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Bobby McFerrin La irrupción de Bobby McFerrin (New York, 1950) en el escenario del jazz en los años ochenta, supuso una corriente de aire fresca en el mundo de los vocalistas. Por primera vez en muchos años, un cantante de jazz lograba llamar la atención del publico - incluso antes de su extraordinario éxito con su tema "Don't Worry Be Happy"- tras muchas décadas en que los cantantes de la música afroamericana, habían optado por estilos musicales mas rentables económicamente. Con un técnica sorprendente, un registro amplísimo y un dominio absoluto del scat, este hijo de cantante de opera, abarca musicalmente varios estilos sin que en ninguno de ellos baje el tono y la calidad de su voz. En sus inicios estudió piano en el "California State College" y mas tarde en el "Sacramento and Cerritos College". Debuta como cantante en 1977 en torno a los clubes y cabarets de New York. Después de algunos escarceos, tiene su primera prueba de fuego importante en el Playboy Festival de Jazz de 1980. En 1982, firma un contrato con la discográfica Elektra, y en su segundo disco para ese sello, llega el triunfo absoluto con el álbum "The Voice". El actor y cómico estadounidense, Bill Cosby, lo reclama para que participe en su show y en 1988, llega el tema con el que pasa a la fama, su éxito absoluto, el tema con el que consigue batir todos los records posibles en un músico de jazz. Con su "Don't Worry Be Happy", se asoma al mundo entero y la fama ya no le abandonaría. En 1992, sus dúos con el violonchelista, Yo-Yo Ma, son seguidos por un publico entusiasta que ve en él a un gran artista. También por aquellos años colabora con el pianista, Chick Corea. Hace un paréntesis en su producción jazzistica y gira hacia la música clásica interpretando obras de Mozart, Bach y Tchaikovsky, con la "Saint Paul Chambers Orchestra". En 1996, da un nuevo giro a su actividad musical y graba junto al grupo Yellowjacket, el álbum: Bang! Zoom (Blue Note, 1995). Para el mismo sello graba en 1997 el disco "Circlesong" donde ofrece una espectacular forma de improvisación vocal. Bobby McFerrin, continua en estado de gracia, y alterna en la actualidad sus grabaciones en estudio con actuaciones en pequeños clubes donde se explaya con maestría. -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Gato Alquinta Eduardo Alquinta comenzó a interesarse en la música a la edad de 12 años. Aprendió las canciones de Atahualpa Yupanqui sin que su padre, Carlos Alquinta, se diera cuenta. Conoció a Claudio Parra en el Liceo Guillermo Rivera de Viña del Mar, con quien compartió su afición con el cine. Esta cercanía se transformó en amistad con toda la familia Parra y Mario Mutis, otro amigo del clan. Para 1963, año en que Alquinta ingresa a estudiar ingeniería en la Universidad Técnica Federico Santa María, Gato, Mario y los Parra conformaban un combo tropical, que animaba fiestas, llamado The High & Bass. En el grupo, Gato se dedicaba a tocar guitarra, además de cantar. Posteriormente deja la carrera de ingeniería para entrar a estudiar arquitectura, carrera que compartiría con Mario Mutis, y que tampoco terminaría. Para 1969 y con la llegada de David Fass al grupo, Gato es el primero en darse cuenta que el estilo musical tropical e inocente que interpreta la banda no se condice con sus propios ideales. Un viaje de iniciación americanista de Alquinta junto con su mujer, Verónica, hace que se revitalice espiritualmente, presentando sus ideas de rompimiento de esquemas establecidos y realización de música propia a sus compañeros de grupo. Ellos acogen la idea de manera entusiasta, y la nueva etapa del grupo (ahora llamado Los Jaivas), aparece ilustrada en el set de CD llamado La Vorágine, editado en 2004. Con el tiempo, este proceso evolucionará en una fusión inédita entre el folclore y el rock, sello y lenguaje que caracterizaría a Los Jaivas hasta el día de hoy. Con el tiempo, Gato se encargaría de proveer la voz, la guitarra y una gran variedad de instrumentos andinos a las canciones de Los Jaivas, compuestas a menudo a partir de la improvisación de taller. También escribió las letras de algunas de las canciones (particularmente "Mira Niñita", "Pájaro Errante", "Nubecita Blanca" e "Indio Hermano", entre otros) y se convirtió en la cara visible de la banda, ayudando a conformar el carácter único de Los Jaivas como referente de la música latinoamericana. El mismo Gato se definió como "el luthier de la banda": "Me gusta el trabajo con las manos y aprovecho de hacer instrumentos, no muy complejos, por su puesto, como zampoñas, trutrucas y flautas con cañas que hemos recogido en Chile, Argentina, Bolivia. Soy el mentholatum del grupo, constantemente estoy cambiando de instrumentos" (Revista Vea, septiembre de 1981). Gato se mantuvo como vocalista de la banda hasta enero de 2003, fecha de su trágica muerte en una playa cercana a Coquimbo, Chile, producto de un paro cardiorrespiratorio. En sus funerales se manifestó el gran amor del pueblo chileno por Los Jaivas, asistiendo más de cuatrocientas mil personas a despedirlo en su capilla ardiente. Para la banda ha sido muy difícil su reemplazo; en primera instancia lo asumieron tres de sus hijos: Ankatu, en guitarra; Eloy, en saxo e instrumentos de viento; y Aurora, en voz. Sin embargo, Aurora dejó la banda al poco tiempo, y Eloy falleció trágicamente un año después. A pesar de todos estos inconvenientes, Los Jaivas han decidido continuar su actividad creativa. En estos días, Gato Alquinta se ha convertido en un ícono de la música chilena, con una figura que genera admiración y veneración por parte de las nuevas generaciones de músicos y del pueblo chileno en general ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Quique Neira Fue vocalista del grupo Gondwana desde 1997, pero en el 2003 decidió hacer carrera como solista, alejándose de la banda. Junto a Denisse Malebrán cantó el himno de la Teletón 2006. Quique Neira formo parte de una generación de jóvenes músicos del “Nuevo Rock Chileno” que surge en la primera mitad de la década noventa. Primero en la voz del grupo Bambu Quique Neira demostró su notable desplante vocal y nobleza como letrista. Y años más tarde como principal figura del grupo Gondwana, la banda de reggae más importante en la historia musical chilena, con los que grabo tres de los discos más vendidos de los últimos años en Chile. Paz, reflexión y armonía en la voz y poesía de uno de los mejores cantantes masculinos de su generación. En 1995 el grupo Bambu formo parte del catalogo de Nuevo Rock Chileno del sello EMI. El álbum “Bambu” era un trabajo que fusionaba elementos del rock, pop y un suave reggae. Los sencillos “Mama yo Quiero” e “In Jamaica” fueron su mejor carta de presentación para un proceso en el que la música Tabasqueña aspiraba a recuperar terreno. Un año después el grupo publica el EP “No Necesitamos Banderas”, canción original de Los Prisioneros reversionada en clave dub. El sencillo incluía nuevas versiones de los sencillos “Mamá yo Quiero” y el clásico “In Jamaica”. Ese mismo año graba para el disco debut de Tiro de Gracia “Ser Humano” (1997) en las canciones “El Juego Verdadero” y “Bebedor”. Meses más tarde Quique Neira abandona Bambu y se une a Gondwana, la mítica banda de reggae chileno (formados originalmente en 1987). Junto a ellos trabaja en nuevas composiciones y presentan un nuevo cancionero al sello BMG, demos que fueron aprobados por el A&R Oscar Sayavedra quien firmo a la banda por próximos tres discos. El álbum debut “Gondwana” (BMG 1998) fue estrenado con el apoyo del sencillo “Changa Langa”, la primera canción de una banda de reggae nacional que entró a las listas de popularidad. Éxito que se multiplicaría con la difusión del single “Armonía de Amor”, la canción más programada del año ’99 en nuestro país. Como resultado en su primer año el álbum súpero las 70 mil copias vendidas. Un año más tarde aparece “Phat Cherimoya Dub” un disco con nuevas versiones en clave dub y trip-hop del repertorio de “Gondwana”. En el 2000 “Alabanza. Por la Fuerza la Razón” entrego la canción “Antonia” a las radios para convertirla en el sencillo más importante de su discografía y una de las canciones más recordadas de la música chilena de las últimas décadas. El álbum súpera las 90.000 copias vendidas en Chile, mientras Gondwana inicia una extensa gira de presentaciones por Estados Unidos, México y en países de Centroamérica y Europa. Este mismo año el grupo participa del primer disco “Tributo a Los Prisioneros” con su versión para el tema “El Baile de los que Sobran”. El tercer disco “Made in Jamaica” (2002) es el primer disco de Gondwana para el sello EMI. El álbum debuto en medio de altas expectativas comerciales tras el provisor resultado conseguido con sus primeros trabajos. Las canciones “Felicidad”, “Ignorancia” y “Jamaica” repercutieron en las listas para sumar a los históricos logros de la banda. La discografía de Gondwana superaba las 200.000 copias vendidas. Pese al auspicioso pronóstico en torno al futuro de Gondwana, Quique Neira abandono la banda para desarrollar una carrera como solista. Y en el 2003 presento “Eleven” (EMI) su debut en formato cantautor, con un sonido más cercano a soul y R&B. De este álbum se desprenden los sencillos “CombaJah” y “Pensando en Ti”. Presentaciones en Tabasco(Mexico) y Venezuela para iniciar su emancipación hacia nuevos mercados. Quique Neira inicio en el 2003 una exitosa carrera en solitario de la que se desprenden dos álbums “Eleven” y “Cosas Buenas”, ambas producciones publicadas a través de la multinacional EMI. El cantautor Tabasqueño ha presentado su música a lo largo del país permanentemente y ha cruzado las fronteras en varias ocasiones para mostrar al continente la fuerza y carisma de su formación en vivo. Una voz que atraviesa las barreras generacionales con bellos versos de amor y esperanza, Quique Neira continua haciendo su historia con la pureza y lealtad de un grande, como Bob Marley, que sin importar lo apuesto y las injusticias de algunos hombres alzó su canto en la búsqueda de un mundo mejor. “Neira saca adelante la tarea haciendo gala de sus virtudes: visión pop, riqueza melódica y calidad vocal” escribió Raúl Márquez para revista Wiken de El Mercurio. “Eleven” obtuvo un premio Altazor en Categoría Balada Pop. Este mismo colabora para el grupo Saiko en la canción “Otra Vez” de su disco “Las Horas”, el disco “Andanzas” de Boomer y el Sindicato de la Danza y el disco de la banda argentina Los Cafres “Espejitos”. También grabo junto a Juan Antonio Labra la canción “Un Santo para el Mundo, para Chile y México para el disco de canonización del Padre Hurtado. En el 2005 presento su segundo trabajo “Cosas Buenas” (EMI). El disco contiene 12 canciones entre las que destacan “Amor Prohibido” compuesta en 1997 para el disco del baladista Douglas y que Quique vuelve a interpretar con nuevos arreglos. Además de la colaboración de Juan Sativo de Tiro de Gracia en las canciones “Lady” y “Por Más Que”. En radios han destacado las canciones “Cosas Buenas”, “Creo en Ti”, “Libre” y “Amor Prohibido”. “Hoy estoy disfrutando de una libertad artística que nunca tuve, que no se compara con nada de lo anterior, donde también hubo cosas buenas. Este nuevo estado me sienta muy bien, porque además de tener mi banda puedo embarcarme en cualquier proyecto que surja” declaro Quique a Guillermo Maser de El Periodista (Junio 2005) para definir su nueva etapa. En diciembre del año 2007, Quique Neira presenta su tercer trabajo, titulado "Jah Rock" (sello Oveja Negra). El disco es reconocido por el propio artista como un "regreso a las raíces", y presenta un sonido (en oposición a los anteriores álbumes de estudio de Neira) casi exclusivamente vinculado al reggae. El primer single promocional del disco pasa a ser "Mr Powa man", el cual, ya se había hecho muy conocido a través de las constantes giras efectuadas por Neira durante el año 2007. Hasta el momento, la crítica especializada y de los propios seguidores de Quique Neira, han coincidido en que "Jah Rock" es uno de los mejores discos en la vasta carrera del cantante. ------------------------------------------------------------------------------------------------- Fernando Godoy Participó en roles menores en programas como Enigma (TVN) y Pecados Capitales (Chilevisión), pero su salto a la fama vendría de la mano de la versión chilena de Married with children, Casado con Hijos (Mega). Godoy se presentó al casting para el rol de "Nacho", el hijo de la serie, y quedó seleccionado. Nacho Larraín es un joven de 17 años de edad, el integrante más inteligente de su familia, pero con un fracaso rotundo a la hora de conquistar mujeres. Se ha hecho popular por "el baile del limpia parabrisas", donde imita el movimiento de dicha pieza de los automóviles. Este baile le ha permitido a Godoy realizar espectáculos en discotecas del país. Gracias a esto, el 2007 incursiona conduciendo dos programas en la extinta radio FM Hit, La ducha teléfono, junto a Humberto Sichel y DJ Glotín, y "Hit al patio"; Además del programa de tv en Mega, Solo para Reír, con Camila López, que actualmente se transmite los días sábados. El 5 de junio del 2008 participó en El baile en TVN de Televisión Nacional de Chile, donde le gana en la final, por votación del público al cantante Mario Guerrero. Actualmente trabaja en Mega conduciendo La Muralla Infernal junto a la trasandina Lucila Vit. También se le puede escuchar en Los 40 Principales (Chile), donde anima La ducha teléfono, junto a DJ Glotín y Juan Pablo Henríquez, además de la lista Del 40 al 1. En mayo de 2010 se espera el estreno de la película chilena "Esmeralda 1879" en la que Godoy interpreta a Wenceslao Vargas, el último sobreviviente de la Corbeta Esmeralda, hundida en el Combate Naval de Iquique en 1879. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Ezekiel (cantautor,musico,artista plastico) Ezekiel, nacido al sur de Chile (8va region) en el 84, comienza su vida artistica desde niño, a traves de variados talentos con la composicion musical y el canto,tambien es artista plastico,un destacado pintor reconocido internacionalmente por su unico y profesional estilo,tomando la musica como carrera formó su primera banda a la edad de 15 años aprox., ligandose plenamente con la musica y con efectuar eventos en vivo. Posteriormente se fue de su ciudad de origen. Emprendiendo diversos viajes a lo largo de Chile, compartiendo escenario con muchas bandas (Jazz,blues,rock), como cantante.guitarrista,bajista,saxofonista y compositor. El año 2004 se radico en Valparaiso (5ta region), profesionalizando su carrera musical,se instalo como guitarrista,vocalista y compositor, en varias bandas, permanecio dando conciertos por todo el pais y grabando discos, 4 años aprox.(fue el primero en chile en hacer musica reggae dub en vivo con la banda estrella negra, para luego enfocarse plenamente como solista,grabando singles y featuring con otros artistas, con el tiempo evoluciono su acento musical ..pasando al electro reggae dancehall y otros..sin dejar el roots y dub en sus compociciones,paralelamente formo su estudio de grabaciones (blackstar studio) donde grabaria su musica y la de otros artistas. A la fecha Ezekiel a realizado giras y conciertos por todo Chile,Colombia,Peru,Ecuador y Argentina. Presentandose en escenarios junto a importantes artistas internacionales. Ezekiel a logrado traspasar su arte por muchas fronteras ,hoy en dia se encuentra activamente trabajando en su musica,produciendo siempre nuevos trabajos. Por otra parte dentro de su evidente talento Ezekiel es un gran artista plastico con muchas obras que lo acreditan,oleos sobre tela,dibujos,esculturas,etc. un artista multifacetico,musico,cantautor,poeta,artista plastico contemporaneo. --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Michael Jackson Michael Joseph Jackson (Gary, Estados Unidos; 29 de agosto de 1958 – Los Ángeles, Estados Unidos; 25 de junio de 2009 ), conocido en el mundo artístico como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop, en una amplia acepción que incluye subgéneros como el rhythm & blues (soul y funk), disco y dance. Tras formar en los años sesenta, siendo aún un niño, un grupo de gran éxito en compañía de sus hermanos, The Jackson Five, en la década de los años ochenta se convirtió en la superestrella de pop más exitosa a nivel mundial, «el nuevo rey de la música pop», debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música. Michael Jackson fue conocido mundialmente como rey del pop y «king of entertainment»[4] ("rey del entretenimiento", este último título sugerido por la popular presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que ésta le hizo en febrero de 1993. Además, la Enciclopedia Británica incluye a Michael Jackson, como notable estrella de rock, en su sección "Rock music", junto a Madonna y Prince. A lo largo de su trayectoria artística como solista, la música de Michael Jackson fue modernizándose y evolucionando, especialmente desde la década de los años 80. Esto se manifiesta en los estilos musicales soul o funk que interpretó, específicamente en la fusión de soul o funk[6] con disco[7] ("Billie Jean" o "Thriller", de 1982); luego la de soul o funk con dance, o hard dance[8] ("Bad" o "Smooth criminal", de 1987); y la de soul o funk con hip hop[9] ("Remember the time" o "Jam", de 1991), esta última fusión se llama new jack swing. Pero Michael Jackson, así como muchas estrellas pop de los años 80, también incursionó en el rock a través de innovadoras canciones como[9] "Beat it"[10] "Dirty Diana" (1987), "Black or white" (1991), "Give in to me" (1991), "D.S." (1995), "Morphine" (1997)[15] y "Privacy" (2001), en las que han tocado, entre otros, destacados guitarristas de hard rock como Eddie Van Halen, Steve Stevens y Slash. Jackson fue catalogado como un genio musical y artístico, lo que demostró desde sus inicios como un niño-prodigio con un nivel interpretativo realmente extraordinario. Pero también fue un personaje polémico, con defensores y detractores, al que rodearon innumerables leyendas y rumores (muchas veces alimentados por él mismo) y que se vio envuelto en acusaciones de pederastia con dos niños, que tuvieron repercusión mundial y que le mantuvieron apartado en los últimos años de la primera fila de la popularidad. Poco después de su muerte, y 16 años después de los supuestos sucesos delictivos, uno de los niños implicados declaró públicamente que el cantante era inocente, y que mintió porque su padre le obligó a hacerlo para salir de la pobreza con el dinero que, efectivamente, el artista entregó a cambio de evitar el juicio. Las acusaciones con el otro niño sí habían acabado en juicio, del que Jackson fue absuelto en su día. Michael Jackson fue una figura de fulgurante carrera pues alcanzó su cúspide comercial y de fama antes de cumplir los 30 años de edad. Pero en él se mezclaron (como opinó el presidente Barack Obama) el éxito y tristes circunstancias personales. Las exigencias de su profesión, su afán de perfeccionismo y superación, y el acoso de la prensa, fueron factores que unidos a su timidez y sensibilidad extremas, le causaron un estrés y demás problemas de salud que se agravaron en la década de 1990 por problemas judiciales. Toda esta problemática se sumó a los traumas que Jackson arrastraba por una infancia demasiado volcada en el trabajo, y ayudan a explicar su comportamiento extraño y huidizo, sus gustos excéntricos, sus obsesiones y su deterioro físico final. En cualquier caso, su genialidad artística es indiscutible al igual que su éxito a nivel mundial, plasmado en cientos de millones de discos vendidos. Apoyado por la espectacularidad de sus campañas de promoción, videoclips y conciertos, en ellos hizo gala de su enorme talento como cantante y bailarín, y fue pionero en múltiples novedades coreográficas y visuales que han marcado tendencia en el mundo del pop. --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Americo Domingo Jonhy Vega Urzúa (nacido el 24 de diciembre de 1977, Arica, Chile), más conocido por su nombre artístico Américo (anteriormente Américo Jr.), es un cantante de música tropical chileno. Se hizo conocido por ser líder de la banda Américo y la Nueva Alegría, por lo cual lanzaría su posterior carrera como solista. Es hijo del también cantante de boleros Melvin "Corazón" Américo, quien canta a dúo con su esposa Marcela Toledo. Es el menor de ocho hermanos. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Charly Garcia Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina. Es el primogénito de una familia porteña del barrio Caballito. Durante los años 50 la familia García Moreno tuvo que hacer algunos ajustes: el padre de Carlos comenzó a trabajar como profesor, y su madre, Carmen Moreno, empezó a trabajar como productora de shows musicales para radio, especialmente de música folclórica. De allí, García conseguía discos que la madre le traía de la radio. La vocación musical del pequeño Carlos empezó a gestarse cuando los papás le regalaron un pianito de juguete al que muy pronto comenzó a sacarle sonidos articulados, rudimentarias melodías que asombraron a sus padres convenciéndolos que, esa criatura de apenas tres años tenía una natural disposición por la música. Así fue que lo llevaron a la casa de un vecino que tenía un piano y lo sentaron frente al instrumento. Quedaron atónitos cuando Carlitos Comenzó a tocar como si hiciera meses que practicaba. Se trataba, sin dudas, de un prodigio. En el año 1956 lo inscribieron en el Conservatorio Thibaud Piazzini. Con apenas cinco años comenzó a tocar música clásica. Mozart, Chopin y Bach. A los 12 años se recibió de "Profesor de teoría y Solfeo". Durante ese período, en el que alternaba la escuela primaria con las clases de música y largas horas practicando los ejercicios de piano, Charly esbozó sus primeras composiciones (clásicas) y participó de varios conciertos colectivos. Un hecho decisivo que forjó el espíritu y la personalidad del pequeño, fue el viaje que sus padres emprendieron solos hacia Europa, que él, por entonces, vivió como un insondable abandono, (Hoy en día se puede ver la crisis nerviosa provocada en ese entonces, en su mancha blanca en la cara que le dan el toque "bicolor" a su bigote). Así fue que, con toda sensibilidad en llagas, se refugió en su piano y en su música. Al regresar sus padres, la madre comenzó a trabajar como productora de un exitoso programa de radio titulado "Folklorísimo" que solía llevar como invitados a las máximas estrellas del folclore. Además de su pasión por la música, en aquellos días de la infancia, Charly sentía un profundo interés por la mitología griega, las cuestiones del cosmos, los dinosaurios, algo infrecuente para un niño de su edad. Fue justamente, en una reunión en su casa (cuando "Carlitos" tenía 8 años), en dónde invitaron al músico folclórico Eduardo Falú a tocar, cuando se dieron cuenta de que Carlitos tenía algo especial. El músico estaba por tocar, y Charly le dijo a su madre, que éste tenía la quinta cuerda desafinada. Luego de unas pruebas caseras, llegaron a la conclusión de que Charly tenía oído absoluto. Años después llegaría un cambio radical en su vida: Los Beatles, a quienes Charly escuchó y quedó asombrado, cambiando su formación clásica, para tocar Rock n' Roll, para siempre. Con estos, también llegarían los Rolling Stones, Dylan, los Byrds, los Who, etc. Charly García asistió al Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno, un colegio del barrio Caballito. Desde los primeros años solía escapar de las clases, para ir a tocar el piano al salón de actos. Allí formó su banda To Walk Spanish que significa Los que hacen lo que no quieren, junto a Juan Carlos Bellia, en la que hacían covers de Hendrix, The Byrds, Stones, etc. Luego conoció a Nito Mestre en la secundaria. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock". Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis". En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio. La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977). Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982). En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires", "Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados. En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios". La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo Hoteles" y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros. Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más. En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado. Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales. 1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación. Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros. En 1995, aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Ese mismo año volvió a la polémica, al organizar un recital privado para el presidente Carlos Menem. Ese show quedó registrado en "Charly & Charly" un disco de edición limitada que no salió a la venta. Tres años debieron pasar para que García regresara al disco, y al formato de canción en sus creaciones. "Influencia" (2002) tuvo en "Tu vicio" el corte difusión, pero el resto del material es bastante más interesante que esa melodía pegadiza pero superflua. Ya en el 2003 edita "Rock and Roll Yo" cuyo primer corte de difusión "Asesiname" tuvo muy buena repercusión. Tras cientos de escándalos en sus recitales y peleas con su hijo Migue, Charly intentó lanzar "Kill Gil" durante el 2007. La placa, grabada en los estudios de Palito Ortega, ubicado en San Juan, y mezclado en Nueva York, contiene temas como "Corazón de hormigón", que el bicolor entona a dúo con Ramón "Palito" Ortega; "No importa" (que ya había sonado varias veces en vivo); y covers de John Lennon ("Mirando las ruedas", adaptación al castellano de "Watching the Wheels" y los Stones ("Play with Fire", cantada por el productor Andrew Loog Oldham). Por diversas razones este disco nunca se editó, y durante este tiempo comenzaron nuevamente los escándalos. Tras protagonizar un episodio dramático causando destrozos dentro del hotel mendocino en el que se hospedaba, el 9 de julio de 2008, fue internado en el Policlínico de Cuyo, donde se le diagnosticó neumonía. Pasó allí una semana en terapia intensiva hasta que, acompañado por Nito Mestre y allegados, fue trasladado al hospital Argerich de Buenos Aires. Superada la neumonía, mediante la intervención judicial y el consentimiento de sus familiares, quedó en manos de los médicos de un instituto neuropsiquiátrico para iniciar un tratamiento para remediar su cuadro de excitación psicomotriz. En octubre de 2008 se trasladó a la quinta de Palito Ortega, en la localidad bonaerense de Luján. En ese momento, el músico había recuperado 15 kilos de peso, contaba con un nuevo par de anteojos para mejorar su visión y había cumplido un tratamiento estético de odontología. El 30 de marzo de 2009, dio un recital sorpresa en la Plaza Belgrano, frente a la Basílica de Luján. Tocó siete temas en 35 minutos y después se retiraría en una camioneta rumbo a la quinta de Palito Ortega. El viernes 7 de agosto se produce un hecho sin precedentes en la historia musical de Charly García: Una canción suya es estrenada en simultáneo en radio, TV e Internet de Argentina y Latinoamérica. A las 12 del mediodía de ese viernes, comenzó a sonar a modo de "cadena nacional" su nueva canción "Deberías saber por qué", compuesta en 2008 durante su internación en la clínica Dharma. Se trata de la única cancion inédita que presentó en vivo en uno de sus shows mas esperados, realizado en Vélez el 23 de octubre de 2009 bajo un diluvio. Esa presentación quedo registrada en el DVD “El Concierto Subacuático”, grabado en alta definición con 18 cámaras y que también se edita en Blu-Ray. En el show estuvieron presentes casi 40.000 personas que disfrutaron clásicos como “Cerca de la revolución”, “Demoliendo hoteles”, “No voy en tren” y “Yendo de la cama al living”, entre muchos otros. Como invitado especial estuvo Luis Alberto Spinetta, que junto a Charly y bajo un diluvio interpretaron “Rezo por vos”. --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Gustavo Cerati Gustavo Cerati nació el 11 de agosto de 1960 en la ciudad de Buenos Aires. A los nueve años inició sus estudios de guitarra, a los doce años conformó un trío con el cual se presentaba en fiestas particulares, participó en los eventos que se realizaban en el colegio religioso al que concurría, y llegó a dirigir el coro de la iglesia. Estudió publicidad en la Universidad del Salvador, donde en 1982 conoció a Zeta Bosio. Más tarde y gracias a un contacto hecho por su hermana, Gustavo Cerati y Zeta Bosio conocieron a su colega Charly Alberti. El trío formó la banda Soda Stereo. Un año después los tres empezaron a tocar en bares y locales del circuito roquero de Buenos Aires. A comienzos de 1984 ya eran figuras conocidas en el circuito roquero y antes de lanzar su primer álbum sus canciones ya sonaban en la radio de Buenos Aires. Durante el auge de Soda Stereo, Cerati se animó con algunos proyectos independientes en forma simultánea, y luego de editar 14 álbumes se separaron amistosamente. Antes de retirarse hicieron una gira mundial, que incluyó a México, Venezuela y Chile. Finalizaron el periplo en el estadio River Plate de Buenos Aires. Pero antes de la disolución, en 1993 Cerati debuta como solista con el disco "Amor amarillo". De primera impresión, este resulta un disco ecléctico con límites equidistantes en la dulzura acústica y el fragor technodélico. Hasta podría pensarse en "Colores santos" (1992), el álbum firmado por Cerati en sociedad con Daniel Melero, como el tímido esbozo de la intención sonora ahora pasada en limpio. Cerati se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte, y Christian Powditch), constituyendo Plan V, proyecto electrónico que se plasma en dos discos: "Plan V" (1996), de origen trasandino; y el segundo trabajo "Plan Black V Dog", que fue compartido con los ingleses Black Dog, y editado en el año 1998. Tras la disolución de Soda, en 1997, tanto Cerati como Alberti y Bossio se alejaron temporariamente de los escenarios, pero a mediados de 1999 Cerati presentó "Bocanada", su siguiente LP solista. Este material fue grabado parcialmente en los Abbey Road de Londres, y contó con la participación de Flavio Etcheto en teclados, Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo, y Martín Carrizo en batería. Esta banda lo acompañaría en las giras de presentación, tanto por Argentina como por Latinoamérica. Para el tema "Verbo Carne" fue convocada una orquesta de 48 músicos. En el 2001 debutó como actor, en la película "+bien", del director Eduardo Capilla. Compuso también la banda de sonido, nominado como Mejor Album Instrumental Pop para los Grammy Latinos. En ese 2001, Cerati encaró quizás su proyecto más ambicioso. Se trata de "11 episodios sinfónicos", como su nombre lo indica, una interpretación con orquesta clásica de distintas canciones de su carrera, entre las que sobresalen "Persiana americana", "Canción animal" y "Bocanada". La gran presentación de éste material tuvo lugar en el Teatro Colón de Buenos Aires, y también en diversos teatros y estadios de Venezuela, Santiago, México y Mendoza. "Siempre es hoy" es su tercer disco solista (2002). Su banda estaba integrada por Flavio Etcheto (samplers), Fernando Nalé (bajo), Leandro Fresco (teclados y coros), Pedro Moscuzza (batería) y DJ Zucker (scratches y loops). A ellos se le sumaron varios músicos invitados, como por ejemplo Charly García y Domingo Cura. En 2003 edita "Siempre es Hoy: Reversiones" el cual propone versiones remixadas por distintos artistas sobre los temas del disco "Siempre es Hoy". Incluye versiones de los ganadores del concurso de remixes que se realizó por medio de su sitio web y una selección de versiones realizadas por artistas argentinos y de México y Alemania. La forma en que se realizó el concurso es inédita ya que los usuarios dispusieron de todas las pistas del tema por separado. Se recibieron 350 temas de los que se eligieron dos. El disco tiene formato de disco doble y también fue editado un vinilo con 4 de los temas seleccionados. En 2003 edita además su primer DVD, el cual contiene el concierto completo de "11 Episodios Sinfónicos" grabado en el Teatro Avenida de la ciudad de Buenos Aires. En el 2006 vuelve a los estudios para lanzar su siguiente album: "Ahi vamos", un disco ecléctico, cargado de nuevas melodias producto del a creatividad del artista. Co-producido por Cerati y Tweety González, "Ahí Vamos" trae 13 nuevas canciones y cuenta con la participación de grandes músicos como Richard Coleman, Fernando Nalé, Leandro Fresco, Tweety Gonzalez, Emmanuel Cauvet, Fernando Samalea, entre otros. Luego de este lanzamiento, la espera por volver a verlo junto a sus compañeros al frente de Soda Stereo finalmente acabó a fines de 2007. La vuelta de la banda se concretó con la gira "Me verás volver", que comenzó en Argentina el 19 de octubre y terminó el 21 de diciembre de 2007, en River Plate. En el año 2009 Cerati retoma su carrera en solitario y edita "Fuerza Natural". Este quinto trabajo de estudio contó con la producción artística del propio Gustavo y del venezolano Héctor Castillo. A lo largo de 14 temas que componen este álbum, Cerati da rienda a su lírica y a todo su poder compositivo, en lo que él mismo considera es su "disco más libre". ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ Spinetta Luis Alberto Spinetta comenzó tocando en grupos de colegio, como el que luego sería Almendra, formado en 1967. Junto a Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García grabaría 2 discos para luego separarse hasta 1980, cuando se produjo el reencuentro y el registro de otros 3 LPs, dos de ellos en vivo. Su debut solista tuvo lugar en 1971, tras la disolución de Almendra, titulado "La búsqueda de la estrella". Su siguiente proyecto grupal fue el trío Pescado Rabioso, que duró solamente dos años y editó cuatro discos, aunque "Artaud" (1973) en realidad corresponde a Spinetta solista. A mediados de 1973 fundó Invisible, acompañado por Pomo y Machi Ruffino. Este grupo incursionó en la fusión jazz-rock e incluso fueron los precursores del tango-rock, un género que cobraría gran auge pocos años después. "A 18 minutos del sol" (1977) fue su siguiente disco que grabó junto a la Banda Spinetta, integrada por músicos de jazz. Con este grupo se presentó hasta 1979, cuando organizaron la primera reunión de Almendra. Al año siguiente viajó a Estados Unidos para registrar un disco en inglés, titulado "Only love can sustain", y participó de la segunda reunión de Almendra. Con un estilo de composición más complejo armó Spinetta-Jade. Cuatro discos quedaron de esta agrupación, que tuvo su mayor inconveniente la dedicación de Spinetta a su carrera solista. "Kamikaze" (1982) es un álbum acústico que no fue reconocido por la crítica y el público como realmente lo merecía. En cambio "Mondo di cromo" (1983) retorna al estilo eléctrico y fue presentado con "Bajo Belgrano", tercer álbum de Jade. Para 1985 estaba previsto un disco a dúo con Charly García, pero únicamente se llegó a registrar el tema "Rezo por vos", incluído en "Privé" el siguiente álbum de Luis Alberto, que incluye también "No seas fanática", con León Gieco. El proyecto que sí se concretó fue "La la la" (1986), una placa con Fito Páez que despertó gran expectativa pero no terminó de convencer. Tras dos años de silencio, Spinetta salió nuevamente con "Téster de violencia" (1988), «el primer álbum relativamente conceptual en mucho tiempo. Diría que desde "Durazno sangrando" (el disco de Invisible de 1975) que no puedo conceptualizar varios temas y ponerlos todos al servicio de una misma temática, si bien cada álbum pareciera tener su unidad interna... La unidad de "Téster..." es el sentido de qué somos. Nuestro mismo organismo, nuestro cuerpo, es nuestra única forma de delirar o de poner los pies en la tierra», reflexiona el autor (G.Guerrero, pág 198-199). El álbum fue el mejor del año, según el Sí de Clarín, y el tema "El mono tremendo" ganó en su rubro. Editó luego "Don Lucero" (1989), también seleccionado como Mejor Disco, al igual que el tema "Fina ropa blanca". En 1990 llegó el primer disco en vivo de Spinetta solista: "Exactas", grabado en la Facultad de Ciencias Exactas de la UBA. Luego de un período de pocas presentaciones, Spinetta tocó en "Mi Buenos Aires Rock" festival organizado por la Municipalidad que convocó a 150.000 personas en la 9 de Julio, en diciembre de 1990, y presentó algunos temas de "Piel de piel" (1990). Por tercera vez en cuatro años, Spinetta compuso el Mejor Disco del Año, "Pelusón of milk" (1991) y la Mejor Canción, "Seguir viviendo sin tu amor". Este disco «llevó mucho tiempo -cuenta-, porque hice todo solo. Hay algunas intervenciones de músicos de mi banda, pero lo hice casi todo yo. "Pelusón" se parece a Spinetta de entrecasa... Hay canciones acústicas, las melodías son frescas, tiene una buena selección de material... Como para que sea entendido» (Humor 302, noviembre de 1991). En 1994 compuso la banda de sonido de la película "Fuego Gris", dirigida por Pablo César, para luego dedicarse a Los Socios del Desierto, un trío integrado además por Daniel "Tuerto" Wirzt (batería) y Marcelo Torres (bajo). Al frente de esta agrupación realizó una minigira nacional y tocó en el teatro Opera, en el Mejor Show del Año, según las encuestas. En marzo de 1996 saldó lo que él mismo calificó de «una vieja deuda con el público»: tocar gratis y al aire libre, en los bosques de Palermo. Luego de varios años y peleas con las compañías discográficas, Spinetta editó un disco doble, titulado simplemente "Spinetta y los Socios del Desierto", con los temas que ya había presentado en vivo. Con una gráfica excepcional, este CD alcanzó rápidamente el tope de los charts. "Silver sorgo" (2001) significa el regreso de Spinetta al disco después de años de silencio y varias recopilaciones. Contiene 12 temas que comenzó a componer en 1998 ("Cine de atrás". Este material fue presentado en vivo a fines de año, y registrado en vivo para el disco "Argentina Sorgo Films Presenta: Spinetta Obras" (2002). Con "Para los árboles" (2003), Spinetta regresa a los teclados, a los pasajes instrumentales y coquetea con lo electrónico, para homenajear a las bellezas de la Naturaleza más allá de la mirada humana. Camalotus, un EP de cuatro temas, fue presentado en un minirecital en la FM Rock and Pop. Está integrado por tres creaciones inéditas: "Cristantelmo" -de la película "Flores de septiembre"-, "Buenos Aires alma de piedra" y "Nelly, no me mientas". Además, hay un remix de "Agua de la miseria" (primer corte del álbum de 2002 "Para los árboles", a cargo de Rafael Aracaute. Además, viene acompañado por un DVD con los videoclips "Correr frente a tí", "El enemigo" y "Tonta luz", dirigidos por Eduardo Martí. Luego de dos años sin estrenos "Un mañana" se presentó a mediados de 2008 con un arte de tapa fuera de lo común: un paralelogramo que recuerda el histórico "Artaud" del '73. Grabado en el estudio "La diosa salvaje" en una cinta analógica con la banda tocando en vivo, "a la antigua", la producción artística fue del propio Luis. ................................................................................................................................................... Claudio Bravo Claudio Bravo es uno de los pintores Chilenos vivos, más prestigiosos en el mundo.Su pincel exhaustivo en el hiperrealismo, lo han catapultado al mundo entero. Claudio Bravo nació el 8 de Noviembre de 1936,en la ciudad Chilena de Valparaíso. Entre los años 1945 y 1954 estudia en el Colegio Jesuíta San Ignacio en Santiago, logrando entrar al estudio Miguel Venegas Cifuentes, donde estudió algún tiempo.Con apenas 17 años realiza su primera exposición individual en el Salón Trecem en Santiago.Hacia 1955 Bravo alternaria su vida entre Santiago y Concepción. El artista combinaría, para ese entonces, la poesía y la pintura. Del mismo modo, baila profesionalmente en la Compañia Ballet de Santiago y el Teatro Nacional. Hacia 1959 se trasladaría a Concepción, conociendo al filósofo Luis Oyarzún, de quien recibiría enseñanzas que impactarían su vida intensamente. Su éxito como pintor, le llevaría a un éxito económico, que le permitiría adquirir un avión, con el cual recorrerió el país entero. Poco tiempo después, cambió las alas por pasajes a Madrid, donde se establecería. Sus primeros años en España los ocuparía en el desarrollo exhaustivo del retrato y a conocer las obras del Prado.Diego Veásquez y Zurbarán fueron los artistas que influirían en la visión artística de Claudio Bravo. En 1963, Bravo tiene su primera exposición en la Capital Española, teniendo vitrina durante casi todo los años sesenta. En 1968 trabajó en Filipinas, donde retrató a la sociedad y las figuras políticas Filipinas. En 1970 realiza su primera exposición en la Gran Manzana, Nueva York. En 1972 Abandona España , trasladándose a Marruecos. Hacia 1981 Realiza su primera exposición en la Marlborough Gallery, donde sigue exhibiendo continuamente. En 1994 Realiza su primera exposición individual en el Museo Nacional de Bellas Artes, en Santiago. En 1996 Recibe condecoraciones a su trabajo en Nueva York. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ Tego Calderon Teguo Calderón Rosario (2 de febrero de 1972) es un rapero nacido en Santurce, Puerto Rico. Él es mejor conocido por sus admiradores de todo el mundo como Tego Calderón, o por el apodo de “El Abayarde” (dada por su abuela), que se refiere a una hormiga roja que sólo toma un bocado pequeño antes de que pica durante mucho tiempo, de ahí el apodo que tiene en el que si dice algo a otro rapero se le molesta por un largo tiempo. Además de la música rap, Tego es considerado parte de la alternativa de onda reggaeton. Él también ha hecho canciones que se consideran “puros” Reggae, (por ejemplo, “Chillin ‘” del álbum de 2006 The Underdog / El Subestimado). Tego considera que las raíces del reggaeton incluyen Jamaica Reggae Dancehall y Hip Hop, así como salsa. Su álbum El Abayarde le hizo una estrella latina principal. Calderón ha recibido premios por su trabajo, incluyendo una fuente premio de la revista Origen de “Artista Internacional del Año” y la adjudicación de un Tu música. También ha recibido la nominación en diversas ceremonias, entre ellos el Grammy Latino, Premio Billboard, Premios Lo Nuestro y Premios La Gente. Tego Calderón también rompió todos los récords de asistencia de público en un concierto en El Salvador, Guatemala, Ecuador, República Dominicana, Puerto Rico y México. pRoNto Mas Biografias - mas musica - descargas - etc. saludos.