensaciones que el modelo retratado suscita en el pintor y esta reacción emocional y subjetiva condiciona el conjunto de las formas de cada cuadro dentro de un esquema lingüístico determinado. El objetivo es distorsionar la estabilidad del punto de vista. El retrato conceptual puede así, ser descrito como una estrategia para burlar las rutinas de la mirada, evitando las convenciones asociadas a un retrato clásico. Un intento de transformar el estereotipo de un retrato convencional, que únicamente simula la individualidad concreta en una imagen proceso donde el rostro humano aparece en los límites de su disolución, justo antes de empezar a dejar de ser reconocido, lo que abre la posibilidad de múltiples lecturas. El proceso de representación se debate en esa tensión que busca aquel momento conflictivo en que la presencia parece a punto de disolverse, evitando, por ejemplo –como Tàpies– la desintegración a través de clavos, ajusticiando el rostro con nudos y alambres. ¿Cómo realizar un retrato? ¿Hay posibilidades ciertas de concreción o es un puro fluir de especulaciones? Todo hombre se construye por sus palabras, por lo que dice y se dice de sí mismo. El relato de un hombre sobre sí mismo es lo único que poseemos para construirlo. El psicoanálisis y el misterio de la carne: lo ominoso en la obra de Bacon. Volviendo sobre el desgarro de la carne -a partir de lo cual se ha propuesto una estrategia de reconstitución de la identidad fragmentada o mutilada que observamos en la obra de Bacon, caben ciertas consideraciones psicoanalíticas En los cuerpos desfigurados, mutilados que componen su obra, como así también en los rostros en el límite de la desaparición, no podemos dejar de evocar lo siniestro freudiano, esa inquietante extrañeza que para Lacan constituye la clavija indispensable para el abordaje de la angustia como fenómeno observable. La presencia de bombillas y espejos en la obra de Bacon remiten al imaginario lacaniano, el del estadio del espejo, Algo que debiendo permanecer oculto, velado, inscripto en el campo del narcisismo como falta no obstante se ha manifestado, como aquellas imágenes que se diseminan y dispersan como una superficie de reflexión donde se inscribe el doble, que en última instancia no es sino una máscara del horror. El cuerpo en la obra de Bacon “se hace carne, se desacraliza, se presenta como espasmo, rompe con la armonía de la superficie y de la forma en un ser amenazado por su propia indefinición, esto es, por la dispersión de su identidad.” Es posible evocar aquí el episodio del sueño de Freud acerca de la inyección de Irma donde la descomposición imaginaria culmina con la confrontación de ese abismo de lo Real, de ese horror innominado y ejemplificado por la carne de la garganta de la boca que se abre. En el decir de Lacan, “esa carne que uno nunca ve, el fundamento de las cosas, el otro lado de la cabeza, del rostro, las glándulas secretorias par excellence, la carne de la que todo exuda, en el corazón mismo del misterio, la carne en cuanto sufrimiento, carece de forma, en cuanto su forma en sí misma es algo que provoca angustia.” El análisis de la obra de Bacon, no puede concluir sin aludir a dos obras fundamentales que nutran el imaginario del pintor, obras donde es posible examinar el estatuto de la voz como objeto. Así, por ejemplo, en El Grito de Munch lo patético adviene por ese chillido áfono y atragantado –cabe recordar que cuando Lacan se refiere al cuadro de Munch a fin de ejemplificar el status de la voz como objeto destaca como rasgo decisivo el hecho de que el grito no se oye– ; en la obra de Bacon el cuerpo que “escapa por una boca que grita” marca la brecha estructural que separa voz de cuerpo y que atestigua el encuentro cargado de horror con lo real del goce, como lo ilustra –también– su estudio sobre la escena de la niñera en la legendaria película 'El Acorazado de Potemkin'. No debería sorprender –parafraseando a Zizek– que dos de los gritos más famosos en la historia del arte sean silenciosos autor ya que no entro en el titulo Adolfo Vásquez Rocca Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filosofía IV. Profesor de Postgrado del Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de Antropología y Estética en el Departamento de Artes y Humanidades de la Universidad Andrés Bello UNAB. – En octubre de 2006 y 2007 es invitado por la 'Fundación Hombre y Mundo' y la UNAM a dictar un Ciclo de Conferencias en México. – Miembro del Consejo Editorial Internacional de la 'Fundación Ética Mundial' de México. Director del Consejo Consultivo Internacional de Konvergencias, Revista de Filosofía y Culturas en Diálogo, Argentina. Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla y Profesor Asociado al Grupo Theoria –Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado– UCM. Ha publicado recientemente el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim (IAM), Valencia, España, 2008. espero que lo lean y disfrutenlo tiempo que no posteo pero queria algo que valga la pena

Hans Bellmer nace en 1902 en una familia burguesa de Katowice (Polonia). Su padre, un ingeniero electricista muy puritano - adherido al partido nazi desde 1933, aspiraba a que sus hijos accediesen a la misma carrera que él. A manera de reacción, Bellmer abandona a partir de 1920 sus estudios de ingeniero y decide consagrarse en 1924 a la pintura, bajo la influencia de Otto Dix, Paul Klee y los dadaístas de Berlín. Fue, además, escultor, dibujante publicitario y un apasionado lector de Freud y Baudelaire. En 1933 Bellmer construye una “Muñeca”, simulacro de mujer (en un tamaño casi real de 1m. 40), hecha de papel y pegamento, la esculpe, la pinta, le fabrica articulaciones. Con la asistencia de su hermano, la pone en escena en bosques y en jardines, y realiza una serie de fotografías. La Muñeca adopta poses, en situaciones eróticas, dramáticas, sadomasoquistas. Bellmer le impone toda clase de metamorfosis, y la “Poupée” fascina a los surrealistas; los dibujos del artista acompañan las exposiciones del grupo. En 1935 se publican las fotos en la revista Minotaure, bajo el título: "Variaciones sobre el montaje de una menor articulada" y, al año siguiente, el propio Bellmer edita el libro Die Puppe. Al igual que la muñeca, que no es una representación femenina, y en tanto juguete remite a la infancia, donde la vida y la muerte no son contradictorias, los dibujos de Bellmer hacen referencia a la no diferenciación sexual del niño. En 1927, Bellmer recibe una caja expedida por su madre que contiene sus juguetes de niño. Dirá más tarde: "probé entonces el sentimiento atroz de perder mi vida desde la edad del juicio." Nacida del interés del artista por el psicoanálisis, la Muñeca es una mezcla compleja de influencias que llegan a veces hasta contradecirse. Objeto erótico y sensual, es a la vez un objeto mórbido y violento. En esta fascinación indeterminada por sentimientos contradictorios, pueden coexistir junto con la sensualidad y el erotismo, la muerte. (La muñeca convirtiéndose en mujer muerta). De su Muñeca, marioneta desarticulada, hace fotos, en contextos. Una forma de inscribir el fantasma en la realidad de casas y jardines. Y a partir de 1953, será Unica Zurm - escritora y pintora alemana, admirada por grandes artistas del surrealismo – quien habrá de convertirse en su mujer-muñeca, cuando Bellmer la conozca en Berlín Oeste (en una exposición de cuadros de Unica). un gran artista despues posteo sus dibujos tiene muxo material , una gran influencia hacia mi persona este gran artista

Registrate y eliminá la publicidad! Frankie Lewis, de 48 años y residente en Ocala, Florida (EE.UU.) iba feliz a la iglesia, a disfrutar del buffet de desayuno que habían preparado los feligreses. Sin embargo, el ánimo de Frankie se convirtió en ciega ira cuando le dijeron que ya no quedaba mantequilla con la que untar el pan. Así que, con “el demonio dentro”, agarró el cuchillo de la mantequilla y se dispuso a atacar a los feligreses que allí estaban. Uno de ellos, arriesgando su propia vida frente al cuchillo de punta roma y filo inexistente, agarró una tabla de madera y arreó a Lewis. Éste, confundido por la valentía del feligrés, sin comprender por qué alguien fue capaz de enfrentarse a su terrible arma, tomó su bicicleta dispuesto a huir de allí. No pudo hacer nada: la policía, incomprensiblemente también alcanzó su bicicleta y le arrestó. Ha sido acusado de intento de agresión con “arma mortal”. Los feligreses respiran tranquilos. Sin embargo, seguramente Frankie estará tramando su plan de venganza. Lo primero será fugarse: seguramente serrará los barrotes de su celda con hilo dental.

Registrate y eliminá la publicidad! Si juntas a un amante del tuning con un amante de las consolas, pueden ocurrir cosas como éstas. El coche que veis es un toyota Corolla y el dueño es un enamorado de la mítica consola de nintendo. Tanto, que ni corto ni perezoso se puso a “modificar” la tapa que lleva el motor de su coche. Y este es el resultado: un mando de la NES. La pena es que no pueda exhibir su obra de arte así como así. Lo que me pregunto yo es, ¿si pulsa arriba, arriba, abajo, B, B, derecha, A, izquierda… le da turbo ilimitado o le hace invulnerable el coche?