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Michael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 – Los Ángeles, California, 25 de junio de 2009[1] ), conocido simplemente como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música hard rock, rhythm & blues (soul y funk), disco y dance. Tras formar en los años sesenta, siendo aún un niño, un grupo de gran éxito en compañía de sus hermanos, The Jackson Five, en la década de los años ochenta se convierte en la superestrella de rock[2] más exitosa a nivel mundial, el nuevo rey de la música rock, debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música.[3] Denominado como "king of pop, rock and soul",[4] por la actriz estadounidense Elizabeth Taylor, esta denominación hace referencia a que Jackson era el "rey del pop",[5] [6] y el "rey de la música soul". De modo similar, el cantante ha sido denominado como "king of entertainment"[7] por la popular presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que éste le concediese en febrero de 1993, y además, la Enciclopedia Británica incluye a Michael Jackson, como notable estrella de rock, en su sección "Rock music",[8] junto a Madonna y Prince. A lo largo de su trayectoria artística como solista, la música de Michael Jackson ha ido modernizándose y evolucionando, especialmente desde la década de los años 80. Esto se manifiesta en los estilos musicales soul o funk que interpreta, específicamente en la fusión de soul o funk[9] con disco[10] ("Billie Jean" o "Thriller", de 1982); luego la de soul o funk con dance, o hard dance[11] ("Bad" o "Smooth criminal", de 1987); y la de soul o funk con hip hop[12] ("Remember the time" o "Jam", de 1991), esta última fusión se llama new jack swing. Pero también incursiona en el rock and roll duro, a través de sus innovadoras canciones de hard rock[13] como "Beat it" (1982),[14] "Dirty Diana" (1987),[15] "Black or white" (1991),[16] "Give in to me" (1991),[17] "D.S." (1995),[18] "Morphine" (1997)[19] y "Privacy" (2001), en las que han tocado, entre otros, destacados guitarristas de hard rock como Eddie Van Halen, Steve Stevens y Slash. Jackson fue catalogado como un genio musical y artístico, y esto lo demostró desde sus inicios, época en la que fue reconocido como un niño con un nivel artístico realmente extraordinario. Pero también fue un personaje polémico, con defensores y detractores, al que rodean toda una serie de leyendas, muchas veces alimentadas por él mismo, sobre su vida privada y que se ha visto envuelto en varios juicios, acusado de pederastia,[20] que tuvieron repercusión mundial y que le han mantenido apartado en los últimos años de la primera fila de la popularidad. En cualquier caso, su genialidad artística ha sido indiscutida, y su éxito a nivel mundial que le llevó a vender cientos de millones de discos apoyado por la espectacularidad de sus campañas de promoción, videoclips y conciertos, en los que hizo gala de su enorme talento como cantante y bailarín. Información personal Nombre Michael Joseph Jackson Nacimiento 29 de agosto de 1958 Gary, Indiana, Estados Unidos Muerte 25 de junio de 2009 (50 años) Los Ángeles, California, Estados Unidos Ocupación(es) Cantante, bailarín, compositor, productor, coreógrafo, actor, arreglista y escritor Información artística Género Rock, hard rock, R&B, soul, funk, disco, dance, new jack swing. Instrumento(s) Voz, piano, sintetizador, guitarra y batería. Período de actividad 1967 – 2009 Discográfica(s) Motown, Epic, Sony, The Michael Jackson Company, Inc. Artistas relacionados The Jackson Five Web Sitio web www.michaeljackson.com Vida Comienzos Michael Joseph Jackson nació en Gary (Indiana), el 29 de agosto de 1958, séptimo de una familia de nueve hermanos, en el número 2300 de Jackson Street. Su padre, Joseph Jackson, trabajaba como operario de grúa en una fábrica de fundición de metal, lo que apenas le servía para mantener a su familia. Joseph era un músico aficionado y tenía una guitarra eléctrica, aunque, muy estricto cuando se trataba de imponer normas y castigos, su uso estaba prohibido a sus hijos. Sin embargo, los hermanos mayores, Jackie, Jermaine y Tito, comenzaron a utilizarla cuando su padre no estaba en casa y lo que comenzó siendo un juego se convirtió en afición. Su madre, Katherine, lo permitía convencida de que era mejor que permanecieran en casa y no en las calles de una ciudad problemática como Gary. Con el tiempo, Joseph decidió crear una banda con cuatro de sus hijos, Tito, Jackie, Jermaine y Marlon. En aquella época Michael era demasiado pequeño (3 ó 4 años) pero sólo de verlos ya deseaba formar parte del grupo y de vez en cuando "colaboraba" tocando unos bongós. Descubierto tiempo después por su madre mientras cantaba, y sorprendida por su facilidad y talento, le pidió a su marido que le escuchara y de este modo un jovencísimo Michael Jackson, de apenas cinco años, se convirtió, en sustitución de su hermano Jermaine, en el vocalista del grupo, que primero se denominó Ripples & Waves, luego Ripples & Waves Plus Michael y, finalmente, The Jackson Five. El grupo actuó durante años en diferentes clubes y lugares de espectáculo a lo largo de los estados del este y del medio oeste, participando en innumerables concursos y festivales para aficionados, actuando en sitios tan emblemáticos como el teatro Apollo de Nueva York. En 1968, recomendados por Gladys Knight y por el productor Bobby Taylor, hicieron una audición para la discográfica Motown. Berry Gordy, dueño y jefe de la discográfica, decidió contratarles de forma inmediata, tras ver una cinta de vídeo en la que un jovencísimo Michael Jackson hace versiones de temas de James Brown junto a sus hermanos. Bajo la tutela artística de Taylor, siguieron trabajando y puliéndose durante un año aproximadamente hasta que en octubre de 1969 publicaron su primer sencillo, I want you back. Patrocinados por Diana Ross, a quien se le atribuyó su descubrimiento en una ingeniosa maniobra publicitaria, llegaron al número 1 y obtuvieron un éxito sin precedentes. Sus siguientes tres sencillos, ABC, The love you save y I'll be there, llegaron también a lo más alto, causando auténtico furor y una verdadera "jacksonmania" allí por donde iban. En 1972 Michael inició su carrera en solitario, debutando con el álbum Got to be there, al tiempo que compatibilizaba su labor como vocalista de los Jackson Five. La canción Ben, que fue el tema de la película del mismo nombre, asentó la fama de Jackson como cantante de una voz muy melódica. Tras una sucesión de éxitos como Never can say goodbye, Rockin' Robin o Dancing machine, llegaron las desavenencias con la Motown y con el propio Berry Gordy, causadas por una mayor ambición artística de los Jackson Five. El grupo deseaba autoproducirse y componer sus propios temas, pero Gordy sólo aceptaba esto con artistas de gran éxito como Stevie Wonder o Marvin Gaye. Este problema, unido a la cuestión de los pocos royalties que percibían los Jackson Five por cada disco que vendían, propició que en 1976 rescindiesen su contrato con la Motown para fichar por Epic Records, filial de CBS (actual Sony BMG). De este modo llegaron los discos The Jacksons (1976), Going places (1977) y Destiny (1978), con los que dejaron claro que el grupo tenía talento para la composición y capacidad para hacer música mucho más moderna y compleja de la que hacían durante sus últimos años en la Motown, llegando de nuevo a la cima de las listas de éxitos con Blame it on the boogie, Shake your body (down to the ground) o Can you feel it. En 1978 Michael participa en un remake de la película El Mago de Oz, interpretada por actores afroamericanos, en el papel de "Espantapájaros", aunque la película no fue bien acogida por el público. Consagración Tras conocer al productor Quincy Jones, Jackson publica en 1979 el álbum Off the Wall, editado por la discográfica CBS. Con este trabajo, que supone su lanzamiento definitivo como solista con unas perspectivas de futuro fantásticas, obtuvo unas ventas millonarias y recibió su primer Premio Grammy, al mejor cantante de rhythm & blues, por el tema Don't stop 'til you get enough. En 1981 edita en compañía de sus hermanos el elepé Triumph. En 1982 Michael publica el álbum Thriller, con el cual se transforma en una megaestrella del espectáculo, siendo por ejemplo el primer artista en obtener dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood. El álbum se ha convertido desde entonces en el más vendido de la historia, con aproximadamente 104 millones de copias, 65 en Estados Unidos y 55 en el resto del mundo.[21] El éxito se debió en buena parte al videoclip del sencillo que da título al álbum, Thriller, un cortometraje de más de 13 minutos de duración dirigido por John Landis. El álbum cosecharía otros éxitos, de distintos estilos, como Beat it (hard rock)[22] [23] y Billie Jean (funk disco).[24] Al año siguiente actúa en el especial televisivo Motown 25: Yesterday, Today, Forever. En 1985, junto a Lionel Richie y otros artistas del momento, lanza Usa for Africa, una producción musical que contenía el sencillo We are the world, que reunió millones de dólares para ayudar a la población hambrienta de África, especialmente de Etiopía, y se convirtió en el single más vendido hasta ese momento. También en 1985 compra los derechos de autor sobre las canciones más representativas de The Beatles. El álbum Bad, de 1987, con unas ventas totales de aproximadamente treinta y dos millones de unidades y que en un principio iba a incluir treinta canciones pero finalmente se lanzó con diez, fue acompañado de una autobiografía titulada Moonwalk, la película Moonwalker y varios cortos, como el del tema que da título al álbum, dirigido por Martin Scorsese, Smooth criminal, Speed demon o Leave me alone. La gira mundial de conciertos BAD Tour se inició ese mismo año y se prolongó durante más de un año, llevando la música de Jackson a los cinco continentes. Meses antes de la caída del muro de Berlín, Jackson se presenta en un concierto en la capital alemana, teniendo como telón de fondo la puerta de Brandemburgo. El sencillo Black or White, descrito como una mezcla de hard rock, dance y rap,[25] [26] aparece en noviembre de 1991 como antesala del álbum Dangerous y tiene unas ventas totales de treinta millones de unidades, convirtiéndose en el sencillo de más rápido ascenso en la historia del ranking Billboard. Su videoclip, técnicamente un cortometraje, es el más caro de la historia hasta el momento y hace gala de unos innovadores efectos por computadora, como el morphing. El álbum presenta un sonido innovador que rompe con los 80 y es acompañado de su respectiva gira, Dangerous World Tour, que pone tecnología punta en escena y alcanza un récord de audiencia mundial al transmitirse simultáneamente por centenares de medios de comunicación. En 1995 aparece HIStory: Past, Present and Future - Book I, un álbum doble mixto con un primer volumen que incluye grandes éxitos de su carrera y un segundo formado por temas nuevos. La polémica campaña publicitaria de lanzamiento tuvo como pilar un espectacular teaser cuyas imágenes recordaban al Ejército Rojo ruso, y la distribución de estatuas de Jackson, de entre trece y quince metros de altura, que recorrieron varias de las principales capitales y ríos del mundo. El primer sencillo del disco, Scream, grabado a dúo con su hermana Janet, fue Top 5 en Billboard y estaba acompañado por el videoclip más caro de la historia, mientras que el segundo sencillo, You are not alone, entró directamente al número uno de la lista, algo sin precedentes, marcando un nuevo récord. El tema They don´t care about us fue tachado de antisemita por su contenido, utilizando frases como sue me o jew me. El disco estuvo acompañado de la gira "HIStory World Tour" que le llevó a estar dos años encima de los escenarios congregando a más de cuatro millones de personas y consiguiendo una recaudación de ochenta y cinco millones de dólares. HIStory logró ser el doble álbum más vendido de la historia, con dieciocho millones de unidades. En 1995, Jackson vendió la mitad de las canciones del catálogo de música popular que había adquirido años antes por cuatro veces más de lo que le costó. En 1997 aparece Blood On The Dance Floor, compuesto por cinco canciones nuevas y ocho remixes eurodance. Se convirtió en el álbum de remezclas más vendido hasta el momento, con siete millones de unidades despachadas y fue acompañado de un corto, del mismo nombre que el álbum, y de un videoclip de cuarenta y cinco minutos de duración dirigido y producido por el mismo Jackson y Stephen King. El nuevo siglo En el 2001, Michael Jackson celebraba su 30º aniversario como solista con el lanzamiento del álbum Invincible y con un concierto en el Madison Square Garden, celebrado pocos días antes de los ataques del 11 de septiembre. El corto para el sencillo You rock my world contó con la presencia de Marlon Brando y del cómico Chris Tucker. Las ventas del álbum fueron inferiores a las de sus anteriores trabajos y el artista se vio envuelto en una serie de conflictos con su casa de discos, Sony, ya que decidió suspender la promoción del disco a los dos meses de su salida. No obstante, en ese tiempo Invincible había vendido más de cinco millones de copias y entró como número 1 en la lista de ventas de Billboard, habiendo vendido hasta la actualidad nueve millones de unidades. Jackson acusó de racista y mafioso al entonces presidente de Sony Music, Tommy Mottola, cuyo contrato fue rescindido escasos meses después. Jackson canceló una Gira prevista para 2002 y la salida de varios sencillos. En octubre de ese mismo año 2001, Michael completa su trabajo en el nuevo sencillo para fines benéficos What more can I give, una respuesta a los actos terroristas del 11 de septiembre. Al igual que había hecho años atrás con We are the world, grabó la canción con la participación de varios artistas y con las expectativas de alcanzar una recaudación de cincuenta millones de dólares para las familias de las víctimas de los ataques. Sin embargo, el sencillo no saldría a la venta debido al abandono de Sony por parte de Jackson. En la grabación, de la que también hubo una versión en español, participaron entre otros Mariah Carey, Céline Dion, Tom Petty, Reba McEntire, Ricky Martin, Carlos Santana, Beyoncé Knowles (Destiny's Child), Nick Carter (Backstreet Boys), Aaron Carter, Mya, Luis Miguel, Gloria Estefan, Shawn Stockman (Boyz II Men), Shakira, Usher, Brian McKnight, Julio Iglesias, Luther Vandross, John Secada, Billy Gilman, Alejandro Sanz, Christian Castro, Olga Tañón, Anastacia, Juan Gabriel, Thalía, Ziggy Marley y 3LW. En el 2002 Jackson hizo una brevísima aparición en la película Men in Black 2. Al año siguiente, Jackson fue acusado de haber abusado sexualmente de un menor de 14 años, siendo declarado inocente de todos los cargos el 13 de junio de 2005 Posteriormente se trasladó a vivir a Bahréin, invitado por el príncipe Abdul Aha-Jamed. En marzo de 2006 las autoridades ordenaron el cierre de su rancho Neverland. Oficialmente fue debido a atrasos en el pago de salarios debido a problemas burocráticos ya solucionados, aunque también en este caso se difundió la idea de que la policía buscaba pruebas de sus relaciones con menores. Tras la caída de su popularidad, muchos expertos en música dieron a Jackson escasas posibilidades de recuperar su fama en Estados Unidos, ya debilitada desde el escándalo de 1993, pero Yves Gautier, autor de la biografía Michael Jackson, the other side of the Mirror ("Michael Jackson, el otro lado del espejo" ) afirmó que Jackson continuaba teniendo gran cantidad de admiradores en Oceanía, Europa, y Asia. En 2006 recibió un premio de MTV Japan por sus más de cien millones de discos vendidos en el país. En 2008 se comentó que Jackson publicaría un nuevo disco[27] con su propia discográfica, Michael Jackson Company, para lo que el artista se estaría poniendo en forma con la intención de grabar un videoclip. Dependiendo del éxito de este nuevo trabajo, que podría ser lanzado por Warner Music con la discográfica SONY, podría hacer una gira ese mismo año. Hacia finales de la década se publicó un recopilatorio de sus mejores veinte singles y videoclips en formato Dual Disc en edición limitada, llamado Visionary - The Video Singles. También recibió el Premio Diamante en los World Music Awards (Londres), donde interpretó We are the world junto a un coro de jóvenes. Con motivo del 25 aniversario de Thriller, el disco más vendido de la historia, el 11 de febrero de 2008 Michael publicó un nuevo trabajo, una edición especial que añade seis canciones inéditas, vídeos y una actuación en directo. La obra salió al mercado bajo el título de Thriller: 25th Anniversary Edition, y contiene las nueve canciones del álbum original y seis temas inéditos: "The Girl is Mine 2008" con Will.i.am, "P.Y.T. (Pretty Young Thing) 2008" con Will.i.am, "Wanna be Startin' Something 2008" con Akon, "Beat it 2008" con Fergie de Black Eyed Peas, "Billie Jean 2008" una remezcla realizada por Kanye West, y una balada llamada "For all time", no editada en la versión original del álbum y mezclada nuevamente y masterizada por Michael Jackson. El DVD adicional incluye los videoclips de Thriller, Beat it y Billie Jean; además de actuaciones en directo durante el especial Motown 25: Yesterday, Today, Forever de la NBC en 1983. La nueva edición ha vendido en todo el mundo más de 3 millones de copias. En julio de 2008 comenzó a circular por Internet la canción "Hold my hand",[28] una melodiosa balada soul o rhythm & blues, interpretada por Michael Jackson y Akon, que será incluida en el próximo álbum de Akon, aunque se especuló que podría aparecer también en un nuevo álbum de Jackson.[29] En honor a su cumpleaños número cincuenta, el 29 de agosto de 2008, Jackson publicó su álbum recopilatorio titulado King of pop en países como Australia, Austria, Bélgica, Alemania, Hong Kong, Hungría, Japón, Países Bajos, Filipinas y el Reino Unido, para posteriormente ser publicado también en Argentina, Brasil, Chile, Finlandia, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Rusia, España, Suecia, Tailandia y Turquía.[30] El recopilatorio King of pop contiene tanto las canciones de Jackson como solista y las de su etapa en The Jackson Five y The Jacksons, pero a diferencia de los anteriores, las canciones del álbum fueron elegidas por los fans, a través de una votación. El 5 de marzo de 2009 en un auditorio en Londres ante veintemil fans, anunció su regreso a los escenarios, con la gira This Is It, con diez conciertos a celebrarse en dicha ciudad en el O2 Arena en el mes de julio; los cuales, dijo, serían los últimos que daría en la capital inglesa. En ellos, según el promotor de la gira Randy Philips, habría nuevos sencillos del "rey del pop". La expectativa aumentó la demanda del público y se pretendían hacer hasta cincuenta presentaciones. Sin saberlo, aquel anuncio sería su última presentación ante los medios. Repercusión artística Michael Jackson y la industria del videoclip Michael Jackson fue reconocido como uno de los artistas más innovadores en el campo del vídeo clip, habiendo recibido numerosos premios por la calidad de sus trabajos visuales, argumentativos, estilísticos, tecnológicos y de coreografía. Del álbum Thriller destacan los vídeos del tema Beat it y, por supuesto, el del que da título al álbum, precursor de los espectaculares videos musicales actuales y reconocido tanto por la innovación del argumento, escrito por Jackson y John Landis, como por sus revolucionarios pasos de baile, coreografiados por Jackson y Michael Peters, así como por la ambientación vanguardista y la caracterización de maquillajes. Del álbum Bad destacan los vídeos de los temas Smooth criminal y Bad. El primero, considerado uno de los mejores videos musicales del intérprete y de la historia, se desarrolla en un bar clandestino de los años 30, donde Michael encarna a un gánster que causa alboroto al entrar en un local, para terminar con una increíble coreografía diseñada por él mismo. En un principio éste pensó en rodar el video al aire libre, pero en lugar de eso decidió utilizar un escenario más oscuro y urbanizado. En cuanto al vídeo de Bad, interpretado por una pandilla, combina movimientos de baile coreografiados con otros espontáneos. El álbum Dangerous incluía dos videoclips. Black or white sorprendió por una nueva técnica digital llamada morphing, nunca vista antes en un video musical. También fue causa de gran controversia por un momento en que Jackson se transforma a partir de una pantera y ejecuta bailes explícitamente sexuales mientras destruye marcas de índole racista. Remember the time, ambientado en el antiguo Egipto incluye un baile con pasos pretendidamente de estilo egipcio. Este video cuenta con la participación especial de Eddie Murphy Dentro del álbum HIStory, el videoclip del tema Scream, el más caro de la historia con un coste de ocho millones de de dólares, se desarrolla en un entorno futurista y en el Michael comparte pantalla con su hermana Janet Jackson. Del tema They dont care about us existen dos versiones, una grabada en un escenario real de una zona pobre de Brasil y otro que fue censurado y que se ambienta en una prisión. El vídeo del tema Ghost, del álbum Blood on the dance floor es el de más largo rodado, con una duración de cuarenta minutos, por lo que se le considera dentro de la categoría de cortometraje. El argumento se desarrolla en una casa fantasma donde bailan y crean musicales. Esta obra fue escrita por Stephen King y Michael Jackson, quien también fue el encargado de dirigir el corto. Este trabajo fue reconocido con buenas críticas en el festival de Cannes. Récords Artículo principal: Anexo:Récords de Michael Jackson Michael Jackson logró muchos récords durante su carrera, entre los que destaca el haber sido el artista musical más exitoso de todos los tiempos de acuerdo al Libro Guinness de récords mundiales, al vender 750 millones de discos. Características artísticas Bailarín excepcional Michael Jackson es popularmente conocido por haber sido un dotado bailarín, así como por sus increíbles coreografías, en la mayoría de los casos diseñadas por él mismo. Tiene pasos que son populares a nivel mundial, lo que le ha cosechado una infinidad de imitadores profesionales y aficionados. El más conocido posiblemente sea el llamado moonwalk o "paso lunar", que según afirmo el propio Jackson en una entrevista, ideó a partir de los movimientos de los niños en las calles. Considerado por muchos como uno de los mejores bailarines del siglo, recibió la admiración de leyendas del baile como Fred Astaire y James Brown. Ocupaciones menos conocidas Michael Jackson escribió dos libros: Moonwalk, autobiografía que relata su vida hasta 1988, y Dancing in the dream, un libro de poemas y reflexiones sobre diversos temas, como la vida, los niños, el mundo y los animales. Como guionista escribió el argumento de su película Moonwalker así como de muchos de sus videoclips. Asimismo redactó el storybook E.T. el extraterrestre, por el que gano un Grammy como "Mejor grabación para niños". Son pocos los dibujos conocidos de Michael Jackson, aunque se destaca como un hábil dibujante. Entre sus trabajos conocidos hay un retrato de Charles Chaplin, dedicado a una sobrina y que fue vendido en una subasta pública por varios miles de dólares, y dos dibujos impresos en el libreto del álbum Thriller. Como director de cine, fue el encargado de su videoclip Blood on the dance floor. Asimismo fue el director artístico de sus giras mundiales Bad world tour y Dangerous world tour y el director general, junto con Kenny Ortega, de esta última.[33] Voz Timbre vocal: contratenor, tenor, barítono Nota más alta: E6 Nota más baja: E3 Rango vocal: 3.6 octavas + (44 notas a mediados de los 80s de acuerdo con Seth Riggs, consultor vocal de jackson. En 1990 riggs dijo que el rango de Michael se expandía hasta 4 octavas. Aparentemente, debido a la edad, Jackson adquirió la capacidad de hacer notas más bajas, sin perder las altas). Michael Jackson es considerado uno de los mejores vocalistas de música popular en la historia. Su característico timbre vocal, versatilidad, rango y capacidad expresiva son algunas de las razones que se podrían mencionar. A este respecto Frank Sinatra comento: “The only male singer who I’ve seen besides myself and who’s better than me - that is Michael Jackson.” - Frank Sinatra (El único cantante masculino que he visto además de mí mismo, y quien es mejor que yo - Ese es Michael Jackson) Como dato complementario, la publicación Psychology Today Magazine, Jul/Aug 2006, señala que Michael Jackson fue poseedor de oído absoluto.[34] Estética Otro factor que definió a Michael Jackson, tanto en su vida diaria como en sus conciertos y videoclips, es la extravagancia y originalidad de su indumentaria, creando un estilo propio que, al igual que su baile, lo hizo distinguirse. Uno de sus símbolos más representativos fue el guante blanco en una mano y los calcetines con lentejuelas brillantes, a la par con una chaqueta negra igualmente brillante. También fue conocido su gusto por los trajes militares, adornados con medallas e insignias y gafas oscuras.[35] Personaje mediático La vida privada de Jackson ha sido centro permanente de la prensa en las últimas décadas debido a sus preferencias personales, sus extravagantes gastos y gustos, sus cirugías estéticas y al cambio de color de su piel, que él ha explicado debido al vitíligo, una enfermedad degenerativa que produce la decoloración de la piel, aunque es popularmente extendida la idea de que dicho cambio se debe también a la cirugía. También han sido fuente de noticia sus matrimonios y las varias ocasiones en que se ha visto implicado en pleitos judiciales, la mayoría de ellos de carácter profesional, aunque el que más repercusión tuvo, a nivel mundial, fue al verse acusado de pedofilia. Jackson contaba entre sus amigos más cercanos a Elizabeth Taylor y Macaulay Culkin y ha estado ligado sentimentalmente con Tatum O'Neal, Brooke Shields y Lisa Marie Presley, hija de Elvis Presley. Todas estas personalidades comparten con Jackson la particularidad de haber conocido la popularidad a muy corta edad, lo que según ellos mismos ha contribuido a formar una relación particular. Esfuerzos humanitarios Michael Jackson dedicó gran parte de sus esfuerzos y recursos económicos a la ayuda humanitaria, siendo calificado por el Libro Guinness de los récords como el artista que más dinero ha donado a caridad en la historia, con 300 millones de dólares. Desde pequeño, cuando regalaba dulces con el dinero que ganaba en sus actuaciones, hasta el megaproyecto USA for África, que inicio junto a Lionel Richie y que recaudó millones de dólares para este continente, Jackson mostró una fuerte motivación filantrópica a lo largo de su carrera y su vida. Durante el rodaje de un anuncio publicitario para Pepsi, Jackson sufrió quemaduras de tercer grado en el cuero cabelludo y otras partes de su cuerpo. Como compensación, la compañía le pagó un millón de dólares que el artista donó a un hospital para quemados, llamado desde entonces "Centro de Quemados Michael Jackson". También donó 500.000 dólares para el "United Negro College Fund" y fundó la organización benéfica "Heal the World", dedicada a ayudar a niños de todo el mundo. Su rancho Neverland fue abierto en múltiples ocasiones para que niños con enfermedades terminales y de orfanatos pudieran acudir gratuitamente. También en sus conciertos solía regalar boletos para niños desfavorecidos. Asimismo, en varias de sus canciones ha hecho gala de sus ideales en pro de un mundo mejor, como Earth song, We are the World, Heal the World, The lost children, Man in the mirror o Black or white. Otros temas, que pueden ser considerados como protestas contra la sociedad, son: They don't care about us, Scream, Tabloid junkie, Money, Little Susie... El 11 de septiembre de 2001, tras los ataques terroristas a las Torres Gemelas de Nueva York, decidió crear un proyecto similar a "USA for África", reuniendo a numerosos artistas para la grabación del tema benéfico What more can i give, compuesto por el mismo y que contó con una versión en español. Michael Jackson fue nominado en dos ocasiones para recibir el Premio Nobel de la Paz y ha obtenido numerosos premios por su humanitarismo. Estas han sido todas las instituciones que Michael Jackson apoyó: AIDS Project L.A., American Cancer Society, Angel Food, Big Brothers of Greater Los Angeles, BMI Foundation, Inc., Brotherhood Crusade, Brothman Burn Center, Camp Ronald McDonald, Childhelp U.S.A., Children's Institute International, Cities and Schools Scholarship Fund, Community Youth Sports & Arts Foundation, Congressional Black Caucus (CBC), Dakar Foundation, Dreamstreet Kids, Dreams Come True Charity, Elizabeth Taylor Aids Foundation, Juvenile Diabetes Foundation, Love Match, Make-A-Wish Foundation, Minority Aids Project, Motown Museum, NAACP, National Rainbow Coalition, Rotary Club of Australia, Society of Singers, Starlight Foundation, The Carter Center's Atlanta Project, The Sickle Cell Research Foundation, Transafrica, United Negro College Fund (UNCF), United Negro College Fund Ladder's of Hope, Volunteers of America, Watts Summer Festival, Wish Granting, YMCA - 28th Street/Crenshaw, Vitíligo Michael Jackson sufrió de una enfermedad degenerativa de la piel llamada vitíligo, que destruye la melanina que se encarga de proporcionar su coloración a la piel. Aunque se cree que es una dolencia hereditaria, también se piensa que está relacionada con la tensión nerviosa, que puede producir la enfermedad y exacerbarla. El vitíligo tiene dos variantes, focal y universal. En la primera, el vitíligo se presenta en forma de ligeras manchas blancas segmentadas en el cuerpo, especialmente en las zonas de la piel expuestas al sol. En el vitíligo universal se da una despigmentación casi total, abarcando grandes extensiones del cuerpo. En casos de vitíligo universal en que la despigmentación de la piel sobrepasa el 50% puede utilizarse un procedimiento médico para igualar el color del resto de la piel, lo cual habría sido el caso de Jackson. Sin embargo, los medios de comunicación han difundido la opinión general de que Jackson utilizó un procedimiento artificial para blanquearse la piel argumentado que el vitíligo no se presenta de modo uniforme como en el caso del cantante. Esta idea ha sido desmentida por el propio cantante y su dermatólogo particular, explicando que, al ser Jackson una figura pública se decidió resguardar su imagen cubriendo las manchas con maquillaje oscuro y posteriormente, cuando la expansión de la enfermad no permitió este procedimiento, se optó por utilizar el procedimiento inverso, cubriendo su piel oscura con maquillaje de color claro, por lo que el cambio de tonalidad de su piel fue repentino a ojos del público. Esta información fue confirmada por la maquilladora personal del cantante. Vida amorosa e hijos Michael Jackson se casó en dos ocasiones, la primera vez con Lisa Marie Presley, hija de Elvis Presley, y la segunda con la enfermera Deborah Rowe, madre de dos de sus hijos, Prince Michael y Paris. El cantante contaba con un tercer hijo, Prince Michael II, que fue, según sus propias palabras, engendrado a partir de su esperma en una madre de alquiler. Discografía Artículo principal: Discografia de Michael Jackson Álbumes de estudio * 1971: Got To Be There * 1972: Ben * 1973: Music And Me * 1975: Forever, Michael * 1979: Off the Wall * 1981: One Day In Your Life * 1982: Thriller * 1984: Farewell My Summer Love * 1987: Bad * 1991: Dangerous * 1995: HIStory: Past, Present and Future - Book I * 1997: Blood On The Dance Floor * 2001: Invincible Véase también * The Jackson Five Referencias 1. ↑ a b El País, 26-06-2009, Fallece el cantante Michael Jackson 2. ↑ Michael Jackson Body and Soul: An Illustrated Biography, by Geoff Brown (1984) Una biografía de la estrella de rock considerada uno de los más populares artistas intérpretes de los 1980's - alibris.com 3. ↑ Thriller (1982) y Thriller 25th Anniversary (2008) channeljayreviews.co.uk 4. ↑ ALL MICHAEL JACKSON.com Bad Era Elizabeth Taylor named him “The true King of pop, rock and soul”. 5. ↑ Michael Jackson, el Rey de Pop El Universal. 6. ↑ Fallece el cantante Michael Jackson El País, 26/06/09. 7. ↑ Michael Jackson talks to Oprah Part 7 8. ↑ "rock music." Encyclopædia Britannica. 2009. Encyclopædia Britannica Online. Michael Jackson en la historia de la "música rock".Encyclopædia Britannica 2009. 9. ↑ Análisis musical del álbum "Thriller"(1982) por el crítico Stephen Thomas Erlewine 10. ↑ the VH1's 100 Greatest Dance Songs @ Disco-Disco.com "Billie Jean" en la lista de las 100 más grandes canciones disco/dance 11. ↑ Análisis musical del álbum "Bad"(1987) por el crítico Stephen Thomas Erlewine 12. ↑ Análisis musical del álbum "Dangerous"(1991), por la Sony Music 13. ↑ Análisis musical del álbum "Dangerous" (1991), por la Sony Music 14. ↑ Michael Jackson feat Slash - "Beat it" (30th Anniversary Celebration) 15. ↑ Análisis musical del álbum "Bad" (1987) por el crítico Stephen Thomas Erlewine 16. ↑ Michael Jackson and Slash - "Black or White" (Dangerous World Tour in Oviedo, Spain) 17. ↑ Michael Jackson - "Give Into Me" feat. Slash 18. ↑ Michael Jackson - "D.S." (HIStory tour Korea 1996) 19. ↑ Michael Jackson - "Morphine" 20. ↑ Artículo en El Mundo (diciembre de 2003). 21. ↑ Jacko's back - Jacko está de regreso mtv.co.uk. 22. ↑ Halstead, Craig; Cadman, Chris (2003). Michael Jackson the Solo Years (en inglés). Authors On Line Ltd, p. 40. ISBN 0755200918. Consultado el 9 de junio de 2009. 23. ↑ Andersen, Christopher P. (1994). Michael Jackson: unauthorized (en inglés). Simon & Schuster, p. 105. ISBN 0671892398. Consultado el 10 de junio de 2009. 24. ↑ Conelly, Christopher (28 de enero de 1983). «Análisis musical del álbum "Thriller" de 1982» (en inglés). Rolling Stone. Consultado el 9 de junio de 2009. 25. ↑ Jeans (1993). «"Peligroso regreso", Michael Jackson: Un mito indescifrable». Revista Jeans, p. 7. Consultado el 4 de junio de 2009. 26. ↑ Sony Music (2001). «Análisis musical del álbum "Dangerous" de 1991» (en inglés). Sony Music Entertainment. Consultado el 4 de junio de 2009. 27. ↑ Michael Jackson is set to release a new studio album in 2008 NME News 28. ↑ "Hold my Hand" (Akon ft. Michael Jackson) 29. ↑ Akon/ Michael Jackson Collaboration, "Hold My Hand" VH1.com 30. ↑ News: Fans asked to participate in "King of Pop" album michaeljackson.com 31. ↑ Murió Jackson, el rey del Pop La crónica, 26/06/09 32. ↑ Muere Michael Jackson El Mundo, 26/06/09 33. ↑ Michael Jacksons Tours - Solo and Jacksons Michael Jackson Trader 34. ↑ The Mysteries of Perfect Pitch (2006) por William Lee Adams Psychology Today Magazine, Jul/Aug 2006 35. ↑ La moda ama a Michael (artículo sobre su legado estético) yodona.com Imagen del innovador sistema inventado por Michael Jackson, Michael Bush y Dennis Tompkins para crear la ilusión de anti-gravedad durante la coreografía de "Smooth Criminal". Reporteros en las afueras del centro médico de la UCLA momentos después de la muerte de Jackson. Una de las estatuas presentadas en Europa para promocionar el álbum "HIStory". Estrella de Michael Jackson en el Paseo de la Fama de Hollywood. FUENTE:WIKIPEDIA VIDEOS Terror (Hitazo) Remember The Time Smooth Criminal Billie Jean Su Triste Partida Bueno Nada Mas Espero Que Sirva Q.E.P.D El Rey Del Pop

Asimov fue gigantesco, todo un escritor de renombre que vino desde muy pequeño a Estados Unidos desde la Unión Soviética y comenzó a prosperar. Su mente estaba plagada de robots, imperios galácticos, batallas romanas y arqueología bíblica, siendo un gran escéptico de las religiones y creencias. Aquí dejamos unas pequeñas y humildes frases suyas, retazos de su colosal pensamiento: * "Examinen fragmentos de pseudociencia y encontrarán un manto de protección, un pulgar que chupar, unas faldas a las que agarrarse. Y, ¿qué ofrecemos nosotros a cambio? ¡Incertidumbre! ¡Inseguridad!" * "Yo soy capaz de reconocer los aspectos positivos de la influencia de las religiones a lo largo de la historia. Por ejemplo, les debemos la creación de calendarios racionales que tan útiles han sido, aunque sinceramente, soy incapaz de recordar alguno más." * "Propiamente leída, la Biblia es la fuerza más potente para el ateismo jamás concebida." * "Sólo hay una guerra que puede permitirse el ser humano: la guerra contra su extinción." * "La vida es agradable. La muerte es tranquila. Lo malo es la transición." * "No tengo evidencia para probar que Dios no existe, pero sospecho tanto que no existe que no quiero perder el tiempo." * "En primer lugar acabemos con Sócrates, porque ya estoy harto de este invento de que no saber nada es un signo de sabiduría." * "Nunca permitas que el sentido de la moral te impida hacer lo que está bien". * "Solamente una mentira que no esté avergonzada de sí misma puede tener posibilidades de éxito." * "Examinen fragmentos de pseudociencia y encontrarán un manto de protección, un pulgar que chupar, unas faldas a las que agarrarse. Y, ¿qué ofrecemos nosotros a cambio? ¡Incertidumbre! ¡Inseguridad!" * "El aspecto más triste de la vida actual es que la ciencia gana en conocimiento más rápidamente que la sociedad en sabiduría." * "La suerte favorece sólo a la mente preparada." * "Un sutil pensamiento erróneo puede dar lugar a una indagación fructífera que revela verdades de gran valor."

Ígor Fiódorovich Stravinsky (en ruso: Игорь Фёдорович Стравинский) (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes le tildaban como un músico del porvenir: "Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente". En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus periodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinsky también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz. Stravinsky también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también un escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinsky compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual, dijo una famosa frase: "La música es incapaz de expresar nada por sí misma". Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky[2] (Conversaciones con Stravinsky). Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinsky fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX. Su vida Stravinsky nació el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum (hoy Lomonósov), Rusia. Creció al cuidado de su padre y hermana mayor, siendo su primera infancia, una mezcla de experiencias que revelaban poco al artista cosmopolita que llegaría a ser. Si bien su padre Fiódor Stravinsky era cantante de ópera (bajo) en el Teatro Mariinsky, Stravinsky inició los estudios de Derecho, que tiempo después cambiaría por la composición. En 1902, a los 20 años de edad, Stravinski se convirtió en alumno de Nikolái Rimski-Kórsakov, probablemente el compositor ruso más importante de su tiempo. Una de sus obras de estudiante, Feu d'artifice (fuegos artificiales en francés), impresionó a Sergei Diaghilev, que encargó a Stravinski varias orquestaciones y luego un ballet completo, El pájaro de fuego. Stravinsky dejó Rusia por primera vez en 1910, para asistir a París al estreno de su ballet Pajaros de Fuego por los Ballets Rusos. Durante su estancia en dicha ciudad, compuso dos obras más para los Ballets Rusos: Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Los ballets revelan el desarrollo estilístico del compositor: desde El pájaro de fuego, cuyo estilo muestra la poderosa influencia de Rimsky-Kórsakov, a Petrushka con su fuerte énfasis bitonal, para llegar finalmente a la salvaje disonancia polifónica de La consagración de la primavera. Como Stravinsky mencionó acerca de sus estrenos, su intención era "mandar todo al demonio". (Lo logró: El estreno de La consagración de la primavera en 1913 fue probablemente el más famoso "escándalo" en la historia de la música, con luchas a puñetazos entre los miembros del público y la necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto). Stravinsky desplegó un deseo inagotable por leer y explorar el arte y la literatura en su vida. Este deseo se manifestó en algunas de sus colaboraciones en París. No sólo fue el compositor principal para Sergei Diaghilev de los Ballets Rusos, sino también colaboró con Pablo Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (Oedipus Rex, 1927) y Georges Balanchine (Apollon Musagete, 1928). Relativamente pequeño de estatura y no convencionalmente atractivo, Stravinsky no era fotogénico, como muchas fotos lo demuestran. Todavía era joven cuando, el 23 de enero de 1906, se casó con su prima Katerina Nossenko a quien conocía desde pequeño. Su matrimonio duró 33 años, pero el verdadero amor de su vida y, después, su compañera hasta la muerte, fue su segunda esposa, Vera de Bosset (1888-1982). Aunque fue un notorio galanteador (se rumoreó que tuvo encuentros con personalidades influyentes como Coco Chanel), Stravinsky también fue un hombre familiar que consagró cantidades considerables de su tiempo y dinero a sus hijos. Uno de sus hijos, Soulima Stravinsky, también fue compositor, pero poco conocido, dada la comparación con su padre. Cuando Stravinsky conoció a Vera a inicios de los años 20, ella estaba casada con el pintor y diseñador de escenarios Serge Sudeikin. Como pronto empezaron a tener encuentros amorosos, Vera dejó a su marido al cabo de un tiempo. Desde ese momento y hasta la muerte de Katerina (1939) Stravinski llevó una vida doble, invirtiendo parte de su tiempo con su primera familia y el resto con Vera. Katerina advirtió la relación y la aceptó como inevitable y permanente. Después de su muerte, Stravinsky y Vera se casaron en Nueva York, adonde habían viajado desde Francia para escapar de la Segunda Guerra Mundial en 1940. El patrocinio nunca estuvo lejos. En los comienzos de la década de 1920 Leopold Stokowski pudo darle un apoyo regular a Stravinsky como su "benefactor" anónimo. El compositor también pudo atraer encargos: la mayoría de sus trabajos desde El Pájaro de Fuego en adelante, fueron escritos para ocasiones específicas y se pagaron generosamente. Stravinski demostrando su aptitud para "jugar" al rol de "hombre del mundo", adquirió un instinto perspicaz para las cuestiones de negocio lo que le permitió aparecer relajado y cómodo en muchas de las ciudades mayores del mundo. En París, Venecia, Berlín, Londres y Nueva York era recibido con los mayores respetos como un exitoso pianista y director. La mayoría de las personas que lo conocieron a través de conversaciones personales y de sus actuaciones lo recuerda como cortés, atento y preocupado de los demás. Por ejemplo, Otto Klemperer, quien conocía bien a Arnold Schoenberg, dijo que él siempre encontró a Stravinsky mucho más cooperativo y fácil de tratar. Al mismo tiempo él tenía un menosprecio por las "clases sociales inferiores": Robert Craft se avergonzaba por su hábito de golpear un vaso insistentemente con un tenedor y exigir ruidosamente la atención en los restaurantes. Eventualmente, el futuro musical de Stravinsky fue noticia por Sergei Diaghilev, el director de los Ballets Rusos en París. Encargó a Stravinski para escribir un ballet para su teatro, por lo que este viaja a París en 1911. Ese ballet terminó siendo el famoso L'Oiseau de Feu (Pájaro de Fuego). Sin embargo, debido a la Primera Guerra Mundial, se trasladó a la neutral Suiza en 1914. Volvió a París en 1920 para escribir más ballets así como muchos otros trabajos. Posteriormente viaja a Estados Unidos en 1939, donde se nacionalizó ciudadano en 1945. Continuó viviendo en Estados Unidos hasta su muerte en 1971. Stravinsky se había adaptado a la vida en Francia, pero el trasladarse a América, a la edad de 58 años, era una perspectiva muy diferente. Durante un tiempo conservó el deseo de traer a sus amigos y contactos rusos, pero al poco tiempo comprendió que esto no sostendría su vida intelectual y profesional en EE.UU. Cuando planeó escribir una ópera con W. H. Auden, la necesidad de adquirir más familiaridad con el mundo angloparlante coincidió con el encuentro con el director y musicólogo Robert Craft, quien vivió con Stravinsky hasta su muerte, actuando como intérprete, cronista, director auxiliar y factótum para una infinidad de tareas musicales y sociales. El gusto de Stravinsky por la literatura fue amplio y refleja su deseo constante de nuevos descubrimientos. Los textos y las fuentes literarias para su trabajo empezaron con un período de interés en el folclore Ruso, que progresaron a los autores clásicos y a la liturgia Latina. A esto le siguió el contemporáneo francés André Gide (en Persephone), llegando finalmente a la literatura inglesa: Auden, Eliot, y versos medievales ingleses. Al final de su vida estaba incluso utilizando las escrituras hebreas en Abraham e Isaac. Murió en Nueva York el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 años y fue enterrado en Venecia en la isla del cementerio de San Michele. Su tumba está cerca de la de su antiguo colaborador Diaghilev. La vida de Stravinsky abarcó la mayoría del siglo XX, incluyendo muchos estilos de música clásica moderna, influenciando a muchos compositores durante su vida y después de su muerte. Él posee una Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en Hollywood Boulevard 6340. Períodos estilísticos La carrera de Stravinsky pasa por tres grandes períodos estilísticos distintos, por lo que la mayoría de sus composiciones pueden ser consideradas como parte de alguno de ellos. (Tumba de Stravinski en San Michele, Venecia) El período primitivo o ruso El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diáguilev. Éstos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto es su desarrollo como en su instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego, es notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. Petrushka, también se anota distintamente y es el primero de los ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La consagración de la primavera, el que generalmente es considerado la apoteosis del "Período Ruso" de Stravinsky. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes famosos en esta obra, pero dos son de nota particular: el primer tema basado en los sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el ataque rítmicamente irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de tomar una célula rítmica breve e ir desplazando su acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando solo el talón del arco por las cuerdas y haciendo más evidente la reorganización permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los bronces los acordes que resultan acentuados cada vez (véase La consagración de la primavera para una análisis más detallado de este trabajo). Otras piezas de este período incluyen: Renard (1916), Historia de un soldado (Histoire du soldat) (1918), y Las bodas (Les Noces) (1923), instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla. El período neoclásico La siguiente fase del período composicional de Stravinsky, solapando al primero ligeramente, es marcado por dos trabajos: Pulcinella (1920) y Octeto (1923) para instrumentos de viento. Ambos trabajos ofrecen lo que será un sello de este período; es decir, el retorno de Stravinsky, o "vuelta atrás" a la música clásica de Mozart, Bach y sus contemporáneos. Este estilo "neoclásico", que de hecho nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germánico, involucró el abandono de las grandes orquestas exigido por los ballets. En estas nuevas obras, escritas aproximadamente entre 1920 y 1950, Stravinsky se vuelca mayoritariamente a los instrumentos de viento, piano, coros y trabajos de cámara. La Sinfonía de Instrumentos de Viento (1920) y la Sinfonía de los Salmos está entre los trabajos más finos compuestos para vientos. Otros trabajos como Oedipus Rex (1927), Apolo musageta (Apollon Musagétte) (1928) y el Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks) (1931), continúan esta tendencia. Algunos trabajos mayores de este período son las tres sinfonías: la Sinfonía de los Salmos (Symphonie des Psaumes) (1930), Sinfonía en Do (1940) y Sinfonía en Tres Movimientos (1945). Apolo, Perséfone (1933) y Orfeo (1947) también marcan la preocupación de Stravinski, durante este período, de no sólo volver a la música "Clásica" sino también volver a los temas "Clásicos",: en estos casos, la mitología de los antiguos griegos. El pináculo de este período es la ópera The Rake's Progress completada en 1951. Esta ópera, escrita por W.H. Auden y basada en las pinturas y grabados de William Hogarth, encapsula todo lo que Stravinski había perfeccionado en los 20 años anteriores a su período neoclásico. La música es directa pero rara; pide prestado de la armonía tonal clásica pero también interpone disonancias sorprendentes; ofrece las células y los motivos rítmicos desplazados de la marca de fábrica de Stravinski; y recuerda a las óperas y temas de Monteverdi, Gluck y Mozart. Después de la realización de ésta ópera Stravinsky no escribió nunca más otro trabajo "neoclásico", comenzando a escribir la música que vendría a definir su cambio estilístico final. El período dodecafónico o serialista Sólo después de la muerte de Arnold Schoenberg en 1951, el inventor del dodecafonismo, Stravinsky empieza a utilizar ésta técnica en sus propios trabajos. Sin duda, Stravinsky se ayudó en su comprensión, e incluso su conversión, al método de los doce tonos en su confidente y ayudante Robert Craft, quién había estado defendiendo este método musical. De esta forma, los siguientes quince años fueron empleados en escribir trabajos en este estilo. Stravinsky empezó a impregnarse de la técnica dodecafónica en los primeros trabajos vocales más pequeños como Cantata (1952), Tres Canciones de Shakespeare (1953) y In Memoriam Dylan Thomas (1954), como si estuviera probando el método. Él posteriormente empezó expandiendo el uso de la técnica en obras a menudo basadas en textos bíblicos como Cánticum sacrum y Threni (1958), A Sermon, a Narrative and a Prayer (1961), y El Diluvio (1962). Además durante esta etapa sobresalen títulos como Movimientos para piano y orquesta (1959), Monumentum pro Gesualdo y Réquiem canticles (1966), aunque ninguno de estos ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes. Un trabajo importante de transición de este período en las obras de Stravinsky, es su retorno al ballet: Agon, un trabajo para doce bailarines escrito entre 1954 y 1957. Algunos números de Agon recuerdan la tonalidad de la "nota-blanca" del período neoclásico, mientras otros (el Bransle Gay, por ejemplo) el despliegue de su reinterpretación única del método serial. El ballet es así una clase de enciclopedia en miniatura de Stravinski, conteniendo muchas de las firmas que pueden ser halladas a lo largo de sus composiciones, primitivismo, neoclasicismo, o serialismo: peculiaridad rítmica y experimentación, ingeniosidad armónica, y un oído ágil para la orquestación impetuosa y autoritaria. De hecho, estas características son lo que hace que las producciones de Stravinski sean tan únicas cuando se comparan con las obras de compositores seriales contemporáneos. Su influencia e innovación El trabajo de Stravinsky abrazó múltiples estilos composicionales, revolucionando la orquestación y abarcando varios géneros; prácticamente reinventó el ballet en su forma, incorporando múltiples culturas, idiomas y literaturas. Como consecuencia, su influencia en otros compositores fue considerable durante su vida y sigue siéndolo después de su muerte. Las innovaciones compositivas Stravinsky comenzó a repensar el uso del motivo musical y el ostinato ya en el ballet El Pájaro de fuego, pero el uso de estos elementos alcanzó su cénit en La consagración de la primavera. Los motivos, que se desarrollan en una frase musical distintiva que es seguidamente alterada y desarrollada a lo largo de una pieza musical tiene sus orígenes en la sonata de la época clásica. El primer gran innovador en este método fue Beethoven[cita requerida]; el motivo rítmico famoso que abre la Quinta Sinfonía reaparece sorpresivamente a lo largo de la obra, siendo las permutaciones refrescantes un ejemplo típico. Sin embargo, el uso de Stravinsky en el desarrollo de los motivos era único sobre todo por la manera que tenía de permutarlos. En "La consagración de la primavera" introduce permutaciones aditivas, es decir, quita o agrega una nota a un motivo sin tener en cuenta los cambios en la métrica. Este ballet también es notable por el uso implacable de los ostinati. El pasaje más famoso, mencionado anteriormente, es el ostinato rimico de las cuerdas, con acordes acentuados ocasional e irregularmente por ocho trompas, que aparecen en Augurios Primaverales (Danzas de las adolescentes), segundo número de la primera parte, Adoración de la Tierra, del ballet. Éste es quizás el primer caso en la música del ostinato extendido que no se usa ni para la variación ni para el acompañamiento de la melodía. En otros diversos momentos de la obra de Stravinsky éste emplea varios ostinati sin tener en cuenta la armonía o el tempo de la obra, creando un pastiche, una clase de equivalente musical al cubismo en la pintura. Estos pasajes no sólo son notables por su calidad-pastiche sino también por su longitud: Stravinsky los trata como un todo, como secciones musicales completas. Tales técnicas figuraron durante varias décadas en obras minimalistas de compositores como Terry Riley y Steve Reich. El neoclasicismo Stravinsky no fue el primer practicante del estilo neoclásico; de hecho el compositor alemán Richard Strauss podría ser el primero y más grande ejemplo (compuso la mozartiana El caballero de la rosa en 1910, cuando Stravinsky aún estaba empezando las obras de su período ruso). Otros, como Max Reger, estaban componiendo a la manera de Bach mucho antes que Stravinsky, pero ciertamente este último fue un músico neoclásico inteligente. El estilo neoclásico se adoptaría después por compositores tan diversos como Darius Milhaud y Aaron Copland. Sergéi Prokófiev una vez reprendió a Stravinsky por sus amaneramientos neoclásicos, aunque simpáticamente, ya que Prokofiev había utilizado música similar para su Sinfonía No.1 de 1916-17. Stravinsky anunció su nuevo estilo en 1923 con su delicada obra para vientos Octeto. Las armonías claras, recordando la era de la música clásica de Mozart y barroca de Bach, y las combinaciones más simples de ritmo y melodía eran una contestación directa a las complejidades de la Segunda Escuela de Viena. Stravinsky puede haber sido precedido en estos temas por compositores más tempranos como Erik Satie, pero no existe ninguna duda de que cuando Copland estaba componiendo su ballet Appalachian Spring estaba tomando a Stravinsky como modelo. Ciertamente de forma tardía, entre 1920 y 1930, el neoclasicismo fue aceptado como género moderno prevaleciendo entre los círculos musicales alrededor del mundo. Irónicamente, fue el propio Stravinsky quién anunció la muerte del neoclasicismo al menos en su propio trabajo, y tal vez para el mundo, con la realización de su ópera The rake's Progress en 1951. Una suerte de declaración última para el estilo, la ópera fue ampliamente ridiculizada por parecer en demasía una "vuelta atrás" incluso por aquéllos que habían alabado el nuevo estilo sólo tres décadas antes. Año ↓ Obra ↓ Tipo de obra ↓ Duración ↓ 1898 Tarantella, para piano Música de piano 1902 Scherzo, para piano Música de piano 1902 Romance, para voz y piano Música vocal (piano) - 1904 Sonata en Fa sostenido menor, para piano Música de piano 1907 Sinfonía en Mi bemol Música orquestal - 1907 Faun and Shepherdess, para mezzosoprano y orquesta Op. 2 Música vocal (orquesta) - 1907 Pastorale, para soprano y piano Música vocal (piano) 1908 Quatre Etudes, para piano Op.7 Música de piano 1908 Scherzo fantastique Música orquestal - 1908 Feu d'artifice [Fuegos artificiales] Música orquestal - 1908 Two Melodies for mezzosoprano y piano Op.6 Música vocal (piano) 1910 Deux poèmes de Paul Verlaine [Dos poemas de Paul Verlaine], para barítono y orquesta Op.9 Música vocal (orquesta) - 1910 L'oiseau de feu, para orquesta Ballet 1911 Petrushka, para orquesta Ballet 1911 Two Poems of K. Balmont para voz y piano o orquesta pequeña Música vocal (piano) 1912 El rey de las estrellas (Le roi des étoiles), para coro de hombres y orquesta Música coral - 1913 Trois poésies de la lyrique japonaise para voz y piano (for voice o orquesta de cámara) Música vocal (piano) 1913 Trois petites chansons, para voz y piano (o orquesta pequeña) Música vocal (piano) 1913 La consagración de la primavera (Le sacre du printemps), para orquesta Ballet 1913 Le Sacre du Printemps [La consagración de la primavera] para dos pianos Música de piano 1914 Le rossignol [El ruiseñor] Música de escena 1914 Valse des fleurs, para dos pianos Música de piano 1914 Solovey (El Ruiseñor) (Solovey (Le Rossignol)) para solistas vocales, coro y orquesta Ballet 1914 Tres piezas para cuarteto de cuerdas Música de cámara - 1914 Pribaoutki, para voz, flauta, oboe, clarinete, fagot, violin, viola, violonchello y contrabajo Música vocal 1915 Trois pièces fáciles, para dos pianos Música de piano 1915 Souvenir d'une marche boche para píano Música de piano 1916 Renard Ballet 1916 Berceuses du Chat, para contralto y tres clarinetes Música vocal 1916 Burleske, para cuatro pantomimas y orquesta de cámara Música de escena 1917 Le chant du rossignol [El canto del ruiseñor] Música orquestal - 1917 Pour Pablo Picasso, pieza para clarinete Música solista (clarinete) - 1917 Canon para dos trompas Música solista (trompa) - 1917 Cinco piezas fáciles, para dos pianos Música de piano 1917 Estudio para pianola, pieza para pianola Música de tecla - 1917 Valse pour les Enfants, para piano Música de piano 1917 Tres cuentos para niños, para voz y píano Música vocal (piano) 1917 Cuatro canciones campesinas rusas, Para voz femenina sin acompañamientoe Música vocal 1918 Berceuse, para voz y piano Música vocal (piano) 1918 Dueto para dos fagots Música solista (fagot) - 1918 Histoire du soldat [Historia de un soldado] Música de escena 1918-19 Quatre chants russes, para voz y piano Música vocal (piano) 1919 Piano Rag Music, para piano Música de piano 1919 Suite para Historia de un soldado (Histoire du Soldat), para violín, clarinete y piano Música de cámara - 1919 Tres piezas para clarinete Música solista (clarinete) - 1918 Histoire du Soldat [Historia de un soldado], para grupo de cámara y tres narradores Ballet 1918 Quatre études, para orquesta Música orquestal - 1920 Sinfonía de instrumentos de viento Música orquestal - 1920 Suite para Pulcinella, para orquesta Música orquestal - 1920 Pulcinella, para orquesta de cámara y solistas Ballet 1920 Chorale, para piano Música de piano 1920 Concertino para cuarteto de cuerdas Música de cámara - 1921 Suite No. 2, para orquesta de cámara Música orquestal - 1921 Les Cinq Doigts, para piano Música de piano 1922 Mavra Música de escena 1923 Las bodas (Les noces) Música de escena 1923 Octeto, para instrumentos de viento Música de cámara - 1924 Sonata, para piano Música de piano 1925 Serenade, para piano Música de piano 1925 Suite No. 1, para orquesta de cámara Música orquestal - 1925 Concierto para piano e instrumentos de viento Música orquestal - 1926 Pater Noster Música coral - 1927 Oedipus Rex Música de escena 1928 Apollon Musagète [Apolo Musageta], para orquesta de cuerdas Ballet 1928 El beso del hada (Le Baiser de la fée), para orquesta Ballet 1929 Capriccio, para piano y orquesta Música orquestal - 1930 Sinfonía de los salmos (Symphonie des Psaumes), para coro y orquesta Música coral - 1931 Concierto para violín en Re Música orquestal - 1932 Duo Concertant para violin y piano Música de cámara - 1933 Perséphone, para narrador, solistas, doble coro y orquesta Ballet 1933 Pastorale, para violín y piano Música de cámara - 1933-44 Suite Italienne (de Pulcinella), para violín o violonchelo y piano Música de cámara - 1934 Divertimento para orquesta, Suite de El Beso del hada Música orquestal - 1935 Concierto para dos pianos Música de piano 1936 Jeu de cartes, para orquesta Ballet 1937 Preludium for jazz band Música orquestal - 1938 Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks), para orquesta de cámara Música orquestal - 1938 Petit ramusianum harmonique, para voz solitaria o coro Música vocal 1940 Sinfonía en Do Música orquestal - 1940 Tango, para orquesta de cámara (1940/1953) Música orquestal - 1940 Tango, para piano Música de piano 1942 Circus polka, para orquesta Música orquestal - 1942 Danses concertantes, para orquesta de cámara Música orquestal - 1942 Four norwegian moods, para orquesta Música orquestal - 1943 Ode, para orquesta Música orquestal - 1943 Sonata para dos pianos Música de piano 1944 Elegy, para solo de viola Música solista (viola) - 1944 Babel Música de escena 1944 Scherzo a la russe, para orquesta Música orquestal - 1944 Scènes de ballet, para orquesta Ballet 1945 Sinfonía en tres movimientos Música orquestal - 1945 Ebony concerto, para clarinete y banda de jazz Música orquestal - 1946 Concierto en Re, orquesta de cuerdas Música orquestal - 1947 Orpheus, para orquesta de cámara Ballet 1948 Mass Música coral - 1951 The Rake's Progress Música de escena 1953 Septeto Música de cámara - 1953-54 Cantata para soprano, tenor, coro femenino, 2 flautas, oboe, corno inglés y violoncello Música coral - 1953 Tres canciones de William Shakespeare, para mezzosoprano, flauta, clarinete y viola Música vocal 1954 Four Russian Songs [Cuatro canciones Rusas], para mezzosoprano, flauta, arpa y guitarra, versión de Quatre chants russes y de Three Tales for Children Música vocal 1954 Dos poemas de K. Balmont Música vocal 1954 In Memoriam Dylan Thomas Música vocal 1955 Canticum Sacrum Música coral - 1955 Greeting prelude, para orquesta Música orquestal - 1957 Agon, para orquesta de cámara Ballet 1958 Threni Música coral - 1958-59 Movimientos, para piano y orquesta Música orquestal - 1959 Epitaphium, para flauta, clarinete y arpa Música de cámara - 1959 Double Canon, para cuarteto de cuerdas en memoria de Raoul Dufy Música de cámara - 1960 Monumentum Pro Gesualdo Di Venosa (arreglo), para grupo de cámara Música de cámara - 1961 A Sermon, a Narrative y a Prayer Música coral - 1962 The Flood [El Diluvio] Música de escena 1963 8 instrumental miniatures, para 15 interpretes, orquestación de Les Cinq Doigts Música orquestal - 1963 Abraham and Isaac Música coral - 1963-64 Variaciones (Variations), en memoria de Aldous Huxley Música orquestal - 1964 Fanfare for a New Theatre, para dos trompetas Música de cámara - 1964 Elegy for J.F.K., para barítono y tres clarinetes Música vocal 1965 Introitus Música coral - 1966 The Owl and the Pussy Cat, para soprano y piano Música vocal (piano) 1966 Requiem Canticles [Cánticos de réquiem] Música coral - 1967 Two Sketches for a Sonata, para piano Fuente: http://es.wikipedia.org felices 127 años y Q.E.P.D

Y... no está confirmado ni descartado. El Indio y Skay no se reunieron, no hay nada que indique que vayan a volver, nadie dijo nada, pero bueno, nunca se sabe, ¿viste? ¿A qué vienen estas líneas, que seguramente serán acompañadas por un rosario de puteadas del pueblo ricotero ilusionado (y ahora desilusionado)? A una forma de Nuevo Periodismo que hemos detectado en los medios, a la que llamaremos "Maneras Alternativas de Decir Toda la Verdad" (MADTV). Esta novedosa técnica, que habría sido originada, mitad por leer a Tom Wolfe con un ojo y pispear el partido de Del Potro con el otro, mitad por ser bruto y punto, consiste en titular las notas con frases ambiguas que parezcan una opinión o una primicia, pero que en realidad sean perogrulladas de cuarta. Así, uno logra aparentar que es un periodista de anticipación, jugado e informado, cuando en realidad está tirando fruta porque no tiene ni la más pálida idea sobre el tema a tratar. Y lo mejor de todo... ¡uno no está mintiendo! No me digan que no son una idea genial estas MADTV. Les pongo un ejemplo clarísimo: esta noticia de hace unos días, originada en un cable de la Agencia Télam, en la que se afirma que "el Gobierno no descarta ni confirma el adelantamiento de vacaciones por la nueva gripe". Lo cual no deja muchas opciones por fuera, ¿no? Es decir: haga lo que haga al final el Gobierno, uno puede afirmar que lo dijo antes que nadie, más allá de que termino de leer el artículo y sigo exactamente en el mismo nivel de conocimiento que tenía cuando empecé. Es la mismísima no-noticia, pero bueno, golazo igual. Por eso, usando esta técnica revolucionaria, ofrecemos algunos hipotéticos ejemplos de MADTV aplicados a la vida de las celebridades, que al fin y al cabo es el campo de acción de Pop Life y no queremos meternos en dónde no nos llaman. A saber.

CONTENIDO DEL POST: BUENO GENTE ACA TRAIGO ALGO DE HUMOR DE LO ULTIMO DE ALBERTO MONTT ESPERO QUE LES GUSTE !!! YA QUE LAS IMAGENES SON SACADAS DE SU BLOG UTDS PENSARAN QUE NO SE VALORA PERO SI SE VALORA... A MI ESTO ME COSTO MAS DE MEDIA HORA ENTR ELEGIR CUALES PODRIAN GUSTARLES MAS ASI QUE COMO LLEVO TIEMPO Y GANAS D ANDAR COPIANDO Y PEGANDO LINKS IGUAL PUEDEN VALORAR SO MIREN E IGNOREN SOLAMENTE