botanicals
Usuario
Briget Riley es inglesa y nacio por el 30...en sus comienzos se sintio atraida por la pintura impresionista, pero fue cuando conocio a seurat un puntillista de los salvajes (solo usaban 3 colores, dejando al ojo el trabajo de la mezcla) se dio cuenta de su fascinacion por los efectos opticos. Junto con Vassareli son los mayores exponentes de este moviento que ella misma bautizo de Op art. Trabo relacion con Huxley y armo varios happenings donde la gente observaba los cuadros bajo los efectos de drogas alucinogenas, y luego relataban sus experiencias... siendo la sensacion de disociar cuerpo y mente el comentario mas comun. En un principio sus trabajos eran en blanco y negro...dejando al contraste como motor cinetico. Luego sus pinturas tomaron color, influenciadas por un viaje a egipto. Espero les guste...dejo imagenes a continuacion, haa...si alguien esta registrado en taringa puede dejarme unos puntos, estoy posteando arte alla tambien. Puse muchas fotos de ella porque particularmente me encanta la vieji...bue, cuando era joven...bue, ahora tambien..bue mejor la dejo ahi.. Movement in Squares, 1961 Tempera on Hardboard, 481/2x473/4 in. Horizontal Vibration, 1961 Tempera on Hardboard, 171/2x551/2 in. Blaze 1, 1962 Emulsion on Hardboard, 43x43 in. Cataract 3, 1967 PVA on Canvas, 87x873/4 in. Paean (1973) Acrylic on canvas, 114" x 113" "Straight or curved, horizontal or vertical, parallel or divergent, all lines have a secret relation to emotion" — Riley
Hola. soy novato y posteare mas que nada cosas relacionadas con el arte, espero que les guste mi primer post No encontre nada en el buscador de este artista, sepan disculpar si es repost. Este loco se llama Mario Martinez y es de San Francisco... con un pasado grafitero hoy pinta bastidores y hace pequenias esculturas, hace muestras cada 2 x 3 y saca rapidamente nuevos trabajos (booocha de demanda). Sus primeros lienzos son personajes urbanos de ciencia ficcion con una estetica definitivamente grafitera, pero los ultimos laburos estan (a mi gusto) mucho mejores, con mas identidad y mas alejado de la onda "west coast" (que ya cansa). Los trabajos mas recientes evocan a paisajes alienigenas, explosiones atomicas y viajes astrales...formas organicas que rozan la abstraccion Bueno ya fue, nose que mas decir... pa mi stan re buenas... les dejo su site y los ultimos laburos que stan re bien www.mars-1.com
El muchacho se llama Josh Agle, es un ilustrador y diseñador que la pego muy bien con las pinturas. Como (casi) todo californiano tiene sus fetiches con los tikis, los tragos, cigarros y demases iconos del Lowbrow (movimiento underground surgido en Los Angeles, mediados de los 70s). Vende muy bien y se ha hecho superfamoso (salio hasta en revistas de moda bastante chotas). Formas simples, paletas bien armadas y colores saturados donde es pertinente. El tipo arma "secuencias" con un par de personajes y objetos dejandonos el resto de la historia para nosotros, armar los dialogos o lo que sea... Bueno les dejo el link y un par de images... es bastante pop no?...bue, ustedes diran, espero les guste. http://www.shag.com [/img
Registrate y eliminá la publicidad! Odd Nerdrum Bueno, hace unos meses que estoy estudiando a un pintor noruego, su nombre es Odd Nerdrum y debe tener unos 70 anios... reconociendome entusiasta del arte academico me dispuse a hacer unas copias... lamentablemente jamas tube frente a mi una tela del senior... pero a simple vista se nota el virtuosismo con el que trasforma al insignificante blanco en una obra maravillosa... Limbo Hoy, un siglo después del surrealismo, del cubismo, de la abstracción, del dadaísmo, de Rauschenberg y Picasso, todo parece estar permitido en el universo del arte salvo pintar con la emoción y el virtuosismo de los grandes maestros de otros siglos. El “todo vale” tan típico de nuestros tiempos pareciera tener una sola condición, paradójica por demás: todo vale siempre y cuando el artista se inserte dentro del canon de lo moderno, siempre y cuando el creador huya de los grandes temas para refugiarse en la búsqueda incesante de la innovación y la originalidad. 5 singing women En medio de este panorama, es infrecuente encontrar un artista como Odd Nerdrum que sostenga que el arte contemporáneo es un barco a punto de naufragar. “El modernismo me parece viejo y triste. He visto tanto de él que me ya me tiene harto”, afirmó al principio de su carrera al ver una famosa escultura de Rauschenberg que consiste en una cabra disecada puesta sobre una tabla de madera cubierta de fotocopias. Y es que para Nerdrum, la rebeldía de los movimientos de vanguardia de principios del XX se ha convertido, a estas alturas, en una mera convención huera que aleja al artista de lo genuino, pero no de la sociedad mercantilista con la que se relaciona. Buried alive La vida de Nerdrum es quizá tan original como su propia obra: recién a los 49 años encontró a su verdadero padre, después de haber sentido desde niño que había algo muy extraño en su relación con el hombre que lo crió, el esposo de su madre, de quien nunca tuvo motivos concretos para dudar. Selfportrait with nosebleed “Fui un niño solitario. No tenía con quién compartir mis pensamientos. No era aceptado ni siquiera entre los perdedores. Era un mendigo en el mundo de los otros.” Dawn (Si les resulta familiar es por una escena de la pelicula "the cell" muy inspirada en este cuadro, si no me equivoco él colaboro en la peli) Pero Nerdrum no sólo dudaba de quien se llamaba su padre, sino también acerca del valor y los principios del arte contemporáneo. A los dieciocho años, para ser admitido a la Academia Nacional de Bellas Artes en Oslo, envió tres cuadros, dos de los cuales estaban totalmente terminados, mientras que el tercero, por falta de tiempo, consistía sólo en un par de ideas plasmadas con descuido sobre la tela. Sin embargo, fue justamente este lienzo el que el comité consideró lo suficientemente prometedor como para admitir al joven Nerdrum entre sus filas. “Todo parecía demasiado fácil, ofrecía muy poca resistencia”, afirmó. Woman with milk Con el paso de los años, Nerdrum no hizo más que afianzar su convicción anti-modernista. Para él, no es el arte clásico, sino el moderno, el que representa lo reaccionario. Drifting “El artista se ha convertido en un inútil; cuando mucho puede aspirar a ser un decorador, una mascota, un pesado. La gente de nuestro tiempo no se ha visto nunca realmente retratada y, por tanto, carece de un sentido visual de sí misma. Hoy, el retrato es siempre directa o indirectamente fotográfico, pero la imagen del ser más profundo del hombre ha dejado de existir.” Es esa imagen, “un espejo del alma”, una que desnuda al hombre en sus sentimientos y emociones más genuinas, la que Nerdrum intenta crear en cada una de sus telas. Black cloud Al sentir que su desacuerdo con el arte conemporáneo era cada vez más marcado, también en el terreno artístico Nerdrum fue en busca de su verdadero padre y maestro. Lo encontró, primero, en el realismo de Caravaggio y, luego, en la pincelada de Rembrandt, en su desvelamiento del alma humana, en su uso magistral de la luz y la sombra y, finalmente, en su elección de temas, muchas veces de dimensiones homéricas. Twins by the sea Para el ambiente artístico noruego, Nerdrum representó –y representa aún- una clara provocación: los críticos no encuentran términos medios, lo detestan o lo aman. Muchos han catalogado su obra como kitsch y reaccionaria, y su estilo como anticuado. Nerdrum admite que tienen razón, pero sólo para después agregar que el arte contemporáneo ha perdido sus asideros. Twins “Mucho de lo mejor del arte tiene que ver con el rechazo, con sobreponerse al dolor ocasionado por la comunidad en quien que se busca a sí mismo.” Más allá de toda discusión erudita, y sin proponérselo, Nerdrum se ha convertido en el mejor representante de un estilo alternativo, paradójicamente mucho más desprejuiciado que el de muchos pintores considerados como “modernos”. Two tounges “Los personajes que pinto están cada vez menos sujetos a nuestra idea de seguridad. Habitan un mundo mucho más amplio que el nuestro. Todo cuanto los rodea carece de nombre. Viven en un mundo formado por todo aquello que en el nuestro parece haber sido mitigado. Buscan respuestas diferentes.” Se trata de hombres y mujeres que han perdido todas las palabras y que, sin embargo, o quizá justamente por ello, tienen un universo entero para contarnos. Seres extranjeros en el mundo en el que les ha tocado vivir, mutilados, solitarios. Personas que parecen salidas de otros tiempos, pero cuya aspereza, franqueza y singularidad los ancla definitivamente en el presente... tanto como en cualquier pasado o futuro posible. Porque Nerdrum no habla de lo contingente en el hombre, sino de aquello que permanece: el miedo, la soledad, la dicha, el asombro ante el cielo estrellado. Sentimientos que siguen siendo hoy los mismos que hace cien mil años. Pissing woman SITIO WEB http://www.nerdrum.com
Mark Jenkins Mark Jenkins, es un artista callejero graduado en Geología por la Universidad de Virgina en USA. Después de observar una exhibición del grandioso escultor madrileño Juan Muñoz, le despertó en él una necesidad de expresarse a sí mismo mediante el arte. Las obras de Mark, dentro de la escena callejera, son probablemente unas de las que más me fascinan e intrigan. Similar a Banksy, este artista norteamericano disfruta jugando con el mobiliario urbano y creando mensajes alrededor de ellos. Las esculturas callejeras están muy ligadas al entorno de las mismas, cargándolas de incógnitas, preguntas, misterio y, en muchas ocasiones, de un sabor amargo. WEB http://www.xmarkjenkinsx.com/
Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2005) es considerado precursor del arte cinético en los años cincuenta. Su deseo de introducir el movimiento al plano pictórico fue el generador de sus investigaciones plásticas, centrando su interés en provocar efectos vibratorios que surgen de la repetición de los elementos plásticos y que suceden en el ojo de quien los percibe. Soto descubre que para conseguir el movimiento debía introducir el espacio real, superpone láminas de plexiglás separadas a una determinada distancia para crear tramas geométricas que se ponen en funcionamiento con el desplazamiento del espectador. En sus búsquedas se vale de color, alambre y varillas suspendidas o trazos que flotan y vibran en relación con las tramas del fondo. El interés manifiesto en involucrar al espectador en sus obras llevan a Soto a buscar la manera de introducirse en los planos o bien de extenderlos en el espacio para envolver al espectador. Es así que llega a finales de la década del ’60 a la realización de sus Penetrables, permitiendo el desplazamiento físico dentro de la obra. La muestra de Soto permite un rico diálogo con las obras cinéticas de los artistas argentinos Julio Le Parc, Marta Boto, Gregorio Vardanega, Luis Tomasello, entre otros, presentes en colecciones locales tanto públicas como privadas. La presencia de Soto en Argentina es frecuente en exposiciones colectivas sobre abstracción desde la década del ‘60. Es importante destacar que en el año 1964 en la II Bienal organizada por Industrias Kaiser Argentina de Córdoba, bienal centrada en los países de América del Sur, Jesús Rafael Soto obtiene el Primer Premio. EXPOSICION FUNDACION PROA Estructura cinética de elementos geométricos, 1955 Pintura sobre madera y plexiglás. Col. Mercantil, Caracas Fotografía: Jesús Sánchez Uribe Doble relación, 1969 Pintura sobre madera, metal y nailon. Col. Museo Tamayo Arte Contemporáneo, México Fotografía: Jesús Sánchez Uribe Sphère Concorde, 1996 Hilos de nailon y madera Col. particular Fotografía: Jesús Sánchez Uribe Cuadrados verdes y negros, 1974 Pintura y metal sobre madera Col. particular, Ciudad de México Fotografía: Jesús Sánchez Uribe Tes blancas y rosadas, 1972 Pintura sobre madera y metal Col. Maria Cristina y Pablo Henning, OTRAS OBRAS http://es.wikipedia.org/wiki/Jes%C3%BAs_Soto