NahirPerez

Buenas amigos de Taringa! les traigo unas imágenes muy útiles y muy claras sobre cómo iluminar bien un escenario, y cómo lograr el efecto que queremos sin dejar pasar ningún detalle. Cada cabo suelto cuenta a la hora de ver un buen espectáculo teatral, o ya sea musical, aunque de eso mucho no sé. Soy estudiante de Dirección de Teatro y estas son las cosas que voy aprendiendo... como yo ya lo sé y lo hago, se los comparto con ustedes para que curioseen por si quieren. Primero lo primero: las herramientas para tener en cuenta No olviden que son aparatos eléctricos y deben manejarlos siempre con cuidado, no sólo porque corremos el riesgo de una descarga, sino porque también son muy delicados. TACHO Hay mucha variedad de modelos de tachos, y éstos difieren su intensidad, su potencia, su vida útil, su proyección, etc... Ente ellos están el Elipsoidal, el PAR (1000, 300, 38, 56, etc...) y la verdad no voy a nombrarlos todos ni poner fotos porque realmente son muchos. CHASIS y GELATINA El chasis es ese armazón metálico que se ve ahí, es donde se coloca la gelatina de color, para luego ser colocado en el tacho. Las gelatinas parecen como de celofán, pero en realidad, están hechas de gelatina, no la comestible, claro. Se trata de dos planchas que contienen una pigmento de gelatina que da color. Hay muchas calidades de gelatinas, por lo que eso también será consecuente en el resultado lumínico final, es decir, algunas filtran más color que otras. LA PARRILLA Es donde colocamos todos nuestros tachos, así se le llama a la estructura que contiene los cables y sus respectivas fichas, para que nosotros coloquemos nuestro tacho y lo direccionemos. Se colocan con el gancho que está en la parte trasera del mismo, llamado "morsa" que se ajusta, se mueve, se gira... es muy útil. Por acá, tenemos las posiciones de la luz, que dependerán sobretodo de las posibilidades que tengamos, ya que no todas las estructuras de luminotecnia teatral (parrillas) poseen luminaria adecuada para estos efectos. Muestro acá cómo ilumina la cara de un actor, dónde está ubicado el tacho y qué angulo de colocación. CENITAL CONTRALUZ CONTRALUCES CRUZADOS FRONTAL FRONTAL PICADO FRONTAL MUY PICADO FRONTALES CRUZADOS RASANTES FRONTALES CRUZADOS CALLE NADIRAL Luego tenemos el color, que es un poco más divertido, como algunos ya saben, los colores primarios son el amarillo, el azul y el rojo, peeeero, eso solamente cuenta cuando hablamos de pigmentos, ya que en la luz, los colores primarios son el verde, el azul y el rojo. Uniendo dos de estos colores primarios nace un nuevo color, como los colores secundarios que mostraré aquí. ROJO + AZUL = MAGENTA VERDE + AZUL = CIAN VERDE + ROJO = AMARILLO Estas mezclas de luces son llamadas MEZCLA ADITIVAS, osea que se agrega color, para resultar otro, pero ésto sólo se logra si los dos colores vienen de tachos distintos, ya que si pusiéramos una gelatina en una luminaria estaríamos haciendo una MEZCLA SUSTRACTIVA y, así, se pueden filtrar los colores. Acuérdense que la luz tiene tres colores primarios, y si ponemos un filtro de color... azul, por ejemplo, no dejaríamos pasar el verde y el rojo, o por lo menos, dejaríamos pasar una cantidad mínima de tal luz. Es puramente matemático, a mí me costó entender qué color se filtraba y por qué, pero es cuestión de memorizarlo. Ahora... ¿qué pasaría si pusiéramos tres tachos, uno verde, uno azul, y uno rojo? La luz seríaaa..... BLANCA. Si, es muy divertido experimentar con esto. Quizás no es nada nuevo para algunos, pero para los que nunca se interesaron en esto, y quieren incursionar, es genial. Aqui les muestro un esquema mucho más claro y fashion. Amigos de T! eso es todo por hoy, espero sepan disculpar por los errores y la desprolijidad del post, ya que odio este editor y realmente me saca de quicio. Les debo la consola para la próxima, que es desde donde manejamos la luz que está conectada desde la parrilla. Espero que hayan aprendido con el post, si les gustó puedo hacer otro más adelante con algunos otros aspectos. Si me quieren preguntar algo nomas tienen que comentar. Espero dejen puntos ya que asi trucho como lo ven, me costó mucho hacer este post. Saludos y por más Inteligencia Colectiva!

Eugenio Barba Eugenio Barba (29/10/1936) Brindisi, Italia director y estudioso del teatro. Es el inventor, junto a Nicole Savarese y Ferdinando Taviani, de la "antropología teatral" como concepto. Aunque nació en Italia, ha ejercido toda su carrera prácticamente en Dinamarca y otros países nórdicos, donde fundó el Odin Teatret, una de las compañías más influyentes en la evolución del teatro europeo de finales del siglo XX. Generador, a partir de sus viajes por Latinoamérica, del concepto de Tercer Teatro. También fue fundador del ISTA (Escuela Internacional de Antropología Teatral), una escuela itinerante que realiza una sesión cada dos años desde 1980 reuniendo a representantes de formas de teatro, danza y expresión corporal tan distantes entre sí como teatro Nō, danzas kathakali de la India, pantomima clásica europea u ópera china. Ha impartido diversos talleres de teatro alrededor del mundo en países como México y Venezuela. Recibió un doctorado en la Habana por el Instituto Superior de Artes (ISA)en febrero del 2002. Apuntes sobre la dramaturgia Llamamos dramaturgia a una sucesión de acontecimientos basados en una técnica que apunta a proporcionar a cada acción una peripecia, un cambio de dirección y tensión. La dramaturgia no está ligada únicamente a la literatura dramática, ni se refiere sólo a las palabras o a la trama narrativa. Existe también una dramaturgia orgánica o dinámica, que orquesta los ritmos y dinamismos que afectan al espectador a nivel nervioso, sensorial y sensual. De este modo se puede hablar dedramaturgia también para aquellas formas de espectáculo (ya sean llamadas danza, mimo o teatro) que no están atadas a la representación ni a la interpretación de historias. Existe entonces una dramaturgia narrativa que enlaza los acontecimientos y los personajes y orienta a los espectadores sobre el sentido de lo que están viendo. Esto puede también unir formas y figuras que no cuentan historias pero que van devanando variaciones de imágenes. Y existe una dramaturgia orgánica o dinámica que apela a un nivel diferente de percepción del espectador, es decir su sentido cenestésico y su sistema nervioso. En realidad, cada escena, cada secuencia, cada fragmento del espectáculo posee una dramaturgia propia. La dramaturgia es una manera de pensar. Es una técnica que nos permite organizar los materiales para poder construir, develar y entrelazar relaciones. Es el proceso que nos permite transformar un conjunto de fragmentos en un único organismo en el cual los diferentes trozos no se pueden ya distinguir como objetos o individuos separados. Podemos hablar de una dramaturgia global del espectáculo y una dramaturgia para cada actor , una dramaturgia para el director y una para el autor. Incluso podemos mencionar una dramaturgia para el espectador, que consiste en el modo en que cada espectador vincula lo que ve en el espectáculo a lo que pertenece a su propia experiencia y lo llena con sus propias reacciones emotivas e intelectuales. La dramaturgia crea coherencia. La coherencia no significa necesariamente claridad.Es la complejidad que anima una estructura y permite al espectador llenarla con su propia imaginación e ideas. Los materiales de actuación La actuación trabaja y se constituye sobre tres tipos de relaciones: 1. Entre lo "visible" y lo "invisible". Entre el diseño exterior y lo mental, incluyendo en este último concepto las imágenes personales del actor y las motivaciones utilizadas para ejecutar la acción. Es un trabajo del actor sobre sí mismo, desentendido de la relación con los otros compañeros y el público. En este nivel el actor opera sobre su propia energía realizando las partituras de movimientos entre dos polos: forma vs precisión.- 2. Entre el actor y el espacio, el tiempo, los objetos, la música, el texto (en tanto que sonoridad a trabajar con la voz), los silencios, las luces, el vestuario y los compañeros de escena. El actor trabaja su relación con "lo otro que está en escena". Este plano de relaciones abarca la objetividad escénica y la textualidad (texto, hechos particulares de los personajes, historia en su totalidad) Es la relación que el actor entabla con otras realidades (objetos y sujetos) exteriores a su organismo psicofísico. El actor deberá realizar operaciones de transformación sobre estos objetos y sujetos, los que a su vez crearán tensiones y transformaciones en el propio actor . La introducción de un accesorio en el espectáculo significa la presencia activa de un "compañero" (alguien/algo) que nos ayuda a reaccionar. Tengo que descubrir las "vidas" del objeto, sus múltiples utilizaciones, no sólo funcionales sobre la base del objeto mismo, sino sugestiones, invenciones, "encarnaciones" sorprendentes. ¿Cuál es su columna vertebral? ¿Cómo trabaja? ¿Puede marchar, bailar, volar, deslizarse? ¿Y su dinamismo? ¿Es veloz? ¿Puede hacerse lento? ¿Es pesado? ¿Puede volverse ligero? ¿Qué asociaciones nuevas puede despertar? ¿Cómo lo puedo manipular siguiendo la lógica de esas asociaciones? El objeto tiene "voz". ¿Cómo hacer surgir sus potencialidades sonoras, cómo estructurarlas en melodías, en acentos que subrayen las acciones? Si le permitimos al objeto descubrir su libertad, su emancipación frente a nuestro control, obligamos a nuestro cuerpo/mente a estar totalmente presente, listo para reaccionar frente a las tareas más sencillas. No intentamos "expresar" algo. Intentamos sólo ejecutar, estar en la acción con toda nuestra presencia. El actor deberá entonces enmarcar la objetividad (lo otro que está en escena) en esquemas ficcionales, en contextos narrativos o descriptivos, en los cuales actuará transformando esa objetividad y transformándose. La tarea del actor en este segundo nivel de relaciones no es sólo energética, sino esencialmente lingüística. Si el primer nivel es el dominio del cuerpo, este segundo nivel es el dominio del lenguaje. Cuerpo y lenguaje son las dos riberas firmes que encauzan el fluir cálido y evasivo de la sangre de la actuación escénica. Coincidimos con José Luis Valenzuela en que esa palabra, ese lenguaje es siempre del otro entendido como ese sistema de convenciones significantes que se nos impone y que regula la construcción de nuestro decir inteligible. 3. Entre el actor y su público. El tercer nivel es el de la totalidad, es el tejido que revela patrones, matices, colores, dibujos; es la mina de la cual cada espectador va a extraer los significados. Es el nivel en el cual hay una elaboración precisa por parte del bailarín/ actor para crear imágenes, asociaciones en el espectador, para dirigir su (a)tens(c)ión hacia perspectivas inusuales o inesperadas. Es en este nivel donde aparece la significación y donde el actor seduce al espectador, lo hace reaccionar, lo induce a pensar, se transforma en la causa de su deseo. Amigos de Taringa! eso es todo, espero que les haya servido para sus estudios o bien para informarse más sobre el teatro, y que sepan que no sólo es la Tragedia y la Comedia, sino que abarca mucho más que eso. ¡Hasta el próximo post!