juanitothb

Hola amigos T! Hoy les traigo 2 formas de como desinstalar los parches mal puesto o pasados. Primero que es el : World Of War Craft mejor como Wow, es un juego en linea de rol, creando a un personaje, dandole su forma, su clase, su especie, su raza, su color de piel, sus marcas , sus peinados entre otras cosas. Como juego al wow: Primero si quieres jugar a wowMX tienes que ir a esta pagina: , Ahy te daran instrucciones de como instalar, descargar y actualizar el world of war craft. Bueno aqui les dejo las formas de desintalar un parche: Numero 1: Tienes que tener el RealIms para descatualizar su parche, abriendo el RealIms te dira parches seleccionado y parche desellecionado anotas cuales quieres y desinstalas. Numero 2: Dirigete paso a paso segun esto -Abril la carpeta de wow -Abril la carpeta que dice Data -Borrar los 3 archivos llamados [Patch.MQP] Son 3 o son borralos todos. -Regresar a la carpeta principal de wow -Abril el programa llamado Repair.Exe -Dar en Restaurar Carpteas Y Revision. -Esperar las 28 o 25 actulizacion -Te dejara hasta el parche 3.0.1 -Instalar los nuevos parches desedados -JUGAR!

La escalofriante llamada hecha por una operadora telefónica y que supuestamente contestó un hombre que llevaba más de un año de fallecido, y que se difundió profusamente por Internet, como un contacto con alguien del “más allá”, se trataría, finalmente, de una simple confusión, informó el portal Terra.cl. Pese a que el audio fue reconocido por la Fundación Niño y Patria, que hace más de un año encargó a un call center una campaña de captación de socios, y la reacción de la viuda al enterarse que habían “hablado” con su “viejito”, como llamaba a su esposo, fue real, quien en realidad habría atendido el teléfono era uno de los hijos del matrimonio. Pese a que en el audio la mujer asegura que vive sola y que durante ese día no hubo nadie en su casa, lo cierto es que uno de sus cuatro hijos la había pasado a ver justo cuando la voluntaria de Niño y Patria llamó, por lo que él contestó sus preguntas y dio su nombre, el mismo de su padre muerto en un accidente de tránsito. Como le pidió a la operadora que volviera a llamar más tarde se generó la confusión, ya que la viuda nunca se enteró que su hijo había pasado por la casa y cuando le dicen su nombre, ella lo asoció inmediatamente a su esposo, causando la sorpresa de la telefonista, que no daba crédito a la posibilidad de haber conversado con un muerto, pero tras el diálogo con la mujer, quedó convencida de que realmente había hecho un contacto con el más allá. La situación se aclaró el mismo día de la ahora polémica llamada, cuando más tarde el hijo llamó a la mujer y le comentó que cuando fue a la casa, no la encontró. En ese momento, la mujer entendió que todo se había tratado de un mal entendido y el tema quedó cerrado para la familia, pese a que el audio se sigue difundiendo por la red.

CHAMBA En Mexico, la palabra chamba es sinónimo de trabajo. La palabra se originó en la década de 1940 entre los mexicanos que se trasladaron a EU para ser contratados en tareas agrícolas; al concluir el contrato, acudían a la "Chamber" (of Comerce) a solicitar un nuevo trabajo. ALARMA Se dice que en tiempos de la presencia musulmana en española, los iberos permanecían dentro de recintos amurallados, dedicados a sus labores, pero con las armas apiladas al centro del fuerte. Cuando el vigía avistaba musulmanes gritaba ¡Al arma! (corran a tomar sus armas para defendernos). MARIACHI Muchos creen que proviene del francés "mariage" (matrimonio). Durante la ocupación francesa en México los franceses contrataban músicos para alegrar las bodas. Sin embargo hay documentos anteriores a la ocupación francesa en los que aparece ya dicha palabra. Otra teoría dice que en Jalisco hay un árbol con ese nombre usado para la fabricación de guitarras. Otra más dice que proviene de un canto religioso de Cocula, Jalisco. MUSEO Universidad creada por Tolomeo en Alejandría, a la que se llamó así por estar dedicada a las Musas, diosas griegas del saber. PISTOLA De la ciudad italiana de Pistoia donde se fabricaron las primeras armas de fuego de mano. MISA Ceremonia mayor de la religión católica, aparece nombrada por primera vez en nuestra lengua en el Cantar de Mio Cid. El vocablo latino fue tomado de la fórmula final del oficio religioso: Ite, missa est, habitualmente traducido en forma incorrecta como "podéis iros, la misa ha terminado". Missa es el participio pasivo del verbo mittere ‘enviar’, de modo que la traducción correcta sería "podéis iros, nuestra plegaria ha sido enviada". PARASITO Organismo que se alimenta de otro sin contribuir a la supervivencia de éste. Sin embargo, en la antigua Grecia, los parásitos eran los funcionarios encargados de verificar la cosecha de trigo y la preparación del pan, así como los banquetes en homenaje a los dioses. Más tarde se extendió a toda clase de huésped y a los invitados a fiestas o banquetes, por su sentido etimológico de 'comensal'. En efecto, la palabra griega estaba compuesta por el prefijo para- 'al lado de' y sitos 'trigo', 'pan', 'comida'. MINIATURA Se podría suponer que proviene del prefijo mini o del adjetivo mínimo. Sin embargo, la palabra proviene del italiano miniatura, 'pintado con minio', pintura roja hecha con óxido de plomo que hoy se usa, sobre todo, como antioxidante. Solían ser pinturas o figuras pequeñas. SALARIO En la antigüedad la sal era un producto de suma importancia. La sal motivó la construcción de un camino desde las salitreras de Ostia hacia Roma, unos quinientos años antes de Cristo. Ese camino fue llamado La Vía Salaria. Los soldados que cuidaban la ruta recibían parte de su pago en sal: "salarium argentum" (agregado de sal). SPAM Normalmente se le dice SPAM a los correos (e-Mails) enviados a miles de direcciones indiscriminadamente y al mismo tiempo. SPAM es una marca comercial de un preparado enlatado de carne de cerdo molida (Spiced Ham) La aplicación del termino a internet proviene de un sketch de los Monthy Paython, donde dos personajes entran a un restaurante que sirve SPAM en todos los platos, haciendo que la palabra SPAM se repita más de cien veces en el sketch. Spam 1 Spam 2 ORIGEN DE ALGUNOS NOMBRES: Google Este conocido buscador de Internet debe su nombre a la palabra gogol, que en matemáticas se usa para referirse al número 1 seguido de 100 ceros. Su uso en Internet se refiere al objetivo de la compañía de organizar la inmensa cantidad de información disponible en la red. Paco Como en otros casos, hay varias versiones. Hay quién dice que viene desde San Francisco de Asís a quién le llamaban Pa ter Co munitas. Otra versión es que Francisco se escribía Phrancisco y se abreviaba Phco y para poderlo pronunciar Paco. Pero lo más probable es que sea un hipocorístico (palabra con origen en la forma de hablar de los niños), pues si a un infante le pedimos que diga Francisco, lo más probable es que pronuncie Paquico o Paco ya que ni la F ni la R están entre las primeras consonantes que usa un niño. México México significa "en el ombligo de la Luna". Del Náhuat "Metztli" (luna) y "xictli" (ombligo). Los Aztecas lo pronunciaban "Meshico". Los españoles lo escribían "México" ya que no existía la pronunciación de la "j". Cuando cambió la grafía de la "x" a la "j" se le empezó a llamar "Méjico" pero se siguió escribiendo "México" lo cual es válido pues la Real Academia de la Lengua permite excepciones para nombres propios. América La etimología de América esta muy bien documentada y se debe a Américo Vespucio. Él fue quien calculó, usando la luna y marte como referencia, que América era un nuevo continente. Hasta el día que se murió, Cristóbal Colon creía que había llegado a la indiAmérica Venezuela Quiere decir "pequeña Venecia" y se debe a las construcciones lacustres de los indígenas en el lago Maracaibo que llevaron a los exploradores Alonso de Ojeda, Américo Vespucio y Juan de la Cosa a darle tal nombre en 1499. LEYES ABSURDAS: ESTADOS UNIDOS En Michigan no se permite a una mujer que se corte el pelo sin la aprobacion de su marido. De acuerdo con las leyes del estado de Kentucky, cada persona debe bañarse al menos una vez al año. En Blythe, California, una ordenanza declara que una persona debe poseer al menos dos vacas para poder llevar botas de cowboy en publico. En Indiana el valor de PI es 4 y no 3.1416... En New York,la pena por saltar de un edificio es la muerte. La Enciclopedia Britanica esta prohibida en Texas porque contiene un formula para hacer la cerveza en su propia casa. En Lexington, Kentucky, es ilegal llevar un cono de helado en el bolsillo En Denver es ilegal prestar la aspiradora al vecino. En Menphis, Tennesee, es ilegal que una mujer conduzca un coche a menos que haya un hombre ya sea corriendo o andando delante de ella agitando una bandera roja para avisar a los motoristas y peatones que se acercan. Segun la ley de Texas, cuando dos trenes se juntan en un cruce de vias, ambos deben parar completamente, y ninguno debe seguir adelante hasta que el otro se haya ido. Es ilegal en Wilbur, Washington, montar un caballo feo. La ley de Kansas obliga a los peatones que crucen las autopistas por la noche a que lleven luces de cola. La ley de Kirkland, Illinois, prohibe a las abejas volar sobre el pueblo o por cualquiera de sus calles. A los menores de Kansas City, Missouri, no se les permite comprar pistolas de juguete; sin embargo pueden comprarlas de verdad. La ley de New Hampshire prohibe dar golpecitos con los pies o mover la cabeza o de cualquier forma seguir el ritmo a la musica en una taberna, restaurante o cafeteria En Tulsa, Oklahoma, va contra la ley abrir una botella de soda sin la supervision de un ingeniero con titulo. Va contra la ley que un monstruo entre en los limites de Urbana, Illinois. El rio de Arkansas no puede crecer mas alto que el puente de Main Street de Little Rock. La ley del Estado de Pennsylvania prohibe cantar en la ducha. Hay una ley del Estado de Massachusetts obligando a los perros a llevar las patas traseras atadas durante el mes de abril. La ley de Virginia prohibe tener una bañera en casa; debe estar en el jardin. En Alaska aunque es legal el disparar a un oso, despertarlo para sacarle una foto esta prohibido. En Arizona es ilegal rechazar un vaso de agua que te ofrezcan. En Arkansas un hombre puede pegarle a su mujer, pero solo una vez al mes. En Florida si un elefante es atado a un parquimetro, la tasa de parking debe ser la misma que si fuese un vehiculo. En Idaho no se puede pescar montado en camello. En Illinois te pueden arrestar por vagancia si no llevas al menos un diario. En Iowa un hombre con bigote no puede besar a una mujer en publico. Por otro lado, un beso no puede durar mas de cinco minutos. Cualquier abeja que entre al estado de Kentucky debe poseer un certificado medico que verifique que esta libre de enfermedad. En Louisiana es ilegal robar un banco y despues disparar al cajero con una pistola de agua. En Ohio esta prohibido que mas de cinco mujeres vivan solas en una casa. Tambien es ilegal pescar ballenas en domingo. En Carolina del Sur no se pueden vender instrumentos musicales en domingo. En Tennesse los ateos no pueden tener un trabajo publico. Tambien esta prohibido conducir dormido. En Washington es ilegal fingir que tus padres son ricos. TOP 10 : LOS 10 PAÍSES MÁS GRANDES 1. RUSIA 2. CANADÁ 3. ESTADOS UNIDOS 4. CHINA 5. BRASIL 6. AUSTRALIA 7. INDIA 8. ARGENTINA 9. KAZAJSTAN 10. SUDÁN PAISES CON MÁS HABITANTES 1. CHINA 2. INDIA 3. ESTADOS UNIDOS 4. INDONESIA 5. BRASIL 6. PAKISTAN 7. RUSIA 8. JAPÓN 9. BANGLADESH 10. NIGERIA MAYOR PRODUCTO INTERNO 1. ESTADOS UNIDOS 2. JAPÓN 3. ALEMANIA 4. INGLATERRA 5. FRANCIA 6. CHINA 7. ITALIA 8. ESPAÑA 9. CANADÁ 10. RUSIA MAYOR PRODUCCIÓN DE PETRÓLEO 1. ARABIA SAUDITA 2. RUSIA 3. ESTADOS UNIDOS 4. IRAN 5. MÉXICO 6. CHINA 7. NORUEGA 8. CANADÁ 9. VENEZUELA 10. EMIRATOS ARABES MAYOR PRODUCCIÓN DE ORO 1. SUDÁFRICA 2. ESTADOS UNIDOS 3. AUSTRALIA 4. CANADÁ 5. CHINA 6. INDONESIA 7. RUSIA 8. PERÚ 9. UZBEKISTÁN 10. GHANA PRODUCCIÓN DE PLATA 1. MÉXICO 2. ESTADOS UNIDOS 3. PERÚ 4. AUSTRALIA 5. CHINA 6. CHILE 7. CANADÁ 8. POLONIA 9. KAZAJSTAN 10. BOLIVIA PRODUCCIÓN DE DIAMANTES 1. BOTSWANA 2. RUSIA 3. SUDÁFRICA 4. CONGO 5. ANGOLA 6. AUSTRALIA 7. CANADÁ 8. NAMIBIA 9. GUINEA 10. SIERRA LEONA MAYOR NÚMERO DE TURISTAS 1. FRANCIA 2. ESPAÑA 3. ESTADOS UNIDOS 4. ITALIA 5. CHINA 6. INGLATERRA 7. CANADÁ 8. MÉXICO 9. AUSTRIA 10. ALEMANIA CIUDADES MÁS POBLADAS (2000) 1. TOKIO , JAPÓN 26.4 millones 2. BOMBAY, INDIA 18.6 3. MÉXICO 18.3 4. SAO PABLO, BRASIL 18.0 5. NUEVA YORK, EU 16.7 6. LAGOS, NIGERIA 14.4 7. CALCUTA, INDIA 13.2 8. LOS ÁNGELES, EU 13.2 9. SHANGAI, CHINA 13.0 10. BUENOS AIRES, ARGENTINA 12.7 POBLACIÓN ESTIMADA AÑO 2020 1. BOMBAY, INDIA 28.5 millones 2. TOKIO , JAPÓN 27.3 3. LAGOS, NIGERIA 26.5 4. DHAKA, BANGLADESH 24.0 5. KARACHI, PAKISTAN 21.7 6. SAO PABLO, BRASIL 21.3 7. MÉXICO 19.6 8. YAKARTA , INDONESIA 19.4 9. CALCUTA, INDIA 18.8 10. NUEVA DELHI, INDIA 18.5 50 PERSONAJES DEL MILENIO 1. GUTENBERG johan 1400 al 2. NEWTON isaac 1642 in 3. LUTERO martín 1483 al 4. DARWIN charles 1809 in 5. SHAKESPEARE william 1564in 6. COLON cristobal 1451 it 7. MARX karl 1818 al 8. EINSTEIN 1879 al 9. COPERNICO nicolás 1473 po 10. GALILEO 1564 it 11. DA VINCI leonardo 1452 it 12. FREUD sigmund 1856 au 13. PASTEUR luis 1822 fr 14. EDISON tomás 1847 eu 15. JEFFERSON thomas 1743 eu 16. HITLER adolfo 1889 al 17. GANDHI 1869 in 18. LOCKE jhon 1632 in 19. MIGUEL ANGEL 1475 it 20. SMITH adam 1723 in 21. WASHINGTON jorge 1732 eu 22. GENGIS KHAN 1162 mongol 23. LINCOLN abraham 1809 eu 24. SANTO TOMÁS 1225 it 49 25. WATT james 1736 in 26. MOZART wolfang amadeus 1756 au 27. NAPOLEON 1769 fr 28. BACH johan 1685 al 29. FORD henry 1863 eu 30. BEETHOVEN ludwig 1770 31. WATSON & CRICK 1928 eu 32. DESCARTES rene 1596 fr 33. LUTHER KING martín 34. ROUSSEAU jaques 1712 su fr 35. LENIN vladimir 1870 ru 36. FLEMING alexander 1881 in 37. VOLTAIRE 1694 fr 38. BACON francis 1561 in 39. ALIGHIERI dante 1265 it 40. WRIGHT wilbur & orville 1871 41. GATES bill 42. MENDEL gregor 43. MAO ZEDONG 44. GRAHAM BELL alexander 45. GULLLERMO el conquistador 1027 fr 46. MAQUIAVELO nicolás it 47. BABBAGE charles 48 48. WOLLSTONECRAFT mary 1759 in fr 49. GORBACHEV mikhail 50. SANGER margaret 1879 us MARAVILLAS NATURALES 1. AURORAS BOREALES 2. MONTE EVEREST 3. GRAN CAÑÓN COLORADO 4. SELVA AMAZÓNICA 5. GRAN BARRERA DE CORAL 6. PARQUE YELLOWSTONE 7. PARQUE SEQUOIA 8. CATARATAS VICTORIA 9. PANTANOS EVERGLADES 10. VOLCÁN KILAWEA MARAVILLAS DEL HOMBRE 1. GRAN MURALLA CHINA 2. PIRÁMIDES DE EGIPTO 3. ANGKOR (Camboya) 4. CANAL DE PANAMÁ 5. ÓPERA DE SYDNEY 6. TAJ MAHAL 7. ESCULTURAS MONTE RUSHMORE 8. FERROCARRIL TRANSIBERIANO 9. MACHU PICHU 10. GOLDEN GATE MEDALLAS OLÍMPICAS BIJING 2008 MEDALLAS ORO PLATA BRONCE TOTAL 1 CHINA 51 21 28 100 2 ESTADOS UNIDOS 36 38 36 110 3 RUSIA 23 21 28 72 4 GRAN BRETAÑA 19 13 15 47 5 ALEMANIA 16 10 15 41 6 AUSTRALIA 14 15 17 46 7 COREA DEL SUR 13 10 8 31 8 JAPÓN 9 6 10 25 9 ITALIA 8 10 10 28 10 FRANCIA 7 16 17 40 ELEMENTOS EN LA CORTEZA TERRESTRE 1. OXÍGENO 47.4% 2. SILICIO 27.7% 3. ALUMINIO 8.2% 4. FIERRO 4.1% 5. CALCIO 4.1% 6. MAGNESIO 2.3% 7. SODIO 2.3% 8. POTASIO 2.1% 9. TITANIO 0.56% 10. HIDRÓGENO 0.15% PRODUCCIÓN AUTOMÓVILES 1. GENERAL MOTORS 2. FORD 3. TOYOTA 4. VOLKSWAGEN 5. DAIMLER-CHRYSLER 6. PEUGEOT 7. HONDA 8. NISSAN 9. HYUNDAI 10. FIAT 11. RENAULT 12. MITSUBISHI EDIFICIOS MÁS ALTOS DEL MUNDO 1. Burj Dubai 828m alto 2010 2. Taipei 101 Taipei, Taiwan 509m 2004 3. Torres Petronas Kuala Lumpur, Malasia 452m 1998 4. TORRE SEARS Chicago EU 442m 1974 5. JIN MAO Shangai, China 421m 1999 6. CENTRO FINANCIERO Hong Kong China 415m 2003 7. CITIC, Guangzhou, China 391m 1996 8. SHUN HING Shenzhen, China 384m 1996 9. EMPIRE STATE Nueva York 381m 1931 10. CENTRAL PLAZA Hong Kong 374m 1992 11. BANCO DE CHINA Hong Kong 369m 1989 NO TE OLVIDES EN COMENTAR Y LOS PUNTOS

The Beatles The Beatles fue una banda inglesa de rock que se formó en Liverpool en 1960. Durante su carrera se convirtieron en una de las más exitosas y críticamente aclamadas en la historia de la música popular.[2] Desde 1962 estuvo integrada por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Aunque en sus inicios tocaban skiffle y rock and roll de los años cincuenta, a lo largo de su carrera trabajaron con distintos géneros musicales, interpretando desde el folk rock hasta el rock psicodélico. La naturaleza de su enorme popularidad, que fue denominada por primera vez como la "Beatlemanía", transformó sus composiciones, al tiempo que las mismas crecieron en complejidad. Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960. Con una formación inicial de cinco elementos que incluía a Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (bajo) y Pete Best (batería), construyeron su reputación en los clubes de Liverpool y Hamburgo en un período de tres años a partir de 1960. Sutcliffe abandonó la formación en 1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente. Establecidos como grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su mánager, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del productor George Martin, lograron éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, "Love Me Do". A partir de ahí, fueron adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales tuvieron un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente al estudio de grabación hasta su disolución en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras independientes. McCartney y Starr permanecen activos, Lennon fue asesinado a tiros en 1980, y Harrison murió de cáncer en 2001. Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra. Cuatro décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier otra agrupación musical.[3] De acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista.[4] En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los artistas más exitosos de todos los tiempos en el Hot 100 con motivo del 50 aniversario de la lista de éxitos,[5] y The Beatles fueron colocados en el número uno. Fueron galardonados con 7 premios Grammy,[6] y recibieron 15 premios Ivor Novello de la Academia Británica de Compositores y Cantautores.[7] En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número uno en su lista de los "50 artistas más grandes de todos los tiempos".[8] De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta. Historia Formación y primeros años A los dieciséis años de edad, el cantante y guitarrista John Lennon formó el grupo de estilo skiffle The Quarrymen junto con algunos compañeros del colegio en marzo de 1957.[1] Poco tiempo después, en julio del mismo año, Paul McCartney, que por entonces tenía quince años, conoció a Lennon y se unió como guitarrista.[10] Este último invitó a su amigo George Harrison en febrero del año siguiente, el cual con catorce años se unió como el guitarrista líder de la formación.[11] [12] En 1960, los compañeros de colegio de Lennon abandonaron la agrupación para ingresar a la Escuela de Artes de Liverpool, haciendo que Lennon y McCartney se encargaran de tocar la guitarra rítmica, aunque les hacía falta alguien que tocase la batería.[13] En enero de 1960, un amigo de Lennon, Stuart Sutcliffe, se unió como bajista y sugirió cambiar el nombre de la banda a "The Beetles" (escarabajos) como homenaje a Buddy Holly y The Crickets (en inglés "Los grillos". En los primeros meses del año cambiaron el nombre a "The Beetles".[14] [15] Después de probar otros nombres como "Johnny and the Moondogs", "Long John and The Beetles" y "The Silver Beatles", en agosto, se decantaron por "The Beatles".[16] La falta de un baterista oficial se tornó un problema cuando el mánager, Allan Williams, les reservó una actuación en Hamburgo, Alemania.[17] A finales de agosto contrataron al batería Pete Best.[18] El quinteto viajó a Hamburgo cuatro días después de ser contratados por Bruno Koschmider, dueño de varios clubes en aquella ciudad, la cual por esos días no contaba con clubes de rock and roll, al contrario de los de striptease, que sí existían según cuenta el biógrafo Philip Norman. "Bruno tenía la idea de llevar grupos de rock para que tocasen en varios clubs. Tenían esa fórmula, un enorme espectáculo sin pausas (nonstop), hora tras hora, en el que un montón de gente se apresuraba a entrar y otro a salir, mientras las bandas tocaban continuamente para atraer al tránsito de peatones. En una zona de prostíbulos estadounidense lo habrían llamado striptease nonstop. Muchas de las agrupaciones musicales que tocaban en Hamburgo provenían de Liverpool [...] fue uno de estos accidentes casuales, Bruno marchó hacia Londres en busca de bandas, pero conoció a un empresario de Liverpool en Soho que estaba ahí por pura casualidad y se las arregló para enviar algunos grupos".[19] En agosto de 1960 y con tan sólo diecisiete años, Harrison obtuvo el permiso de residencia en Hamburgo, aunque para ello mintió sobre su verdadera edad.[20] En un principio les asignaron el Indra Club para actuar, pero Koschmider los trasladó al Kaiserkeller en octubre del mismo año debido a que el Indra fue clausurado por las constantes quejas del ruido que ocasionaba.[21] Poco tiempo después aceptaron la oferta de actuar en el Top Ten Club, rompiendo así el contrato que tenían con Koschmider, el cual por despecho informó a las autoridades de la verdadera edad de Harrison, lo que condujo a su deportación en noviembre.[22] [23] Una semana más tarde, McCartney y Best fueron deportados también por ocasionar un incendio cuando le prendieron fuego a un preservativo colgado de un clavo en su habitación.[24] Lennon regresó a Liverpool a mediados de diciembre, mientras que Sutcliffe permaneció en Hamburgo con su novia alemana, Astrid Kirchherr, durante otro mes. Kirchherr les hizo sus primeras fotos profesionales y diseñó el corte de pelo de Sutcliffe, que tiempo más tarde fue adoptado por el resto de ellos.[25] [26] Durante los próximos dos años residieron por períodos sucesivos en Hamburgo, usando Preludin para ser más creativos y mantenerse con más energía en sus actuaciones nocturnas.[27] Sutcliffe decidió dejar la formación a principios de 1961 y reanudó sus estudios de arte en Alemania, de modo que McCartney se vio obligado a tocar el bajo.[26] [28] [29] El productor alemán Bert Kaempfert contrató al cuarteto como extras de soporte al cantante Tony Sheridan en una serie de grabaciones.[30] Acreditado a "Tony Sheridan and The Beat Brothers", el sencillo "My Bonnie", grabado en junio y lanzado cuatro meses después, alcanzó el número 32 en la lista Musikmarkt.[31] [32] En Liverpool, al regresar de Hamburgo, fueron cada vez más conocidos. Durante una de sus frecuentes apariciones en el Cavern Club conocieron a Brian Epstein, dueño de una tienda de discos local y columnista de música.[33] Cuando nombraron a Epstein su mánager en enero de 1962, Kaempfert acordó liberarlos del contrato discográfico alemán. Después de que Decca Records los rechazase comentando que "Los grupos de guitarra están en pleno declive, señor Epstein", el productor George Martin les firmó un contrato con el sello Parlophone de EMI.[34] [35] [36] Cuando regresaron a Hamburgo en abril recibieron un trágica noticia. Allí mismo, reunidos en el aeropuerto: Kirchherr, mostrándose muy afectada, les informó de que Sutcliffe había muerto a causa de una hemorragia cerebral.[37] [38] Entrada principal de los Estudios EMI, actualmente conocidos como Estudios Abbey Road. Tuvieron su primera sesión de grabación en Londres, bajo la dirección de Martin en los Estudios EMI (actualmente Estudios Abbey Road) en junio de 1962. A Martin no le convenció la habilidad con la que tocaba la batería Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que lo cambiasen por un batería de sesión en el estudio.[39] Finalmente, Best fue remplazado por Ringo Starr. Starr, que dejó a Rory Storm and the Hurricanes para unirse a The Beatles, ya había actuado con ellos en algunas ocasiones, sobre todo cuando Best estaba enfermo.[40] Sin embargo, Martin ya había contratado al batería de sesión Andy White para la siguiente sesión de grabación,[41] y White tocó la batería en "Love Me Do" y "P.S. I Love You". Lanzado en octubre, "Love Me Do" alcanzó el número diecisiete en la listas del Reino Unido.[42] Posteriormente, en el mes de noviembre comenzaron a grabar lo que sería su segundo sencillo, "Please Please Me". Hicieron su debut en la televisión con una actuación en directo del programa regional People and Places.[43] Concluyeron su última temporada de Hamburgo en diciembre de 1962.[19] En ese momento acordaron que los cuatro contribuirían como vocalistas, aunque el rango restringido de Starr hizo que rara vez fuese el líder vocal.[44] Al comprobar que aumentaban el éxito del grupo, Lennon y McCartney establecieron una asociación para componer canciones, dándole muy pocas oportunidades a Harrison de ser el vocalista.[45] Epstein, sintiendo el potencial comercial que tenían, los alentó a que adoptasen una actitud más profesional. Lennon repitió lo que el mánager les dijo: "Miren, si ustedes realmente desean conseguir uno de esos lugares grandes, van a tener que cambiar, dejar de comer en el escenario, dejar de maldecir, dejar de fumar".[46] Lennon dijo: "Solíamos vestir como nos gustaba, dentro y fuera del escenario. Se nos decía que los vaqueros no eran especialmente elegantes y que deberíamos considerar la posibilidad de usar pantalones más adecuados. Él nos dejó tener nuestro propio sentido de individualidad [...] tuvimos que elegir entre obedecerle o dejar de comer pollo en el escenario".[46] Beatlemanía y años de gira (1963–66) Popularidad en el Reino Unido, Please Please Me y With The Beatles Artículo principal: Beatlemania en el Reino Unido McCartney, Harrison, la cantante sueca Lill-Babs y Lennon en el programa de televisión sueco Drop-In, el 30 de octubre de 1963.[47] A raíz del moderado éxito de "Love Me Do", "Please Please Me" recibió una acogida más enfática, alcanzando el número dos en el UK Singles Chart en enero de 1963 después de su lanzamiento. Martin originalmente tenía previsto que el disco debut de The Beatles fuese un LP en vivo en el Cavern Club. Finalmente esta idea fue desechada,[48] y se eligió crear un álbum tipo "en vivo" de una sola sesión en los Estudios EMI (posteriormente renombrados Abbey Road). Diez canciones fueron grabadas para Please Please Me, acompañadas en el álbum por los cuatro temas que ya habían sido publicados en los dos sencillos.[48] Recordando la "urgencia que tenían por publicar su álbum debut, y como Please Please Me se hizo en un solo día", una revisión de Allmusic comentaba: "Décadas después de su lanzamiento, el álbum todavía suena fresco, precisamente a causa de su origen tan peculiar".[49] Lennon dijo que creía que a la vez las canciones fueron muy poco maduras, él y McCartney estaban "simplemente escribiendo canciones a la Everly Brothers, al estilo de Buddy Holly, canciones pop, sin tener en mente crear un sonido especial. Y las palabras eran casi irrelevantes".[50] Lanzado en marzo de 1963, el álbum alcanzó el número uno en las listas británicas. El tercer sencillo que publicaron, "From Me to You", fue lanzado en abril y también alcanzó la cima de las listas de éxitos. A partir de ese momento inició una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos lanzados por The Beatles, que alcanzaron el número uno en las listas británicas, incluyendo todos los que se publicaron en los siguientes seis años, a excepción de uno. Lanzado en agosto, el cuarto sencillo, "She Loves You", alcanzó el récord de mayor número de copias vendidas en el Reino Unido hasta ese momento, vendiendo cerca de 750 mil copias en menos de cuatro semanas.[51] Se convirtió en su primer sencillo en vender un millón de copias, y siguió teniendo el récord en el Reino Unido hasta 1978, cuando fue superada por "Mull of Kintyre", interpretada por McCartney y su grupo posterior a la separación de The Beatles Wings.[52] La popularidad de su música les proporcionó una creciente atención de la prensa, a la que ellos respondieron con una descarada e irreverente actitud, que acabó por apartarse de los rasgos característicos de las figuras más importantes de la música pop y que, inclusive, inspiró mayores intereses.[53] [54] Logotipo de The Beatles con la T alargada hacia abajo, enfatizando la palabra "beat". El icónico logotipo de The Beatles conocido como el "drop-T" también hizo su debut en 1963, cuando fue utilizado por primera vez en el frente bajo de la batería de Starr, que Epstein y Starr compraron en una tienda de Londres.[55] [56] Durante la primera mitad del año llevaron a cabo tres giras en el Reino Unido: una de cuatro semanas que comenzó en febrero y otras dos de tres semanas durante marzo y mayo-junio. A medida que su popularidad se extendió, apareció una adulación desenfrenada hacia ellos, también llamada "Beatlemanía". Aunque no se anunciaron como los cabecillas de gira, los otros artistas que participaron fueron Tommy Roe, Chris Montez y Roy Orbison, artistas estadounidenses que habían establecido una gran popularidad en el Reino Unido.[57] Las actuaciones en todas partes, tanto en la gira como en los espectáculos fuera del Reino Unido, fueron recibidas con un entusiasmo desenfrenado por los fanáticos que no paraban de gritar.[58] La policía se vio obligada a usar agua a alta presión con mangueras para poder controlar a las multitudes, y hubo debates en el Parlamento sobre los miles de policías que ponían en riesgo sus vidas para protegerlos.[59] A finales de octubre, una gira de cinco días en Suecia, se convirtió en la primera visita que hicieron al extranjero desde sus días en Hamburgo.[60] De regreso al Reino Unido fueron recibidos en el aeropuerto de Heathrow bajo una intensa lluvia por miles de fanáticos. Además asistieron cincuenta periodistas y fotógrafos y un equipo de cámaras de la BBC Television.[61] Al día siguiente, The Beatles comenzaron otra gira por el Reino Unido, prevista para seis semanas. Pero en esta ocasión, fueron, indiscutiblemente, el grupo principal.[57] Please Please Me estaba todavía en lo más alto de las listas. Se mantuvo en esa posición durante treinta semanas, sólo para ser desplazado por With The Beatles, que se colocó en el primer lugar durante veintiún semanas. Haciendo mayor uso de las técnicas de producción que usaron en el LP predecesor, el álbum fue grabado entre julio y octubre. With The Beatles es descrito por Allmusic como "una secuela del más alto nivel que mejora en lo original mediante el desarrollo de un tono propio y la adición de situaciones más intensas".[62] En un cambio de lo que hasta entonces había sido la práctica habitual, el álbum fue lanzado a fines de noviembre antes del inminente sencillo "I Want To Hold Your Hand", excluyendo a esta última con el fin de maximizar las ventas del sencillo homónimo.[63] With The Beatles llamó la atención del crítico musical de The Times William Mann, que fue tan lejos como para sugerir que Lennon y McCartney eran "los compositores ingleses más destacados de 1963".[63] El periódico publicó una serie de artículos en los que Mann ofreció un análisis detallado de la música de The Beatles, lo cual les otorgó una mayor respetabilidad.[64] With The Beatles se convirtió en el segundo álbum en la historia del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra previamente alcanzada sólo por la banda sonora de 1958 South Pacific.[65] Conquista de los Estados Unidos Artículo principal: The Beatles en los Estados Unidos Véase también: Invasión británica The Beatles al arribar en el aeropuerto JFK (Nueva York), el 7 de febrero de 1964. Los lanzamientos de The Beatles en los Estados Unidos inicialmente se retrasaron por casi un año, cuando Capitol Records, filial americana de EMI, se negó a lanzar los sencillos "Please Please Me" y "From Me to You".[66] Las negociaciones con sellos independientes de Estados Unidos llevaron a la publicación de algunos sencillos, pero los problemas de regalías y las burlas hacia el peinado "moptop" de los integrantes plantearon nuevos obstáculos.[67] [68] Una vez que Capitol comenzó a emitir el material en Estados Unidos, en lugar de lanzar los LP en su configuración original, compilaron sus distintas grabaciones en diferentes álbumes, y emitieron canciones en sencillos de su preferencia.[69] El éxito definitivo en América llegó cuando se emitió un reportaje sobre la Beatlemanía británica, provocando gran aclamación entre el público norteamericano, lo que llevó a Capitol a lanzar "I Want to Hold Your Hand" en diciembre de 1963.[70] El primer viaje que realizaron a Estados Unidos estaba preparado para unas semanas después. Cuando abandonaron el Reino Unido el 7 de febrero de 1964, unos cuatro mil aficionados reunidos en Heathrow comenzaron a saludar y gritar cuando la aeronave despegó.[71] "I Want to Hold Your Hand" había vendido 2,6 millones de copias en los Estados Unidos durante las dos semanas anteriores, pero aun sentían cierta incertidumbre sobre el recibimiento que tendrían a su llegada.[72] Al llegar al recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy fueron recibidos por otra multitud vociferante, estimada en alrededor de tres mil personas.[73] Su primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la población del país de ese entonces—.[74] [75] A la mañana siguiente un periódico escribió que The Beatles "no podían llevar la misma musiquilla cruzando el Atlántico",[76] pero un día después de su presentación debut en Estados Unidos, por primera vez la Beatlemanía se hizo ver en el Washington Coliseum.[77] De vuelta a Nueva York el día siguiente, se presentaron con otra gran acogida en el Carnegie Hall. Después de una semana aparecieron en el Ed Sullivan Show por segunda vez, antes de regresar al Reino Unido el 22 de febrero.[78] Durante la semana del 4 de abril habían logrado situar doce de sus canciones en el Billboard Hot 100, incluyendo los cinco primeros lugares.[79] Esa misma semana, un tercer LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación. Los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de álbumes. El éxito que habían obtenido en los Estados Unidos provocó la denominada invasión británica: la llegada de una serie de nuevas formaciones musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de The Beatles.[80] [81] El peinado del cuarteto, inusualmente largo para ese tiempo, continuó siendo objeto de escarnio de muchos adultos, pero ampliamente adoptado como emblema cultural de la juventud floreciente.[82] A mediados de 1964 realizaron una gira internacional en la que programaron treinta y dos conciertos en solo diecinueve días. Los lugares de actuación fueron en Dinamarca, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda, y en todos ellos fueron recibidos con gran entusiasmo.[83] [84] Starr se encontró enfermo durante la primera mitad de la gira, y Jimmy Nicol fue el encargado de tocar la batería durante su ausencia. En agosto volvieron a visitar Estados Unidos, con una gira de treinta conciertos en veintitrés ciudades.[85] Generando una aclamación inmensa una vez más, la gira atrajo entre diez y veinte mil aficionados en todos los conciertos. Sin embargo, su música apenas era audible.[85] El sistema de amplificación de ese momento era modesto en comparación a los equipos modernos de la actualidad, y los pequeños amplificadores Vox que usaban tenían dificultades para competir con el alto volumen del sonido generado por los gritos de los fans. Obligados a aceptar que ni ellos ni su público pudieran conocer los detalles de sus actuaciones, comenzaron a aburrirse de los conciertos y las giras.[86] Al final de la gira de agosto, estando en Nueva York, les presentaron a Bob Dylan por iniciativa del periodista Al Aronowitz. Cuando lo visitaron en su suite del hotel, Dylan los inició en el consumo de cannabis.[87] El historiador musical Jonathan Gould señaló la importancia musical y cultural de esta reunión, ya que los respectivos fans de los músicos eran "percibidos como habitantes de dos mundos culturalmente separados": El público general de Dylan eran "chicos de la universidad con inclinaciones artísticas o intelectuales, un idealismo político y social naciente, y un estilo ligeramente bohemio" en contraste con la audiencia de The Beatles que eran unos "verdaderos 'adolescentes'—chicos de secundaria o primaria, que cuyas vidas estaban totalmente envueltas en la comercializada cultura popular de la televisión, radio, discos de música pop, revistas, y la moda adolescente. Fueron vistos como idólatras, no como idealistas". Seis meses después de la reunión "Lennon estaría haciendo grabaciones en donde imitaba el tono nasal de Dylan, de rasgueo frágil, y su personalidad vocal era introspectiva". Dentro de un año, Dylan "procedería, con la ayuda de otras cinco personas y una guitarra eléctrica Fender Stratocaster, a sacudir las bases del folk que se hizo auténtico y permanente en él"; "las diferencias entre el folk y el rock estaban casi condensadas"; y la audiencia de The Beatles "mostraba signos de crecimiento".[88] A Hard Day's Night, Beatles for Sale, Help! y Rubber Soul La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante 1963 no pasó desapercibida por la competencia, de manera que United Artists Records alentó a su división de cine United Artists a ofrecerles un contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo discográfico con ellos.[89] Dirigida por Richard Lester, A Hard Day's Night los envolvió durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de 1964 para el rodaje de la película.[90] El estrenó tuvo lugar en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional.[91] Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las películas más célebres de la historia en su género.[92] Según Allmusic, la banda sonora de la película, A Hard Day's Night, hizo que se les viese como "una verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante, alegre y original, llena de sonidos de guitarras".[93] Este "sonido de guitarra" fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de 12 cuerdas Rickenbacker.[94] Su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale, vio el comienzo de un serio conflicto entre el comercialismo y la creatividad.[95] Grabado entre agosto y octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato establecido en A Hard Day's Night, que a diferencia de los primeros dos LP, éste incluía únicamente composiciones originales de ellos.[95] Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de estudio.[95] Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material producido por la asociación Lennon-McCartney.[95] En abril de 1965, estando Lennon y Harrison cenando por invitación en casa de su dentista, consumieron LSD que este último había añadido en sus cafés.[96] Posteriormente, ambos músicos experimentaron deliberadamente con esta droga, uniéndose a ellos Starr en una ocasión.[97] McCartney se mostró al principio renuente a probarla, pero finalmente lo hizo en 1966, y más tarde se convirtió en el primero en hablar públicamente sobre ello.[98] La controversia surgió en junio de 1965, cuando la Reina Isabel II los designó como miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Los propuso el Primer Ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool.[99] El nombramiento —en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia.[100] Fotograma del tráiler estadounidense de Help!, película estrenada oficialmente en julio de 1965. En él aparecen (desde el primer plano hacia atrás) John Lennon, Paul McCartney y George Harrison. La segunda película de The Beatles, Help!, de nuevo dirigida por Lester, fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como "una parodia de las películas de James Bond",[101] el filme fue recibido tibiamente por la crítica y por ellos mismos. McCartney comentó: Help! era estupenda, pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película, estuvo un poco errada".[101] Su banda sonora, el quinto álbum de estudio de la agrupación, contenía otra vez una mezcla de material original y versiones, pero con más énfasis en Lennon como cantante y compositor, incluyendo los dos sencillos lanzados extraídos del álbum: "Help!" y "Ticket to Ride".[102] En Help! se les vio con una mayor utilización de doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada "Yesterday".[103] Compuesta por McCartney, "Yesterday" posee el récord de ser la canción más versionada de la historia de la música.[104] La pista de cierre del LP, "Dizzy Miss Lizzy", se convirtió en el último tema que versionaron e incluyeron en un álbum. Con la excepción de Let It Be, que contenía la canción popular tradicional de Liverpool "Maggie Mae", todos sus discos posteriores incluyeron sólo material original.[105] El 15 de agosto, en su tercera visita a Estados Unidos, llevaron a cabo el concierto en el Shea Stadium de Nueva York, ante una multitud de 55.600 personas.[106] Otros nueve conciertos le siguieron en otras ciudades de Estados Unidos, también con gran éxito. Hacia el final de la gira, el 27 de agosto de 1965, visitaron a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air.[107] En la sala de Elvis tocaron y discutieron sobre el negocio de la música e intercambiaron anécdotas personales.[108] En septiembre de 1965 se estrenó una serie estadounidense de dibujos animados de The Beatles, transmitida los sábados por la mañana en la televisión que los tenía como protagonistas. La serie hacía eco del humor de la película A Hard Day's Night. Los episodios originales, aunque producidos hasta 1967, siguieron apareciendo durante dos años más, hasta 1969.[109] Rubber Soul, lanzado a principios de diciembre, fue aclamado por la crítica como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música.[110] El biógrafo y crítico musical Ian MacDonald comentó que con Rubber Soul, The Beatles "recuperaron la dirección que habían comenzado a perder durante las últimas etapas con su trabajo en Beatles for Sale".[111] Después de que en Help! incursionasen en el mundo de la música clásica con cuerdas y flautas, la introducción en Rubber Soul de una cítara en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" marcó un avance más allá de los límites tradicionales de la música rock. Además, también demostró que Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo de preocupaciones en sus canciones.[110] Como sus letras se hicieron más ingeniosas, los fans comenzaron a estudiarlas para encontrar su verdadero significado. Se especuló que "Norwegian Wood" podría referirse al cannabis.[112] En 2003, la revista Rolling Stone clasificó a Rubber Soul en el puesto número 5 de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos",[113] y el álbum es descrito por Allmusic como "uno de los clásicos discos en el género musical de folk rock".[1] De acuerdo con Lennon y McCartney, sin embargo, este fue "sólo un álbum más".[114] El ingeniero Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos que tenían durante las sesiones de Rubber Soul; Smith dijo más tarde que "el enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente" y "en lo que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien".[115] Controversia, años finales y separación (1966-1970) Incidente en Manila y comentario de Lennon sobre Jesucristo En junio de 1966 salió a la venta Yesterday and Today, una compilación creada por Capitol Records para el mercado estadounidense. El álbum causó gran impacto por su portada, al retratarlos vestidos de carniceros rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una popular, aunque apócrifa historia, fue que la portada se entiende como respuesta al modo que empleó Capitol en masacrar sus álbumes.[116] Ante la controversia y escándalo que la portada de este álbum despertó, decidieron cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original sin censura fue subastada en 10.500 dólares en diciembre de 2005.[117] Durante un viaje a Filipinas, un mes después de que saliera a la venta Yesterday and Today, fueron invitados a un desayuno en el Palacio Presidencial por parte de la primera dama del país, Imelda Marcos.[118] Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar las invitaciones oficiales.[119] The Beatles se dieron cuenta pronto de que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un "no" por respuesta. Como resultado de esto, tuvieron que escapar del país a causa de los disturbios que se habían ocasionado.[120] Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de algunos de los religiosos y conservadores de aquel país, debido a un comentario que Lennon había hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave,[121] opinó que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo.[122] [123] El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero cuando en Estados Unidos la revista Datebook publicó lo sucedido, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del sur de Estados Unidos.[124] Al mismo tiempo, ocasionó también que en Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The Beatles, acta que se extendió hasta 1971.[125] Epstein criticó públicamente a Datebook, diciendo que habían interpretado las palabras de Lennon fuera de contexto.[126] Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966.[126] Revolver y el Sgt. Pepper Rubber Soul suponía un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; Revolver, lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su última gira, significó otro paso más hacia adelante para el grupo.[127] Pitchfork lo identifica como "el sonido de una banda creciendo con suprema confianza" y "la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular".[53] En Revolver se destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico.[127] Abandonando la típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum —diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en Hamburgo— consistió ahora en un "collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley".[127] El álbum fue precedido por el sencillo "Paperback Writer", con "Rain" en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados "entre los primeros videos musicales filmados en aquella época",[128] y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y The Ed Sullivan Show.[129] [130] Uno de los temas más experimentales de Revolver fue "Tomorrow Never Knows", cuya letra fue inspirada por el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta.[131] "Eleanor Rigby", de McCartney, contiene un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como "un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción".[132] Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como "el tercer mejor álbum de todos los tiempos".[113] En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum.[133] The Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco.[134] Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1.400 apariciones en conciertos a nivel internacional.[135] Inscripción a la entrada del parque Strawberry Fields, lugar que inspiraría una de sus más afamadas canciones; 2002. En menos de siete meses, después de grabar Revolver, volvieron a los estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Emerick recordó: "The Beatles insistieron en que todo en el Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al revés".[136] Algunas partes de "A Day in the Life" requirieron una orquesta de cuarenta personas.[136] Cerca de 700 horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo de doble lado A "Strawberry Fields Forever"/"Penny Lane" en febrero de 1967, el Sgt. Pepper le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando sólo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles.[137] Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum Smile, el oír "Strawberry Fields" fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles.[138] [139] El Sgt. Peppers recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el mejor álbum de todos los tiempos,[113] y es ampliamente considerado como una obra maestra.[140] Jonathan Gould lo describe como "un rico, prolongado, y desbordante trabajo de una colaboración genial cuya ambición audaz y sorprendente originalidad ensancha notablemente las posibilidades y aumenta las expectativas de la experiencia de escuchar la música popular en lo que podría ser historia. Sobre la base de esta percepción, el Sgt. Pepper se convirtió en el catalizador de una explosión de gran entusiasmo por el formato utilizado en un álbum de rock, que iba a revolucionar tanto la estética y la economía de la industria discográfica de manera que sobrepasa las anteriores explosiones pop provocadas por el fenómeno de Elvis de 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía de 1963".[140] Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es probablemente el álbum más famoso por su portada en la historia de la música popular.[141] Fue uno de los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su funda.[142] Esas letras fueron objeto de intenso análisis, los fans especularon, por ejemplo, que el "célebre Señor K." en "Being for the Benefit of Mr. Kite!" de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista Franz Kafka.[143] El crítico literario norteamericano y profesor de inglés Richard Poirier escribió un ensayo, Aprender de The Beatles, en el que señalaba que sus estudiantes estaban "escuchando la música del cuarteto con tal grado de compromiso, que él, como maestro de literatura, sólo podía envidiarles".[143] McCartney dijo en una vez: "Nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar [...] tú pones tu propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones".[143] La sorprendentemente buena elaboración de la portada del Sgt. Pepper's ocasionó gran interés y un estudio profundo sobre ella.[144] Los bigotes que en esta época llevaban se convirtieron rápidamente en un sello distintivo del estilo hippie.[145] El historiador cultural Jonathan Harris describió "el coloreado intenso y paródico de los uniformes militares" usados por The Beatles en el disco como una visualización de su manifestación anti autoritaria y anti sistema.[146] El 25 de junio transmitieron su más reciente sencillo, "All You Need Is Love", a los televidentes de todo el mundo a través de Our World, el primer programa transmitido vía satélite para todo el mundo.[147] Su aparición en medio del verano del amor hizo que la adoptasen como himno del flower power.[148] [149] Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, viajaron a Bangor, Gales para retirarse de la meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para informarles de que Epstein había muerto.[150] El médico forense dictaminó que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental, pero en general se rumorea que se descubrió una nota de suicidio entre sus bienes.[151] Epstein había estado en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con The Beatles.[152] Le preocupaba que no hubiesen renovado su contrato de gestión, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización de The Beatles en los Estados Unidos.[151] La muerte de Epstein los dejó desorientados y temerosos por su futuro. Poco después, Lennon dijo: "No tuve conceptos erróneos acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que tocar música y tenía miedo".[153] Recapitulando, comprendió que la muerte de Epstein sería el comienzo del fin del grupo: "Sabía que estábamos en apuros [...] entonces pensé, estamos jodidos a partir de este momento".[154] Magical Mystery Tour, The White Album y Yellow Submarine Magical Mystery Tour, la banda sonora de una inesperada película para televisión preparada por The Beatles, apareció como un doble EP de seis temas a principios de diciembre de 1967.[155] En los Estados Unidos las seis canciones aparecieron en un LP titulado de la misma manera, en el que se incluyeron también los temas de sus últimos sencillos. Allmusic opina sobre el Magical Mystery Tour americano: "El sonido psicodélico de este disco está muy a la par del Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de sonido de "I Am The Walrus"", y califica a sus cinco canciones extraídas de los sencillos que publicaron en 1967 como "enormes, gloriosas, e innovadoras".[156] El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras tres semanas de venta inicial en los Estados Unidos, el más alto de cualquier otro LP de Capitol, y es una compilación de Capitol que después fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The Beatles.[157] Transmitida el Día de San Esteban, la película Magical Mystery Tour, dirigida básicamente por McCartney, les trajo la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despreciativos hacia su filme. Fue llamada "una indudable basura" por el Daily Express, que la describió como "una sucesión de imágenes sin editar mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando de un autobús y viajando todo el tiempo en él".[158] Sin embargo, el Daily Mail la calificó como "un proyecto vanidoso", mientras que The Guardian la calificó como "una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la estupidez de la audiencia".[158] Le fue tan rotundamente mal que pudo haber sido cancelada en los Estados Unidos en ese momento.[159] En enero, filmaron un corto para la película animada Yellow Submarine, una versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación que llevaron a cabo en la película fue con la contribución de varias grabaciones de estudio inéditas. Estrenado en junio de 1968, el filme fue bien recibido por su innovador estilo visual y humorístico, además de su música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses hasta que se publicó la banda sonora de la película. Entre tanto, apareció lo que sería el álbum The Beatles, un doble LP popularmente conocido como el White Album —Álbum Blanco— debido a su funda totalmente blanca. La inspiración creativa para este trabajo llegó de un lugar inesperado, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein, regresaron con Maharishi Mahesh Yogi para hacerlo su gurú.[160] En su ashram en Rishikesh, India, la impartición de un "curso-guía" de tres meses se convirtió en uno de sus períodos más creativos, produciendo allí un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta grabadas para el álbum.[161] Starr se marchó después de diez días de estancia, haciendo comparación del lugar con un campamento familiar de verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento de sus compañeros en aquel lugar y se fue un mes después.[162] Para Lennon y Harrison la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis Mardas, técnico de electrónica conocido como Magic Alex, sugirió que el Maharishi estaba tratando de manipularles.[160] Después de que Mardas alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a Harrison y al resto de la comitiva consigo.[162] En su ira, Lennon escribió una canción llamada "Maharishi", pero luego la modificó para evitar una demanda legal, convirtiéndola en la canción "Sexy Sadie".[160] McCartney dijo: "Hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el Maharishi de lo que realmente había".[160] The Beatles - Let It Be

Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en varios temas.[163] El romance de Lennon con la artista vanguardista Yōko Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney.[164] Desobedeciendo el acuerdo que ellos mismos establecieron de no llevar parejas al estudio, Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación que no le agradaba a Harrison.[165] También era cada vez más despectivo con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como autor de "música para abuelitas", calificando la canción "Ob-La-Di, Ob-La-Da" como "música-basura para abuelitas".[166] Recordando las sesiones del White Album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la historia que había vivido con sus compañeros a partir de ese momento, diciendo: "Es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo mío y todo de Paul [...] solamente yo con músicos de acompañamiento por un lado y Paul igualmente por otro; y me lo pasé bien. Entonces fue cuando nos disolvimos".[167] McCartney también recordó que las sesiones marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: "Hasta ese momento, el mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos", lo cual siempre había sido "la mejor cosa de The Beatles".[168] Publicado en noviembre, el White Album fue el primer disco que Apple Records les editó. La etiqueta consistía en una empresa de Apple Corps, formada por el grupo a su regreso de la India, cumpliendo así un plan previo de Epstein de crear una estructura empresarial efectiva para administrar mejor los impuestos a pagar.[169] El álbum atrajo más de dos millones de pedidos anticipados, vendiendo casi cuatro millones de copias en los Estados Unidos en poco más de un mes, y sus temas dominaron las listas de las emisoras de radio estadounidenses.[170] A pesar de su popularidad, no recibió comentarios halagadores en su época. Según Jonathan Gould, "La respuesta de la crítica [...] osciló entre la confusión y el desencanto. En intenso contraste con Sgt. Pepper, que había contribuido a establecer todo un género de crítica erudita de rock, el White Album no inspiró literatura crítica digna de mención. Incluso los recensores más simpatizantes [...] claramente no sabían qué hacer con esta efusión amorfa de canciones. Hubert Saal, del Newsweek, citó la alta proporción de parodias, y los acusó de exceso de ironía soterrada".[170] La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White Album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el décimo mejor álbum de todos los tiempos.[113] Pitchfork describe el álbum como "grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...] sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes".[171] Allmusic señala: "Claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo"; a pesar de todo "Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes", es visible que Harrison se ha convertido en "un compositor que merecía una demostración más amplia" y la composición de Starr es "un placer".[172] Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon "Revolution" se había publicado como sencillo en agosto, como anticipo del White Album, su mensaje parecía claro: "libera tu mente" y "no cuentes conmigo" de plática alguna sobre la destrucción como medio para un fin.[173] En un año caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz.[174] Sin embargo, la versión de la canción en el White Album, "Revolution 1", añadía una palabra extra: "count me out... in" (traducible por: "no cuentes conmigo..., cuenta conmigo", lo que implicaba un cambio de ideas desde la publicación del sencillo. De hecho, la cronología se había invertido: la ambigua versión del álbum se había grabado antes, pero algunos creyeron que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar de todo, justificable.[175] El LP Yellow Submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía sólo cuatro de sus canciones inéditas, junto a la pista del título, ya aparecida en Revolver; una canción de Magical Mystery Tour; y siete piezas instrumentales compuestas por George Martin. Debido a la escasez de música nueva que la agrupación proporcionaba, Allmusic sugirió que quizás el álbum "no fuese esencial", salvo por el tema "It's All Too Much" de Harrison, "la joya de las nuevas canciones [...] resplandecida por un mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra fastuoso [...] una excursión virtuosa en la por otra parte confusa psicodelia reinante".[176] El proyecto de Let It Be, Abbey Road y la separación Artículo principal: Separación de The Beatles Edificio de Apple en el nº 3 de Savile Row (2007, aprox.). John Lennon cantando "Give Peace a Chance", en 1969. Aunque Let it Be fue el último álbum que lanzaron, la mayor parte de su contenido fue grabado antes de Abbey Road. Inicialmente llamado Get Back, Let It Be se originó de una idea que Martin atribuye a McCartney: preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto, grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación.[177] En este caso, mucho del contenido del disco vino del trabajo en estudio, muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director Michael Lindsay-Hogg. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, "no eran en absoluto una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo".[177] Agravado por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó los ensayos durante una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue acreditado en el sencillo "Get Back", el único músico en recibir tal reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Pensando en la localización para realizar el concierto, quedaron estancados, rechazando, entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y el Coliseo de Roma. Finalmente, acompañados por Preston, llevaron a cabo y filmaron la actuación en la azotea del edificio de Apple Corps en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.[177] El ingeniero Glyn Johns trabajó durante meses reuniendo varias iteraciones posibles para poder publicar un álbum definitivo de Get Back, mientras que ellos trataban otros asuntos. El problema llegó con la necesidad de nombrar un asesor financiero, necesidad que se había hecho evidente al no estar ya Epstein para gestionarles sus asuntos de negocio. Lennon estaba a favor de Allen Klein, que había negociado los contratos de The Rolling Stones y otras bandas del Reino Unido durante la invasión musical británica en los Estados Unidos. La elección de McCartney fue John Eastman, hermano de Linda Eastman, con quien McCartney se casaría el 12 de marzo de 1969 (ocho días antes de que lo hicieran Lennon y Ono).[178] No se pudo llegar a ningún acuerdo, así que ambos candidatos fueron nombrados para el mismo puesto. A causa del conflicto, se perdieron varias oportunidades de operaciones financieras.[178] Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get Back habían sido —según el productor— "una experiencia desagradable" y que había "pensado que era el final del camino para todos nosotros [...] se habían convertido en personas desagradables - para ellos mismos como para las demás personas".[179] Las sesiones de grabación de Abbey Road iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto por Martin de "una obra musical continua", y quería que sus propias canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum.[179] El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por McCartney.[179] El 4 de julio, mientras iba progresando el trabajo en el álbum, apareció el primer sencillo de un miembro de The Beatles en solitario: "Give Peace a Chance" de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band. La complementación de "I Want You (She's So Heavy)", de Abbey Road, el 20 de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969; pero se llegó a un acuerdo por el cual no se haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos legales pendientes que tenía profesionalmente con sus compañeros. Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road vendió cuatro millones de copias en dos meses y encabezó las listas del Reino Unido durante once semanas.[180] Su segunda pista, la balada "Something", se publicó también como sencillo, la primera y única composición de Harrison en aparecer como un lado A en los sencillos de The Beatles.[181] Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el medley se llevó el aplauso general.[182] Allmusic considera que es "un oportuno canto de cisnes por el grupo" con "algunas de los mejores armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock".[183] MacDonald lo llamó "errático y, a menudo hueco": "Si no hubiera sido por la entrada de McCartney como diseñador del largo medley [...] Abbey Road carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca mejor de lo que es".[184] Martin lo colocó como su favorito entre todos los álbumes que ellos habían producido; Lennon dijo que era "competente", pero "no tenía vida en él", llamando a "Maxwell's Silver Hammer" "más de la música de abuela de Paul".[185] [186] El ingeniero de grabación Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de audio del estudio hizo que el transistorizado produjese un sonido con menos garra, dejando a los músicos frustrados por el tono más delgado y la falta de efecto.[187] El 3 de enero de 1970 se grabó la última nueva canción de The Beatles, "I Me Mine", de Harrison, para el aún incompleto álbum Get Back. No había participado Lennon, que se encontraba entonces en Dinamarca.[188] Para completar el álbum, ahora retitulado Let It Be, Klein dio en marzo las cintas de grabación de Get Back al productor estadounidense Phil Spector. Conocido por su característico muro de sonido, Spector había producido recientemente el sencillo en solitario de Lennon "Instant Karma!". Además de remezclar el material de Get Back, Spector editó, empalmó y sobregrabó en varias de las pistas que The Beatles habían concebido como grabaciones "en vivo". McCartney estaba insatisfecho con el tratamiento que Spector le dio al material, y particularmente con la orquestación en "The Long and Winding Road", que involucró a un conjunto de un coro y una orquesta de treinta y cuatro piezas instrumentales. Por ello, intentó sin éxito detener el lanzamiento del álbum en la versión de Phil Spector.[189] Finalmente, McCartney anunció públicamente la separación del grupo el 10 de abril de 1970, una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney. Las primeras copias de su álbum debut en solitario incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de The Beatles y su esperanza cara al futuro.[190] El 8 de mayo se lanzó el álbum Let It Be, producido por Spector. El sencillo que lo acompañaba, "The Long and Winding Road", fue la última publicación en la que aparecieron en los Estados Unidos, pero no en Gran Bretaña. El documental Let It Be le siguió más tarde en ese mes; en la ceremonia de los Óscares del siguiente año ganó el Óscar a la mejor banda sonora (mejor adaptación musical) de 1970 por la canción "Let It Be".[191] The Sunday Telegraph la calificó como "una película muy mala, pero al mismo tiempo enternecedora [...] sobre la ruptura de esta tranquila, geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de compañeros".[192] Más de una reseña crítica había comentado que algunas pistas de Let It Be sonaban mejor en la película que en el propio álbum.[192] Observando que Let It Be es el único álbum de The Beatles que solía ocasionar reseñas negativas, incluso hostiles, Allmusic lo describió como "en conjunto, un álbum menos valorado [...] McCartney, en particular, ofrece algunas joyas: la canción al estilo gospel "Let It Be", que contiene alguna de sus mejores letras; "Get Back", uno de sus temas más roqueros; y la melódica "The Long and Winding Road, arruinada por la sobreproducción de Spector".[193] McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.[194] Las disputas legales continuaron mucho tiempo después de la ruptura, y la disolución de la asociación no surtiría efecto hasta 1975.[195] [196] Después de la separación 1971-1980 Poco antes y después de su separación oficial, cada uno de ellos publicó álbumes en solitario, aunque algunos de sus discos contenían contribuciones de los otros miembros. Ringo (1973), de Ringo Starr, fue el único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos, aunque en canciones grabadas por separado. Harrison mostró su conciencia sociopolítica al arreglar el concierto para Bangladesh en la ciudad de Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro de la cítara Ravi Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país, devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la población al país vecino, la India), y un posterior desastre natural en forma de ciclón. Aparte de un inédito jam session de 1974 (aparecida después en el bootleg A Toot and a Snore in '74), Lennon y McCartney nunca más volvieron a grabar juntos.[197] En 1973 se lanzaron dos dobles LP que contenían los grandes éxitos de The Beatles compilados por Allen Klein, 1962-1966 y 1967-1970.[198] Comúnmente conocidos como el Álbum Rojo y Álbum Azul, respectivamente, cada uno obtendría con el paso del tiempo un disco multi-platino en los Estados Unidos y una certificación de platino en el Reino Unido.[199] [200] Entre 1976 y 1982, EMI y Capitol lanzaron una oleada de álbumes recopilatorios de The Beatles sin la participación de ellos. El único de todos ellos que incluyó material inédito fue The Beatles at the Hollywood Bowl (1977), que contenía una selección de dos conciertos de The Beatles durante sus giras de 1964 y 1965 en los Estados Unidos. Todos estos discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo oficial Capitol-EMI —incluyendo The Beatles at Hollywood Bowl— al reeditarse la discografía original inglesa en CD para todo el mundo en 1987.[201] La fama y música de The Beatles fueron explotadas comercialmente de diferentes maneras, fuera del control creativo de sus cuatro miembros. En 1977 se inauguró un musical en Broadway llamado Beatlemania. Era una revista nostálgica interpretada por cuatro músicos imitando a The Beatles y que gozó de una gran popularidad, de manera que se sonsacó de ella cinco producciones por separado para sus correspondientes giras mundiales.[202] [203] En 1977 The Beatles trataron infructuosamente de evitar el lanzamiento del álbum Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962. Esta edición independiente contenía grabaciones que realizaron durante su estancia en Hamburgo, hechas con un equipo básico de grabación y un solo micrófono.[204] Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978), una película musical protagonizada, entre otros, por los Bee Gees y Peter Frampton, fue un fracaso comercial y artístico.[205] En 1979, los cuatro músicos demandaron a los productores del musical Beatlemania, llegando a pedir varios millones de dólares de indemnización. "La gente creía que la música de The Beatles era del dominio público", dijo Harrison. "No se puede ir por ahí hurtando el material de The Beatles".[203] 1981-1990 Véase también: Muerte de John Lennon John Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980, alrededor de las 22:49 h. de la noche, de cinco disparos hechos por Mark David Chapman a la entrada del edificio Dakota, donde el músico tenía su residencia en la ciudad de Nueva York.[206] Como tributo personal, George Harrison reescribió la letra de su canción "All Those Years Ago", un tema que versaba sobre su tiempo pasado con The Beatles, y que se había empezado a grabar un mes antes del asesinato de Lennon. Con McCartney y su esposa Linda aportando coros, y Starr tocando la batería, la canción fue publicada como sencillo en mayo de 1981.[207] En 1982, Paul McCartney publicó su álbum Tug of War, que contenía su tributo personal a Lennon en la canción "Here Today". En 1988, The Beatles fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad,[208] a la que asistieron Harrison y Starr, junto a la viuda de Lennon, Yōko Ono, y sus dos hijos, Julian y Sean. McCartney se negó a asistir, emitiendo un comunicado de prensa diciendo: "Después de 20 años, The Beatles todavía tienen algunas diferencias de negocios que yo hubiera deseado que ya hubieran sido resueltas para este momento. Desafortunadamente, no lo han sido, por lo que me sentiría como un completo hipócrita saludando y sonriendo con ellos en una falsa reunión".[209] [210] El año siguiente, EMI/Capitol puso fin a una demanda de diez años de duración que tenía con The Beatles referente a las regalías, allanando el camino para poder publicar comercialmente material inédito.[211] [212] 1991-2000 Live at the BBC, la primera publicación oficial de interpretaciones inéditas de The Beatles desde hacía 17 años, apareció en 1994. Ese mismo año, McCartney, Harrison y Starr se reunieron para el proyecto Anthology, la culminación de un trabajo iniciado a finales de los años 60 por Neil Aspinall.[213] Primero road manager y después asistente personal de The Beatles, Aspinall comenzó a reunir material para un documental después de haber llegado a director de Apple Corps en 1968.[213] The Long and Winding Road, como tenía titulado provisionalmente Aspinall su documento sobre The Beatles, fue archivado entonces de forma indefinida, hasta que, como productor ejecutivo del proyecto Anthology en los años 90, estuvo en condiciones de completar su trabajo.[213] Documentando la historia de The Beatles relatada por los propios miembros, el proyecto vio surgir algunas de sus grabaciones inéditas; McCartney, Harrison y Starr añadieron también nuevas partes instrumentales y vocales a dos canciones grabadas por Lennon a finales de la década de 1970.[214] Durante 1995 y 1996, el proyecto antológico dio lugar a un documental dividido en cinco partes destinado para la televisión; a una edición videográfica dividida en ocho volúmenes del mismo documental, pero expandido; y a tres álbumes doble contenedores de material musical mayormente inédito o remezclado. Posteriormente, en 2000, también daría lugar a un libro de gran tamaño y tapa dura con la historia de The Beatles relatada en primera persona por sus ex miembros. Las dos canciones basadas en las maquetas de Lennon, "Free as a Bird" y "Real Love", fueron lanzadas cada una como sencillo.[213] El diseño artístico de la portada tríptica de los álbumes musicales fue obra de Klaus Voorman, creador de la portada del álbum Revolver en 1966. Los lanzamientos fueron un éxito comercial y la serie de televisión fue vista por una estimada audiencia de 400 millones de personas en todo el mundo.[213] 2001-Presente El 13 de noviembre de 2000 se publicó el álbum recopilatorio 1, que contenía todos los números uno británicos y estadounidenses de The Beatles. Se convirtió en el álbum con ventas más rápidas de todos los tiempos, con 3.6 millones de unidades vendidas en su primera semana y más de 12 millones en tres semanas en todo el mundo. Fue número uno en las listas de al menos 28 países, incluyendo el Reino Unido y los Estados Unidos.[215] Hasta abril de 2009 había vendido 31 millones de copias a nivel mundial, y es el álbum más vendido de la década en los Estados Unidos.[216] [217] Harrison murió de cáncer de pulmón el 29 de noviembre de 2001.[218] [219] McCartney y Starr dos de los músicos que aparecieron en el Concert for George organizado por Eric Clapton y la viuda de Harrison, Olivia. El homenaje tuvo lugar en el Royal Albert Hall en el primer aniversario de la muerte de Harrison. Aparte de las canciones que compuso para The Beatles y para su carrera en solitario, el concierto incluyó también una celebración de la música tradicional hindú, en la cual Harrison tuvo interés, y con la que estuvo ampliamente influido.[220] En 2003 se lanzó Let It Be... Naked, una versión remodelada del álbum original Let It Be con la producción supervisada de McCartney, y que recibió reseñas diversas por parte de la crítica. Alcanzó el Top 10 tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. Como banda sonora para el espectáculo Love del Cirque du Soleil en Las Vegas, George Martin y su hijo Giles remezclaron y combinaron 130 grabaciones de la banda para crear "una manera de revivir toda la vida musical de The Beatles en un periodo muy condensado de tiempo".[221] El espectáculo se estrenó en junio de 2006, lanzándose el álbum Love en noviembre de ese mismo año. Atendiendo al primer aniversario del espectáculo musical, McCartney y Starr fueron entrevistados en el programa de televisión estadounidense Larry King Live junto a Yōko Ono y Olivia Harrison.[222] Asimismo, en 2007 circuló la noticia de que McCartney esperaba completar "Now and Then", una tercera maqueta de Lennon en la que se trabajó durante las sesiones de Anthology. Sería acreditada como una "composición de Lennon/McCartney" con la adición de nuevos versos, y disponiendo de una nueva pista de batería a cargo de Ringo Starr y grabaciones archivadas de George Harrison tocando la guitarra.[223] En marzo de 2008 los abogados de The Beatles hicieron una demanda para evitar la difusión de grabaciones inéditas supuestamente hechas durante la primera aparición de Starr con el grupo en el Star-Club de Hamburgo en 1962.[224] En noviembre, McCartney habló de su esperanza de que "Carnival of Light", una grabación experimental de 14 minutos de The Beatles realizada en los estudios de grabación de EMI en 1967, recibiera una versión oficial.[225] El 4 de abril de 2009, McCartney encabezó un concierto caritativo en el Radio City Music Hall para la Fundación David Lynch, que incluía a Ringo Starr entre los demás invitados.[226] El 9 de septiembre de 2009 se publicó The Beatles: Rock Band, un videojuego basado en las canciones de The Beatles,[227] al igual que las versiones remasterizadas de los doce álbumes de estudio británicos del grupo, más Magical Mystery Tour y la compilación Past Masters, presentada en sus versiones monoaural (por tiempo limitado) y estereofónica.[228] Estilo musical y evolución Véase también: Lennon/McCartney En Icons of Rock: An Encyclopedia of the Legends Who Changed Music Forever, Scott Schinder y Andy Schwartz hablaron sobre la evolución musical de The Beatles: "En su encarnación inicial, los Fab Four revolucionaron el sonido, estilo y actitud de la música popular y abrieron las puertas del rock and roll a toda una ola de sucesos de rock británico. Su impacto inicial hubiera sido suficiente para establecer a The Beatles como una de las fuerzas culturales con mayor influencia de su época, pero no se detuvieron allí. Aunque su estilo inicial fue muy original, con ritmos irresistiblemente pegadizos como el rock and roll y R&B, The Beatles pasaron el resto de la década de 1960 expandiendo las fronteras estilísticas del rock, siempre apostando a nuevos territorios musicales en cada versión. Su más sofisticada experimentación fue utilizada en una gran variedad de géneros, incluyendo el folk-rock, country, psicodelia, pop y barroco, sin sacrificar el atractivo esfuerzo de sus primeros trabajos".[229] En The Beatles as Musicians, Walter Everett señaló el contraste que había entre Lennon y McCartney respecto a sus motivaciones y enfoques al componer: "McCartney se puede decir que estaba en desarrollo constante—como un medio de entretenimiento—un centrado talento musical con un oído de contrapunto y otros aspectos de la artesanía, demostrando un lenguaje común del que hizo mucho para enriquecer y ajustarlo universalmente. Por el contrario la música madura de Lennon es apreciada como el producto de una gran audacia inconsciente, buscando, pero de forma indisciplinada, la sensibilidad artística".[230] Ian MacDonald hizo una comparación de los dos compositores en Revolution in the Head, describe a McCartney como "un compositor por naturaleza—un creador de melodías capaces de existir separadamente de su armonía". Sus líneas melódicas se caracterizan principalmente como "verticales", empleando todo, intervalos disonantes que reflejan su "extrovertida energía y optimismo". A la inversa, "el sedentarismo y la personalidad irónica" de Lennon se refleja en un enfoque "horizontal", intervalos disonantes y repetitivas melodías que se fían de su armonía para sacar un mayor provecho: "Básicamente un realista, él por instinto mantiene sus melodías cerradas para los ritmos y el progreso de su lenguaje, colorando sus letras con un tono de blues y una armonía que crea melodías sorprendentes hechas por su propia cuenta".[231] MacDonald alabó al papel de guitarra solista de Harrison por su trabajo en "líneas de calidad y texturas colorantes" tocando como soporte en las partes de Lennon y McCartney, y describe a Starr como "el padre de la batería en el pop/rock moderno [...] Su estilo, que parece estar ligeramente detrás del ritmo, es sutilmente impulsado por The Beatles, su afinación trajo los últimos fundamentos dentro del sonido de la batería, y su distintiva excentricidad seguirá permaneciendo entre lo más memorable de la música popular".[232] Influencias Las primeras influencias las obtuvieron de músicos como Elvis Presley, Little Richard y Chuck Berry, entre otros, cuyas canciones solían interpretar en numerosas ocasiones en sus actuaciones en vivo.[233] Durante su co-residencia con Little Richard en el Star Club de Hamburgo en abril de 1962, Richard les enseñó técnicas para mejorar sus canciones.[234] Sobre Presley, Lennon dijo: "Nada me había influenciado tanto hasta que escuche la música de Elvis. Si no hubiera existido Elvis, The Beatles tampoco hubieran existido".[235] Otras influencias de The Beatles en sus principios incluyen también a Buddy Holly, Eddie Cochran, Carl Perkins, Roy Orbison,[236] y The Everly Brothers.[237] [238] The Beatles continuaron recibiendo influencias a lo largo de su carrera musical, sobre todo de artistas contemporáneos, incluyendo a Bob Dylan, Frank Zappa, The Byrds y The Beach Boys, cuyo álbum de 1966, Pet Sounds, dejó sorprendido e inspirado a McCartney.[239] [240] Martin declaró: "Sin Pet Sounds, el Sgt. Pepper no habría ocurrido [...] Sgt. Pepper fue un intento de igualar a Pet Sounds".[241] Géneros The Beatles utilizaron pequeños amplificadores Vox en sus conciertos. Esta fotografía de 2005 muestra un bajo Höfner en forma de violín y una guitarra Gretsch, modelos utilizados por McCartney y Harrison respectivamente. Originalmente comenzaron como grupo de estilo skiffle,[242] pero pronto se embarcaron en el rock and roll genuino de los años 50.[243] Conforme pasó el tiempo, su repertorio se fue ampliando hasta incluir una extensa variedad de música pop. Como reflejo de la variedad de estilos que exploraron, Lennon dijo sobre Beatles for Sale: "Tú podrías llamar a nuestra nueva creación LP regional y occidental",[244] mientras que Allmusic los acreditó, y en particular a Rubber Soul, como una de las principales influencias en la evolución del folk rock.[1] Comenzando con el uso de un cuarteto de cuerdas en "Yesterday" del álbum Help!, incorporaron también elementos de música clásica. Sin embargo, tal y como Jonathan Gould señala, este no fue "ni remotamente el primer disco pop en hacer uso prominente de cuerdas"—aunque sí fue la primera grabación de The Beatles en hacerlo [...] más bien, ocurrió que el sonido tradicional de las cuerdas permitió una nueva apreciación de su talento como compositores por aquellos oyentes que en cierto modo, sentían alergia al estruendo de las baterías y las guitarras eléctricas".[245] Hicieron uso de las cuerdas para crear distintos efectos. En "She's Leaving Home", por ejemplo, grabada para el Sgt. Pepper, Gould escribe que "está construida en el molde de una balada sentimental victoriana, sus palabras y la música se rellenan con los clichés del melodrama musical".[246] El rango estilístico que promulgaban se expandió en otra dirección en 1966, con el lado B del sencillo "Paperback Writer": "Rain", descrita por Martin Strong en The Great Rock Discography como la primera grabación abiertamente psicodélica de The Beatles".[247] Le siguieron otras obras psicodélicas, tales como "Tomorrow Never Knows" (grabada antes de "Rain", "Strawberry Fields Forever", "Lucy in the Sky with Diamonds", y "I Am the Walrus". La influencia de la música clásica india fue evidente en canciones de Harrison como "Love You To" y "Within You Without You", cuya intención, escribe Gould, era "reproducir los esquemas del raga en miniatura".[248] En resumen de su evolución musical, el historiador musical y pianista Michael Campbell identifica a la innovación como su característica más llamativa, escribiendo que: "'A Day in the Life' resume el arte y el éxito de The Beatles de forma única. Se destacan las principales características de su música: el sonido de la imaginación, la persistencia de la melodía armoniosa, y la estrecha coordinación entre las palabras y la música. Representa una nueva categoría de canción—más sofisticada que el pop, más accesible y práctica que el pop, y única e innovadora. Hay en ella, literalmente, lo que nunca antes había sido una canción—clásica o vernácula—que había mezclado tantos elementos dispares de una manera tan imaginativa".[249] El teórico musical Bruce Ellis Benson está de acuerdo con la opinión de Campbell: "Los compositores pueden ser capaces de crear nuevos ritmos y progresiones de acordes, pero generalmente son improvisaciones de ritmos y progresiones de acordes comunes. The Beatles [...] nos dan un ejemplo maravilloso de cómo influencias tan remotas como la música celta, rhythm and blues, y el country y western, podrían ser combinadas de un nuevo modo".[250] En The Songwriting Secrets of The Beatles, (Los secretos de los Beatles escribiendo canciones) Dominic Pedler destacó también la importancia del modo en que combinaron los géneros: "Uno de los más grandes logros de The Beatles fue el malabarismo compositivo que desempeñaron durante la mayor parte de su carrera. Lejos de mudarse de un género a otro de manera secuencial (como a veces se sugiere a conveniencia), mantuvieron en paralelo su maestría con los éxitos tradicionales, pegadizos, a la vez que forjaban rock y se deleitaban con un amplio espectro de influencias periféricas, que abarcaba desde el country hasta el vodevil. Uno de estos hilos fue su adaptación de la música folk, que constituiría un trabajo tan esencial como base para sus posteriores colisiones con la música y filosofía india".[251] Como las relaciones personales entre los miembros eran cada vez más tensas, sus influencias individuales se hicieron más evidentes. La portada minimalista para el White Album contrasta con la complejidad y diversidad de su música, que abarca "Revolution 9" de John Lennon, cuya perspectiva de música concreta fue influenciada por Yoko Ono, la canción country de Starr "Don't Pass Me By"; la balada rock de Harrison "While My Guitar Gently Weeps" y el "rugido proto-metal" de "Helter Skelter" de McCartney.[172] Contribución de George Martin La estrecha participación que George Martin tuvo con los cuatro músicos en su papel de productor, le hizo ser uno de los principales candidatos para el título del "quinto Beatle".[252] Contribuyó a que la estructura musical clásica de la formación comenzase a evolucionar de manera diferente.[253] La idea de incluir un cuarteto de cuerdas en "Yesterday" fue suya, mientras que ellos mostraban poco entusiasmo sobre el concepto, pero el resultado final les resultó toda una sorpresa.[254] Gould también ha descrito esta situación, "al volverse Lennon y McCartney cada vez más ambiciosos en sus composiciones, Martin comenzó a funcionar como un gran profesor de música para ellos". Esto, junto con las ideas experimentales que tenía Martin, tales como agregar "algo barroco" a una grabación, les facilitó el desarrollo creativo.[254] Además de haber dirigido los arreglos orquestales para algunas grabaciones de The Beatles, Martin también colaboró tocando instrumentos musicales como el piano, el órgano y algunos instrumentos de viento-metal.[255] Mirando hacia el pasado durante la creación del Sgt. Pepper, Martin dijo, "El 'Sargento Pimienta' ('Sergeant Pepper') en sí no aparece hasta la mitad de la elaboración del álbum, solo un ordinario tema de rock y no particularmente brillante como ocurre en otras canciones [...] Paul dijo: '¿Por qué no hacemos el álbum como si la banda Pimienta (Pepper) realmente existiera, como si el Sargento Pimienta estuviera haciendo la grabación? Vamos a apodarnos así en los sucesos y elementos'. Yo amé la idea, y desde ese momento fue como si el Pepper tuviera vida propia". Recordando cómo la canción contrastó fuertemente con las composiciones de Lennon, Martin habló por otra parte de su propia influencia de estabilizador: "En comparación con las canciones de Paul, que parecían tener algún tipo de contacto con la realidad, John tenía una psicodelia, de calidad casi mística [...] las metáforas de John son una de las mejores cosas en su trabajo—"árboles de mandarina", "cielos de mermelada", "flores de celofán" [...] Siempre lo vi como una fonética de Salvador Dalí, mejor dicho, que había alguna droga detrás del artista. Por otra parte, sería tonto fingir que en ese momento las drogas no figuraron ampliamente en sus vidas. Al mismo tiempo, ellos sabían que yo, en mi papel de maestro de escuela, no las aprobaba [...] No solo porque no formaban parte de mí mismo, no veía la necesidad de usarlas; y no hay duda, de que si yo también hubiera estado en la droga, Pepper nunca habría sido el álbum que fue".[256] Harrison hizo énfasis de la descripción de Martin en su papel de estabilizador: "Creo que solo crecimos a través de los años juntos, él como el hombre recto y nosotros como los locos; pero él siempre estaba ahí para interpretar nuestras locuras—solíamos ser ligeramente vanguardistas en ciertos días de la semana, y allí estaba él como la persona de anclaje, para comunicarlo a través de los ingenieros y en las cintas".[257] Trabajo en el estudio The Beatles hicieron un uso innovador de la tecnología, tratando al estudio como un instrumento en sí mismo. Se instó a Martin y sus ingenieros de grabación a la constante experimentación, exigiendo regularmente usar algo nuevo porque "solamente de ese modo, algo puede sonar realmente bien".[258] Al mismo tiempo, la agrupación buscó nuevas maneras de crear y utilizar cosas más creativas en sus creaciones musicales, incorporando efectos tales como el eco de una botella de plástico y el acomodar una cinta en el lado opuesto para que la voz se reprodujera al revés.[259] El deseo que tenían para crear nuevos sonidos en cada grabación realizada, junto con las habilidades de organización de Martin y la experiencia de los ingenieros de estudio de EMI como Norman Smith, Ken Townsend y Geoff Emerick, contribuyeron significativamente a las grabaciones de Rubber Soul y, especialmente, Revolver.[259] Junto con los trucos de estudio, tales como efectos de sonido, emplazamientos de los micrófonos convencionales, loops de cinta, voces dobladas, variaciones de velocidad, The Beatles incluyeron en sus canciones instrumentos no convencionales para el rock de ese momento. Instrumentos de la India como la cítara en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" y el swordmandel en "Strawberry Fields Forever".[260] También usaron instrumentos electrónicos tales como el mellotrón, con el que McCartney dio inicio al intro de "Strawberry Fields",[261] y el clavioline, un teclado electrónico que creaba el inusual sonido de un oboe en "Baby, You're a Rich Man".[262] Legado La influencia de The Beatles en la cultura popular fue—y sigue siendo—enorme. El ex editor asociado de la revista Rolling Stone, Robert Greenfield, dijo: "La gente sigue admirando a Picasso [...] a los artistas que rompieron los límites de su época para llegar a algo que era único y original. La manera en que se trabajó para la construcción de la música popular, nadie será más revolucionario, más creativo y más distintivo como lo fueron The Beatles".[227] Desde la década de 1920, los Estados Unidos habían dominado la cultura popular de entretenimiento en gran parte del mundo, a través de películas de Hollywood, el jazz, la música de Broadway y Tin Pan Alley y, más tarde, el rock and roll que surgió por primera vez en Memphis, Tennessee.[263] Basándose en sus raíces de rock and roll, no sólo desencadenaron la invasión británica de los EE. UU., sino que se convirtieron en un fenómeno influyente a nivel mundial.[264]

El fantasma de la ópera El fantasma de la ópera (Le Fantôme de l'Opéra en francés) es una novela de Gastón Leroux, inspirada en la también novela Trilby de George du Maurier. Se editó en entregas semanales, publicándose la primera el 19 de noviembre de 1909, y ha sido adaptada numerosas veces para películas y actuaciones en teatros. El fantasma de la ópera es una novela gótica que combina romance, terror, misterio y tragedia. La historia trata de un hombre misterioso que aterroriza la Ópera de París para atraer la atención de una joven vocalista a la que ama. Argumento La novela fue publicada en 1909, está ambientada en el París del siglo XIX, concretamente en la Ópera Garnier, un edificio lujoso y monumental construido sobre un lago subterráneo entre 1857 y 1874. Los empleados afirman que la ópera está encantada por un fantasma misterioso que provoca muchos accidentes. El fantasma de la ópera (le fantôme de l'Opéra) chantajea a los dos gerentes de la ópera para que le paguen 20.000 francos al mes y le reserven una cabina privada para los conciertos, ya que él compone todas las óperas que se presentan ahí o hace arreglos musicales. Mientras, la joven diva Christine Daaé (aparentemente inspirada en la diva sueca Christina Nilsson) que cree estar guiada por un Ángel de Música supuestamente enviado por su padre, llega a un éxito repentino en el escenario en cuanto reemplaza a la hasta entonces "Prima Donna" Carlotta, que tuvo que ser sustituida dos veces porque cayó en una extraña enfermedad. En esta versión de la historia, Carlotta es reemplazada debido a que Erik, el fantasma, deja caer un telón de gran tamaño sobre Carlotta y hace que abandone la presentación de esa noche. Christine gana los corazones del público, incluyendo el de su amor de infancia, el Vizconde Raoul de Chagny. El fantasma se siente celoso de la relación de Christine con Raoul, y la invita a visitarle en su mundo debajo del edificio. Ella acepta, y abajo en las catacumbas descubre que su ángel es en realidad un genio musical deforme que lleva una máscara para ocultar su cara aberrante. Ella grita de terror al contemplar su rostro verdadero, y el fantasma la encierra en su hogar, aceptando liberarla sólo cuando ella promete que volverá a visitarlo por su propia voluntad. Chistine está dividida entre el amor del joven y encantador vizconde Raoul, y su fascinación con la misteriosamente hermosa música del fantasma. Cuando ella se da cuenta de que su ángel es el mismo fantasma de la ópera responsable de accidentes y asesinatos, ella y Raoul deciden casarse en secreto y escapar de París, fuera del alcance del fantasma. El fantasma descubre su plan, y durante la interpretación de Christine como Marguerite en la ópera Fausto de Charles Gounod,deja la opera a oscuras y la secuestra en pleno escenario . Abajo, en el hogar del fantasma, tiene lugar la última confrontación, entre el fantasma, Christine y Raoul. ¿Quién es el fantasma? El fantasma nació como el hijo de un maestro de la albañilería, en una pequeña ciudad no muy lejos de Ruán. Escapó muy pronto de la casa de su padre, dónde su cara deformada era objeto de horror y terror para sus progenitores. Durante un tiempo, frecuentó las ferias, dónde un dueño de un espectáculo de exposición de monstruos lo anunciaba como el cadáver humano. Viajó alrededor de Europa y Asia con los gitanos. Allí consiguió pericia acrobática y musical para convertirse en un genio alejado de la norma. También se convirtió en un experto ventrílocuo. Eventualmente, terminó como asesino de la corte e ingeniero personal del Sah de Persia y construyó para él sofisticadas trampas y dispositivos de tortura (como el lazo de Penjab). Después de algún tiempo, Erik construyó para el Sah un magnífico palacio el cual fue provisto de las maravillas que el fantasma desarrolló. fue entonces cuando el Sah, al notar la magnificencia de Erik y su edificio, decidió que él sería el único en poseer un palacio de esa categoría y tuvo miedo de que Erik pudiera construir otro para más personas. Así pues, decidió dar muerte a Erik. Este se las arregló para escapar y retornar a Francia. Erik usó sus habilidades arquitectónicas y consiguió un trabajo como uno de los arquitectos que construirán la Ópera Garnier de París. Bajo el edificio, un lago artificial había sido creado durante la construcción usando ocho bombas hidráulicas, porque existían problemas ya que el nivel del agua subterránea seguía subiendo. Sin que nadie se diese cuenta, Erik construyó un laberinto de túneles y pasillos en los niveles más bajos. Más allá del lago subterráneo construyó un hogar para sí mismo, dónde podría vivir protegido del resto de la gente. Aún siendo un brillante inventor e ingeniero, Erik también era un genio musical, y empezó a visitar la Casa de la Ópera para escuchar óperas e interferir con el supuesto mal gusto del gerente. Al no poder enseñar su cara en público, se caracterizó como un fantasma y usó la violencia para chantajear a los gerentes de la ópera y atarlos a su voluntad. Explotó las supersticiones de los empleados y su conocimiento de los pasajes secretos del edificio, lo que le permitía llegar a cualquier parte de la ópera sin que nadie se diese cuenta. Aterrorizaba a aquellos que se negaban a atender sus peticiones y hasta mató gente a modo de aviso. De cualquier manera, trataba bien a los que se comportaban de forma leal y obedecían sus órdenes (caso de Madame Giry). La historia de la novela comienza cuando una joven muchacha corista llamada Christine Daaé se une al coro de la ópera y Erik, el fantasma, se enamora y se obsesiona con ella. Teatro * Ken Hill's Phantom of the Opera (1976/1984): Musical por Ken Hill, con letras añadidas a la música de Gounod, Offenbach, Verdi, y otros. * El Fantasma de la Ópera en México (1976) con Lucía Méndez y Julio Alemán. * The Phantom of the Opera (1986): Musical por Andrew Lloyd Webber. * The Phantom of the Opera: Musical por Helen Grigal (libreto y letras) y Eugene Anderson (música). * Phantom (1991): Musical por Maury Yeston (música y letras) y Arthur Kopit (texto). * Phantom der Oper por Arndt Gerber / Paul Williams. * The Phantom of the Opera por BAT Productions. * Phantom of the Opera por David Bishop / Kathleen Masterson. * Phantom der Oper por Karl Heinz Freynick / Ingfried Hoffmann. * The Phantom of the Opera por Rob Barron / David Spencer. * Das Phantom der Oper por Sahlia Raschen / Ulrich Gerhartz. * The Phantom of the Opera por Sean Grennan, Kathy Santen, Cheri Coons / Michael Duff. * The Phantom of the Opera por Gaslight Theatre. * Das Phantom der Oper por Thomas Zaufke, Felix Müller / Victor Hunt. * The Phantom of the Opera por Walter Murphy. * The Phantom of the Opera (Musical) realizado por The British School, año 2009 (Ganador del Grammy a la mejor adaptación). * Love Never Dies (Musical) Secuela del musical original de 1986 creada por Andrew Lloyd Webber, la obra transcurre en un parque de diversiones 10 años después del desenlace de The Phantom of The Opera, estrenada en marzo de 2010. Películas * Das Phantom der Oper (1916) dirigida por Ernst Matray y protagonizada por Nils Crisandher y Aud Nissen. * The Phantom of the Opera (1925) (El fantasma de la ópera en España): Protagonizada por Lon Chaney, Sr. * Phantom of the Opera (1943) ( El fantasma de la ópera en España): Con Claude Rains. * El fantasma de la ópera (1960): Cortometraje grabado en Argentina, adaptación de la novela a cargo de Chicho Ibáñez-Serrador. * Phantom of the Horse Opera (1961): Película animada de Woody Woodpecker. * The Phantom of the Opera (1962) (El fantasma de la ópera en España): Versión de Hammer horror con Herbert Lom. * Phantom of the Paradise (1974): Musical rock dirigido por Brian De Palma. * The Phantom of the Opera (1983) (El fantasma de la ópera en Venezuela): Hecha para la televisión con Maximilian Schell y Jane Seymour. * The Phantom of the Opera (1989) (El fantasma de la ópera en España y Argentina): Dirigida por Dwight H. Little, con la interpretación de Robert Englund. * Il fantasma dell'opera (1998) (El fantasma de la ópera en España, Argentina y Venezuela): Dirigida por Dario Argento, con Julian Sands. * The Phantom of the Opera (2004) (El fantasma de la ópera en España): Versión para el cine del musical de Lloyd Webber, dirigida por Joel Schumacher, con Gerard Butler y Emmy Rossum como los protagonistas. Televisión * The Phantom of the Opera (1990) (El fantasma de la ópera en Venezuela): Miniseries producidas por la NBC, dirigidas por Tony Richardson y protagonizadas por Burt Lancaster, Teri Polo y Charles Dance. Novelas y series * El fantasma de la ópera de Gastón Leroux, el libro original que lo empezó todo. * Phantom de Susan Kay, que cuenta de nuevo la vida del fantasma. * The Phantom of Manhattan de Frederick Forsyth, una secuela al musical de Lloyd Webber. * Angel of Music de D. M. Bernadette, una secuela a "todas las adaptaciones del fantasma". * Journey of the Mask de Nancy Hill Pettengill, una secuela a la novela original de Leroux. * Progeny de Becky L. Meadows, otra secuela en la que Erik y Crhistine tienen un hijo. * The Canary Trainer de Nicholas Meyer, una novela de Sherlock Holmes que reinterpreta el argumento definido por Leroux. * Maskerade de Terry Pratchett, una novela de Mundodisco que parodia la historia. Publicada en España con el título Mascarada. * The Angel of the Opera de Sam Siciliano, Sherlock Holmes y su hijo se encuentran con el fantasma. * "El fantasma de la ópera; ensayo del musical y obra literaria" de Sandra Andrés Belenguer. Un ensayo acerca del musical de Webber y la novela de Leroux. * Night Magic de Charlotte Vale Allen, un romance novelesco que cuenta la historia del fantasma en tiempos más modernos. * Stagestruck Vampires and Other Phantasms de Suzy McKee Charnas; la historia corta Beauty of the Opera en esta antología ofrece un final alternativo con Christine permaneciendo junto al fantasma durante cinco años. * En Chiquititas 2000, Rafael Sander se esconde de su pasado por haberse desfigurado el rostro, así pasa a llamarse Andrés Ferala. Aunque no es propiamente una versión de la novela de Gastón Leroux, gran parte del contenido de esta serie es similar. Escrita por la argentina María Cristina di Giacomi. * Fantasma de plata de B. Fuentes, 2007, en la que una joven conoce al Fantasma y consigue enamorarse de él. Él, por su parte, tras la decepción de Christine, adiestra a la joven para que sea su discípula, Fantasma de Plata. Canciones * BanYa, la banda que se ganó una zona propia en el simulador de baile "Pump It Up!", para la versión ZERO de este simulador, creó una versión de "El Fantasma de la Opera", titulada (en el juego) "Phantom". * BanYa Productions, la nueva Banda musical del Juego "Pump It Up",saco una nueva version del "Fantasma de la Opera" llamada en el juego "Phantom Intermezzo" en el 2010, en la Version "Fiesta" * Una canción de heavy metal basada en el libro y titulada "Phantom of the Opera" fue incorporada en el álbum Iron Maiden de la banda británica del mismo nombre en 1980. * Una versión en género metal de El fantasma de la ópera es interpretada por Nightwish en su álbum Century Child añadiendo un toque gótico por parte de Tarja Turunen en el papel de Christine y con Marco Hietala en el de Erik. * Tilo Wolff de Lacrimosa también interpreta (como invitado) junto con Dreams of Sanity y su vocalista Sandra Schleret una versión de "El fantasma de la opera", versión que está incluida en su álbum de 1999, titulado "Masquerade", editado por la discográfica independiente Hall of Sermon. * Otras bandas de Heavy Metal Gótico como Theatre of Tragedy han reeditado una versión del tema de El fantasma de la ópera. * El grupo gótico Anabantha también posee una versión del tema de El fantasma de la ópera, pero en español, interpretada por su vocalista Duan Marie como Christine y el baterista Vlad Landeros como Erik. * La banda de versiones Me First and the Gimme Gimmes grabó una versión punk-rock de la pista del título del musical de Andrew Lloyd Webber, y la publicó en su álbum de 1999 llamado ... Are A Drag. * El grupo de heavy metal Iced Earth publicó en el 2001 una canción titulada "The Phantom Opera Ghost". * Phantasia es la interpretación orquestada que Andrew y Julian LLoyd Webber que lograron convertir en un proyecto realizado. Un violoncello hace el papel del fantasma (Julian LLoyd Webber) mientras que un violín se ocupa de interpretar a Christine (Sarah Chang). * El cantante Camilo Sesto, en el año 2000, hizo una adaptación de "El fantasma de la ópera". A pesar de tener los derechos le fue extrañamente y a última hora prohibida la distribución de la grabación. * El cantante y actor Antonio Banderas con la cantante Sarah Brightman hacen un dueto con la canción The phantom of the opera. * El músico Rick Wakeman grabó en 1990 un álbum para la banda sonora de la versión restaurada de película original de 1925, Phantom Power

Tecktonik Tecktonik (abreviado TCK) es una marca comercial francesa creada y registrada en el año 2002, que denota el baile cuyos inicios se remontan al año 2000, en el club Metrópolis de París, Francia. Dicho baile mezcla pasos de hip hop y techno. El Tecktonik no tiene un ritmo musical propio, es practicado con música electro. Como Apareció El Tecktonik apareció en las discotecas Francesas (en el 2002) en un estilo de baile cuando hay música electrónica y con un amplio movimiento del cuerpo, caderas y sobretodo, brazos. Su mayor afición en el desorden. Música La música utilizada se llama electro, al género en sí pero se derivan otros como electro house, trance alternativo, hard style que es la música más fuerte dentro de amplio genero. Los dj's más destacados del fenómeno tecktonik son Dj Sexiteck, Dj Fontan, DJ Dess, DJ Furax, Dj Wepe, Dim Chris, RV. B, Deepack, DJ Sporas, Max B. Grant, Miss Hiroko, Kevin Tandarsen, Heiko & maiko, Lady Tom, DJ SZaga, DJ Antoine, Dj Gohan, Dj Hongo, DJ Fozzie Bear, Yelle, Dj two-b, Spencer & Hill, Dj Klass, Dj ritmo entre otros. Varias canciones han marcado su nacimiento y desarrollo: * "One Desire" de Jakarta Team, que se popularizó su videoclip de animación de un bebé bailando Tecktonik. * "Je Vais Vite" de la cantante francesa Lorie, perteneciente a su quinto álbum de estudio. * "Better World" de Teo Moss, considerado como el nuevo himno del Tecktonik. * "Play" de "Une Garçon" del disco "2lor en moi?" de la cantante Lorie. * "Give Me Some Love" de Klaas. * "A cause des garçons" de la cantante Yelle Interpretada por tres tecktonicks (Vavan, Treaxy y Fredou). * "Rush" de Kevin Tandarsen. * "Overdose" de Dj. SZaga * "Alive" del grupo Mondotek. Esta canción fue llevada a Internet con la interpretación del grupo de tecktonik Wantek. * "We don't dance, we are the dance" del grupo SMDB que reivindican el uso de términos como "Milky way" o "Electro dance" en vez de "tecktonik", debido al sentido comercial de este último. * "I know"de Dynamic Rockers interpretada en el videoclip por dos de los más importantes grupos de tecktonik de Francia: Mafia Electro y Wantek. * "SoloTCK" de Espiritu Electro que también va progresando en estos momentos, y ya se ha popularizado * "Morseton" de Heiko & maiko * "Work your Pussy" de Dj. Antonie Aspecto La vestimenta típica para los bailarines de Tecktonik suele basarse en chaquetas y pantalones sumamente ajustados, a veces sudaderas con capuchas y gorras con colores llamativos, sobre todo en la parte superior de la vestimenta. Los bailarines también tienden a tener cortes de pelo "futuristas".También suelen pintarse estrellas alrededor del ojo.Suelen llevar muñequeras o luces de neon para resaltar el movimiento de las manos. Expansión Fue hasta 2007 el año en donde el resto del mundo fijó sus ojos en el Tecktonik, debido al festival al aire libre llamado Techno Parade. Mediante medios para compartir vídeos, caso YouTube o Dailymotion, algunos bailarines empezaron a mostrarse practicando el baile, permitiendo así que desde distintas partes del planeta se fuera conociendo más en profundidad el baile. El tecktonik poco a poco se fue expandiendo por el resto de Europa, empezando en países como Suiza, Holanda, Alemania y Bélgica. Durante el 2008 empezó a difundirse también en España y América gracias a demás de los ya mencionados sitios de hospedaje de vídeos, las redes sociales.

El JumpStyle El término Jump (salto en español) se utiliza tanto para un género musical como para un estilo de baile. El jumpstyle nació a principios de los noventa en Bélgica como una variante más lenta del Hardcore. Se le atribuyó el nombre Jump. A finales del los años noventa, el estilo empezó a hacerse famoso. Al final del 2004, entró en los Países Bajos, y debido a la popularidad del hardstyle en dicho país, fue bautizado como Jumpstyle.Más tarde, en 2006 se dio a conocer en Francia, Alemania, Italia y España. Fue entonces cuando el género se hizo famoso y tuvo su máximo esplendor. Hardjump El hardjump es una variedad del jumpstyle, que combinandolo con música hardstyle. En este genero podemos encontrar dj's como headhunterz o technoboy. En el baile cambian unos cuantos trucos como el básico, a lo contrario que el jumpstyle este se baila mucho mas rapido. Música La música que acompaña jumpstyle es una descendencia de Happy Hardcore y Gabber. Su tempo es generalmente entre 135 y 150 BPM. Sin embargo, no puede ser visto simplemente como una versión más lento de gabber. Se caracteriza por un 909 bombo utilizado en un 4 a la palabra ritmo. También tiene influencias de Chicago House y el hard dance. También el baile suele estar acompañado de música Hardstyle. link: http://www.youtube.com/watch?v=3t8GdtYdRk0 link: http://www.youtube.com/watch?v=mfSIcx1YgVE Jumpstyle en Europa En Holanda, Bélgica, Alemania, Polonia, Rusia y demás países nórdicos es un estilo de baile muy reconocido y con un gran número de seguidores. Sin embargo, también en los demás países europeos se baila, aunque menos. En España, se practica principalmente en Valencia, Soria (principalmente), Bilbao, Madrid, Barcelona... No es muy conocido aún en toda la Península, aunque al ser un baile moderno se espera que dentro de pocos años lo sea mucho más. En Francia, se baila sobre todo por el norte, aunque también va expandiéndose por las zonas del sur. Existe una variante del Jumpstyle, el French Tek, que debe su nombre al país de origen donde nació. En Italia y demás países del Mediterráneo, aún es un baile desconocido. En los países del norte, entre ellos Polonia y Rusia, está siendo un éxito y se expande a una gran velocidad.