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Bueno, acabo de terminar de hacer este TP para la escuela y pense, porqe no compartirlo con mis amigos de taringa. asique espero que les sirva y sobre todo que si lo usan para un tp que se saquen una buena nota. Música Oriental La evolución de la música oriental se realizó de forma independiente y con marcadas diferencias con respecto a la occidental. Existe una música “folclórica” independiente y distintiva que es la predominante en las culturas tribales. Las características de la música oriental son: •sonidos no temperados •Estabilidad •Inercia •Sonidos múltiples •Polirritmia •Arritmia •Improvisaciones y percusiones La música de La India: La música hindú no tiene una identidad definida. La cantidad de estilos y tradiciones musicales del sub. Continente del sur de Asia, se relaciona con la enorme área geográfica que ocupa y la densidad de su población. La música hindú nunca ha sido sinfónica ni opera lírica, es decir, no existe la orquesta con el director y un coordinador. El canto acompaña a la parte instrumental, así como los coros se adecuan al todo. El carácter de la música india se encuentra más cercana a la música occidental que a la china y japonesa. Sus rasgos principales son origen mitológico, predominio del compás ternario y la división cromática de la escala. Igual que en China las notas de la escala tenían cierta relación con los individuos. La música vocal y la instrumental de india tenían variadas aplicaciones, en la religión, en palacios, entre gente humilde, etc. Históricamente la música hindú se divide en tres periodos: El periodo clásico, donde se desarrolla la técnica musical. El periodo musulmán, donde florece el arte mahometano indio. Y el periodo moderno, que está influido por lo occidental. Los tradicionalistas y los innovadores deciden armonizar la técnica. La música popular se compone de cantos religiosos y profanos. Raga: es una melodía o tema que era tomado como base para la composición musical y que era producto de la improvisación. Cada raga podía ser modificada rítmica y melódicamente. De la raga básica nacían nuevos cantos. Las ragas representaban colores, estados del alma, cada uno tenía un sentimiento o contenido emocional propio. Instrumentos: De cuerda: Vina: Especie de citara con mango de bambú con cinco cuerdas y cinco clavijas. Tenía un mango de madera dispuesto sobre dos calabazas vacías y provistas de 19 puentecillos sobre los que se apoyaban las cuerdas. Sarangui: Violín primitivo. Instrumento que posee cuatro cuerdas básicas frotadas por un arco. Sitar: Laúd de mango largo en el cual se apoyan las cuerdas. El mango termina en la caja de resonancia que aumenta el volumen del sonido. De viento: Magudi: Vulgarmente llamado flauta del encantador de serpientes. Es un instrumento de doble tubo que produce un sonido pedal. Shania: Trompeta larga, recta y de metal. De percusión: Campanas: Generalmente relacionada con símbolos mágicos y religiosos. Gong: Instrumento de metal de forma circular que se percute con un mazo. Litófonos: o piedras sonoras generalmente de jade. La música de La China Los chinos poseían un arte musical bastante desarrollado, a nivel instrumental, práctico y teórico. La música de la china atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese país ansioso de novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la música; reservaban las primeras a los hombres ordinarios y las ultimas a hombres sabios. Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron "cromática". Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos: piedra, metal, seda, bambú, madera, cuero, calabaza y tierra. La danza se convierte oficialmente en parte importante de las ceremonias confucianas. La trilogía poesía, la música y la danza habían sido muy consideradas por el pueblo chino: la poesía expresaba una idea, la música modulaba sonidos y la danza animaba las actitudes. Instrumentos De viento: Sheng: Formado por una serie de tubos de distinta longitud, superpuestos a una calabaza. De percusión: Campanas: Generalmente relacionada con símbolos mágicos y religiosos. Gong: Instrumento de metal de forma circular que se percute con un mazo. Litófonos: o piedras sonoras generalmente de jade. De cuerda: King: Especie de laúd que en sus orígenes tuvo 5 cuerdas de seda Che: Especie de cítara en la cual cada una de sus cuerdas producían un solo sonido, porque no se acortaba nunca. Guitarra: De cuatro cuerdas. La música de Japón: La teoría musical y los instrumentos utilizados en Japón eran provenientes de corea, a su vez, los habían incorporado en China. Pero el refinamiento musical japonés alcanzó un nivel superior al chino. La música japonesa se desarrolló en las cortes con carácter cortesano, marcial y religioso, y en le pueblo como manifestación íntimamente unida al ciclo de la vida y a los trabajos agrícolas principalmente. La música japonesa es bastante melancólica. El instrumento favorito: el koto (citara sin trastes), de 7 tamaños, construidos con cañas de bambú. En los casos de acompañamiento instrumental, no acostumbraban hacer sonar simultáneamente la voz y el instrumento ya que ya le precedía a distancia de una corchea, realizándose una especie de cañón. Existían diferentes géneros musicales: El baga Ki para ceremonias del Emperador. El No, para la música de fondo en actos de teatro. El Koh-uta, para la música folklórica. El noga-uta, para la musca seria. En la actualidad existen dos corrientes musicales en Japón, una que pretende mantener la tradición musical a través de su música folclórica y la otra incorporada a las corrientes de la música occidental. La música de Indonesia La música de Indonesia es conocida genéricamente como música de gamelan. La música de gamelan debe su nombre al conjunto de instrumentos con que se interpreta. Una orquesta de gamelan se compone de una serie de instrumentos de percusión afinados, entre los que suelen figurar gongs de diversos tamaños, metalófonos (especie de xilófonos cuyas lamas son metálicas, y no de madera) y tambores, a los que pueden unirse otros instrumentos (violines, flautas y cítaras). A menudo se dice que la música de gamelan, por su doble tradición, popular y clásica, trasciende las diferencias de clase. En los pueblos, las asociaciones de intérpretes de gamelan continúan siendo un punto focal de la vida comunitaria. Por otra parte, en los salones cortesanos de Java, el gamelan se transformó en los siglos XVIII y XIX en un arte extremadamente complejo y refinado. De hecho, es probable que el gamelan fuese, desde su origen, un género transcultural, una forma de expresión cultural híbrida que, de muchas maneras, anticipaba las formas actuales. Hoy día la música de gamelan se enseña y se interpreta en círculos muy variados, que aseguran su difusión en el mundo entero a través de toda clase de festivales artísticos y giras de conciertos. La música de gamelan es hoy en Indonesia una institución cultural nacional que continúa cumpliendo sus funciones tradicionales. Al mismo tiempo se ha integrado plenamente en el panorama audiovisual moderno de Indonesia En estos circuitos comerciales, la música de gamelan tiene rasgos exclusivamente locales, como una forma cultural propia únicamente de Indonesia En Indonesia, la música de gamelan todavía juega su papel tradicional como actividad social cotidiana en las comunidades locales. Pero junto a esta forma tradicional, existe también, como hemos visto, en formas cada vez más híbridas, modernizadas y mundiales. La disonancia de los acordes y de las escalas de la música de gamelan en relación con los sistemas armónicos occidentales ilustra bien la naturaleza irreducible de esta música. Una de las formas en que la cultura occidental de masas ha influido en la música de gamelan es en la continua hibridación de la propia música. Mientras que la cultura de la juventud indonesa se orienta más hacia formas híbridas indonesias de la música pop, las canciones pop de estos dos géneros musicales a menudo incluyen música de gamelan o fragmentos de ella. El turismo ha jugado también un papel; las orquestas de gamelan tocan hoy en día en grandes hoteles, bien como acompañamiento de espectáculos de danza o bien para ofrecer simplemente música exótica en el vestíbulo. Música oriental actualmente: Actualmente la música oriental se vio muy influenciada por la música occidental sobre todo sobre el rock; por ejemplo, en japon podemos encontrar el denominado J-rock, que es un rock estilo japonés en donde se destacan bandas como 12012, The Pillows, B`z, Blood, Gump of Chicken, etc. Música Europea: La Música en Europa se comienza a destacar en épocas muy remotas (5000 A.c.) y tiene un largo recorrido pasando por diferentes evoluciones y cambios hasta el día de hoy, que se encuentra muy influenciada por la música americana, mas principalmente del norte. Antigua Grecia (5000 A.c ~ 475) En la Antigua Grecia, la música se vio influenciada por todas las civilizaciones que la rodeaban, dada su importante posición estratégica. Culturas como la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas como en sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música por ello está muy relacionada con el poema épico. Aparecen los bardos que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se relacionó la música estrechamente con la filosofía. Los sabios de la época resaltan el valor cultural de la música. Pitágoras la considera «una medicina para el alma», y Aristóteles la utiliza para llegar a la catarsis emocional. Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a Dionisos, acompañados de danzas y el aulos, un instrumento parecido a la flauta. Surgen asimismo dramas, tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la danza, la música y la poesía. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulos, la siringa (una flauta de pan), varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro, las castañuelas. Antigua Roma (5000 A.c ~ 475) Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante, y aunque ambas culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la manera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la música en las grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una manera bohemia rodeados siempre de fiestas. En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. Los autores más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo trascendencia siendo su máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental en estas obras teatrales. A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Éstos eran unos actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de las tibiae, una especie de aulos. Los romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estos nuevos artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco. Ninguna música de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una comedia de Terencio. Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto y España. Vuelven a aparecer antiguos estilos como la citarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola virtuosa). Eran habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina. Pese a todo esto, no está claro que Roma valorara institucional y culturalmente a la música. Música Medieval (476 ~ 1492) Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música del periodo tardorromano. La evolución de las formas musicales apegadas al culto se resolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano. La música monódica profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores y troveros, junto a los minnesinger alemanes. Con la aparición en el siglo XIII de la escuela de Notre Dame de París, la polifonía alcanzó un alto grado de sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo XIV con el llamado Ars Nova, que constituyó la base de la que se sirvió el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento. La música en la Iglesia cristiana primitiva Constantino instauró en Roma la sede del catolicismo hacia el año 325 d. C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos. Estos cristianos primigenios, buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los estilos musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época. Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías orientales. Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con Asia que con Europa. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo Testamento dentro del Libro de los Salmos, ellos son de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza de tradición helénica. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en una melodía cantada sólo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, las que dieron forma a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio. En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al emperador Justiniano acerca de las costumbres de los cristianos, encontramos una interesante referencia de su música: «...ellos (los cristianos) tenían la costumbre de reunirse en un día específico al alba, para alabar a Cristo como si de un dios se tratase, con un canto alterno». El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta una estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona, y se puede cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación. San Ambrosio, Obispo de Milán, introdujo en Antioquia cánticos en forma de antífona. Compuso a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya existentes pronto se propagaron por toda Italia. Debido a las frecuentes amenazas contra el Imperio Romano por parte de las tribus bárbaras existió una gran agitación que provocó una dispersión de las melodías y la alteración de las mismas en cada región. El canto gregoriano El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia cristiana. Es utilizado como expresión y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa. Las principales características generales de este estilo musical son las siguientes: normalmente son obras de autor desconocido, monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales, son obras redactadas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de su interpretación es reducido a pocas personas, utiliza grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos austeros. Estos cantos monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o del día en el que son interpretadas, según el incipit literario pueden ser himnos, salmos, cánticos de alabanza, etc.; según el modelo de interpretación, si son de tracto solista o congregatorio, antifonal (alternación de dos coros), responsorios de solista y coro o de estilo coral directo. Música renacentista (1500 ~ 1600) Escuela flamenca Es en la región flamenca (Países bajos) donde, por su desarrollo económico, la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio, además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran cantidad de schola cantorum. Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin Des Pres. Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó a más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono. Se dice que Des Pres escribía tan sólo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad para los compositores. Música renacentista francesa La Chanson, música de tipo cordal que desembocará en el Madrigal. En él destacan Pierre Attaignant, Janequin y Calude Jeune. Las peculiaridades de estos compositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extravertido se distinguió por tener realismo expresivo, describe la naturaleza y resalta la expresión del texto; uno de sus exponentes es Clement Janequin. Escribió una de las canciones populares llamada L'Ahutte. Esta melodía describe escenas de cacería, cuadros de batalla, parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. Lo describe como si quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común. El canto de la reforma Religiosa se aplican a melodías de canciones populares y se utiliza para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas. Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces. Música renacentista italiana La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores flamencos como: Adrian Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico holandés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical europea. Existían dos tipos de formas musicales: las frottole (frottola en singular), eran canciones estróficas, silábicamente musicalizadas a cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otras tres voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos. La contrapartida religiosa de la frottola fue la lauda. Se cantaban en reuniones religiosas semipúblicas a capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Eran en su mayor parte silábicas y homófonas, con la melodía en la voz superior llamada música Música renacentista inglesa. En la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien desempeñó un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia es John Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd. Música renacentista alemana Durante el siglo XVII, Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro Imperio Germánico a cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba una guerra contra el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros, no era permitido componer en alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención del cardenal Richelieu en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeros compositores en destacarse están Esaías Reusner, Johann Pachelbel y H. Schütz, aunque éstos no escribieron la música religiosa en alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude. Música renacentista española En la música renacentista española destacan las obras del compositor Tomás Luis de Victoria. La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe, incluso el mismo Alfonso X el sabio compuso las cántigas bajo la influencia árabe, ya que era un gran admirador de su cultura; entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: El Cancionero de Palacio, música de la corte de Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, el cancionero Al-Andaluz, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luys de Narváez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina. Música Barroca (1600 ~ 1750) La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750–1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música. En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo, expresividad, bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga y la sinfonía. El bajo continuo También llamado continuo, designa el sistema de acompañamiento ideado a comienzos del período barroco, y es además un sistema estenográfico o taquigráfico de escritura musical. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan sólo el contorno de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el relleno armónico, a la invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dos instrumentista un instrumento melódico grave (viola da gamba, violoncello, contrabajo, fagot, etc.) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud, clavecín, órgano) a cargo del continuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías, de acuerdo con las cifras del bajo cifrado, en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones, todo ello de conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto musical. El sistema tonal El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales del postromanticismo. Clasicismo (1750 ~ 1800) El Clasicismo Es el estilo caracterizado por la evolución hacia una música equilibrada entre estructura y melodía. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus representantes más destacados. La orquesta y nuevas formas musicales Carl Philipp Emanuel Bach Franz Joseph Haydn (1732–1809), compositor austriaco, una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750–1820). De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrauan en Keitha, cerca de Viena y murió el 1 de mayo de 1820. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de ruedas. Algunos suponen que era descendiente de croatas. Con ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año 1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo descendencia. Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), compositor austriaco del periodo clásico. Uno de los más grandes e influyentes en la historia de la música occidental. Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Su padre fue gran influencia para su vida musical. Desde pequeño fue niño prodigio y un genio musical. Se dice que era el compositor perfecto, debido a que en sus borradores casi no se detectaba error alguno. Se caracterizaba por su pasión para componer óperas. Ludwig van Beethoven (1770–1827), compositor alemán, considerado uno de los más grandes de la cultura occidental. Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte para mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II, mostraban ya una gran inteligencia, y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que estos planes no pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. Escuela de Mannheim La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela de Manheim. En esta ciudad comienza a desarrolarse esta escuela orquestal. A partir de 1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y sobre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período. Esta escuela contribuyó a: •Fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas. •Divide la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí. Música Romanticista (1800 ~ 1900) El piano romántico •Franz Schubert (1797–1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su tiempo, cuyos Lieder (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX. Nació en Lichtenthal, cerca de Viena, el 31 de enero de 1797. Hijo de un párroco maestro de escuela, entró en el coro de niños de la Capilla Imperial en 1808 y comenzó a estudiar en el Konvikt, una escuela para cantantes de la corte, en cuya orquesta también tocaba el violín y murió el 29 de octubre de 1828. •Felix Mendelssohn (1809–1847), compositor alemán, una de las principales figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX. Nació el 3 de febrero de 1809 en Hamburgo y su verdadero nombre era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn-Bartholdy. Nieto del famoso filósofo judío Moses Mendelssohn, adoptó su segundo apellido, Bartholdy, cuando la familia recibió una herencia de un pariente con este apellido, aunque normalmente se le conoce por su primer apellido. En su infancia toda la familia se convirtió al protestantismo. Fue de genio precoz, de niño conoció a Goethe y recibió una cuidada educación. A los 9 años Mendelssohn debutó como pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura Sueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha nupcial 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Zelter. A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la obra de Johann Sebastian Bach, al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo. •Frédéric Chopin Nació el 1 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia. Hijo de padre francés y madre polaca, comenzó a estudiar piano a los cuatro años. Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus reuniones musicales. Tras graduarse con honores en el conservatorio, su padre solicitó una beca del gobierno polaco para que pudiera ampliar su formación en el extranjero, ayuda que le fue denegada. En 1837 inició una relación íntima con la escritora francesa George Sand. En 1838 enfermó de tuberculosis y se trasladó a Mallorca, en las islas Baleares. Allí, en la cartuja de Valldemosa, Sand lo atendió en su enfermedad hasta que las continuas disputas entre los dos condujeron a su ruptura el año 1847. A partir de entonces su actividad concertística se limitó a varios recitales en Francia, Escocia y Gran Bretaña. Murió en París el 17 de octubre de 1849, víctima de la tuberculosis. •Robert Schumann (1810–1856), compositor alemán del Romanticismo. Desde niño, ya demostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada por la muerte de su padre, aunque posteriormente reprendería sus estudios. Fue un brillante compositor y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante sus últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio. •Franz Liszt •Johannes Brahms De origen alemán, es uno de los compositores más importantes del siglo XIX, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms nació en Hamburgo el 7 de mayo de 1833. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quién lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso. Muchos biógrafos han escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara, aunque nunca se la reveló abiertamente, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, y jamás se casó. Actualidad Hoy en día la música de Europa es mayormente la denominada Rock, y Rock ingles, el cual fue influenciado por el original rock proveniente del norte del continente americano. Música Americana: América domina el mundo en muchas áreas, pero el ámbito de una dominación norteamericana de que el mundo se acepta la mayoría de su música. Formas de música popular americana, Blues, Jazz, Country, Rock, R & B, RAP, y Hip-Hop, son amados, y estudiado en todo el mundo. Cuando la invasión británica de la década de 1960 golpeó América, casi a un hombre de cada grupo o individuo declaró su amor a la música americana como su principal influencia. The Beatles, Rolling Stones, Tom Jones, Dave Clark 5, británicos y muchos otros grupos y artistas intérpretes o ejecutantes, todos afirman la música americana como su fuente de inspiración. Pero la música que amaba tiene sus raíces en la verdad un crisol de culturas de América, su música. Rock and Roll creció a partir de la fusión de Negro 'Rhythm and Blues con el país y occidental. Esta mezcla es tan volátil que varios congresistas fue en el sur del expediente que Rock and Roll fue un complot para destruir los valores americanos mediante el fomento de la raza micing. Originarios en el norte de los centros urbanos en zonas predominantemente negro, Rock and Roll comenzó siendo etiquetados como rebelde, primitivo, negro música. Algunos artistas como blanco Buddy Holly y el Big Bopper presentó Rock and Roll a la "corriente principal" de jóvenes en los primeros años 1950, y su influencia junto con otros comenzó la primera verdadera multirracial y multicultural de circulación en los Estados Unidos. Fue legendario Elvis Presley en el escenario de ruptura en el medio de 1950 que señala que Rock and Roll ha comenzado a ser aceptadas como legítimas. Rhythm and Blues (ahora se llama R y B) puede trazar sus raíces directamente de Jazz, Ragtime, y el viejo negro Spritual Evangelio y normas. La forma narrativa y rico ritmo de estas formas también constituyen la base para el día de hoy del Rap y Hip-Hop. Es esta la música que forma la base de los ritmos de la música popular moderna de América. Jazz de Nueva Orleáns, al sonido Motown, a urbano hip-hop y rap, la música negro constituye el núcleo de la música en América comtemporary. Apenas hay un Rocker en cualquier lugar que no puede rastrear sus raíces de la música con el sonido negro de América. El énfasis en el ritmo y la narración de cuentos ha sido siempre parte de lo que hizo esta música popular. Negro de música en Estados Unidos es el más original argueably trazable y forma de música en América. Refleja la suma de la experiencia de Negro en una forma que es verdaderamente único y de América. País moderno y la música occidental tiene sus raíces en las canciones populares de la población rural al sur y el vaquero música popularizada por el canto de los vaqueros de los 30's, 40's y 50's. También fue influenciado por muchas canciones nacen de la lucha y el conflicto de los mineros y los agricultores empobrecidos o la depresión era. Pasando de las zonas rurales y se centra en el sur de los centros urbanos encontró un hogar en la radio a nivel nacional principalmente de Nashville en el Grand Ole Opray. Encontrar un público más amplio en años de posguerra y la Música Country comenzó a moverse de "Hillbilly música" a la más sofisticada y pulido de forma que existen hoy en día. Rock-a-Billy, País, y Bluegrass, todos vinieron de la simple forma de narración de cuentos por la música. Los años 1980 y 1990 se produjo un renacimiento de la influencia de los ritmos latinos en American Music. El sonido de Miami y de la influencia mexicana barrió en American Music. Cuba, Puerto Rico, y el artista mexicano en todas sus formas añadido a la mezcla de música. Rap, country, rock y R y B han sido tocados por el ritmo latino. La explosión de los medios de comunicación los años 1950 y 1960 fue impulsado por Rock and Roll en Radio, Televisión, y las películas. El ritmo del Rock and Roll se convirtió en la fuerza dominante de la música americana, y las líneas entre las formas comenzaron a mezclar. Música formas ya no son segregadas por raza hoy como las formas se han fusionado a través de las líneas de la cultura en América. Hoy en día el efecto de esta mezcla de la música y la cultura pueden verse por todas partes en la cultura. José Felicano canta las puertas "Luz Mi Fuego". Whitney Houston soulfully canta una canción escrita por Dolly Parton, Lionel Richey País escribe canciones de Kenny Rogers. Ray Charles ha tenido algunas de sus más grandes éxitos de los países y las normas occidentales como "Su Cheatin 'Corazón". La película "Volver al futuro" tiene su protagonista, Marty McFly es un joven hombre blanco que ama la música Rock, han cambiado su vida y, a su vez cambios en la historia mediante la introducción de Chuck Berry con el estilo de música que le hizo (Berry) famoso. Marshall Mathers, más conocido como Eminem, Rap blanco es un artista que cruza todas las líneas. La máquina de sonido de Miami se mueve a todos a una gran parte de Salsa. El sonido de la Motown se convierte en el punto de inflexión en la historia de la música americana. Hoy en día la música de América hace lo que siempre ha hecho, acercar a las personas. American Music en cada aspecto de la vida, etnicity, y la cultura se fusiona, mixtos, y puso de relieve. La rica diversidad de la cultura y la vida se refleja en su ritmo animado lleno de ritmos. La música de América es la historia del país, un reflejo de una nación llena de cambio, llena de curiosidad, y conducir por la esperanza y la emoción. Ya que sigue creciendo y el cambio, incluyendo más y más de todo lo que es América, American Music sigue para atraer y seducir a todo el mundo, porque es realmente lo mejor de todo lo que es América.