Thecaco93

Un cachorro de labrador de 10 meses que fue clonado por una empresa californiana en Corea del Sur ha sido entregado a sus dueños estadounidenses cerrando así el primer caso de un “perro clonado comercialmente en el mundo”. Edgar y Nina Otto, una pareja de Florida, pagaron 155.000 dólares por el clon de su labrador Lancelot, fallecido en enero de 2008. El cachorro vive ya en una gran casa con jardín con otros nueve perros, diez gatos y seis ovejas. “Estamos tan felices de tener al pequeño Lancey por fin en nuestra familia”, dijo Nina Otto. “Su antecesor significaba mucho para nosotros. Estamos fuera de sí de alegría”. El responsable del servicio de clonación describió al cachorro como un “pequeñito muy vivaz”. “Mordisquea todo y ya roba cosas”, bromeó. El experto estima que el perro tendrá una vida normal de entre 12 y 13 años y que será “totalmente fértil” como para tener descendencia. Para clonarlo, el matrimonio había congelado material genético de su perro. En octubre este material fue implantado a una hembra en Corea del Sur y el 18 de noviembre nació el cachorro.

Registrate y eliminá la publicidad! Algunos pensaran que es una estupidez lo que digo (y no los culpo)pero en verdad este "método" de limpieza es eficaz. El método es muy simple. Aquí se los dejo en forma de receta (jeje ): Ingredientes: * Una banana * Una cáscara de banana * Tela de algodón * Limpiador de cristales o vidrios Preparación: 1. Toma un CD / DVD que tenga rayas o pequeñas imperfecciones 2. Corta una banana y frótala, de forma circular, sobre la superficie del CD / DVD 3. Usando la cáscara de banana (la parte interior), limpia el CD / DVD. La cera de la cáscara ayudará a pulir y limpiar la superficie del disco. 4. Toma un trozo de tela de algodón y limpia de forma circular (suavemente, pero ejerciendo presión) la superficie del CD / DVD. Debes hacer esto durante 3 o 4 minutos. 5. Finalmente, usa el limpiador de cristales en el disco y límpialo por completo. ¡Listo! Tu CD / DVD debería estar totalmente liso, limpio y libre de rayones. Jeje como verán es muy sencillo yo he visto videos de esta "típica" limpieza y los resultados son positivos Espero les sirva

Registrate y eliminá la publicidad! Bienvenidos a la segunada parte de esta Historia del rock, en la primera parte nos quedamos en los años 60. Ahora continuemos... Índice 2ª parte: 15. Bob Dylan 16. Cultura hippie y acid-rock 17. Los "Mártires del rock": Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin 18. Woodstock: tres días de paz y música 19. La evolución del rock británico 20. Hacia la "confusión" de los setenta 21. La década de los setenta 22. Pop 23. El rock 24. El glam 25. El funk 26. La música disco 27. Reggae 28. El punk Capítulo 15: Bob Dylan Nacido en Minnesota en mayo de 1941, empezó a actuar en el circuito de música Folk en 1959 en la Universidad de esa ciudad. Su talento como compositor quedó de manifiesto con sus canciones "Talking NewYork" y "Song to Woody" de 1961. Al año siguiente, su apoyo en las luchas por los derechos civiles se reflejan fielmente en sus letras. En 1963 con su album "The Freewheelin´ Bob Dylan" que incluia canciones como el éxito "Blowing in the Wind" y "The Times they Are A-Changing", lo convirtieron en el portavoz que representaba a la juventud norteamericana en su lucha contra el gobierno. Sentando con ellos las bases del Folk Rock. Incluyendo composiciones hechas The Byrds y Peter Paul and Marie, entre muchos. En 1965 da a conocer su album "Highway 61 Revisted, de donde se extrae su mayor éxito comercial "Like a Rolling Stone". Se dice que a partir de Bob Dylan, el rock comenzó a hablar de otras cosas además distintas al "Woo woo,Yeah Yeah..". Su influencia en el Rock es tan importante que aún los mismos Beatles se sintieron atraídos por su personalidad y letras. Otros exponentes del Folk Roc, serían The Mammas and the Papas, Strawberry Alarm Clock, Graham Nash, James Taylor y Carole King. Capítulo 16: Cultura hippie y acid-rock A mediados de la década de los sesenta, la juventud urbana de Nueva York, Los Ángeles y San Francisco se aventuraba en el descubrimiento de nuevas experiencias que, en el ámbito musical, iban a culminar en un tipo de rock duro y agresivo. Una nueva filosofía se extendía entre los jóvenes; la conquista de la libertad pasaba por la puesta en práctica de una actitud vital diferente, inclinada a la armonía con la naturaleza, la práctica del amor libre, el rechazo de la violencia o el empleo de sustancias estimulantes de la mente. La eclosión del fenómeno tuvo lugar en San Francisco, exactamente en el barrio de Haight Ashbury, auténtica meca del hippismo. Algunas de las nuevas formaciones musicales se lanzaron a cuestionar los valores tradicionales, si bien lo hicieron en un tono diferente al de los folksingers, con contenidos más individualistas y menos sociales. Una característica de estos años fue la experimentación con las denominadas "puertas de la percepción". Las figuras del rock ya habían mostrado su inagotable capacidad para consumir bebidas alcohólicas, fármacos y drogas, pero la irrupción de los alucinógenos y de la marihuana a gran escala iba a influir decisivamente en los más inquietos creadores de la época. La dietilamida del ácido lisérgico, un poderoso alucinógeno sintetizado por unos laboratorios y empleado en el tratamiento de enfermedades mentales, fue la eucaristía del nuevo movimiento. La psicodelia, la expansión de la mente a través de alucinógenos, se extendió como un reguero de pólvora. En la costa occidental, la convivencia entre el folk-rock y la filosofía hippie, imbuida de ideas orientalistas, iba a cristalizar en el denominado acid-rock, que irrumpió violentamente modificando los cauces tradicionales del rock & roll con investigaciones sonoras y literarias que rompían los esquemas melódicos y temáticos de esta música. El género recurría a la distorsión de la melodía, como método para que el público abandonara convenciones y estereotipos y rompiera con las ataduras mentales que constituían un impedimento para liberar sus emociones primarias. La tecnología electrónica se puso al servicio del acid-rock, con el fin de crear una suerte de suspensión auditiva que favoreciera la realización de los mencionados objetivos. Entre los representantes del rock ácido cabe destacar especialmente dos grupos: los Jefferson Airplane y los Grateful Dead. La primera de estas formaciones desempeñó un papel fundamental en la popularización del movimiento, gracias a sus numerosos conciertos. Si Janis Joplin no hubiera existido, su agresiva vocalista, Grace Schlick, se habría alzado con el primer puesto entre las voces femeninas del género. La otra banda californiana de estos años fue Grateful Dead, cuyos miembros, originales y confusos, dados a la experimentación, se convirtieron en líderes incuestionables de un amplio grupo de seguidores que les consideraban auténticos profetas. Concibieron su música, generalmente acompañada del masivo consumo de LSD, como una vía para lograr la liberación completa del ser humano y su bienestar. Mención aparte requiere Frank Zappa, una de las personalidades más interesantes surgidas de este maremágnum californiano, y auténtico santón del hippismo. La onda psicodélica de California se extendió por el área de influencia del rock. En el este de los Estados Unidos surgió un tipo de música áspera y violenta, que tuvo en Nueva York su centro fundamental. Notables representantes de esta orientación fueron los Velvet Underground, surgidos alrededor del artista Andy Warhol. Aunque tuvieron una vida efímera, de sus filas salió Lou Reed, creador de atmósferas opresivas, cantor del lado oscuro y salvaje de la realidad. Atormentado y neurótico, Reed forjó parte de su leyenda con su morbosa relación con la heroína. Si la marihuana y el LSD habían significado una revolución en los hábitos creativos de los músicos de rock y habían generado nuevas visiones de la realidad, la heroína iba a causar estragos en los últimos años del sueño californiano. Capítulo 17: Los "Mártires del rock": Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin Desde el punto de vista estrictamente musical, la psicodelia generó una mezcla de ingredientes que enriquecieron las sonoridades del género. El rock pasó a ser el lenguaje universal a través del que se comunicaban los jóvenes, y no solamente influyó en la moda, el diseño o las artes plásticas, sino que a menudo se convirtió en mensaje político, religioso o filosófico. Los Doors fueron quizá el grupo más carismático de la psicodelia californiana. Su figura central fue el cantante Jim Morrison (1943-1971), vocalista desgarrado y salvaje, autor de textos inquietantes, propenso al exhibicionismo y al escándalo, que prodigó a lo largo de una carrera enloquecida. Educado en el seno de una familia tradicional, estudió arte en UCLA, donde conoció al pianista R. Manzarek. Junto con el batería John Densmore y el guitarrista Robby Krieger, formado en el ámbito del folk y el blues, constituyeron el grupo The Doors, en 1965. El nombre, con claras reminiscencias simbolistas, asociadas a la personalidad del poeta británico William Blake, aludía, asimismo, al libro de Aldous Huxley The Doors of Perception, inspirado en su experiencia con algunas sustancias alucinógenas. Actuaron en diversos clubes hasta que, a comienzos de 1967, fue lanzado su primer disco, The Doors, en el que estaba incluido el tema "Light My Fire", que se convirtió en un éxito notable. Siguieron títulos como Strannge Days, Waiting for the Sun, Morrison Hotel o Soft Parade. Paralelamente, la vida personal de Morrison, con fama de bebedor y cercano al mundo de la droga, despertaba ácidas controversias, incluso entre los seguidores de la banda. No obstante, los éxitos continuaron; en 1970 salieron otros dos discos: L. A. Woman y The Doors' Greatest Hits. Entre tanto, Morrison escribía libros de poesía y realizaba algunas películas. A finales de 1970 marchó a Francia y en julio del año siguiente apareció muerto en una bañera, sin que las causas de tal suceso pudieran ser aclaradas. Morrison se inspiró frecuentemente en Nietzsche y en el mencionado Blake para escribir las letras de sus canciones. Desaparecido prematuramente, su aura propició su conversión en objeto de culto y la rentable reedición de sus oscuras canciones, en las que el obsesivo piano de Ray Manzarek, admirador del blues y el boogie woogie, ponía adecuado contrapunto. Un año antes, Jimi Hendrix (1942-1970) había sido incluido en la nómina de artistas caídos por el rock. Representante de la faceta subterránea del hippismo, el underground, caracterizaron el estilo de este alucinado y virtuoso guitarrista negro los histéricos y enervantes punteos de su instrumento. Comenzó su carrera con un grupo de rhythm & blues y, entre 1961 y 1966, realizó giras con las más destacadas figuras del género. Posteriormente formó su propia banda, Jimi Hendrix Experience, en septiembre de 1966, junto con los británicos Mitch Mitchell y Noel Redding. El grupo alcanzó fama actuando en diversos países de Europa y, durante los años 68 y 69, fecha de su disolución, realizó giras por Estados Unidos. Para entonces, los problemas de Hendrix con las drogas se habían agudizado -en 1969 había sido arrestado por posesión de heroína-, a pesar de lo cual siguió cosechando éxitos. En septiembre de 1970 apareció muerto por sobredosis en Londres. En la historia del rock, Jimi Hendrix tiene el privilegio de haber sido el ídolo más inquieto sobre el escenario y el más devastador de cuantos guitarristas hayan tomado el blues como punto de partida; con una intuición verdaderamente genial, exploró sonoridades que aún no le han sido perdonadas por los puristas. Sin duda fue uno de los mejores guitarristas del género, capaz de enriquecer con incuestionable creatividad la expresividad de la guitarra eléctrica. En ocasiones, hacía sonar sus cuerdas con los codos, el mango de su micrófono o, incluso, los dientes. Tras su muerte, fue objeto de una campaña de beatificación comercial que explotó sus reliquias y entronizó su satánica figura en el nutrido panteón de víctimas del rock. Mártir por excelencia de esta generación ácida fue la cantante de Texas Janis Joplin (1943-1970). Miembro de una familia tradicional, comenzó pronto a destacar en un entorno de aburridas convenciones, por sus gustos musicales heterodoxos -admiraba la música folk y el blues- y sus lecturas. A los diecisiete años abandonó el hogar familiar e inició su carrera como cantante de country, hasta desembarcar en California, la meca del estilo de vida hippy que Joplin ansiaba experimentar. No obstante, abandonó la costa y retornó a Texas, donde, en 1966, se convirtió en vocalista del grupo Bigs Brothers and the Holding Company. Con ellos aparecería en el festival de Monterrey (verano de 1967), donde también participó Jimi Hendrix, causando sensación. La figura de Janis Joplin fue paulatinamente eclipsando a los restantes miembros del grupo. En 1968 organizó su propia banda; el primero de sus discos en solitario fue I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! (1969). El 3 de octubre de 1970, el cuerpo sin vida de Janis Joplin, la más intensa y dramática de las voces blancas del rock, aparecía en un hotel de Hollywood. Había muerto a los veintisiete años de edad, a causa, como en los casos anteriores, de una sobredosis de droga. Su nombre fue a engrosar la nutrida lista de los jóvenes fantasmas del rock. Desgarrada y brutal, Joplin sabía matizar también la ternura y el dolor con una sensibilidad irrepetible y a primera vista difícil de apreciar por su peculiar desaliño y su tosquedad. Capítulo 18: Woodstock: tres días de paz y música El debate sobre la verdadera importancia de este enorme concierto (medio millón de personas lo siguieron por tres días) se ha reanimado con motivo de su trigésimo aniversario. Para algunos, aquellos fueron días que cambiaron al mundo, para otros fue solamente un espectáculo de depravación y cinismo. Para muchos significó el fin de una era. El Festival de Música y Artes de Woodstock, llevado a cabo hace 30 años en Bethel, Nueva York, es uno de los hitos de la cultura contemporánea. Aún antes de que las toneladas de basura fueran removidas, y cuando el lodo todavía no se había secado, ya se hablaba de la importancia cultural de Woodstock. La idea original era organizar un festival musical para alrededor de 50.000 personas. Los coordinadores sudaron la gota gorda para montar el espectáculo en Wallkill, pero no consiguieron los permisos de ley. Por eso escogieron la ahora célebre Granja Yasgur, en Bethel, no tan cerca de Woodstock como uno podría pensar. Esta extravaganza musical, por su caótica organización, se salvó de haber pasado a la historia como un gigantesco fiasco. No se suponía que iba a ser tan monstruoso... Para empezar: los promotores no alcanzaron a colocar un cerramiento metálico alrededor del sitio en el que se iba a llevar a cabo el concierto. Fue cuando algunas estaciones de radio de la ciudad de Nueva York, empezando por la famosa WNEW, dieron la noticia de que el espectáculo era gratuito. El resultado: las vías de acceso, a casi cuarenta kilómetros del lugar, se taponaron. Además, Bethel se convirtió temporalmente en la tercera población más grande del estado de NuevaYork. La historia cuenta que cerca de un millón de personas llegaron al festival pero solo 500.000 se quedaron como espectadores del festival de tres días y poco más. De este medio millón de asistentes, apenas unos 125.000 eran portadores de entradas de buena fe. Aparte de la música, Woodstock fue contracultura por excelencia: sexo, drogas y rocanrol, paz y amor. Era el fin de la inocencia: más que la música, lo que importaba era pensar y decir lo que uno quería, y de ser posible andar en pelotas sin ruborizarse. Las drogas eran parte de la diversión. No olvidemos que hasta 1968 el LSD (ácido) era perfectamente legal y, gracias a unos químicos de sótano, la juventud de la época experimentaba con drogas con nombres como "niebla púrpura" (purple haze) y "sol anaranjado" (orange sunshine). El concierto en sí fue totalmente diferente a lo hasta entonces visto. Se trató de un espectáculo participativo (hoy se diría interactivo), en el que las luces del escenario estaban diseñadas para simular un viaje por los mundos del ácido. Woodstock fue participativo básicamente porque la cultura hippie era colectivista. Su credo incluía el amor libre, la ropa de colores llamativos, el pelo largo, la vida en grupo, filosofía asiática y lo oculto. Durante el "verano del Amor" del 1967 y a partir de entonces la cultura hippie pareció tomar fuerza, empezando en San Francisco, pasando por Nueva York y terminando en la accidentada convención del Partido Demócrata en Chicago, 1968. Parecía una revolución salida de las cenizas de la era Eisenhower, y de los recuerdos de posguerra. Lo cierto es que los pastizales de condado de Sullivan fueron, por unas horas, una mini nación donde las mentes estaban abiertas, las drogas eran legales y el sexo era libre. La música empezó a las cinco de la tarde del viernes 15 de agosto de 1969 y se terminó el lunes 18, a media mañana. Así como Watergate es sinónimo de escándalo político y Waterloo se identifica con la derrota, Woodstock es el fin de los 60, años de hedonismo y exceso. El símbolo del festival era una paloma de la paz con una guitarra eléctrica, y fue diseñado por el artista Arnold Skolnick. El evento, que a la larga costó cerca de dos millones y medio de dólares, fue el proyecto de cuatro jóvenes. El mayor de ellos tenía 26 años. Tratándose de gente de dinero -y no sabían cómo usarlo- contrataron un anuncio en el famoso periódico New York Times. Decía: "Jóvenes con capital ilimitado buscan oportunidades de inversión interesantes y legítimas y propuestas de negocios". Con la ayuda de un ejecutivo de casa disquera se les ocurrió una idea: un gran concierto de rocanrol, combinado con una exposición gigante. Muchas de las estrellas de la época - entre otras Hendrix y Janis Joplin- veían a la zona de Woodstock, a unos cien kilómetros de la ciudad de Nueva York, como una meca de las artes. En marzo de 1969 empezó la búsqueda del lugar ideal para hacer el concierto. Los corredores de bienes raíces de Nueva York ofrecían el alquiler de grandes extensiones de terreno por unos pocos meses. Los pastos de Wallkill resultaron ideales: eran amplios, estaban cerca de la carretera y había luz y agua. El régimen de la tierra, que estaba destinada a un futuro establecimiento de industrias, admitía exposiciones y conciertos. Los promotores empezaron los trámites municipales y, por la zonificación, obtuvieron permisos. Les habían dicho a las autoridades que no esperaban una asistencia de más de 50.000 personas, para un concierto de jazz y músicos folclóricos. A mediados de abril empezó la campaña publicitaria en los medios adecuados, sobre todo la revista Rolling Stone. Para entonces se empezó a pensar en que Woodstock debía ser algo más que montar escenarios y vender entradas. Sería una muestra de la cultura subterránea de la juventud y un signo de los tiempos. El lema "tres días de paz y música" básicamente buscaba unir el movimiento anti-bélico con los fervientes rocanroleros. Entonces empezó la caza de los rocanroleros. Al principio nadie quería firmar un contrato con cuatro jóvenes dementes que organizaban un festival epicureísta en un potrero lejano. El dinero lo solucionó todo. Pagando cantidades inéditas para la época, los primeros contratados fueron los Jefferson Airplane, la banda sicodélica por excelencia. Luego vinieron The Who y los Creedence Crealwater Revival (CCR). El resto es historia que se puede ver en vídeo y oír en discos y cassetes. Los músicos que escribieron esa historia Esta es una lista de los grupos y solistas que tocaron en Woodstock: Joan Baez, Blood, Sweat and Tears, The Jeff Beck Group (cancelada), The Paul Butterfield Blues Band, The Band, Creedence Clearwater Revival, Canned Heat, Country Joe McDonald & The Fish, Crosby, Stills, Nash & Young, Joe Cocker, Arlo Guthrie, The Grateful Dead, Tim Hardin ,Jimi Hendrix, Richie Havens, Keef Hartley, The Incredible String Band, Iron Butterfuly (no tocó), It's a Beautiful Day (cancelado), Janis Joplin, The Jefferson Airplane, The Joshua Light Show, Melanie, Mountain, Quill, John Sebastian, Ravi Shankar, Sly and the Family Stone ,Bert Sommer, Santana ,Sweetwater, Ten Years After, Johnny Winter y The Who. Capítulo 19: La evolución del rock británico La etapa final de los años sesenta había registrado la aparición de un pop artificial que venía a sustituir la rebeldía primaria de los herederos del rock & roll original. Las grandes estrellas se eclipsaban o se dejaban domesticar y no parecían surgir alternativas. En el panorama británico de la época, The Cream, trío integrado por tres virtuosos instrumentistas formados en el rhythm & blues, constituye una excepción digna de mención. La vida del grupo, que exploró con éxito los caminos del blues y del rock, fue efímera (1966-68). En sus filas militaba el guitarrista Eric Clapton, quien, tras la disolución de la banda, en solitario o con efímeras formaciones, siguió dando pruebas de su talento como guitarrista y autor capaz de asimilar rápidamente los nuevos aires de la música. Entre las principales bandas británicas del momento se cuenta también Pink Floyd, probablememte el conjunto más representativo de esta etapa, pionero en el uso de la electrónica, que puso, paradójicamente, al servicio de la causa hippie. Con un sonido poderoso y original, su música, trascendente y sinfónica, se convirtió en el fondo más adecuado para las primeras experiencias con las drogas de los jóvenes europeos. Pink Floyd realizó un rock envolvente, con temas de larga duración y pausado desarrollo, alejados, en cierta medida, de los caminos habituales del rock. La psicodelia electrónica del grupo dio como resultado un estilo inconfundible, ejecutado con una técnica impecable, elemento que comenzó a ser valorado por el público del género. Las grandes bandas mostraron su decidida inclinación a la ampulosidad y el virtuosismo, el denominado rock sinfónico vino a llenar los aires de oberturas triunfales y acordes de laboratorio. Las nuevas posibilidades tecnológicas tentaron a los jóvenes músicos, que fueron incorporando a su bagaje sintetizadores y teclados de creciente sofisticación. Los estudios de sonido se transformaron en recintos alquímicos en los que se experimentaba con toda clase de filtros y trucajes. Yes fue uno de los grupos más inclinados al disfrute de estas nuevas posibilidades. También atraído por los nuevos sonidos y la creación de ambientes escenográficos originales, Génesis, formado en 1966 por Peter Gabriel, prolongaría su trayectoria en los setenta, dando origen a grabaciones en solitario de sus miembros más cualificados: el propio Gabriel, que abandonó la formación en 1975, Mike Rutherford o Phil Collins. Pero la evolución del rock británico no iba a discurrir precisamente por cauces apacibles y pronto atronaría la ola del hard-rock, el rock duro. Ruidosos y agresivos, sus intérpretes utilizaron al máximo la amplificación y, apoyados en numerosos efectismos instrumentales, rindieron culto a la velocidad de las guitarras eléctricas, a la percusión salvaje y a las voces capaces de superponerse al espectacular despliegue del conjunto instrumental. Deep Purple y Led Zeppelin serían algunos de los grupos iniciadores de este camino, que habría de prolongarse como género específico a lo largo de los años. El hard, primitivo y tribal, dio primacía a la descarga instrumental y a la energía que lo convertía en vía de escape emocional, en una suerte de terapia de masas. La frase breve, gritada más que cantada, acabó con la cadencia melódica. Una sonoridad intensa, unida a una percusión obsesiva, con solos intercalados que servían a los músicos para demostrar un virtuosismo cuando menos sorprendente en un género definido por la violencia, fueron, asimismo, características definitorias de esta modalidad. Posteriormente, el grupo Queen, liderado por Freddy Mercury, incorporaría al hard-rock componentes sinfónico-corales de gran efectismo. Capítulo 20: Hacia la "confusión" de los setenta El ocaso del rock estadounidense hizo volver las miradas hacia Gran Bretaña; cuando en Nueva York o San Francisco la producción local se aletargaba, los jóvenes americanos se volcaron sobre los nuevos ídolos ingleses. A comienzos de los setenta, del apogeo psicodélico sólo restaban en Estados Unidos algunos rezagados. Al mismo tiempo, se iba imponiendo la figura del héroe solitario, a medio camino entre el hippy y el arquetipo del western. Notables ejemplos fueron, entre otros, Kris Kristofferson, James Taylor o Neil Young. Otro músico de considerable influencia sobre sus compañeros de generación y los guitarristas de las siguientes promociones fue J. J. Cale. Con una voz susurrante y un punteo de guitarra sutil y de personal fraseo, Cale se convirtió en uno de los talentos de mejor reputación de la escena del rock. Los primeros setenta conocieron el triunfo del rock sureño. Asimismo, saltaron a la fama en este momento los supergrupos estadounidenses, grandes bandas de poderoso sonido instrumental, como Chicago o Santana. El vitalismo de Santana se asentaba en la exploración de las raíces afrolatinas y en la magia de la guitarra de su líder, el mexicano Carlos Santana. Capítulo 21: La década de los setenta El èxito a principios de los 70´s, de cantautores como Carole King con su Tapestry , James Taylor con Sweet Baby James y Jackson Browne con For Everyman ayudò a consolidar el mercado de esta clase de música. Pero los encargados de dopiar el estilo de Bob Dylan y expandir los límites del género fueron 3 canadienses: El poeta Leonardo Cohen con The Songs of Leonard Cohen logró una nueva intensidad emotivaque sirvieron bandas sonoras para las penas de muchos jóvenes. Joni Mitchell creò el himno de una generación con su tema Woodstock y sus reflexiones acerca de las vicisitudes de la vida poseían una lucidez que no tenían otros de sus contemporáneos. Neil Young, primero con su Bufallo Springfield y luego con Crosby, Stills, Nash & Young, mostró que contaba con grandes dotes como compositor y letrista como se ven en sus álbumes Everybody Knows this is Nowhere y After the Goldrush En 1970 grababa su primer Lp en solitario Carole King, que como pianista y compositora había estado presente, al lado del letrista Gerry Goffin, en algunos de los momentos más interesants del rock americano. Pronto se convirtió en la cabeza visible de una serie de voces femeninas que cultivaron el folk, y entre las que destacó especialmente Judy Collins La cultura neoyorquina del asfalto tuvo también sus héroes solitarios. El más característico, Bruce Springsteen, reivindicaba en 1973 a los viejos héroes del rock & roll y se convertía en la gran esperanza blanca por su fidelidad a los orígenes y su talento para componer legítimas baladas americanas y vigorosas piezas de rock con textos originales. Capítulo 22: Pop En la década de los setenta, el pop derivó en tendencias muy diversas. En estos años, todas las tendencias iniciadas en la década de los sesenta se desarrollaron hasta su expresión más extrema, mientras surgían otros estilos completamente nuevos, en una especie de ciclo acción-reacción, con todas ellas intentando, de alguna manera, poner de manifiesto la caducidad del estilo anterior. El pop comercial se hizo más comercial que nunca (The Osmonds, The Bay City Rollers), Las listas de ventas de los 70´s, muestran que esta década fue dominada por el Pop. En Estados Unidos, la serie televisiva de la Familia Partridge lanzó al estrellato a David Cassidy que de la noche a la mañana se encontró con temas como "Rock me Baby" y "Daydream", que le dieron fama instantánea. The Osmonds trataron de competir con las estrellas de Motown, los Jackson 5, con canciones como "One Bad Apple" y "Crazy Horses". Las líneas de producción del pop estaban en plena acción y nada podía detenerlas. El término "MOR" describe un estilo de música Pop muy melódica y con poca sustancia. Muchas veces se utiliza como sinónimo de "fácil de escuchar" El término surgió en el ámbito radiofónico, principalmente para agilizar el trabajo de los que catalogan los discos en las emisoras. En los 70´s la radio era el medio de difusión musical más importante. Artistas como Neil Diamond, Bread y The Carpenters no solo entraban en las listas, sino que vendían gracias a ellas. El hecho de disponer de un mercado de compradores fieles y de otro potencial permitía llegar a públicos más amplios y de edades mayores. The Carpenters, de los hermanos Richard y Karen Carpenter llevados a la fama por Herb Albert, y cuyo gran mérito fue colocar varios números 1 con canciones románticas y melosas, en un período en el que las bandas pesadas de rock dominaban los charts de popularidad. Karen murió de Anorexia en 1983. Del otro lado del Atlántico, su contraparte El Concurso musical de Eurovisión era una importante viá por la cual los grupos de pop podían incursionar en la radio directamente. El cuarteteo noruego de ABBA, ganó este evento en 1974 con la canción "Waterloo", que se convirtió en el primero de 9 sencillos en el primer lugar del top en todo el Reino Unido, a través de 7 años de éxito de este grupo. De esta manera, Abba se convirtió en el mayor vendedor de discos de los 70´s en el Reino Unido. Y siempre estuvo en los primeros lugares de los charts tanto en Europa como en America. Canciones como "Dancing Queen", "Fernando", Mamma Mia", "The winner takes it all" y "Chiquitita" le dieron un lugar en la historia de la música POP. Capítulo 23: El rock En el Reino Unido, los años setenta heredaron de la década anterior una importante innovación en el terreno de la grabación de discos: la creciente importancia de la figura del productor. El precedente más conocido del nuevo productor, encargado no sólo de que la calidad del sonido de un disco fuese óptima, sino de dar forma al concepto del álbum, es George Martin, personaje fundamental en la carrera de los Beatles. Los avances tecnológicos, tanto en el estudio como en los instrumentos, hacen posible que los jóvenes músicos de rock experimenten con elementos de la música clásica, del jazz o del country. Grupos como Emerson, Lake and Palmer Yes o Génesis empiezan a utilizar sintetizadores y teclados electrónicos que les permiten emular efectos comparables a los que se obtienen con una orquesta sinfónica, elevando el rock a la categoría de música seria y aplicando a sus composiciones un virtuosismo y unas referencias intelectuales y culturales que llegan a rayar en lo anacrónico. Es el rock sinfónico o rock progresivo al que se adhiere, aunque con ciertas diferenciaciones, un grupo clave de la psicodelia, Pink Floyd, cuyos conocimientos de composición y de electrónica permiten una experimentación constante. Algo parecido ocurre con King Crimson que, gracias al dominio técnico de su guitarrista Robert Fripp, empieza a utilizar en su música elementos vanguardistas y, sobre todo, innovaciones tonales herederas de la música clásica contemporánea de Schönberg y Stockhausen. Este contacto con los autores clásicos de vanguardia ocurre también en Alemania. Las referencias a la música culta y la utilización de instrumentos electrónicos son las bases de un movimiento musical completamente independiente y con sus propias características llamado rock alemán y representado por grupos como Tangerine Dream, Can o Kraftwerk, precursores de la música tecno que se consolidará como una de las tendencias fundamentales de la música en la década de los ochenta. En Estados Unidos, el rock se ha establecido ya como una industria que genera millones en beneficios. Por una parte, la música se endurece y se hace más descarada con los grupos de hard rock o heavy metal, mientras los cantautores rock como Bruce Springsteen alcanzan una gran popularidad. Paralelamente, grupos como The Eagles desarrollan un tipo de country rock cuyo éxito da pie a un subgénero de gran potencial comercial denominado rock suave, en el que la melodía y la letra son elementos vitales (Fletwood Mac). Aunque el rock progresivo no llega a cuajar en Estados Unidos, sí existen grupos como la Velvet Underground que pretenden aunar música y arte en una única experiencia. Velvet Underground, de la que saldrá uno de las figuras del rock más avanzado de esa época, Lou Reed, crea The Exploding Plastic Inevitable, una obra multimedia que combina música, cine, luces y danza, creada bajo la dirección de Andy Warhol. Frank Zappa con su grupo The Mothers of Invention fue otro de los artistas que introdujo la experimentación constante a las fórmulas del rock. En el Reino Unido, se experimentaba con instrumentos clásicos de cuerdas como lo hacía Electric Light Orchestra, cuyo líder Jeff Lynn, admirador profundo del trabajo de los Beatles especialmente "The White Album" y el "Sargent Pepper´s Lonely Hearts Club Band", con melodías que invadían tanto el terreno progresivo como el pop mismo, logrando con sus discos " ELO2" , "El Dorado", " Face the Music" y "A New World Record", entrar en los primeros lugares con canciones como "Telephone Line" y "Livin´ Thing", tanto en America como el Reino Unido. O Queen que experimentaba con coros operísticos y propuestas progresivas y sinfónicas en sus primeros álbumes. Capítulo 24: El glam La aparición del glam rock significó una reacción a la grandiosidad y virtuosismo del rock sinfónico y fue, de alguna manera, un adelanto de lo que luego ocurriría con el movimiento punk. Como contestación a ese género tan formal, el glam propuso un estilo musical más discreto y directo en el que la actitud y la imagen eran fundamentales. Los trajes de lentejuelas, los extravagantes peinados, el maquillaje, todo ello fue utilizado para hacer burla a la solemne seriedad de grupos como Génesis o Pink Floyd. David Bowie adoptó un estilo andrógino que utilizó la ambigüedad sexual para relacionarse con una generación de jóvenes que tenían problemas para adaptarse a la sociedad contemporánea. En esa época publicó trabajos clave para la historia de la música como The Man Who Sold the World o Ziggy Stardust. Marc Bolan fue otra de las figuras de este movimiento y, con temas como "Ride a White Swan" o "Get It on", se convirtió en un auténtico ídolo para los adolescentes. Bowie, supo evolucionar combinando elementos de funk y soul en una música más compleja elaborada junto a un gran innovador, Brian Eno. Otros grupos como Roxy Music supieron tomar del glam la fuerza visual para combinarlo con la naturaleza experimental del rock progresivo de grupos como King Crimson, creando un nuevo estilo con ciertas influencias vanguardistas, pero mucho más comercial. El glam no llegó a cuajar en Estados Unidos, donde se manifestó en exagerada teatralidad de los grupos en el escenario y una extravagancia en la forma de vestir, pero sin establecer referencias musicales dignas de mención. Exponentes del glam en ese país son Alice Cooper, The Tubes o, su grupo más comercial, Kiss. El glam ya había muerto a mediados de los setenta, poco antes de que Bolan falleciera en un acciente de automóvil. Su otro principal representante, Elton John en sus inicios se puede clasificar dentro de este género por los exagerados atuendos con los que se presentaba en sus conciertos, aunque con el transcurso del tiempo fue tomando y logrando sus mayores éxitos dentro del Pop y la balada con piano. Capítulo 25: El funk El funk tiene sus orígenes en la década de los cincuenta, cuando pianistas como Jimmy Smith crean un sonido parecido al jazz, que es gustosamente aceptado por artistas como Charlie Mingus. Uno de los grandes del soul, James Brown, también adaptó a su repertorio el sonido funk, con unos polirritmos marcados que recuerdan a la música afrocubana. El funk permitió que los grupos de color como Earth, Wind & Fire o Funkadelic de George Clinton tocasen con la libertad propia de los grupos de rock como Cream. El funk fue también adoptado por músicos de jazz que, gracias a este nuevo estilo, se permiten hacer música comercial sin renunciar a su prestigio. Éste es el caso de Herbie Hancock o Quincy Jones, que tendría una larga carrera no sólo como compositor sino también en el campo de la producción, estableciéndose como uno de los productores más célebres del pop y responsable de discos de enorme éxito comercial como Thriller de Michael Jackson. Así mismo, muchos artistas de soul como The Temptations se apuntaron a la nueva moda que había comenzado a principios de los setenta con la introducción que el guitarrista Wah-wah Watson hizo al tema de Isaac Hayes, "Theme from Shaft". El funk encontró su medio perfecto en las pistas de baile y fue evolucionando hacia un estilo específicamente orientado a las salas de baile y los DJ's o pinchadiscos. En los años ochenta, la música negra de baile evoluciona hacia el rap o el hip-hop, y, en los noventa, el funk resurge por mérito propio. Barry White nacido en Texas, se mudó a Los Angeles, donde comenzó a escribir y arreglar canciones para The Love Unlimited Orchestra , para después empezar una carrera propia con la canción " I´m Gonna Love You Just a little bit More" que llegó al tercer lugar del Top Americano en 1973. Pero con "Never Never Gonna Give you Up", se abrió brecha para sus 2 máximos éxitos : "Can´t get enough of your Love" y " You´re The First, The Last, My Everything" números 1 tanto en U.S.A. como en el Reino Unido. Su éxito durante los setentas se debió a una serie de suaves baladas disco, llevadas con una seductiva e inigualable voz Capítulo 26: La música disco Muchos son los factores que determinaron el nacimiento de la llamada música disco. El primero de ellos nos lo indica el propio nombre de este género: etimológicamente hablando, disco proviene de la palabra "discoteca". Por consiguiente, música disco es aquella que suena en las discotecas. Y ése es justamente uno de los factores que propiciaron la aparición de este tipo de música: la proliferación y popularidad de las discotecas a mediados de los años setenta. Hacer música para bailar, no obstante, no es nada nuevo. La música popular siempre ha cumplido esa función de entretenimiento y, al fin y al cabo las orquestas de swing ya habían cubierto esa necesidad décadas antes Musicalmente hablando, la década anterior había sido la época del beat, de la psicodelia, de la canción protesta y del comienzo del rock progresivo. Socialmente, los sesenta habían sido los años de la lucha por los derechos civiles, del movimiento hippie, en definitiva, de los ideales. Existía una clara asociación entre pensamiento y música. El soul había adquirido un claro contenido político, el folk se había convertido en canción protesta revistiéndose de un directo mensaje social, la psicodelia hacía un rotundo alegato a favor de las drogas y el rock tenía aspiraciones intelectuales. Sin embargo, a mediados de la década, la incidencia de la crisis del petróleo propicia cambios en la sociedad y, paralelamente, en la música popular. Quizás se trate de la misma necesidad de distracción que crearon los años de la Depresión o de la Segunda Guerra Mundial y que hizo de las Big Bands de baile protagonistas del entretenimiento de toda una generación, la que convirtió a las discotecas en centro de reunión y diversión de los jóvenes de finales de los setenta. Pero, no fueron sólo los ideales frustrados los que desaparecieron de la música, también aquellas reivindicaciones que habían sido satisfechas hicieron que la música de esta década perdiera su significado social y político. Buen ejemplo de ello es el soul que, en la década de los sesenta, había sabido asimilar y transmitir el mensaje reivindicativo de los movimientos en contra de la segregación racial y que, en los setenta, se hace más bailable y menos comprometido: es el sofistisoul representado por artistas como Barry White o el sonido Filadelfia desarrollado por grupos como MFSB o Harold Melvin & The Blue Notes. La década de los setenta es también la época de la aparición de un nuevo estilo de música negra llamado funk derivado, no del soul sino del jazz, y representado por grupos como Earth, Wind & Fire o Chic. La tercera de las influencias musicales del disco no es negra, sino completamente blanca, la música electrónica y, para ser más precisos, la alemana de grupos como Kraftwerk. Por último, encontramos unas causas mucho más prosaicas que las sociales o las musicales: las técnicas. Por una parte, el desarrollo de los instrumentos electrónicos hace posible la incorporación de ritmos y sonidos sintetizados a la música. Hay otra innovación tecnológica que también será fundamental para el desarrollo de la música disco. A principios de los años setenta, las compañías discográficas empezaron a sacar al mercado sencillos de 30 cm, respondiendo a las demandas de los DJ's, que se quejaban que el single de 17 cm les resultaba muy incómodo. Desde que aparecieran los Lp's unos años antes -un formato que podía contener temas de hasta veinticinco minutos- se había venido abajo la antigua idea de que la duración óptima de una canción era de dos o tres minutos. Sin embargo, en los discos de 45 cm, ese tipo de temas necesitaban ser editados y su contenido separado entre ambas caras del mismo. La aparición del sencillo de 30 cm cambió radicalmente el panorama. Como técnicamente se disponía de mayor calidad y duración en el formato, el músico se podía extender cuanto quisiera en los arreglos, permitiéndose versionar y alargar sus propios temas y recurriendo, a menudo, a una fórmula mucho más comercial y, por tanto, bailable de arreglar sus canciones. Es lo que se llamaría luego maxi-single. Curiosamente, fue una película la que popularizó a niveles masivos la costumbre de ir a bailar a las discotecas. Si bien el público conocía de sobra su existencia y estaba acostumbrado a ver en las páginas de las revistas a personajes célebres entrando o saliendo del famoso Studio 54, el fenómeno "discotequero" parecía estarle restringido al público normal. El éxito de la película Fiebre del sábado noche puso de moda las discotecas en todo el mundo, globalizando esta nueva costumbre. La banda sonora del filme, con canciones de Bee Gees, Tavares, Kool & The Gang y K.C. and The Sunshine Band, supone el espaldarazo comercial definitivo para que este tipo de música se considere como uno de los géneros musicales más importantes de la década de los setenta. Si la película había sido un gran éxito de taquilla, el disco de la banda sonora no fue menos. Poco después de su publicación, el disco llegó a lo más alto de las listas americanas, ocupando los primeros puestos durante casi seis meses (desde enero a julio de 1978), y fue el disco más vendido ese año tanto en EE.UU. como en el Reino Unido. El éxito de productores como Frank Farian con el grupo Boney M y de Giorgio Moroder con la cantante Donna Summer fueron la demostración definitiva de que la música disco era la música de moda a finales de los setenta. En Filadelfia, los productores Kenny Gamble y Leon Huff dieron forma a un nuevo sonido que llevaba el nombre de la ciudad y bajo cuya etiqueta se impulsaron las carreras de grupos como The O'Jays o el antes mencionado Harold Melvin & The Blues Notes, emulando lo que Motown había hecho en Detroit una década antes. Estos grupos del denominado sonido Filadelfia crearon un sonido disco que conservaba toda la calidez del soul. El resultado de todas estas mezclas fue el nacimiento de discotecas especializadas en cada uno de los estilos musicales. En la década de los ochenta, es el ambiente gay el que recoge y alimenta el fenómeno disco, manteniéndolo vivo en los años del post punk, del auge del rock más duro y de sus consiguientes evoluciones como el grunge. Es en los clubes gays donde se escuchan los temas de Gloria Gaynor, Anita Ward o Village People. Con la moda de las discotecas empieza a destacar la figura del DJ o pinchadiscos que, hasta entonces, había permanecido prácticamente en el anonimato. El público comienza a demandar que los DJ's hagan mucho más que poner discos, quiere que se conviertan en una especie de director de la fiesta, que impriman su propio sello sobre la música que está poniendo y, de paso, sobre el local para el que trabajan. Esta innovación es, en parte, la aportación de un nuevo estilo de música, el hip-hop que, en realidad, consiste sencillamente en un DJ utilizando un disco ya grabado sobre base para recitar o rapear su propia letra sobre ella. Otros pinchadiscos mezclaban varios discos y creaban canciones completamente nuevas a partir de ellos, dando forma a la música jungle. Además, el hecho de que los sintetizadores fueran más económicos, fáciles de utilizar y accesibles, también permitió tanto a músicos como a DJ's aplicar las nuevas tecnologías a la música de baile, dando origen al house y a toda la música dance. Capítulo 27: Reggae Nombre que recibe la corriente musical Afrocaribeña nacida en Jamaica. En el Reino Unido se escuchó por primera vez en la década de los 50´s, cuando llegaron los primeros inmigrantes procedentes de la isla. Entonces se conocía como Bluebeat o Ska. En los 60´s , empresarios como Chris Blackwell, fundador de Islan Records, empezaron a importar discos de Jamaica para venderlos en algunas tiendas especializadas de Londres. En 1968, Lee Perry fundó su propia casa discográfica : Upsetter. Perry realizço cerca de un centenar de discos entre 1968 y 1974, trabajó con Bob Marley y produjo temas para Junior Murvin y Max Romeo. A medida que el reggae iba ganando adeptos , tanto en Jamaica como en el Reino Unido, cantantes como Dennis Brown y Gregory Isaacs empezaron a llamar la atención con grupos como The Wailers y Toots & the Maytals. Ya, para finales de los setentas imágenes como del Lion Of Juda y del emperados Haile Selassie de Etiopía, la casa espiritual de los rastafaris se convirtieron en símbolos de la época, generando cierta afinidad con el movimiento punk. A finales de esta década grupos británicos como UB40, se interesan por este ritmo, y el estilo Ska renació con grupos como Madness, The Specials y The Selecter. Bob Marley Nacido en St.Ann, Jamaica en 1945, a los 15 años forma su grupo con Peter Tosh, Bunny Livingstone y Junior Braithwaite, con la voz de Joe Higgins. En 1972, Marley & The Wailers firmaron contrato con Island Records y su primer disco Catch A -Fire se concibió como un álbum y se orientó al público de los grupos de rock . La mezcla de Funk, soul, blues y reggae sonaba estupendamente. En 1973, sacan Burnin´ al mercado, con temas como "I Shot the Sheriff", y "Slave Driver". El primero obtuvo una gran acogida en Inglaterra, país que vivía de cerca los problemas del racismo. Para 1974, aparece Natty Dread . Para entonces, el Rastafarismo, antiguamente relegado a unos cuantos guettos, era conocido y comentado por todos. Este disco que contenía temas como "No Woman No Cry" , tuvo un éxito tremendo cuando se grabó en vivo en el Lyceum Theatre de Londres, dos años después. Marley y su grupo iniciaron giras anuales para dar a conocer sus álbumes pero, a pesar de su éxito y su nuevo status, Marley no abandona sus creencias rastafaris. Tras un intento de asesinato, su popularidad aumentó considerablemente. Poco a poco fue dejando a un lado las influencias del rock para sustituirlas por elementos africanos. A pesar de su neutralidad política en Jamaica, Marley se hallaba muy ligado a los movimientos de liberación africana. En 1979, su canción "Zimbabwe", se convirtió casi en himno y fue retomada por gran cantidad de músicos africanos. En 1980, le diagnosticaron un cáncer, el cual le causó la muerte el 11 de mayo de 1981. Capítulo 28: El punk El punk no era tan sólo un movimiento musical, era toda una protesta a la situación que atravesaba el Reino Unido a mediados de los ochenta, un país con un alto índice de desempleo, altercados callejeros y huelgas constantes. Además, los grupos de rock como Génesis o Yes ofrecían una fórmula musical desfasada y grandilocuente a una nueva generación que no encontraba sentido alguno a los lemas de "paz y amor" de los años sesenta y principios de los setenta. Esta falta de sincronía de los grandes grupos establecidos con una juventud desencantada originó el nacimiento de un estilo musical que optaba por los temas cortos, simples y una actitud alejada de formalismos que reivindicaba, una vez más, que el rasgo definitorio de la música popular no era el virtuosismo sino la juventud. The Clash, Sex Pistols y Siouxie and the Banshees se convierten en los portavoces de una generación que protesta por todo de una forma violenta. La eclosión del punk en Gran Bretaña fue un episodio tan espectacular como pasajero. Una revolución de alguna manera sofocada que, quizás, haya sido más valorada en retrospectiva que en el momento de su existencia. Sin embargo, lo realmente importante del punk es que su influencia posterior ha aumentado progresivamente. Aunque en Gran Bretaña el movimiento punk desapareció casi al año después de su propagación por parte de los medios de comunicación, y las bandas originales o desaparecían o evolucionaban hacia otros sonidos, en Estados Unidos la incidencia de esta tendencia iría creciendo poco a poco. Allí surgían grupos que protestaban contra el modo de vida americano, tomando una postura activa que contrastaba con el claro nihilismo del movimiento originario. Una de esas bandas era Dead Kennedys, autores de temas esenciales para el sonido punk como "Kill the poor". A ellos se unieron X y Black Flag dando origen al hardcore, un estilo caracterizado por su velocidad, su furia y su mensaje. El hardcore, una afirmación esencialmente más política que artística, fue un vehículo transmisor más efectivo que el movimiento inglés, haciendo tremendamente popular este sonido por todo el país. En la ciudad de Nueva York surge otra evolución del punk, la llamada no-wave, con ruidosas propuestas de la mano de Sonic Youth o Swans. Esta tendencia evolucionó, a su vez, hacia otro estilo llamado noise-rock, que jugaría un papel fundamental en el desarrollo del rock alternativo y del grunge. Johny Cummings, Douglas Colvin, Joey Imán y Tommy Erdelyi, tomaron el apodo o sobrenombre "RAMONE" para utocar una larga temporada en el conocido CBGB´s Club. Contratados en 1976 por SIRE, The Ramones con se album debut "Ramones" , fueron inmediatamente calificados como el prototipo del Punk en Estados Unidos. "Love Home" y "Rocket to Rusiia", fueron los siguientes discos de este grupo neoyorkino, que hicieron su canción "Sheena is a Punk Rocker" un hit en Inglaterra, en donde se presentarían en 1978, logrando consolidar sus posteriores discos en muy buenos lugares del Top del Reino Unido. Phil Spector produjo su quinto álbum "End of the Century". A mediados de los años 70´s,la nueva generación neoyorkina alcanzó su momento de mayor esplendor con poetas como Patti Smith,que era capaz de transmitir la sensación de hastío, antipatía y desencanto de todos ellos. El surgimiento del Punk provocó cambios necesarios en la industria discográfica. Gupos como The Police eran emblemáticos del espíritu punk, pero lograron abrirse camino gracias a grandes dosis de profesionalismo en el escenario y al talento de su compositor y bajista Gordon Summer (Sting). A pesar de la buena aceptación de sus canciones, sus dos primeros discos "Outlandos d´Amour" (1978) y "Regatta de Blanc" (1979), casi no se vendieron. Elvis Costello en 1977 firmó un contrato con el sello independiente Stiff y se da a conocer por sus canciones con letras que lanzaban críticas irónicas contra el gobierno, como sus canciones "Less than Zero" "Alison" y "Watching the Detectives" Joy Division un grupo con canciones de desencanto compuestas por Ian Curtis, se convirtió en un fiel reflejo del estado de ánimo y de la soledad que sentían los jóvenes en Inglaterra. Grabaron 2 álbumes "Unknown Pleasure" y "Closer" antes de que Curtis se suicidara en 1980. De igual modo, en Nueva York, grupos como Talking Heads, liderado por David Byrne se orientaron hacia un rock más orgánico. Sus álbumes "Talking Heads" y "More Songs About Buildings and Food" reflejan los conocimientos vanguardistas de Byrne y recogen influencias de la música africana. Por otra parte, Blondie con la cantante Debby Harry, ofrece una mezcla de grupo de escuela de arte y una sensibilidad pop ùnica, que dio lugar a éxitos como "Sunday Girl" "Heart of Glass", y "Call me", en los cuales utilizaba ritmos dance tal como lo haría Madonna años después. Otros grupos de esta corriente que dió lugar al New Wave , serían los B-52´s, The Stranglers, XTC, entre otros. Gracias por leer!!!

Hola taringueros ahora les traje una serie de 24 curiosidades que por ahí no sabian: 1.- El papel fue inventado por un eunuco chino llamado Ts'ai Lun en el año 50 de nuestra era. En occidente, los egipcios usaban el tallo de una planta, el papiro, para hacer algo similar al papel y que se a conservado bien gracias al clima árido. El papiro fue bastante usado incluso en Europa hasta que se amplió el uso del papel de China en el siglo XII, que fue fundamental para el uso de la imprenta inventada por Gutenberg (h 1398-1468) hacia el año 1450. 2.- El término latino ladro, del que proviene la palabra ladrón, significaba originalmente soldado, y fue aplicado a los amigos de lo ajeno debido a la frecuencia con que la tropa realizaba hurtos. 3.- Los romanos distinguían 3 tipos de besos: El osculum, que se da en la mejilla entre amigos; el basium, en los labios; y el suavem, que se dan los amantes. 4.- Los Tres Reyes Magos no se sabe bien si existieron o no. Lo único que se sabe es la referencia del Evangelio de S. Mateo (2, 1), en la que habla de unos magos que llegaron de Oriente para adorar al niño. No se dice que fueran tres ni que fueran reyes. Tradicionalmente se ha creído que fueron tres por los tres regalos que le trajeron (oro, incienso y mirra) y que fueron reyes, quizás porque esos regalos eran propios de tales. Por cierto, la mirra es una resina de una planta arbórea de Arabia y Abisinia muy aromática. Mezclada con vino fue el narcótico que dieron a Jesucristo en la cruz "mas él no lo tomó" (Mc. 15, 23). 5.- El animál más veloz en el agua es el pez aguja (110 Km/h). 6.- El buho puede girar la cabeza 360 grados 7.- Las moscas tienen 15.000 papilas gustativas repartidas por sus patas. La mosca común o doméstica (Musca domestica), vive de 10 a 14 días y hasta un mes en condiciones favorables. Hay muchas variedades de moscas. La más efímera dura uno o dos días, el tiempo suficiente para aparearse. 8.- La tenia o solitaria es un parásito intestinal que llega a alcanzar los 10 metros de longitud 9.- Las moscas domésticas tienen en sus cuerpos células sensibles a la presión del aire encima de ellas. Por eso, resulta casi imposible aplastar una mosca con la mano pero es muy fácil hacerlo con un matamoscas que, al tener agujeros, dejan pasar el aire y producen menor presión en el aire. 10.- Las rayas de las cebras son distintas en cada individuo y les ayudan a reconocerse unas a otras y también a camuflarse 11.- La cafeína es la sustancia estimulante del café y del té. La cafeína de una taza de café alcanza el cerebro en sólo 30 minutos, pero continúa estimulando el sistema nervioso durante más de 8 horas. Básicamente lo que hace en el organismo es incrementar la producción de energía (en forma de ATF, adenosintrifosfato). Similar a la cafeína es el estimulante del chocolate, la teobromina. 12.- Beber agua de mar no quita la sed, sino que la aumenta. La razón de esto estriba en que el riñón no puede producir orina con una concentración de sales de más de un 2%. El agua de mar tiene aproximadamente un 3% de sal, por lo que si la bebemos para calmar la sed, los riñones tienen que retirar agua de nuestro cuerpo para diluir la sal extra y esto nos hace sentir más sedientos 13.- La estatua de la Libertad, obra de Bartholdi (nacido en Colmar, en la región francesa de Alsacia), fue un regalo que Francia hizo a Estados Unidos en 1886 (inaugurada el 28 de Octubre). Fue montada sobre un gran pedestal (de 25 metros) en una pequeña isla en el puerto de Nueva York, en el extremo sur de Manhattan. La estatua, totalmente hueca, mide 44 metros de altura, pesa unas 225 toneladas y está montada sobre una estructura metálica encargada a Gustave Eiffel. Con la mano izquierda sostiene una tablilla que tiene inscrita la fecha de la proclamación de la independencia (4 de Julio de 1776). 14.- La marea alta se repite cada 12 horas y 25 minutos, en cualquier punto del planeta. Ese tiempo es la mitad del que emplea la Luna para regresar aproximadamente a la misma posición (en dar una vuelta a la Tierra). Esto se debe a que la Luna ejerce una fuerza de atracción sobre el agua de los océanos que están en el lado que está la Luna, alejándo este agua de la Tierra, pero también ejerce una fuerza sobre la Tierra alejándola del agua del lado opuesto. Así pues, las dos mareas se producen en los lados diametralmente opuestos y en linea con la posición de la Luna. En realidad no es exactamente en línea con la Luna, ya que el agua se mueve lentamente siguiendo la velocidad de la Luna pero con retraso. Como efecto secundario esto hace que la rotación de la tierra se vea frenada con lo que los días se hacen cada vez más largos (unas 2 milésimas por siglo) y además la Luna es acelerada y en consecuencia se aleja de la Tierra (unos 3 cm. por año). El Sol también produce mareas pero son aproximadamente un tercio más pequeñas que las producidas por la Luna. Así, durante la Luna Nueva y la Luna Llena (2 veces al mes) estas fuerzas se alinean obteniendo mareas más grandes de lo normal (mareas vivas o de sicigia). Durante los cuartos lunares, Cuarto Creciente y Menguante (también 2 veces al mes), las dos fuerzas se descompensan obteniendo mareas más pequeñas de lo habitual (mareas muertas o de cuadratura). 15.- El cielo es azul y el sol amarillo porque la luz del sol, que es blanca, al llegar a la atmósfera se dispersa, siendo la luz azul dispersada con mayor facilidad por las moléculas del aire. El sol es amarillo ya que este es el color resultante de quitarle a la luz blanca el componente azul. 16.- Los arcoiris se forman por la refracción de la luz del sol a través de las gotas de lluvia que caen. La luz blanca del sol es descompuesta en sus colores (rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta) por la refracción y es emitida desde las gotas de agua en diferentes ángulos, por lo que de cada gota no podemos ver todos los colores. Así, el arcoiris que vemos, el que llega a nuestros ojos, está formado por esos colores, pero cada color proviene de distintas gotas dependiendo de la altura de estas: Las gotas del color violeta están más cerca del suelo que las que nos envían la luz roja 17.- Los espejismos se forman debido a que la luz se refracta al pasar a través de capas de la atmósfera a distintas temperaturas. Así, si en el desierto se ve una palmera a lo lejos es porque la luz va directamente hacia el observador, pero la palmera también refleja la luz hacia el suelo y, esta luz, por efecto del aire caliente, es curvada hacia arriba, como si rebotara en el suelo, por lo que al observador le da la impresión de que la palmera se refleja en el agua. 18.- Para viajar a Andrómeda, la galaxia más cercana a la nuestra, necesitarias 2.400.000 años, en una nave que viajara a la velocidad de la luz (algo menos de 300.000 Km/sg). O sea, que esta galaxia vecina está a 2.4 millones de años luz. Esta galaxia (también llamada M31) es posiblemente el objeto celeste más lejano visible a simple vista por el ojo humano 19.- Para fabricar una tonelada de papel se requiere talar 14 árboles de 25 metros de altura y 20 centímetros de diámetro y en el proceso se gastan 100.000 litros de agua limpia. 20.- Un campo de golf de 18 hoyos consume diariamente tantos litros de agua como una población de 9.000 habitantes. 21.- Estados Unidos, el país más contaminante del mundo, consume el 25% de toda la energía que se produce en el planeta. La lluvia ácida que genera esta contaminación está afectando gravemente sus propios bosques y los bosques canadienses. Un ejemplo del pasado: Las famosas torres gemelas de Nueva York, del World Trade Center, consumían tanta electricidad como para abastecer a una población de 100.000 habitantes. 22.- La bomba atómica de Hiroshima, llamada "Little Boy", fue arrojada por un bombardero llamado "Enola Gay" el 6 de Agosto de 1945. Esta bomba produjo la muerte instantánea de 45.000 personas y la destrucción total de 6.5 Km. cuadrados de la ciudad. En los 4 meses siguientes murieron 19.000 personas más. La estimación final es de más de 200.000 víctimas inocentes. Todos los embarazos en un radio de más 3.2 km. no finalizaron con éxito. Se incrementó escandalosamente el número de casos de leucemia y otros cánceres. Tres días después de esta bomba se arrojó otra sobre Nagasaki. 23.- Desde que Francia inició una avalancha de pruebas nucleares en el atolón de Mururoa (en el Pacífico), empezaron a nacer niños deformes y discapacitados, algo totalmente inusual en la zona hasta ese momento. Muchas personas y animales han muerto por comer pescado, frutas o verduras contaminadas... ¿Qué pasaría si ahora los habitantes de Mururoa y sus alrededores quisieran probar una bomba nuclear en París? Aunque las pruebas terminaron a final del siglo XX, los efectos aún perduran. 24.- La caoba es un árbol muy escaso y preciado que se encuentra principalmente en la selva amazónica de Brasil y Bolivia. Por culpa de la fuerte demanda, se están devastando grandes zonas vírgenes de selva amazónica, los pulmones de la Humanidad. Por desgracia, en España se consume mucha caoba en forma de muebles y otros artículos en los que es fácil sustituir por otro tipo de madera. Espero que lo hayan leido todo y no se olviden comentar es agradecer: