ballono21

Hola a todos los que leen esto, pues después de muchos meses, me he decidido a terminar lo que empece y a traerles la segunda parte de las películas consideradas de culto, y también otras que son buenas recomendaciones, pues para disfrutar del séptimo arte, no siempre tiene que ser culto. Y a pedido de @baseballfuries08 empezamos con: 1.- Donnie Darko (USA 2001) ‘Donnie Darko’ fue el debut de un joven y entusiasta cineasta Richard Kelly que pasó sin pena ni gloria por la taquilla pero que luego encontró, años después, un resurgir cuanto menos curioso. ‘Donnie Darko’ fue recuperada en su versión doméstica por numerosos fans del cine fantástico que la encumbraron elogiando sus paradojas, sus planteamientos pseudocientíficos y ensalzando sus aparentes múltiples virtudes. Virtudes que no fueron precisamente apreciadas en su estreno porque no consiguió despertar el interés inusitado que más tarde ha logrado, gracias a Internet, al boca oreja y al formato doméstico que permite revisión en moviola. ¿Por qué es una película de culto?. Posiblemente porque es suficientemente oscura y porque tiene un múltiple nivel de significación (como Blade Runner, como The fight club, como The Cube), en pocas palabras porque se puede interpretar la historia de muchas formas. 2.- 2001: A Space Odyssey critica (UK-USA 1968) No creo que esta película requiera explicación de por qué es de culto. Con verla es más que suficiente recomendación, sin embargo aquí está: Stanley Kubrick hizo de esta película una aproximación extraordinaria de las aún desconocidas posibilidades del cine de ciencia ficción. A partir de la novela firmada por Arthur C. Clarke realizó uno de los viajes más recordados de la generación del hippismo y el LSD. Viaje en busca de la respuesta absoluta, la razón de la humanidad, sus orígenes y su fin. Empeño ambicioso como pocos en el cine y que convirtió al descomunal proyecto en una película faro que trabajó con la esencia asombrosa de lo fantástico pero que se aventuró mas allá de sus fronteras. 3.- El club de la pelea Comedia negra y satírica de sorprendente salvajismo, que vulnera y apisona todas las convenciones narrativas y plásticas que encuentra a su paso, para burlarse de todo y de todos, principalmente de sí misma, pues todo lo que toca lo convierte en motivo de carcajada furiosa y nihilista. Auténtico cine de vanguardia, consciente de su osadía y su irreverencia, y que toma al estoicismo y a la autodestrucción como los temas centrales de su discurso desesperado, siniestro y, aunque pueda parecer lo contrario, veraz. Manifiesto anarquista, anti-sistema, anti-personaje, anti-reglas, anti-puesta en escena. Anti todo. Es un poco tontería pensar que Fincher esperaba un éxito económico con esta película. El éxito era asestar un puñetazo seco al vientre de Hollywood. La avalancha de reacciones de todo tipo a raíz de esta película son, qué duda cabe, un aliciente más. 4.- Dead Man (1995) Con una fotografía en blanco y negro apabullantemente perfecta a cargo de Robby Müller (autor de la misma en "Paris Texas" de Wenders y/o en "24 hour party people" de Winterbotton entre otras muchas) en un fino y descarado homenaje de estilo a lo Ansel Adams y su innovador y visionario estilo de paisajes del western, inspirados durante su infancia en la reserva india de Yosemite. Fotografía poética y lírica muy en la honda de los trabajos de Terrence Malick sólo que en blanco y negro y su panegírico sobre la madre naturaleza. Una banda sonora (por muchas crítica que reciba) realmente cautivadora y evocadora, aplastantemente perfecta, que "casa como anillo al dedo" con cada fotograma de la cinta, extraída de las cuerdas de la Les Paul Custom de Neil Young, y en esta caso muy en la honda de las minimalistas bandas sonoras de Eastwood en cintas tales como "Sin Perdón" o "Million Dollar Baby". El ritmo lento pero cadencioso, el lirismo de las imágenes sabiamente fotografiadas por la cámara en estado de gracia de Müller, y la impresionante actuación de Johnny Depp, junto con las menos brillantes actuaciones de otros personajes más esporádicos (como la antológica aparición de Robert Mitchum, los cameos de gente como Billy Bob Thornton, Iggy Pop, Gabriel Byrne, Crispin Glover, Steve Buscemi o Alfred Molina) hacen de esta película una de las mejores. 5.- The Wild one (1953) Rebelde sin causa (Rebel without a cause)" es una magnífica película de Nicholas Ray centrada en la soledad del adolescente incomprendido y aislado de la sociedad debido a un contexto propicio al trauma emocional por la absorción de complejos y miedos ajenos que se intentan expulsar mediante el empleo de la violencia y el abandono. El cromatismo que inunda sus encarnadas imágenes, el tratamiento del scope y la partitura de Leonard Rosenmann son elementos de un conjunto con el que Nicholas Ray, preocupado siempre por el devenir y las circunstancias de la juventud, construye un afligido drama generacional, lírico y dotado de una tensión y fuerza dramática extraordinaria. Hola a todos, de nuevo. Se que no es mi mejor post, pero en verdad no he tenido tiempo de hacerlo mejor. Por lo pronto les traigo otras cinco películas que me encantan y/o están consideradas de culto. Espero lo disfruten. Saludos! (: Para los que exigen fuentes: Fuente - Fuente - Fuente - Fuente

Hola, antes que nada, aclaro, este es un post meramente informativo, no contiene links de descarga. Claro, que si en un futuro puedo subir las películas lo haré, pero no por el momento. Este tema eh pensado crearlo para aquellos amantes del séptimo arte, para los que vamos más allá de todo tipo de películas, así que empezare por que es cine de culto. En ese caso, ¿qué es exactamente el cine de culto? Bueno, habría que decir que el cine de culto no nace sino que se hace. Y esto es así debido a que una película alcanza este rango gracias al público. Si atendemos a su definición más genérica, es una cinta de bajo presupuesto con escasas expectativas comerciales que por misterios de la vida repercuten en amplios sectores de la cinefilia; y gracias al correveidile alcanzan un éxito y una importancia que se prolonga en ocasiones incluso durante décadas. Por supuesto es una definición sujeta a interpretaciones de carácter más personal, pues al fin y al cabo son los propios aficionados los que elevan un filme a esta categoría. Así hemos encontrado a quien se empeñaba en defender al Condemor como película de culto a capa y espada. Ahora aclarado un poco esto iniciemos con las películas que han echo historia como películas de culto: ***** Aclaro, no están en orden, simplemente están acomodadas como la memoria recuerda ***** 1.- Voyage dans la Lune (Francia 1902) Para empezar hemos elegido el primer largometraje con fines lúdicos de la historia. Viaje a la Luna, dirigida , escrita y protagonizada por Georges Méliès, pionero en el sistema que seguía los pasos de los hermanos Lumière, constituye la primera película de ciencia ficción de la historia del cine y bebía de las novelas “De la tierra a la Luna” de Jules Verne y “Los primeros hombres en la Luna” de H.G Wells, escritor de “La guerre dans les airs” o “La guerra de los mundos”. Méliès quedó entusiasmado por una proyección que hicieron los hermanos Lumiére en el Boulevard des Capucines el 28 de Diciembre de 1895, en París mostrando su reciente invento: el cinematógrafo. Quiso comprárselo, pero los Lumière se negaron, alegando que era una mera curiosidad científica y que no tenía futuro. George consiguió un cinematógrafo similar en Inglaterra, pues detrás de la fotografía, éste era un invento que estaba detinado a aparecer. así comenzó a rodar sus primeros films de inmediato ¿Qué la hace cine de culto? Es indiscutible su inclusión en este bizarro género. Debido a que es pionera en el campo del cine y la ciencia ficción. Sentó las bases para otras películas cada vez más argumentadas. Con una duración de 21 minutos, Méliès introduce acróbatas y saltimbanquis haciendo el film incluso entretenido. La imagen de la luna con el cohete en el ojo se ha hecho un hueco en la iconografía y la cinefilia. 2.- El Acorazado Potemkin (Rusia 1925) Vamos saltando en el tiempo y en el espacio; y en esta ocasión nos acercamos a las Repúblicas socialistas soviéticas. Bronenosets Potyomkin es una película parcialmente basada en hechos reales ocurridos en Odessa (Ucrania) en 1905. Veinte años más tarde el director Sergei Eisenstein se encargaría de llevar a cabo esta obra para ensalzar el espíritu de la revolución social Bolchevique, estallada en 1917. Fue una apuesta, pues el director introdujo elementos novedosos de angulación como inclinaciones de cámara o escala de planos que enfatizaban las escenas dramáticas. Una de las escenas más famosas del cine pertenece a esta cinta, en la cual los cosacos disparan a inocentes para acabar con el apoyo rebelde. Una madre es alcanzada mientras corre con un cochecito con su bebe, tras lo cual el cochecito rueda escaleras abajo. Esta escena ha sido homenajeada por multitud de cineastas como Coppola, Brian de Palma o el mismísimo Lucas. También ha sido parodiada por Woody Allen, Terry Gilliam, o Peter Seagal en Kaked Gun III. ¿Qué la hace de culto? El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte cinematográfico a lo que lenguaje visual se refiere. Muchas de sus escenas o imágenes han pasado a formar parte de la iconografía popular, ha sufrido mutilaciones, censura y revisiones a lo largo de toda la historia, llegando a ser prohibida en Alemania, Italia e incluso España. Actualmente se han rescatado las escenas perdidas y podemos encontrar una edición en DVD con una traducción más edulcorada sin la retórica revolucionaria del ruso. 3.- War of the worlds (USA 1952) La Guerra de los Mundos no necesita presentación alguna, por suerte o por desgracia debido a la adaptación de 2005 realizada por Steven Spielberg. El verdadero mérito corresponde a HG Wells por la novela de 1897 (adelantada a su época) y posteriormente a Orson Wells por el programa de radio el 30 de Octubre de 1938. Para el que no lo sepa, esta emisión fue una narración de los hechos en forma de noticiero, precedido por una introducción que aclaraba que era una interpretación de la novela. Pero el que no oyó esta introducción pensó literalmente que américa estaba siendo invadida por marcianos. Aproximadamente en el minuto 40, los locutores tuvieron que introducir una nota aclaratoria con el mismo Orson Wells cuando el país ya se encontraba en estado de alerta. La comisaría de policía estaba colapsada por oyentes aterrorizados que intentaban protegerse del ficticio ataque. Este hecho fue tan importante porque demostraba el poder de los medios de comunicación de masas. Muchos años después se rodó la película con unos efectos especiales totalmente artesanales y muchos, muchos después, Spielberg hizo una revisión de la misma. ¿Qué la hace de culto? A parte de todo lo que significó y de todo lo que movió, La guerra de los mundos ha sido una historia que ha sabido trascender al tiempo y al espacio, manteniéndose siempre fresca y original y sentando las bases de un estilo de cine propio. 4.- Metrópolis (Alemania 1927) Película de ciencia ficción alemana dirigida por Fritz Lang que se desarrolla en una distopía urbana futurista. (Distopía: Lo contrario de Utopía. Una utopía perversa que transcurre en términos opuestos a la Utopía). Inspirada en una novela del año anterior de Thea Von Harbou (su esposa), la película narra la historia de una ciudad del 2026 de proporciones megalíticas llamada Metrópolis. En ella los obreros viven en el subsuelo y se rebelan contra la clase intelectual de la superficie incitados por un robot. Pero Freder, hijo del dirigente de Metrópolis y María de origen humilde, evitan la revolución apelando a los sentimientos y al amor. ¿Qué la hace de culto? Para empezar que nos mete de lleno en el expresionismo alemán una vez más. De hecho es uno de sus máximos exponentes. Esta película tienen claros elementos marxistas, con dos clases sociales bien diferenciadas donde una de ellas es explotada impunemente sin posibilidades de mejorar su situación. También que el género de la ciencia ficción suele representar la utopía, mientras que Lang hace lo contrario. Esta película, con un éxito discreto en su tiempo, no se apreció por estar demasiado adelantada a su época. La idea política no era la del momento y fue malinterpretada, como suele pasarle a la mayoría del cine que HOY es considerado de culto. El propio Lang reconoció más tarde que su idea estaba equivocada (seguramente para evitar la quema de brujas) y que la película no le gustaba. Ha sido referenciada muchas veces a lo largo del a historia, e incluso llevada a cómic en 1949 por Ozamu Tezuka y más tarde a Anime en 2001. Recientemente se encontró en el Museo del Cine de Buenos Aires la versión completa del film que se perdió o fue robado poco después de su estreno en Berlín en 1927. 5.- Lo que el viento se llevó (EEUU 1939) Gone with the wind poseía una colosal duración de 222 minutos, muchos pusimos nuestro empeño pero no conseguimos terminarla. Casi 4 horas de cine de leyenda. Una obra contada de forma cautivadora con un estilo arrebatado y furioso; repleta de amor, odio, amistad, guerra, familia y aventura. (4 horas dan para mucho). Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara vive Scarlett O’Hara, (Vivien Leigh) la más bella, caprichosa y egoísta joven de la región. Ella suspira por el amor de Ashley, pero él está enamorado y prometido con su prima, la dulce y buena Melanie. Corren todavía tiempos felices en Tara, pero por poco tiempo, la Guerra de Secesión está a punto de estallar. En la última fiesta acontecida antes del comienzo de las hostilidades entre el norte y el sur, Scarlett conoce al simpático y apuesto Rhett Butler (Clark Gable), un arrogante y aventurero vividor, que sólo piensa en si mismo y que no tiene ninguna intención de participar en el conflicto. Lo que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett… ¿Qué la hace de culto? Víctor Fleming llevó la batuta de una película capaz de provocar sentimientos, lágrimas y sonrisas, un clásico irrepetible. Obtuvo 9 Óscar de 13 nominaciones: mejor película, mejor director, mejor actriz (Vivien Leigh), mejor actriz secundaria (Hattie McDaniel), mejor guión, mejor fotografía, mejor decoración, mejor montaje y logros técnicos. Y estas condecoraciones son su carta de presentación y hablan por sí solas. 6.- Extraños en el paraíso (EEUU 1984) La historia es tediosa, claustrofóbica, lenta, aburrida... sólo si se ve con los ojos cerrados (metafóricamente), si uno opta por abrirlos se encontrará con un desgarrador relato sobre una juventud perdida, sobre unos ideales olvidados. Jarmusch junta a 3 jóvenes y sin practicamente profundizar en su psicología nos los muestra diáfanos, como un libro abierto. La cinta transcurre a modo de road movie episódica en la cual los 3 jóvenes irán estrechando sus lazos poco a poco, conociéndose cada vez más y conociéndose a ellos mismos. Eva, una joven húngara, llega a Nueva York y se instala por 10 días en casa de su primo Willie, un joven maltratado por el mundo y por el mismo, jugador, desagradable, tramposo y cansado. El tercero en escena es Eddie, amigo de Willie y ciertamente sometido a la personalidad de este. Entre los tres surgirá un extraño vínculo afectivo espoleado únicamente por el instinto de acercamiento a aquello que te da una mínima esperanza, un momento de ternura dentro de un mundo seco y olvidado. No hay nada que contar porque practicamente no pasa nada, es lo crudo de la vida, de la vida diaria, de la verdad. ¿Qué la hace de culto? Jarmusch borda la definición de cine independiente con esta cinta rodada con medios mínimos. 3 actores y un puñado de figurantes, 8 técnicos, menos de 3 semanas de rodaje y muy poco dinero son suficientes para crear una pieza clave dentro del underground americano. Jarmusch nos regala este cuento sobre los desheredados, sobre lo oscuro de la vida y sobre el negro futuro que la sociedad va fabricando poco a poco a medida del 99% de la gente. Hermosa, triste, sobria, con una excelente fotografía y una banda sonora que acompaña perfectamente el metraje, "Stranger than paradise" es una de las grandes películas independientes de la década de los 80, y una obra capital para la filosofía beat. 7.- Muerte entre las flores (EEUU 1990) Densa, de guión total, no se para de hablar, y con un sentido del humor oscuro en la palabra que les caracterizará siempre sencillamente fue acogida como un hito y así se mantiene desde entonces. Importancia en todo esto tienen también las elecciones para el reparto. Gabriel Byrne como protagonista, Albert Finney como mafioso total, John Turturro en uno de sus conocidos papeles ambiguos y Marcia Gay Harden como chica mala del film bordándolo. El universo del amor, los tipos duros, los malos como Jon Polito representando a su típico gordo gritón de todos los films, el enredo total y las motivaciones justificadísimas por caracteres muy definidos, forman parte de una historia lujosamente atada que no te deja escapar desde el minuto uno. Las escenas en el bosque, la sencillez con la que se manejan entre armas, policías de la época, la corrupción imposible de detener, el caer de las amenazas y los golpes, así como las traiciones y giros de los acontecimientos, llevan a la película a tener todos los ingredientes incluidas las escenas de cama del más puro cine de gangster que tanto se trataban de evitar en cuanto a los desnudos. Es sin duda una película 10 que no defrauda y que seguirá siendo modelo a seguir bajo la banda sonora que muere entre las flores. Recuerdo escenas como la de intento de asesinato al capo, que bien dirigen las escenas de acción los Coen, marcadas pero con ritmo, sin mover la cámara como locos. Maravilloso. La del John Turturro implorandoi y después reapareciendo totalmente al revés. Genial. La del niño que se lleva la peluca y luego es motivo de la investigación. Originales como siempre. 8.- Naranja mecánica (Londres 1971) [En lo personal de mis favoritas!!!] En una futurista Gran Bretaña, Alex y sus drugos, una banda de jóvenes delincuentes, salen cada noche para disfrutar de la 'vieja ultraviolencia' y saciar su apetito sexual violando a indefensas mujeres. A razón de un pequeño problema dentro de la banda, Alex es traicionado por sus drugos y dejado a merced de la policía, la cual lo lleva a una prisión de alta seguridad donde Alex tiene que pasar una larga temporada. Pero un día se le presenta la oportunidad de acortar su estancia presentándose como voluntario a la nueva 'terapia de aversión', con la que se asegura que después de dos semanas la maldad ya no existirá dentro de su ser. Y así es. Es tal la 'terapia de aversión' que el pobre Alex, al menor signo de violencia siente nauseas y unas ganas terribles de morirse. Pero la sociedad no ha olvidado, y los muchos crímenes que cometió en su época dorada se cobrarán su venganza. Film que con aciertos y errores, tiene el status de obra clásica, influencia de una generación entera de cineastas y cinéfilos. Desde varios puntos de vista como el estético, el moral -hasta por su nefasta historia de prohibiciones-, todo teñido de un personal e innovador estilo. Adaptación inmejorable del libro de Anthony Burgess, que narra parte de su experiencia personal al estar desempleado y ser víctima de la violencia por el hecho -poco conocido- de ser su propia esposa víctima de una violación por tres soldados durante la guerra. ¿Qué la hace de culto? Este film lleva todas las características propias del realizador, sus defectos y sus virtudes. Grandilocuente y pretenciosa, sagaz, onírica, llena de signos. Vital y fuerte. En el debe se puede mencionar como su film que peor envejeció, a causa de que compone la película con todos íconos futuristas (encargado a los mejores diseñadores del momento) que languidecería con el paso del tiempo convirtiéndose en una marca de los propios años setenta. Es el film que marcó su impronta de dividirlos en dos mitades antagónicas, como un viaje de ida y vuelta de sus personajes con el bagaje de las acciones-adquisiciones hechas por el camino y sus funestas consecuencias. Mostrándonos la violencia sin violencia, casi de forma artística (si la miramos hoy sería risible las prohibiciones de la época) dando un paso más terrenal que las odiseas del hombre que nos mostrara solo tres años antes en el film 2001. Curiosidades: - El título original de la película es "The Clockwork Orange". "Orange", en inglés, significa "Naranja", pero en verdad proviene de otra palabra: "Ourang", una palabra de Malasia donde el autor del libro, Anthony Burgess, vivió durante varios años. Esta palabra tiene otro significado y es el de "persona". De esta manera, el escritor hizo un juego de palabras, y realmente, lo que el título significa es "El hombre mecánico". Es decir, Álex después de aplicarle el tratamiento Ludovico. - Hay muchos símbolos fálicos: la serpiente arrastrándose entre las piernas de una mujer en un póster, los helados que se estan tomando las chicas de la tienda de discos, la punta del bastón que lleva siempre Alex y la estatua que usa Alex para matar a la mujer de los gatitos. - Kubrick hizo deliberadamente continuos errores en la escena inmediatamente después en la que Frank Alexander descubre quien es verdaderamente Alex. Los platos se mueven alrededor de la mesa, y el nivel del vino en el vaso cambia varias veces para crear una sensación de desorientación al espectador. 9.- Trainspotting (Escocia 1996) Trainspotting es una película británica (pero de orígenes escoceses) de 1996 dirigida por Danny Boyle y basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsh. Trata de un grupo de heroinómanos de Edimburgo y su paso por la vida. El título Trainspotting hace referencia a un pasaje del libro en el que Begbie y Renton conocen a un borracho en la estación de trenes. Begbie y Renton usan la estación para hacer sus necesidades y el borracho les pregunta, intentando hacer un chiste, si están haciendo "trainspotting". El término anglosajón "trainspotting" se utiliza para refererirse a la afición relativamente popular en el Reino Unido de observar trenes. Este hobby es similar al de la ornitología, pero con trenes en lugar de pájaros. La película causó controversia en su tiempo, pues se decía que fomentaba el uso de drogas entre la juventud. La película está declarada como una de las cinco mejores películas británicas de todos los tiempos. El lanzamiento de la película estaba publicitado de una forma muy inactiva, repartiendo flyers inspirados en la cultura de club y carteles de cada uno de los actores principales. Debido a una enfermedad, Kevin McKidd (Tommy) se perdió las sesiones fotográficas para la publicidad, y siempre fue un motivo de discusión tras su fructuosa carrera post-Trainspotting. Trainspotting es considerada una de las pelicula de culto de los años noventa. Boyle ha declarado a los medios que va a preparar la secuela de Trainspotting, está esperando a que los actores originales envejezcan visiblemente. 10.- Casablanca "Casablanca" pertenece a esa selecta nómina de películas que, por inmortales y duraderas, continúan acaparando espectadores generación tras generación. Formó en nuestra imaginación el arquetipo de perdedor, Humphrey Bogart, con un pasado intenso y lleno de pliegues. Y con él, el de la mujer triste, abocada a un futuro que no controla, atrapada en un amor a todas luces imposible… Más de uno se pregunta cómo fue posible que una película tan salpicada de incidencias en su rodaje no sólo llegara a terminarse sino, además, a convertirse en el gran icono cinematográfico del siglo XX. ¿Qué la hace de culto? "Casablanca" se iba escribiendo sobre la marcha y hasta el inicio de su rodaje no estuvo claro que fuera a ser interpretada por Humphrey Bogart: Ronald Reagan fue uno de los actores que estuvo en la mente de los productores para encarnar el personaje de Rick Blaine. Una de las anécdotas más divertidas de la producción habla de las dificultades que Michael Curtiz tuvo para hacerse entender por su equipo, debido a su peculiar inglés y su pronunciado acento húngaro. La película fue también, como resultaba usual en la época, víctima de la censura española, que evitó cualquier alusión a la condición de combatiente de Rick en el bando republicano de la Guerra Civil. La película ha obtenido desde su estreno numerosos reconocimientos, entre ellos el de haber sido considerada en 2002 por el American Film Institute como la segunda mejor película de la historia del cine americano, después de "Ciudadano Kane". Estas son solo 10 películas de las tampoco muchas películas de culto! Espero muy pronto traerles la segunda parte y poder subir las películas y traerles los links. Recibo comentarios y déjenme en ellos películas que les gustaría que aparecieran o cuales me aconsejan, Gracias! Y para los que exigen fuentes, aquí se las dejo. Fuente - Fuente - Fuente - Fuente - Fuente - Fuente - Fuente -