jesicazombie

(Recopilación de datos encontrados en internet, en distintas páginas web. Esto me va a servir para una evaluación que tengo la semana que viene y... bueno espero que le sirva a muchos también) Ah, les debo las imágenes de cada movimiento artístico- Vanguardia Empezemos por definir este término, de origen en la jerga militar. La vanguardia es la primer línea de soldados, por supuesto, la que primero muere. El término se relaciona con estos movimientos artísticos por eso mismo, eran artistas que iban al "choque" de todo lo anteriormente estipulado... Fueron muy criticados por lo que hicieron, como todo lo nuevo en esas épocas. IMPRESIONISMO. Breve historia: Hasta la segunda mitad del siglo XVIII el estilo que primó fue el Clasicismo. A partir de este momento se dará un giro radical en la Historia de la Pintura. Lo habitual era el que los artistas expusieran en el Salón Oficial. Los nuevos artistas (conocidos como "Los Rechazados" por el contrario, tenían que buscar otros lugares alternativos que les permitieran exhibir sus obras. Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de abril de 1874, en el Salón del fotógrafo Nadar. Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Intervinieron entre otros artistas de la talla de Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, o Cézanne. A partir de este momento las exposiciones se irán sucediendo progresivamente en el tiempo y con sedes diferentes. Al esplendor del estilo le sucederá el declive, ya que se verá desbordado por la aparición de otras preocupaciones y presupuestos diferentes. Así surgirán varios estilos diferentes que se engloban bajo el nombre genérico de "Neoimpresionismo". Origen del término "Impresionismo": Los pintores impresionistas no se definían a ellos mismos bajo este apelativo. El término les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy, al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente pintada en 1872 y expuesta en la exposición del 74. Al día siguiente de ésta, parafraseando el título del cuadro para burlarse de él, Leroy bautizó el nuevo movimiento: Al contemplar la obra pensé que mis anteojos estaban sucios, ¿qué representa esta tela?..., el cuadro no tenía derecho ni revés ..., ¡Impresión!, desde luego produce impresión..., el papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina. Así fue como el término "Impresionismo" pasó a ser el nombre del movimiento del que luego el propio Leroy se envanecería. Provocaron un gran escándalo, proceso similar al que experimentó Manet. El refinado publico del momento no estaba preparado para aceptar una revolución como la que ellos proponían. Las burlas y duras críticas a que fueron sometidos les llevarían a posteriori al éxito. Su máximo reconocimiento se afianza ya entrado el siglo XX. Cambios y características: El objetivo principal es sustituir el ideal dominante de "Belleza" por el nuevo de "Libertad". Para entender este paso hay que indagar en el contexto historico-social: · Impacto del ferrocarril: Por vez primera se experimentó el concepto de "velocidad". La retina captaba así una "realidad distorsionada". · Impacto de la fotografía: La fotografía demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas anteriores. La fotografía trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas. · Impacto del óleo en tubo: se generaliza a mitad del XIX. Trae consigo una consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al aire libre. · Impacto de la Naturaleza y de la Luz: el estar al aire libre revela una nueva realidad, una realidad llena de luz, gracias a cuya proyección es posible el color. · Impacto del Tiempo: es la era de los relojes, el tiempo es un tema que obsesiona al hombre y en particular al pintor. La técnica de los nuevos pintores necesita de una pincelada rápida y hábil. Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga unas características concretas: · El paisaje como tema principal: es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los interes de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea. · Técnica: los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya como un precedente para este tipo de pincelada. · Color: es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo. · Ausencia de perspectiva: los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet con su Pífano. · Pintores impresionistas representativos: En Francia: o Un precedente, Manet o Monet o Degas o Renoir o Pissarro o Sisley En España: o Sorolla o Regoyos o Rusiñol o Casas EXPRESIONISMO El término Expresionismo se aplica a un movimiento artístico de vanguardia que surgió en Alemania en 1905 como una reacción frente al Impresionismo y se extendió por Europa hasta bien entrado el siglo XX. Se desarrolló en todas las artes (literatura, música, cine, arquitectura, escultura). Los artistas expresionistas tendrán una visión pesimista de la vida, influidos por las ideas filosóficas de Nietzsche y Kierkegaard. La pintura expresionista Características generales La pintura expresionista buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la realidad exterior. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Los pintores se inspiraban en la obra de Van Gogh y las esculturas africanas. Además del lejano precedente de Goya en sus pinturas negras, los precursores del movimiento fueron el noruego Edvard Munch (1863- 1944) que pintó dramáticos cuadros de formas muy distorsionadas y colores violentos con los que expresaba su angustia mental (fruto de una infancia traumática). El más conocido es El grito (1895). El belga James Ensor (1860-1949) representó máscaras de carnaval y figuras grotescas con fuerte carga crítica (La muerte y las máscaras). El Expresionismo alemán El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania. Surgió en torno a dos grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1918 nació un tercer brote expresionista con el grupo Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad). Die Brücke (El Puente, 1905-1913) El grupo nació en Dresde en 1905, coetáneo al Fauvismo francés. Los jóvenes artistas querían construir un puente entre lo viejo y lo nuevo. Formaban una hermandad revolucionaria de artistas que adoptaron una actitud crítica de la sociedad burguesa. Con una técnica similar a los fauvistas, los expresionistas gustaban de los colores violentos y de las formas retorcidas y esquemáticas. Sus temas preferidos estaban relacionados con la violencia y la miseria, resultando dramáticos y expresivos. Todos ellos hicieron xilografías (grabados sobre madera) siguiendo la tradición alemana. Los artistas más importantes fueron: · Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) considerado el jefe del grupo. Le encantaba el arte primitivo. Sus temas preferidos eran escenas callejeras con agresivas mujeres realizadas en colores estridentes muy contrastados y líneas angulosas para transmitir la soledad y la angustia de la sociedad contemporánea (Cinco mujeres en la calle). · Emil Nolde (1867-1949) fue el más destacado del grupo aunque estuvo en él poco tiempo. Logró un estilo propio caracterizado por el brillante e intenso colorido y unas figuras salvajes y grotescas para expresar violentos sentimientos en sus cuadros religiosos (Danza en torno al becerro de oro, Susana y los viejos). · Karl Schmidt-Rottluff (n.1884), que pintaba monumentales paisajes con desnudos usando colores chillones sin matizaciones. En 1910 el grupo Die Brücke se trasladó a Berlín para llevar su obra al mayor número de espectadores. Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, 1911- 1914) Der Blaue Reiter surgió en Munich en 1911. Kandinsky y Marc serán los fundadores del grupo; en 1912 publicaron el almanaque Der Blaue Reiter que dio nombre al grupo al que se sumaron otros artistas como Macke y Klee. A pesar de ser un grupo expresionista como Die Brücke, diferían en sus planteamientos artísticos. Los artistas pretendían superar la realidad idealizándola, no criticándola, y despertar sentimientos en el espectador. La riqueza cromática, la simplificación de formas y el uso de líneas curvas serán las notas características de la pintura del Jinete Azul, más lírica y espiritual que la de Die Brücke. Los pintores más significados del grupo son: · El ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) tenía un estilo espiritual en el que se mezclaban los rasgos expresionistas con los del arte popular ruso. Buscaba expresar sus sentimientos a través de llamativos contrastes de color, sin preocuparse del tema (Improvisación, El Jinete Azul). Tras eliminar el elemento figurativo de sus telas, llegó a la abstracción pura en 1910. · Franz Marc (1880-1916) quería expresar a través de sus lienzos el misticismo de la naturaleza. Empleó un brillante colorido simbólico —especialmente el azul— y formas simplificadas en sus poéticas pinturas de animales (El sueño, Caballos azules, Ciervo en el bosque). · El suizo Paul Klee (1879-1940) perteneció al Jinete Azul poco tiempo evolucionando también a la abstracción. Fue profesor de la Bauhaus como Kandinsky. De una gran imaginación y destreza técnica, su estilo resulta inconfundible. Pintó alegres y poéticas composiciones, de suaves tonalidades y con trazos infantiles, en las que mostraba su realidad interior (Ad Parnasum, Senecio) aunque en sus últimos años su pintura se vuelve más amarga y oscura. El grupo quedó disuelto en 1914 al estallar la Primera Guerra Mundial. Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad, 1918-1933) Acabada la guerra, nació en 1918 un tercer grupo expresionista en Berlín. Inmersos en el clima de derrota, estos pintores se caracterizan por su pesimismo al describir los horrores de la guerra y su dura crítica a la sociedad burguesa. Sus principales componentes fueron: · Georg Grosz (1893-1959) famoso caricaturista que en su obra satirizaba a los diversos estamentos sociales, especialmente a los militares. · Otto Dix (1891-1969) que representó de forma realista los males de la sociedad. · Max Beckmann (1884-1950) autor de retratos y atormentados trípticos de un realismo descarnado, llenos de figuras angulosas bordeadas de contornos negros (La Partida, La gallina ciega). Cuando los nazis llegaron al poder en 1933, persiguieron a todos los artistas expresionistas y los incluyeron en la famosa exposición de Arte Degenerado celebrada en Munich en 1938. Dentro del Expresionismo alemán debemos considerar también a los pintores austriacos del foco de Viena: Oscar Kokoschka (1886-1980) pintó retratos de gran penetración psicológica (Autorretrato) y paisajes con un lenguaje propio, de vibrante colorido y empastes gruesos (La novia del viento o La tempestad, en que plasmó al artista y su amante arrastrados por el viento) y Egon Schiele (1890-1918) excelente dibujante, cuya obra está cargada de fuerte erotismo, es conocido por sus retratos y paisajes. La escultura expresionista En el Expresionismo escultórico sobresalieron los alemanes Ernst Barlach (1870-1938) que, siguiendo la tradición medieval alemana, trabajó la madera en sus vigorosas figuras de formas sólidas, llenas de fuerza emocional (Hombre en el cepo) y Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) que, tras unas primeras obras dentro del clasicismo naturalista siguiendo a Maillol, alcanzó su propio estilo expresionista con sus figuras alargadas y dramáticas inspiradas en la escultura gótica (Mujer arrodillada, Hombre de pie). Fuera del mundo germánico el expresionismo se extendió con rapidez por Europa. Sir Jacob Epstein (1880-1959), americano nacionalizado inglés, realizó obras monumentales muy distorsionadas (San Miguel, de la catedral de Coventry) y bustos en bronce. El italiano Marino Marini (1901-1980) trabajó en un estilo muy personal el bronce. Su tema preferido fue Caballo y jinete, figuras de trágico simbolismo. Algunas obras de los grandes escultores del siglo XX encuadrados en otros estilos, como Gargallo, González o Giacometti, se pueden considerar expresionistas. FAUVISMO (Desde 1905 a 1908, aproximadamente) El Fauvismo fue un movimiento pictórico francés que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo, ya que los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas, en favor de los colores violentos propuestos por los post impresionistas Paul Gauguin y Vincent Van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. No es una escuela con un programa elaborado, sino un numeroso grupo de pintores movidos durante un período por las mismas ideas, que emplean un lenguaje artístico con muchos rasgos de semejanza. A pesar de su fugacidad, sirvió de ejemplo a otras vanguardias posteriores. Primera aparición del movimiento Si bien los primeros ejemplos “fauves” proceden de 1903, se puede fechar la aparición oficial del movimiento fauvista en 1905, en el Salón de Otoño de París donde se agrupó artistas que entendían la pintura de formas distintas, caracterizados por la violencia cromática, provocando un escándalo entre el público y la crítica burgueses: "Una ofensa a la pintura", "un atentado contra el buen gusto", eran las opiniones más comunes hacia aquellos cuadros. Una etiqueta peyorativa aplicada por el crítico francés Louis Vauxcelles le dio nombre al movimiento: al ver una pequeña escultura florentina rodeada de cuadros decolores saturados, y haciéndose eco de dicho contaste, Vauxcelles exclamó “Donatello au milieu des fauves” (“Donatello en medio de las fieras”). Este término no fue aceptado por los propios pintores de este movimiento ya que no describe de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes; ellos mismos se denominan los “incoherentes” o los “invertebrados”, nombres que ya nos habla de cómo conciben estos artistas el arte, rompiendo con lo formal y lo coherente. Constitución del fauvismo Las obras fauvistas se caracterizan por su rebeldía ante el arte burgués y académico, al emplearse colores agresivos para los convencionalismos de época, y supone una reacción contra el impresionismo al rechazarse la paleta de tonos naturalistas y al quitársele protagonismo a la luz. El argumento fauvista es la rebeldía, decir de cada cosa lo contrario de lo que es en realidad, reproduciéndola con colores estridentes y contradictorios. Influencias A pesar de que en no pocas ocasiones se habla del Fauvismo como de la primera corriente de vanguardia que rompe con la tradición debe advertirse que se trata fundamentalmente de un movimiento de síntesis: en él se pueden rastrear, sin demasiadas dificultades, elementos pertenecientes a movimientos del siglo pasado, como el Impresionismo, el Postimpresionismo y el Simbolismo. Para comprender de qué manera pudieron influir los representantes de esas corrientes en Matisse, André Derain, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy o Kees Van Dongen -los principales fauves-, debe tenerse en cuenta que el periodo de formación de todos ellos coincidió precisamente con el reconocimiento de aquéllos por parte de la sociedad parisina. Por otro lado, resultó decisivo que Matisse, el artista de más edad entre los componentes del grupo, hubiera estudiado en la Escuela de Bellas Artes de Paris junto al artista simbolista Gustave Moreau. Éste propugnaba un método docente muy distinto al que entonces imperaba en la mayor parte de las academias. Su enseñanza esencial se basaba en incitar a sus alumnos a que no efectuaran copias de los artistas que estudiaban en el Museo del Louvre, sino que simplemente debían retener aquello que constituía lo esencial del lenguaje de los maestros del pasado, para, más tarde, volcarlo en sus propias experiencias pictóricas. De la oposición de Moreau a la copia surge uno de los conceptos principales que aporto el Fauvismo: la no imitación. En cualquier pintura fauve se aprecia una clara huida del proceso imitativo que implica plasmar la realidad tal cual es. En ese sentido el movimiento fauve se opone al Impresionismo y al Postimpresionismo, pero, en cambio, desde un punto de vista técnico, existe una filiación evidente con respecto a las obras efectuadas en el seno de esas corrientes decimonónicas. Así, podemos distinguir que las corrientes anteriores influyeron en el fauvismo de la siguiente manera: 1. Del Impresionismo: la teoría de los colores, la alegría cromática, y, más que nada, las escenas de la vida cotidiana, paisajes, interiores, retratos y bodegones. 2. Del postimpresionismo: la zonificación, la plenitud del color, el sentido decorativo de Gauguin y la vivencia intensa de la naturaleza de Van Gogh (éste influyó de forma notable en Matisse). 3. Del expresionismo alemán: el color puro y vigoroso, la ausencia de modelado, el trazo directo y enérgico, el sensualismo dinámico y la plasmación subjetiva del artista. 4. De culturas exóticas: la riqueza de color y las referencias formales (Matisse viaja por Marruecos, de donde nacen sus famosos cuadros de Odaliscas). Características 1. El color como principal protagonista: Violencia cromática, predominan colores complementarios; utilización de colores puros, saturados, principalmente planos, la elección de colores es arbitraria, establecidas de manera instintiva e intuitiva, de manera apasionada, según el sentir del pintor. 2. El color se independiza del objeto: el color no coincide con su apariencia real en la naturaleza. 3. Trazo muy marcado que realza el énfasis cromático de la obra 4. La luz desaparece, y con ella desaparece la profundidad, dejando de lado la búsqueda de la tercera dimensión, para dar sensación de plano, los colores cálidos se aproximan al espectado y los fríos se alejan, el volumen se crea por el sentido; supresión de la definición de las formas basada en el claroscuro. 5. Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color. 6. Intento de equilibrar el mundo real y el mundo interior: plasmación de lo real de manera subjetiva, el artista trata de captar lo esencial interpretando la naturaleza y sometiéndola al espíritu del cuadro. 7. Búsqueda de lo esencial y simple. 8. Predominio de dos corrientes temáticas: interpretación libre, intuitiva, vital y totalmente subjetiva de la naturaleza con reminiscencias naturalistas (los paisajes y escenas fluviales de Derain) y escenas líricas de gran carga imaginativa (Matisse). 9. Eliminación de la perspectiva espacial. 10. Figuración con base en lo creativo y temperamental, con eliminación de lo superfluo. 11. Referencias de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana). 12. Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados en motivos decorativos tomados de papeles de pared o piezas de artesanía. Ocaso del movimiento Los fauvistas huían del academicismo, por lo que no se reúnen en torno a una asociación, ni poseían un manifiesto común, ni estética uniforme; conciben el arte de una manera que rompe con lo formal y lo coherente: ellos intentan potenciar el ser del pintor. Finalmente se alejan del movimiento porque éste acabó siendo un arte académico. CUBISMO CARACTERISTICAS GENERALES Se inicia con la obra "las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso. Los autores de esta corriente son austeros con el color; utilizan colores neutros, grises, marrones. Los dos autores principales de esta corriente son Picasso y Braque. Se renuncia a la perspectiva tradicional, a los colores reales, a ver las figuras desde el punto de vista único. Los temas son menos importantes que el tratamiento. Buscan figuras cotidianas: tren, automóvil. Se exalta el plano, se rescatan escenas interiores. Pintura figurativa que "destroza" las formas. Se crea al gusto del pintor, rompe con los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas. El pintor más famoso es Picasso que pinta en 1907 "las señoritas de Avignon", en la que se elimina la profundidad y es una representación dimensional. Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases: el cubismo analítico y el cubismo sintético. ORIGEN EVOLUCION Se ha situado el origen de este movimiento en dos fuentes muy distintas: de una parte, el impacto que causó en círculos artísticos de París la escultura primitiva africana - y, en opinión de muchos críticos, la ibérica - , de otra , la influencia del pintor francés Paul Cezanne y su tendencia a reducir los volúmenes de los objetos reales a elementos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera. Hay que añadir a estos antecedentes la reacción contra el fauvismo, tendencia pictórica en la que el estallido del color era uno de los aspectos más sobresalientes. Los creadores que iniciaron las experimentaciones cubistas fueron Picasso y Braque. El primer cuadro cubista, pintado por Picasso en 1907, fue "Las señoritas de Avignon". Las figuras femeninas representadas en este lienzo son planas, cuyas siluetas aparecen como fracturadas, y los trazos que las delimitan son siempre rectilíneos y angulares. Al mismo tiempo se acomete el intento de representar, al mismo tiempo, un rostro humano de frente y de perfil. Simultáneamente a las investigaciones desarrolladas por Picasso, Braque había realizado una serie de paisajes de l'Estaque, caracterizados por la escasez de colorido y un volumen facetado, a base de planos inclinados, que se presentaron en París en la exposición que dio origen al nombre de cubismo. El estilo cubista reclamó una pintura plana, bidimensional, opuesta a las técnicas tradicionales de la perspectiva y el claroscuro. Rechazó, asimismo la antigua teoría, mantenida y seguida durante siglos, de que el arte era una imitación de la naturaleza. Quizás por esto, aunque inicialmente los pintores cubistas tomaron como modelos los temas de la naturaleza y representaron rostros y figuras humanas, pronto centraron su temática en naturalezas muertas. Éstas eran composiciones formadas con objetos usuales, agrupados casi siempre sobre una mesa, que carecían de profundidad, y en los que todos los elementos ocupaban el primer plano, gracias a una descomposición en facetas. Además de los dos grandes maestros mencionados hubo otra serie de artistas que realizaron un cubismo cercano al de Picasso o Braque, pero con toques personales, como Juan Gris y los pintores franceses Fernand Léger, Albert Gleizes y Jean Metzinger. Cuando esta estética se difundió por toda Europa aparecieron una serie de grupos o tendencias con sus propias características: el cubismo órfico, del francés Robert Delaunay, que daba una gran importancia al color y empleaba elementos compositivos inventados por el artista, el grupo de Puteaux, con el también francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo dinámico y muy intelectual, el neoplasticismo del holandés Piet Mondrian, el suprematismo ruso de Kazimir Maliévich, el constructivismo escultóricos de su compatriota Vladimir Tatlin, y el purismo, estética racional y geométrica impulsada por los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret. Este último, de origen suizo y llamado Le Corbusier, aplicó luego sus principios a la arquitectura. Se puede decir que, con la guerra de 1914, el cubismo, que había tenido una vida intensa desde 1907, se desintegró como vanguardia artística, aunque su influencia fue enorme a lo largo del siglo XX. De hecho, la mayor parte de los pintores citados ejercieron un decisivo impulso en el desarrollo de la abstracción geométrica. ETAPAS En la evolución de este movimiento se establecieron dos épocas claramente marcadas, denominadas fase analítica y sintética: El período analítico transcurrió entre 1910 y 1912. Los lienzos de esta época se caracterizaron por el análisis de la realidad y la descomposición en planos de los distintos volúmenes de un objeto para que la mente captase su totalidad. Desde el principio se pretendía un arte más conceptual que realista. Predominaban los ángulos y las líneas rectas y la iluminación no era real, ya que la luz procedía de distintos puntos. Las gamas de colores se simplificaron notablemente, en una radical tendencia al monocromatismo: castaños, grises, cremas, verdes y azules. Con todo ello se intentaba combinar la tridimensionalidad del mundo real con la bidimensionalidad de la obra artística. En una primera etapa de la fase analítica, todas estas formas aparecieron generalmente compactas y densas, para irse haciendo cada vez mas amplias y fluidas hasta difuminarse en los bordes del lienzo. Los elementos preferidos fueron instrumentos musicales -en especial la guitarra -, botellas, pipas, vasos y periódicos, aunque nunca se excluyó la figura humana. Entre las obras más destacadas de estos momentos cabe señalar "Muchacha con mandolina" de Picasso y "Hombre con guitarra" de Braque. La fase sintética trajo consigo la reconsideracióin de algunos de los modos expresivos de la anterior. El color volvió ahora a tener mayor protagonismo. Las superficies, aunque seguían apareciendo siempre fragmentadas, eran más amplias y decorativas. La novedad más singular fue, sin duda, el uso de materiales no pictóricos. Esta técnica, conocida como collage, incorporó al lienzo elementos cotidianos como cajetillas de cigarrillos, páginas de periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, incluso arena. Con la utilización de estos inusitados materiales en el lienzo, el cubismo, a la vez que aprovechó las diferencias de textura y de naturaleza de sus componentes, planteó, desde un ángulo original, la cuestión, siempre inquietante, de qué era realidad y qué ilusión. En este estilo cubista Braque realizó sus famosos papiers collés y Picasso obras comno "El jugador de cartas" o "Naturaleza muerta verde". PICASSO Y EL CUBISMO El cubismo es la vanguadia mas importante del S.XX. Descubierta la fotografia que imita la realidad, el artista cubista busca la belleza abstracta en las formas geometricas pintando la realidad desde varios puntos de vista El hecho del acercamiento de Picasso al cubismo viene dado por varios factores, pero parece ser que la escultura negra africana caracteristica por sus angulos y su expresividad que se pone de moda en Paris y la exposicion de Cezanne con sus formas geometricas influyen en el planteamiento de Picasso. El origen del cubismo aparece en 1907 con “Las señoritas de Avignon”, el cuadro es una maraña de triangulos, a este nuevo estilo geometrico se le llamo por el frances Matisse cubismo. Y nace fianlmente en 1909 cuando Picasso viaja al pueblo de Horta del Ebro al que dedica varios cuadros reducioendo las figuras a formas geometricas coloreadas que parecen hechas de cristal; este nusvo concepto de pintura tuvo mala prensa ya que la gente no admitia un cambio tan brusco en tam poco tiempo, pasando de un estilo figurativo a otro abstracto y geometrico. Picasso consigue subsitir realizando este tipo de pintura gracias a machantes como Ambroso Vallard, al que hace numerosos retratos desde el cubismo analitico, consistente en pintar un objeto o persona desde todos los puntos de vista descomponiendo la realidad y anlizandola en multiples objetos, en este estilo predomina el blanco u el gris. La evolucion Picasso le lleva a experimentar con nuevos materiales, y empieza a utilizar el collage consistente en crear un cuadro a partir de objetos pegados, especialmente papeles pegados, un ejemplo de esta epoca seria “Naturaleza muerta en silla”. Esta tecnica nueva le lleva a descubrir ell cubismo sintetico que consiste en representar un objeto desde los principales puntos de vista, en este tipo de cubismo hay mas colores y muchos mas objetos identificables, muestra de ello es “Los tres musicos” simboliza a tres amigos de distinto caracter (Picasso, Apollinaire y Pierrot) unidos por una misma partituta: el cubismo. Picasso a partir de 1917 deja de dedicarse esclusivamente al cubismo para seguir evolucionando, pero nunca olvido el cubismo, porque en 1937 pinta “Gernica” que `podria incluirse en el cubismo expresionista por su dramatismo, y posteriormente crea un cubismo clasico con sus “Meninas” de 1957. FUTURISMO El Futurismo es un movimiento artístico de vanguardia iniciado en Italia, coetáneo del Cubismo. Se extiende brevemente desde 1910 hasta 1916. Tuvo un origen literario, en torno a la figura del poeta Marinetti, quien publicó en 1909 el explosivo Manifiesto Futurista en el que exaltaba el progreso, la máquina, la velocidad y denigraba la tradición clásica abogando por la destrucción de las academias y museos. Un año después se hizo el Manifiesto de los Pintores Futuristas (Boccioni, Balla, Carrá, y Severini, entre otros). Características Los artistas futuristas defendían un arte nuevo, anticlásico, que rompiera con el pasado y respondiera al dinamismo de la sociedad tecnificada contemporánea. Sus ideas revolucionarias no se limitaban al arte, sino que querían transformar la vida entera. Su gusto por la violencia les acercó posteriormente al fascismo. Los pintores futuristas querían captar el movimiento de forma simultánea, mediante la repetición y secuenciación de las posiciones de un mismo objeto, por influencia de la fotografía y el cine. Usaron la técnica puntillista y más tarde la cubista, multiplicando las líneas y colores vibrantes para conseguir dar impresión de dinamismo. Representantes * Umberto Boccioni (1882-1916) es el pintor y escultor más dotado del grupo. Quería hacer una pintura capaz de expresar emociones y representar de forma sintética el movimiento y el tiempo, usando a veces la pincelada puntillista y otras la estructura formal del Cubismo, como en Dinamismo de un ciclista. Es el mejor representante de la escultura futurista. Su obra más importante es la célebre Forma única de continuidad en el espacio, una figura masculina representada en imágenes superpuestas llena de movimiento y dinamismo. Realizó también piezas construidas combinando diversos materiales (madera, hierro, vidrio, etc.) * Giacomo Balla (1871-1958) analizó los aspectos ópticos del movimiento. En su cuadro Dinamismo de un perro con correa, logra dar sensación de movimiento gracias a la multiplicación de las patas y la repetición de las curvas de la correa del perro. Realizó estudios sobre la luz y el color en sus Compenetraciones Iridiscentes. También hizo construcciones escultóricas en maderas de vivos colores. * Carlo Carrá (1881-1966) en su famoso cuadro Funeral del anarquista Galli representó una multitud de imágenes simultáneas fragmentadas en planos, con gran sensación de movimiento y vivo colorido. En 1916 derivó hacia la pintura metafísica. * Gino Severini (1883-1966) es el más decorativo de los futuristas. En sus telas trató de reconciliar el Cubismo y el Futurismo, mezclando las múltiples perspectivas de los cubistas con el dinamismo el movimiento futuristas, explorando también el color. (Bailarina en azul, Bal Tabarin) Introducción Se dice que el término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor, ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El dadaísmo no estaba fundado bajo ninguna teoría, siempre fue una protesta. Una protesta contra todo lo que ocurría en el momento(La I Guerra Mundial), fue un movimiento mas bien revolucionario que no causo mucha aceptación de la gente, pero fue un movimiento que enseño a ver las cosas de una manera distinta, diferente. DADAÍSMO Forma y lugar de aparicion Apareció en 1916 en Suiza de la mano de Tristán Tzara. Es un movimiento escandaloso con distintos manifiestos. En 1917 apareció la revista Dadá, se empieza a extender, surgen más revistas. Tras la I Guerra Mundial el movimiento se extendio hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo Zurich (nombre que recibia el grupo de artistas dadaístas en Suiza) se unieron a los dadaístas franceses de Paris. Como movimiento, el Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvió a surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que produjeron obras de características similares. Contexto Historico El movimiento surge durante la Guerra Mundial, como un acto de rebeldía, de contestación de los valores que habían llevado al caos bélico Características *Trasgresión de las normas sociales y tradiciones estéticas *Nihilismo, esto es, negación absoluta. No hay verdades eternas o indiscutibles *Libertad del subconsciente en la creación *Rechazo a los modelos establecidos El dadaísmo se lanza contra los fundamentos mismos del pensamiento, poniendo en duda el lenguaje, la coherencia y las formas de expresión artísticas de entonces. Las palabras se convierten en gritos y aullidos; se prefieren los objetos encontrados casualmente, los desechos. Se rompen todas las reglas con la idea de “empezar de nuevo”. El movimiento integra poetas, escritores, pintores y músicos. Representantes y obras importantes *Tristán Tzara, Siete manifiestos dadá *Hans Arp, La Forma *Kurt Schwitters, Merz-Säule *Richard Hulsenbeck, Primer Manifiesto de Berlin *Hugo Ball, Caravana Fragmento La espontanedad dadaísta (...)”La moral ha determinado la caridad y la piedad, dos bolas de sebo que han crecido, como elefantes, como planetas, y que, aún hoy, son consideradas válidas. Pero la bondad no tiene nada que ver con ellas. La bondad es lúcida, clara y decidida, despiadada con el compromiso y la política. La moralidad es como una infusión de chocolate en las venas de los hombres. Esto no fue impuesto por una fuerza sobrenatural sino por los trust de los mercaderes de ideas, por los acaparadores universitarios. Sentimentalidad: viendo un grupo de hombres que se pelean y se aburren, ellos inventaron el calendario y el medicamento de la sabiduría. Pegando etiquetas se desencadenó la batalla de los filósofos (mercantilismo, balanza, medidas meticulosas y mezquinas) y por segunda vez se comprendió que la piedad es un sentimiento, como la diarrea en relación con el asco que arruina la salud, una inmunda tarea de carroñas para comprometer al sol.” Fuente: De Micheli, Mario. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid. Alianza Editorial, 1988. (UNOS CAPOS LOS DADAISTAS!) SURREALISMO El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización. Precedentes del Surrealismo Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica. Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo. Los artífices del surrealismo Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional. Ernst (1891-1979) Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación. Ciudades, Europa después de la lluvia. Tanguy (1900-1985) Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido. Magritte (1898-1976) Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar. Masson (1896-1987) Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora. Chagall (1887-1985) Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc. Joan Miró (1893-1983) "Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable". Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción. Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924). Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional. Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna. Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día. Salvador Dalí (1904-1989) Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación. Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil. También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués. Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante. Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia. El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.