Mighoet

Quienes estaban por casualidad viendo ayer el episodio de Saturday Night Live, se habran pegado un susto cuando un anuncio de daft punk aparecio con un tema, se supone aparecera en su nuevo album, sea No End, Skydive, Ballo in Maschera, Helmets, o como sea que lo llamen va a ser asombroso... Aqui les dejo el link de donde me entere y el video, sorprendanse!!!!!!!!!!!!! Aquello que estaban viendo el episodio de anoche de Saturday Night Live pudieron ver un video inesperado que dura 15 segundos, eso significa que si parpadeas te lo pierdes, el anuncio fue presentado por el dúo frances Daft Punk. El breve trailer, cuenta con el logo brillante de Daft Punk y las famosas máscaras de la pareja de robots, con sonidos disco con tintes groove que parece ser su nueva música. Daft Punk., quien recientemente anunció su alianza con Columbia Records, han confirmado que van a tener un nuevo álbum en la primavera, que se rumorea que incluye colaboraciones con la legendario productor disco Giorgio Moroder, productor / co-fundador de Chic Nile Rodgers y colaborador de Feist Chilly Gonzales, entre otros. Los principales momentos musicales de la Kevin Hart alojada en SNL llegó en la forma de otro par de funky, Macklemore Lewis y Ryan, quien hizo su debut en el show al realizar versiones energéticas de "Can´t Hold Us" y su éxito oda a los garages en descuento, "Thrift Shop". Comenten y den Puntos por favor, estoy seguro es importante!!!

Para estar al tanto de todos mis aportes, seguime @Mighoet. Cualquier duda, envienme un MP, soy muy activo. Borro comentarios fuera de lugar. La Historia de la Musica Electronica - Parte 3: Generos (continuacion) Como se habran dado cuenta, los 65000 caracteres reglamentarios dejaron la 2da parte incompleta, asi que toco hacer una tercera, aqui se las dejo con lo que falto. Disfruten Trance Trance es un género de música electrónica que se desarrolló en los años 1990. La música trance está caracterizada generalmente por un tiempo entre 120 y 140 BPM, fraseos melódicos cortos de sintetizador y una forma musical que sube y baja durante cada tema. Es el resultado de la combinación de diferentes estilos musicales, como el industrial, el techno y el house (en ocasiones posee pequeños samples de música clásica y de filmes). El origen del término es incierto, aunque se ha sugerido que puede derivar del álbum Trancefer, de Klaus Schulze, publicado en 1981, o bien del grupo Dance 2 Trance. El Trance transfiere una sensación emocional inducida como la euforia, escalofríos e incluso fiebre, es una edificante experiencia de los oyentes. Una característica de casi todas las canciones del trance es la degradación medio de una canción suave con un tempo 4/4 que corre lentamente, comenzando y que se producen después de que la orquestación se descompone y el ritmo de las pistas se desvanecen rápidamente, dejando la melodía, atmosféricos o ambos de estar solos desde unos pocos segundos a unos pocos minutos. Otra característica común sería el uso de la voz (a menudo cantadas por una voz femenina) que van desde la mezzo-soprano de soprano. Con menos frecuencia, las voces femeninas pueden estar en un alza, o la ópera de estilo, que ha sido descrito como "etérea mujer flotando entre los sintetizadores". link: http://www.youtube.com/watch?v=CGG2qYxp1kc Subgeneros: -Acid trance -Dark trance -Dream trance -Electrance -Euro trance -Goa trance -Hard trance -Ibiza Trance -Nitzhonot -Psychedelic trance -Dark psytrance -Full on -Progressive psytrance -Psybreaks -Suomisaundi -Progressive trance -Tech trance -Uplifting trance -Vocal trance Artistas: -Arty -ATMA -Basshunter -Andy Blueman -Armin van Buuren -Carl Cox -Chab -DJ Chus -Dance 2 Trance -Example -Ryan Farish -Markus Schulz -Dash Berlin -Above & Beyond -Gareth Emery -Ferry Corsten -Rank 1 -ATB -Paul Oakenfold -Pulser -Roger Shah -AQi Fzono -Susumu Hirasawa -Marlo Hoogstraten -In R Voice -Yuri Kane -Sunny Lax -DJ Mangoo -Masoud -Matthias Menck -Robert Miles -Jam & Spoon’s -Nadix -Shingo Nakamura -John O'Callaghan -Ollie Olsen -Omnia -Paul van Dyk's -Costa Pantazis -Sander van Doorn -DJ Sammy -Tatana Sterba -Tsuyoshi Suzuki -Tiësto -Temple One -TyDi -Ashley Wallbridge -Yoji UKG UK garage (también conocido como UKG o simplemente garage) es una denominación genérica que engloba varios subgéneros que surgieron a partir del house clásico y del jungle en Gran Bretaña a finales de los años 1990. Hoy en día esta categoría musical engloba básicamente cuatro subgéneros: 2step, grime, dubstep y bassline. En Inglaterra, donde el jungle y el primer drum and bass eran muy populares en la escena de música electrónica de baile hacia mediados de los años 1990, el garage house estadounidense era la música que solía programarse en la segunda sala de los clubs. A medida que fue pasando el tiempo, los DJs locales comenzaron a adaptar ese sonido para la audiencia jungle, acelerando los temas. Es así como surge el género llamado speed garage, predecesor del UK Garage. Los DJs solían poner las versiones dub, sin vocales, de los temas de house. La ausencia de voz permitía la presencia de MCs rimando, una de las características del estilo desde entonces. Entre los primeros promotores de speed garage están Dream Team y Tuff Jam. El sonido comenzó a propagarse gracias a las radios piratas inglesas. Alguno de los primeros ejemplos de speed garage incluirían "So More (I Refuse)" de Industry Standard, "Love Bug" de Ramsey y Fen, 'RIP Groove' de Double-99 y el remix de Armand van Helden's del tema de Tori Amos "Professional Widow". El speed garage se caracterizaba por sus patrones rítmicos de house acelerados, combinados con cajas repetitivas y gruesas líneas de bajo típicas del drum and bass. Realmente el género tomaba multitud de elementos de la escena junglista de la época, como las vocales ragga, los graves, los efectos en las mezclas o el desarrollo del ritmo. link: http://www.youtube.com/watch?v=nhR2WdgUeQY link: http://www.youtube.com/watch?v=_t2TzJOyops Subgeneros: -2-step garage -Breakstep -Future garage -Grime -Dubstep -Grindie -Speed garage -Bassline/4x4 -UK funky Artistas: -187 Lockdown -3 of a Kind -Shola Ama -Another Level -Architechs -Artful Dodger -Daniel Bedingfield -Burial -M. J. Cole -DJ Cameo -Craig David -Disclosure -Ms. Dynamite -Todd Edwards -El-B -DJ EZ -Gemma Fox -Grant Nelson -Groove Chronicles -H "Two" O -Heartless Crew -Horsepower Productions -Harvey -Jaimeson -Katy B -Landslide -Kele Le Roc -Luck & Neat -Lisa Maffia -Mis-Teeq -Grant Nelson -Oxide & Neutrino -Phuturistix -DJ Pied Piper and the Masters of Ceremonies -Platnum -DJ Q -SBTRKT -Shanks & Bigfoot -So Solid Crew -The Streets -Sweet Female Attitude -T2 -True Steppers -Wideboys -Zed Bias -Zomboy UKG/Dubstep Musicians: -12th Planet -16bit -2562 -Adventure Club -Avicii -Aleksander Vinter -Bassnectar -Benga -Benny Benassi -Big Chocolate -James Blake -Borgore -Boxcutter -Breakage -Burial -Dandruff -Chase & Status -Clubroot -Cyrus -Datsik -Digital Mystikz -Dillon Francis -Dirtyphonics -Distance -DJ Chef -DJ SFR -Doctor P -Dog Blood -Drop the Lime -El-B -Emalkay -Excision -Flux Pavilion -Foreign Beggars -FS -The Gaslamp Killer -Geiom -Gemini -Jon Gooch -Goth-Trad -Mick Harris -Horsepower Productions -Ikonika -Ill-esha -Infected Mushroom -Jack Beats -Jakwob -JDevil -Joker -Joy Orbison -Juakali -Killbot -Knife Party -KOAN Sound -Kode9 -Krewella -Liquid Stranger -The M Machine -Magnetic Man -Kevin Martin -Martyn -Modestep -Mount Kimbie -MRK1 -Mt Eden -Navene-k -Nero -Joe Nice -Noisia -Pinch -Plastician -Porter Robinson -Rusko -Reid Speed -Savant -Scuba -Ivan Shopov -Skream -Skrillex -Jake Stanczak -Sub Focus Bueno, link a la primera parte (click en la imagen): Link a la segunda parte: Otros Aportes Discografia de Feed Me (MEGA) Megapost Tributo a Daft Punk - El Post que se Merecen! La Excelsa Discografia de Daft Punk (MEGA) MegaPost - Discografia de Justice (320kbps - MEGA) Discografia Completa de Miike Snow (MEGA) Discografia Completa de Skrillex (MEGA) Discografia de Variety Lab (MEGA) Mi blog de Musica (MEGA) Discografia de Bajofondo (MEGA) (03/03/13) Daft Punk sorprende en SNL Discografia de Xilent (MEGA)

Para estar al tanto de todos mis aportes, seguime @Mighoet. Cualquier duda, envienme un MP, soy muy activo. Borro comentarios fuera de lugar. La Historia de la Musica Electronica - Parte 2: Generos Bien sabemos que la electrónica es uno de los más grandes géneros de la actualidad, lo que nos llevo hasta aquí son casi cien años de desarrollo e innovación, específicamente en tres aspectos: -La música electrónica de origen culto (o música estocástica) desemboca en el uso público y masivo. -El rock empieza a utilizar sintetizadores. -Y la música de baile norteamericana evoluciona para los 70’ en la era Disco. Estos tres sucesos dieron pie a la actual música electrónica, la de los fabulosos performances, luces láser, Dj’s y otros tantos elementos que la diferencian de sus eras antecesoras. NOTA: La caracterización de los géneros es superflua y básica, no me extendió en ninguno de los casos porque eso nos llevaría a hacer muchos posts. Los artistas mencionados en cada género no son exclusivos, solo los más importantes, y seguro aparecerán más de una vez (recuerden que prácticamente cada músico compone en casi 5 géneros diferentes). Si sienten que me falto algún músico y/o genero les ruego me lo comuniquen en un MP o en los comentarios de este post. Disfruten !!! Antes una pequeña explicación: Música electrónica de baile (o EDM, por sus siglas en ingles), es un conjunto aleatorio de géneros de música electrónica producida principalmente para su uso en el contexto de una discoteca, o en un entorno centrado en una forma de ocio basada en el baile. La música es creada en gran medida para su reproducción por disc jockeys y con la intención de ser escuchada en una sesión continua del DJ, en la que el DJ progresa de un disco al siguiente a través de su mezcla sincronizada. La música electrónica de baile comprende un amplio espectro de géneros musicales de contenido percusivo que, en buena medida, son herederos de la música electrónica de Kraftwerk y de la música disco de los años 1970. Esta música nació y fue popularizada en diferentes escenas de clubs nocturnos en los años 1980. Hacia comienzos de los años 1990, la presencia de la música electrónica de baile dentro de la cultura contemporánea se había extendido ampliamente, comenzando a ser estudiada académicamente en áreas científicas como la historia, la cultura y la sociología. Los géneros que pertenecen a esta clase específica de mención son: -Breakbeat -Disco -Drum and bass -Downtempo -Dubstep -Electro -Eurodance -Hardcore -Hi-NRG -House -Techno -Trance -UK garage Ambient El ambient es un género musical en el cual el sonido es más importante que las notas. Generalmente se identifica por ser profundamente atmosférica y ambiental. La música ambient evolucionó desde las formas musicales semi-audibles de principios del Siglo XX, del impresionismo de Erik Satie, a través de la música concreta y el minimalismo de Terry Riley y Philip Glass, y el deliberado acercamiento subaudible de Brian Eno, hasta su uso en la música electrónica. Acontecimientos posteriores encontraron elementos "soñadores" no-lineales de la música ambient aplicados a algunas formas de música rítmica presentes en las salas de chill-out en los raves y otros eventos de baile, pero siempre con la característica primaria que la música intenta atravesar la conciencia del oyente mientras crea su efecto sobre éste. link: http://www.youtube.com/watch?v=hhBG1ilB3ao Subgeneros: -Ambient house -Ambient techno -Dark ambient -Drone -Illbient -Psybient Artistas: -Arnold Schoenberg -Erik Satie -György Ligeti -Fleetwood Mac -Popol Vuhl -Tangerine Dream -Wendy Carlos -Can -Gong -Kraftwerk -Koan -Pendulum -Harmonia -Neu! -Chuck Hammer -Harold Budd -Hirokazu Tanaka -The KLF -The Orb -Aphex Twin -Nine Inch Nails -Pete Namlook -Lull -Moby (a.k.a Voodoo Child) -The Fireman (Paul McCartney y Youth) -Neptune Towers (Gylve Nagell aka Fenriz) -Kenji Yamamoto -Robert Scott Thompson -Boards of Canada -Richard Bone -Marvin Ayres -Radiohead -Air -Biosphere -Bonobo -Buckethead -Thomas Newman -Panda Bear Breakbeat Breakbeat (a veces Breaks o breakbeats) puede referirse a dos cosas distintas pero relacionadas: Es a la vez un género de la música electrónica y el ritmo percusivo distintivo del que este género debe su nombre, por lo general se caracteriza por el uso de un no-enlazado (instrumentos de percusión no suenan directamente en el golpe) Patrón de Drums 4/4 (en comparación con el ritmo constante del house, techno y trance). Estos ritmos pueden caracterizarse por su uso intensivo de la síncopa y poliritmos. Ambos significados están estrechamente relacionados con hiphop y B-boying (breakdance). Como un dispositivo musical, los breakbeats se han conocido y utilizado por casi un centenar de años, pero el nombre y el significado moderno de sus orígenes toman lugar hasta el surgimiento del hiphop en los Estados Unidos en la década de 1970. El nombre del género de música electrónica del mismo nombre es considerado como un derivado de los principios de la música rave en el Reino Unido, donde se añadieron breakbeats a la música para formar lo que se conoce como del hardcore breakbeat. Sin embargo, los breakbeats ya habían sido utilizados por DJ’s de HipHop norteamericano y Scratchers, en conjuntos instrumentales mucho antes de la llegada del Rave en el Reino Unido, y se podría argumentar que las dos escenas se han desarrollados en paralelo. Hoy, el breakbeat se encuentra en escenas regionales muy fuertes en los EE.UU. y el Reino Unido. Los Breakbeats se utilizan con frecuencia en la producción de géneros tan diversos como la música hip-hop, jungle o drum and bass, hardcore, UK garage (incluyendo 2-step, Breakstep y Dubstep) e incluso del pop y el rock. Desde la década de 1990, el breakbeat ha sido ampliamente utilizado como música de fondo para anuncios de televisión, así como en las bandas sonoras de películas de acción, sobre todo en forma de Big Beat. link: http://www.youtube.com/watch?v=n3N_Lkgftc4 Subgeneros: -Acid breaks -Baltimore Club -Big beat -Broken beat -Nu skool breaks -Florida breaks -Nu-funk Artistas: -12th Planet -2 Bad Mice -Aquasky -Autopsia -Baby D -Bassnectar -Billy Van (musician) -King Britt -Cereal Killaz -The Chemical Brothers -Garry Cobain -Norman Cook -The Crystal Method -Datach'i -Datsik -Deckscar -Deekline -Devolution -Brian Dougans -Evil Nine -Excision -Flying Steps -Freestylers -Freq Nasty -Lo-Key Fu -Captain Funk -The Future Sound of London -Hifana -Hybrid -DJ Hyper -DJ Icey -Meat Katie -Kicks Like a Mule -KiloWatts -Krafty Kuts -Leko -Lionrock -Mad Doctor X -MentalEscape -NAPT -Noisia -Orbital -Phuq -Rennie Pilgrem -The Prodigy -Sain -Emeli Sandé -Velapene Screen -DJ Sharaz -Parov Stelar -David Tipper -Tsunami One -Überzone Chiptune Chiptunes, chip musics es música escrita en formatos de sonido donde todos los sonidos son sintetizados en tiempo real por el chip de sonido de una videoconsola. La "era de oro" de los chiptunes fue desde mediados de los 1980 hasta principio de los 1990, cuando estos chips eran el único modo de reproducir música en los ordenadores. Este medio dio una gran flexibilidad a los compositores para crear sus propios sonidos de "instrumentos", pero como los primeros chips de sonido solo tenían generadores de tonos simples y ruido, también impuso importantes limitaciones ante la complejidad del sonido. Los chiptunes suelen parecer así "ásperos" o "chillones" al oyente corriente. Estos chiptunes están muy relacionados con la música de los videojuegos, compartiendo con estos la cultura y origen. Estrictamente hablando, el chiptune se caracteriza por utilizar el chip de sonido incluido en los ordenadores de 8 bits o bien samples menores a 4 kilobytes que son reproducidos en bucle (loop) en algún secuenciador (tracker) y utilizando envolventes de amplitud para darles forma a estos. El término también se utiliza hoy en día para referirse a un género musical que utiliza el sonido distintivo de estos instrumentos sintetizados, más por su valor artístico que por limitaciones de hardware. link: http://www.youtube.com/watch?v=DHmYC8a_4cI Subgeneros: -Bitpop -Bleep techno -Game Boy music -Nintendocore -Skweee Artistas: -AlexPowrs -Anamanaguchi -Anthony Crowther -Ben Daglish -Chipzel -Chris Hülsbeck -David Whittaker -DJ Ignat A.K.A. Neotericz -FantomenK -Ghidorah Chiptune -Henry Homesweet -Hirokazu "Hip" Tanaka -Hollow Fran -Hurrigame boy -Jean Sebastien Gerard -Jeroen Tel -Jochen Hippel -Kitsune² -Kōji Kondō -Kubbi -Martin Galway -Matt Furniss -Michael Land -Pavlo V. A.K.A. Coleco Music -Remi Vicious -Rainbowdragoneyes -Rob Hubbard -Sabrepulse -Silly Rave -Talk to animals -Tim Follin -Yuukichan's Papa -Vampire Party -Ninho -NESs Disco Disco es un género de música que alcanzó su punto máximo de popularidad en la década de 1970, aunque desde entonces ha disfrutado breves resurgimientos incluyendo el día de hoy. Las canciones disco normalmente estaban estructuradas sobre un repetitivo compás de 4/4, marcado por una figura de charles, de ocho o dieciséis tiempos, con hi-hat abierto en los tiempos libres, y una línea predominante de bajo sincopado, con voces fuertemente reverberadas. Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 bpms por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino como merengue, rumba o samba. El término se deriva de la discothèque (en francés "biblioteca de discos fonográficos", que se utiliza posteriormente como nombre propio de los clubes nocturnos en París). Sus audiencias iniciales fueron: noctámbulos de las comunidades americanas, gay, latino, americano italiano, y psicodélico africanos en la ciudad de Nueva York y Filadelfia durante la década de 1960 y principios de 1970. Disco también fue una reacción tanto contra la dominación de la música rock y la estigmatización de la música de baile por la contracultura durante este período. Las mujeres fueron las primeras en acoger la era Disco, la música que surgió durante esta emancipación, se expandió luego a varios otros grupos populares de la época, como la música electrónica, de la que el Disco es antecesor. link: http://www.youtube.com/watch?v=cqupk71a-O0 Subgéneros: -Cosmic disco -Disco polo -Euro disco -Italo disco -Nu-disco -Hi-NRG -Space disco Artistas: -A Taste of Honey -ABBA -Andy Gibb -Anita Ward -Amii Stewart -Arpeggio -Bebu Silvetti -Carl Douglas -Celi Bee -Charo -Cher -CHIC -City -Dan Hartman -Dazz Band -Diana Ross -Earth, Wind & Fire -Edwin Starr -Eruption -France Joli -Gary's Gang -Ginno Soccio -González -Heatwave -Jimmy Bo Horne -Kano -La Bionda -Leif Garret -Love and Kisses -Michael Jackson -Musique -Ottawan -Patrick Hernández -Patrick Juvet -Rick James -Salsoul Orchestra -Silver Convention -Sister Sledge -Stellar All Stars -Sylvester -Teena Marie -Tina Charles -The Trammps -Thelma Houston -Two Man Sound -Yvonne Elliman Downtempo Downtempo (o downbeat, en ocasiones confundido con el chill-out) es un tipo de música electrónica caracterizada por su sonido relajado, similar al ambient, con la diferencia respecto a éste de que normalmente cuenta con ritmo o groove. Este beat puede ser conseguido a partir de loops con una sonoridad hipnótica. Otras veces, los ritmos son más complejos y prominentes, pero incluso en ese caso tienen menos intensidad que en otras formas de música electrónica. El término música chill-out se ha empleado en ocasiones para referirse a esta música, pero es una palabra que se aplica también a otros géneros. Un género relacionado con el downtempo es el trip hop, aunque el downtempo normalmente utiliza un tempo más lento (como su nombre lo indica). Debido a su sonoridad relajada e incluso sensual, y a la ausencia o el mínimo uso de vocales, buena parte de la música downtempo ha sido utilizada como música de fondo en el área chill-out de las fiestas o como banda sonora en cafés. link: http://www.youtube.com/watch?v=mrnhjUMWV0Y Subgéneros: -Acid jazz -Chill out -Ethnic electronic -New Age Music -Nu jazz -Trip hop Artistas: -9 Lazy 9 -Air -Aphex Twin -Bibio -Blockhead -Bluetech -Boards of Canada -Bonobo -Boozoo Bajou -Bowery Electric -Cashmere Cat -DJ Cam -DJ Vadim -Dntel -Emancipator -Enigma -Fila Brazillia -Flume -Funki Porcini -Four Tet -Geyser -Goldfish -Goldfrapp -Hermitude -Hooverphonic -James Blake -Kruder & Dorfmeister -Lemon Jelly -Lone -LTJ Bukem -Massive Attack -Mimi Page -Moby -Mono -Morcheeba -Nicolas Jaar -Nightmares on Wax -Naomi -Patrick Wolf -Portishead -Rae and Christian -Röyksopp -Sébastien Tellier -Smoke City -The Cinematic Orchestra -Tipper -The xx -Thievery Corporation -Two Loons for Tea -Tosca -Tycho -Ulrich Schnauss -Ulver -Varien -Zero 7 -Dualline Drum & Bass El drum and bass (abreviado con las contracciones drum'n'bass, drum & bass, D&B o D'n'B) es un tipo de música electrónica que surgió en Inglaterra a principios de los años 1990. El género se caracteriza por los breaks acelerados (típicamente entre 160 y 190 bpm) combinados con poderosas líneas de bajo. El drum and bass comenzó como una ramificación de la música rave a principios de los años 1990. Desde entonces, ha ido evolucionando y combinándose con otros estilos, lo que ha dado lugar a múltiples subgéneros. link: http://www.youtube.com/watch?v=p45EqfsfgGY link: http://www.youtube.com/watch?v=xLJXp8Tsxis Subgéneros: -Darkstep -Drill and bass -Drumfunk -Drumstep -Hardstep -Jump-Up -Jazzstep -Liquid funk -Neurofunk -Sambass -Techstep Artistas: -A Sides -Adam F -AFX -Alex Reece -Alix Perez -Amdukias -Andy C -Antagonist -Apex -Aphrodite -Aquasky -Arcon 2 -Asian Dub Foundation -Bad Company UK -Baron -Black Sun Empire -Blu Mar Ten -Blue Stahli -Michiel van den Bos -Boymerang -Breakbeat Era -Brookes Brothers -Calibre -Calyx -Camo & Krooked -Capital J -Cause 4 Concern -Celldweller -Chase & Status -Cooh -Commix -Concord Dawn -Congo Natty -Corrupt Souls -Counterstrike -DJ Craze -Crissy Criss -Cyantific -Danny Breaks -Danny Byrd -DBridge -DC Breaks -Dara -Decoder -D.Kay -DeeJay Delta -Delta Heavy -Demon Boyz -Dirtyphonics -DJ Hidden -DJ Hype -DJ Hazard -Dextrous -Die -Dieselboy -Dillinja -Dom & Roland -Doubleclick -Dwarf Electro -Delta 9 -Drumagick -Ed Rush -Enduser -Evol Intent -Exile -Eye-D -EZ Rollers -Food -Fresh -Freaky Flow -Front Line Assembly -Friction -Future Engineers -Future Prophecies -G Dub -Goldie -Gridlok -Grooverider -A Guy Called Gerald -Gvozd -Hidden -High Contrast -Hive -Hybrid -Hyper-On Experience -Hype -J Majik -John B -Jojo Mayer's Nerve -Jonny L -Jubei -Kemistry -Kemistry & Storm -Killbot -Kill the Noise -Klute -Konflict -Kosheen -Krust -Lamb -Landslide -Left Spine Down -Lenzman -Limewax -Loadstar -Logistics -Lomax -London Elektricity -Maduk -Makoto -Marky -Matrix -Micky Finn -Mistabishi -Modestep -M-Beat -Mr Freex -Nanotek -Netsky -Nico -Nobukazu Takemura -Noisia -Nucleus -Omni Trio -Optical -Optiv -Panda -Paradox -Pascal -Patife -Paul B -Pendulum -Peter Nice Trio -Phace -Photek -Polar -Q Project -QBIG -Quoit -Qemists -Ram Trilogy -Rameses B -Rap -Red -Red Snapper -Remedy -Renegade Soundwave -Replicator -Reprazent -Resonance -Roni Size -Rregula -Rollz -Rudimental -Salmonella Dub -Seba -Shapeshifter -Shy FX -Shimon -The Shizit -Slipmatt -Source Direct -Spor -Spectrum -Spring Heel Jack -Squarepusher -SS -Stamina MC -Stanton Warriors -State of Mind -Step 13 -Stevie Hyper D -Starscream -MC Skibadee -Sub Focus -System 7 -Tiki Taane -Tech Level 2 -Teebee -Timecode -Total Science -T-Power -Trace -Typecell -Theo B -The Shizit -TC -The Upbeats -Vector Burn -Venetian Snares -XRS -Xample -Xilent Electro Electro (abreviatura de electro-funk o electro-body) es un género de la música electrónica de baile directamente influenciado por el uso de cajas de ritmos TR-808, y el sampleo de música funk. Las canciones en el género típicamente cuentan con cajas de ritmos y sonidos electrónicos pesados, por lo general sin voz, aunque si las voces están presentes, éstos se entregan de forma inexpresiva, a menudo a través de la distorsión electrónica, como vocoding y talkboxing. Esta es la distinción principal entre los géneros electro y los sucesores directos del Disco, en el que el sonido electrónico era sólo una parte de la instrumentación en lugar de la base de toda la canción. En la actualidad, el prefijo “electro” denomina a los géneros que se fusionaron con el electro (como ElectroHouse o el Electroclash, hasta el Skweee). link: http://www.youtube.com/watch?v=WQOOA6BPlm4 Subgéneros: -Freestyle music -Electroacoustic music -Acousmatic music -Electroacoustic improvisation -Musique concrète Artistas: -Afrika Bambaataa -Aux 88 -Anthony Rother -Arabian Prince -Arthur Baker -Cybotron -Cylob -Daft Punk -Davy DMX -DMX Krew -Dopplereffekt -Drexciya -Dynamix II -Egyptian Lover -Freeez -Grandmaster Flash -Hashim -Imatran Voima -I-F -Jackal & Hyde -Jonzun Crew -Kid Frost -Kraftwerk -LA Dream Team -Maggotron -Man Parrish -Mantronix -Michael Jonzun -Midnight Star -Model 500 -Mr. Magic -Mr Velcro Fastener -Music Instructor -Newcleus -Warp 9 -Planet Patrol -Roger Troutman -Ryuichi Sakamoto -Scape One -Tyrone Brunson -Volsoc -World Class Wreckin' Cru -Yellow Magic Orchestra Electrónica Este término es un poco complicado de entender, ya que la electrónica es un género de la música electrónica, esto suele generar confusión, ya que tanto la Música Electronica, como el género Electronica (igual pronunciación para el ingles y el español) son simbólicamente lo mismo, la diferencia yace en que, como el EDM, recoge un campo aleatorio de géneros (la mayoría no bailables). Electronica es un género de la música compuesta dentro de una amplia gama de la música electrónica contemporánea diseñada para una amplia gama de aplicaciones, incluyendo la escucha en primer plano, algunas formas de baile, y la música de fondo para otras actividades. A diferencia de la música electrónica de baile, no todos los ejemplos de la electrónica están necesariamente hechos para bailar. En los géneros estadounidenses tales como Techno, Downtempo, y el Ambient se encuentran entre los abarcados por el término general, entrando en la corriente principal americana de música "alternativa" o "underground", durante la década de 1990. Esta música se hizo popular con el grupo alemán Kraftwerk. Allmusic clasifica “Electronica” como un género de alto nivel en su página principal, donde afirman que la electrónica incluye canciones bailables a la música para auriculares e incluso algunos sonidos en concordancia con el chill-out. Electronica ha crecido para influir en la corriente principal grabaciones de cruce. Los sonidos electrónicos comenzaron a formar la base de una amplia gama de la música popular en la década de 1970, y se convirtió en clave para el pop convencional y los sonidos de rock de la década de 1980. Desde la adopción de la "electrónica" en la década de 1990 para referirse a la música más underground, con una estética electrónica, los elementos de la electrónica moderna han sido adoptados por muchos artistas populares de la música comercial. link: http://www.youtube.com/watch?v=oiSohz7B0Zo Subgéneros: -Berlin school -Chillwave -Folktronica -Funktronica -Laptronica -Livetronica Artistas: de hecho, todo artista que se encuentre los géneros mencionados y los que están por venir, forman parte de esta lista. Electronic Rock Rock electrónico, también conocido comúnmente como synthrock, electrorock o digital rock, es la música rock generada con instrumentos electrónicos. Ha sido muy dependiente de la evolución tecnológica, particularmente, la invención y el refinamiento del sintetizador, el desarrollo del formato digital MIDI y la tecnología informática. A finales de 1960 los músicos de rock comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el theremin y el Mellotron, para complementar y definir su sonido, a finales de la década, el sintetizador Moog tuvo un lugar destacado en el sonido de las nuevas bandas de rock progresivo que dominarían el rock a principios de 1970. Después de la llegada del punk rock (una forma de rock básica), se fueron utilizando cada vez más las nuevas tecnologías digitales para sustituir a otros instrumentos. En la década de 1980, el Synth Pop más orientado comercialmente, domino al rock electrónico. En el big beat y el rock industrial de 1990 estaban las nuevas tendencias más importantes y en el nuevo milenio, la difusión de software de grabación llevó al desarrollo de nuevos géneros diferentes, incluyendo indietronica, electroclash, dance-punk y new rave. link: http://www.youtube.com/watch?v=osY6anzQ7Uk link: http://www.youtube.com/watch?v=SVq2yMuAMVQ Subgéneros: -Alternative dance -Coldwave -Dance-punk -Dark Wave -Electronicore -Ethereal Wave -Indietronica -Krautrock -New rave -Nu-gaze -Space rock -Synthpop -Synthpunk Artistas (desde 1960 hasta el 2000): -Graham Bond -Mike Pinder -The Beatles -Ian McDonald -Rick Wakeman -Tony Banks -The Beach Boys' -Micky Dolenz -Paul Beaver -Pink Floyd -Emerson -Pete Townshend -Electric Light Orchestra -Genesis -Return to Forever -Weather Report -Kraftwerk -Tangerine Dream -Can -Faust -Hot Butter -Isao Tomita -Osamu Kitajima -Haruomi Hosono -Jean Michel Jarre -Vangelis -Tomita -Suicide -Ultravox -The Human League -Gary Numan -Devo -John Foxx -Depeche Mode -Duran Duran -Spandau Ballet -A Flock of Seagulls -Culture Club -ABC -Soft Cell -Talk Talk -B-Movie -Eurythmics -Fat Boy Slim -The Prodigy -The Chemical Brothers -The Crystal Method -Überzone -Lunatic Calm -The Smashing Pumpkins -Ministry -Nine Inch Nails -Stereolab -Disco Inferno -Broadcast -Justice -Lali Puna -The Postal Service -Ratatat -Felix da Housecat -Peaches -Chicks on Speed -Fischerspooner -Ladytron -LCD Soundsystem -Liars -The Rapture -Klaxons -Trash Fashion -New Young Pony Club -Hadouken! -Late of the Pier -Test Icicles -Shitdisco -Cut Copy -The Bravery -The Killers Hardcore El hardcore techno, techno hardcore o simplemente hardcore, es un estilo de música electrónica que se originó en Alemania a finales de los años 1980, siendo los Países Bajos donde ha gozado de una mayor repercusión cultural y social. Se caracteriza por un tiempo rápido, distorsión de ritmos y samples, todos ellos de corte industrial, y melodías disonantes. La velocidad de este género es una de sus características principales pues, según el estilo que se use, puede variar de 150 BMP's a 250 BMP's. En la composición melódica destaca la polifonía, los trinos y la disonancia. Este último hecho dota al estilo de un especial interés para los estudiosos de la música, ya que se trata de uno de los pocos estilos musicales modernos con melodías disonantes. No obstante se trata de melodías simples, en la mayoría de los casos. Destacan en casi todos los géneros las secuencias derivadas de sintetizadores como el Roland TB303 y Alpha Juno-II. link: http://www.youtube.com/watch?v=kKUmXrRF5B4 Subgéneros: -4-beat -Breakbeat hardcore -Bouncy techno -Breakcore -Digital hardcore -Darkcore -Freeform Hardcore -Gabber -Happy hardcore -Hardcore breaks -Makina -Rave -Speedcore -Terrorcore -Trancecore -UK Hardcore Artistas: -3 Steps Ahead -Acen -Altern-8 -Angerfist -Atari Teenage Riot -Baby D -Bang! -Bizarre Inc -Charly Lownoise & Mental Theo -CJ Bolland -Darren Styles -Delta 9 -Dream Frequency -DJ Demigod -DJ Freak -DJ Misjah (Dyewitness) -Dougal -Dune -Eiterherd -Endymion -Gammer -Genaside II -Hixxy -The Horrorist -Joshua -Kasparov -La Peste -Lords of Acid (Channel X, Digital Orgasm, MNO) -Luna-C -Manix -Manu le Malin -Marc Trauner -Mark Breeze -Mescalinum United -Messiah -Micropoint -Mike Di Scala (Re-Con) -Nasenbluten -Neophyte -Party Animals -Paul Elstak -Praga Khan -The Prodigy -QFX -Radium -Ratpack -Ron D Core (US) -Rotterdam Terror Corps -The Scientist -Scott Brown -Shades of Rhythm -Sharkey -Shut Up and Dance -SL2 -Smart E's -Sonz of a Loop Da Loop Era -T99 -Technohead -Tha Playah -The Outside Agency -The Time Frequency -Tommyknocker -Top Buzz -Tron -Ultraviolence -Urban Hype -Venetian Snares Hardstyle Hardstyle es un género de música electrónica, mezcla de las influencias del hardtechno, hard house, hardtrance y hardcore. El Hardstyle normalmente consiste en un profundo y longevo kick drum, líneas de bajo invertido intensos que acompañan el ritmo, un sintetizador que toca más de una melodía y sonidos desafinados y distorsionada. Lleva algunas similitudes con el hardtrance. Muchos artistas del hardcore producen pistas hardstyle también, asi como muchas pistas Hardstyle se escriben en tiempo compuesto. link: http://www.youtube.com/watch?v=tU6OgnodxPU Subgeneros: -Hard house -Hard Dance -Hard NRG -Nu-NRG -Hardstyle -Dubstyle -Jumpstyle -Lento violento Artistas: -Headhunterz -D-Block & S-te-Fan -Showtek (Older Work) -The Prophet - Gigi Da' Agostino -Wildstylez -DJ Zany -Psyko Punkz -Brennan Heart -Deepack -DJ Lady Dana -Marc Acardipane -Technoboy -Blutonium Boy -Wasted Penguinz -Cooner -Da Tweekaz -Frontliner Hi-NRG Hi-NRG (High-Energy) es un género de música electrónica de baile que apareció en el Reino Unido directamente influido por la música disco y el pop de finales de los años 1970.1 El género tiene un tempo rápido (algo poco habitual en el disco) sonidos electrónicos marcados y simplificados con reminiscencias del primer synth rock. Al mismo tiempo, comparte con otros subgéneros de música electrónica de baile la composición con patrones “four to the floor” (4/4) y escasas vocales. El género conoció una moderada popularidad mainstream en Europa, a pesar de ser un emblema de las comunidades LGBT británicas y estadounidenses durante los años 1983-85. Hacia finales de los años 1980, el hi-NRG (junto con el funk) también sirvió de base para la explosión de la música house (especialmente en sus formas; diva y acid). link: http://www.youtube.com/watch?v=FYH8DsU2WCk Subgeneros: -Eurobeat -Eurodance -Bubblegum dance -Italo dance Artistas: -Donna Summer -T-Connection -La Belle Epoque -Sylvester -Dan Hartman -Amanda Lear -The Michael Zager Band -Abba -Bonnie Pointer -Cerrone -John Paul Young -Linda Clifford -Musique -Amanda Lear -Revanche -Yvonne Elliman -Cheryl Lynn -Suzi Lane -Claudja Barry -Viola Wills -Patrick Hernandez -Earth, Wind & Fire -Kat Mandu -Peter Jacques Band -Barbra Streisand -Azymuth -Jessica Williams -Laura Branigan -Yoko Ishida -Deadmau5 (only 8bit) -Kavinsky -Lady Gaga -MilkyWay -The Gossip -Annie -Katy Perry House El house es un estilo de música electrónica de baile que se originó en Chicago, Estados Unidos, hacia comienzos de los años 1980. Inicialmente, se hizo popular en la primera mitad de los ochenta en las discotecas orientadas hacia el público afroamericano-latino, primero en Chicago y más adelante en Nueva York y Detroit. Posteriormente llegó a Europa, antes de convertirse en un fenómeno masivo con una influencia dominante en otros estilos musicales como el pop y la música de baile desde mediados de los años 1990. De todos, el house es el genero mas barato y comercial (debido a que su producción y masificación es sumamente sencilla). El house está fuertemente influenciado por las variantes más soul y funk de la música disco. Generalmente imita la percusión del disco, especialmente el uso de un prominente golpe de bombo con cada beat, aunque también puede incluir poderosas líneas de bajo sintetizadas, baterías electrónicas, samples de funk y pop e incluso rock, y vocales potenciadas con filtros reverb o delay. El house es un estilo rápido de música de baile, oscilando generalmente entre los 120 y los 135 bpm. El tempo era más lento en los primeros años del house. El elemento común del house es el empleo de un prominente golpe de bombo en cada tiempo del compás, un tipo de ritmo también conocido como four-on-the-floor. Este patrón suele generarse mediante una caja de ritmos o un sampler. El sonido del bombo suele ser aumentado a través de diferentes filtros. El patrón rítmico se completa con un hi-hat o charles abierto en la tercera división de cada tiempo (semifuerte), y un golpe de caja o de clap en la división fuerte del segundo y cuarto tiempo de cada compás, por lo general complementada con síncopas en las divisiones débiles. Este patrón se deriva de los ritmos four-on-the-floor que desarrollaron los baterías de música disco en los años 1960 y, especialmente, 1970. Los productores de house utilizan una gran variedad de fuentes de sonido para dar forma al bajo, desde líneas repetitivas generadas electrónicamente mediante sintetizadores como Roland SH-101 o TB-303, hasta grabaciones de estudio de secuencias de notas tomadas de la ejecución en vivo por un bajista, pasando por samples tomados de grabaciones clásicas de funk o cualquier otro género. Para la creación de una línea de bajo de house se suele tender a utilizar aquellas notas que caigan dentro del rango de una octava, mientras que las líneas de bajo de la música disco a menudo utilizaban rangos más amplios. Algunas grabaciones del house más primitivo todavía muestran líneas de bajo tomadas de canciones de música disco. Por ejemplo, el productor Mark "Hot Rod" Trollan copió la línea de bajo de varias secciones de la canción de Italo disco de 1983 "Feels Good (Carrots & Beets)" de Electra con Tara Butler para formar la base de su producción de 1986 "Your Love" de Jamie Principle. Frankie Knuckles utilizó las mismas notas en su versión, más popular, del mismo tema publicada en 1987. A la estructura formada por el patrón rítmico y la línea de bajo se le suelen añadir sonidos generados electrónicamente y samples tomados de géneros como jazz, blues, disco, funk, soul y synth pop. Las canciones de house pueden incluir también vocales similares a las de la música disco, el soul o el gospel. Muchos remixes de house incluyen loops de cuerdas repetitivos, cortos y sincopados, compuestos por entre 5 y 7 acordes que entran en un compás de 4 tiempos. El techno, que se desarrolló en paralelo al house, comparte esta estructura básica, si bien evita la sonoridad a música en vivo y el sonido explícitamente negro o latino, para centrarse en sonidos de tipo más sintético. link: http://www.youtube.com/watch?v=s9MszVE7aR4 Subgeneros: -Acid house -Balearic beat -Chicago house -Deep house -Detroit house -Disco house -Diva house/Handbag house -Hardbag -Electroclash -Electro house -Complextro -Dutch house -Fidget house -Moombahton -Moombahcore -Subground -Euro house -Freestyle house -French house -Funky house -Garage house -Ghetto house -Hip house -Italo house -Kwaito/Hojapoja House -Latin house -Microhouse/Minimal house -New beat -Progressive house -Swing house -Electro swing -Tech house -Tribal house -Vocal house Artistas: -A-Trak -ABC -Adam X -Adeva -Adonis -Afrojack -AgNO3 -Alec Empire -Alesso -Alex Gaudino -Alexandra Prince -Alexandra Stan -Alison Limerick -Amber -Ananda Project -Anane -Ann Nesby -Annie Mac -Anthony Pappa -Antoine Clamaran -Armand Van Helden -Armin van Buuren -Arty -Ashley Beedle -The Aston Shuffle -The Avalanches -Avicii -Axwell -ATB -Bad Boy Bill -Bag Raiders -The Basement Boys -Basement Jaxx -Beatmasters -Benny Benassi -Bingo Players -Bizarre Inc -Black Box -Blaze -The Bloody Beetroots -Blue Pearl -Blue Six -Bob Sinclar -BodyRockers -Bomb the Bass -Boogie Pimps -Booka Shade -Boris Dlugosch -Brad Carter -Brian Butler -Brooklyn Bounce -Brother Brown -Brothers in Rhythm -BT -The Buffalo Bunch -Busy P -Byron Stingily -Calvin Harris -Cappella -Captain Hollywood Project -Carl Cox -Caravan Palace -Carol Jiani -Cassius -CeCe Peniston -CeCe Rogers -Celeda -Charles Schillings -The Chemical Brothers -Chicane -Chip E. -Chocolate Puma -Chris Brann -Chris Fortier -Chris Lake -Chuckie -Clazziquai -CLMD (Carl Louis & Martin Danielle) -Club 69 -Cold Blank -Coldcut -Colonel Abrams -Corona -Crookers -Crystal Waters -Culture Beat -Curtis Jones -Da Mob -Dada Life -David Deejay -David Penn -D Mob -Duse -D:Ream -Daft Punk -Dajae -Daniel Desnoyers -Dannii Minogue -Danny Tenaglia -Darin Epsilon -Daphne Rubin-Vega -Darryl D'Bonneau -Dave Audé -Dave Clarke -David Guetta -David Morales -David Vendetta -Deadmau5 -Deborah Cooper -Deborah Cox -Deee-Lite -Deep Dish -Dennis Ferrer -Derrick Carter -Dev -Diana King -Dimitri from Paris -Dina Carroll -Diplo -Dirty South -Dirty Vegas -The Disco Boys -DJ Antoine -DJ Dan -DJ Disciple -DJ Falcon -DJ Icey -DJ Irene -DJ Jean -DJ Pierre -DJ Roog -DJ Sammy -DJ Skribble -DJ Sneak -DJ Spinna -DJ Theo -DJ Tonka -DJ Vibe -Doc Martin -Donna Allen -Donna Summer -Doug Lazy -Dr. Alban -Dr. Mix -Dream Frequency -Duck Sauce -East Clubbers -Eddie Amador -Edward Maya -Enigma -Eric "E-Smoove" Miller -Eric Prydz -Erick E -Erick Morillo -E-Rotic -Etienne de Crécy -Evelyn Thomas -Everything but the Girl -Faithless -Farley Jackmaster Funk -Fast Eddie -Fatboy Slim -Fantastic Plastic Machine -Fedde le Grand -Feed Me -Felix da Housecat -Fierce Ruling Diva -François Kevorkian -Frankie Knuckles -Freak Nasty -Fred Everything -Freemasons -Funky Green Dogs -Future Homosapiens -Full Intention -Funkerman -Gabrielle -General Levy -Gillette -Gigi D'Agostino -Glenn Toby -Global Deejays -Grant Nelson -The Greenskeepers -Gregory Del Piero -Greg Stainer -Groove Armada -Groove Junkies -A Guy Called Gerald -Guy Gerber -Haddaway -Hardwell -Heather Small -Hed Kandi -Hernán Cattáneo -Hernandez -Hellberg -Hi Tack -The Human League -Hyperactive -Havana Brown -Ian Pooley -iiO -Inaya Day -India -Infernal -Inna -Inner City -Ian Carey -Ivan Gough -Jake Stanczak -Jam & Spoon -James Holden -Jamie Principle -Jaydee -Jay-J -Jay Tripwire -Jersey Street -Jerome Sydenham -Jesse Saunders -Jimpster -Jocelyn Brown -Jocelyn Enriquez -Joey Beltram -Joey Negro -John Creamer & Stephane K -John Digweed -John Dahlback -Joi Cardwell -Jonathan Peters -Jori Hulkkonen -Josh Wink -JS-16 -Junior Jack -Junior Sanchez -Junior Vasquez -Junkie XL -Justice -Kaskade -Katalina -Kavinsky -Kerri Chandler -Kevin Aviance -Kim English -King Britt -K-Klass -The KLF -Knife Party -Kosmic Kommando -Krewella -Kristine W -Kylie Minogue -Kym Mazelle -La India -Lady GaGa -Larry Levan -L.A. 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Aunque ideológicamente asociada al punk, la música industrial es generalmente más compleja y diversa, tanto a nivel sonoro como lírico. El término fue acuñado hacia mediados de los años 1970 a raíz de la fundación de Industrial Records por la banda de Yorkshire Throbbing Gristle y con la creación del eslógan irónico "industrial music for industrial people" (en castellano, "música industrial para gente industrial". Los primeros artistas industriales experimentaron con ruidos y temas estéticamente comprometidos, tanto musical como visualmente, como el fascismo, los asesinatos en serie y el ocultismo. Su producción no se limitó a la música, sino que incluyó también arte por correo, performance, instalaciones artísticas y otras formas artísticas. Entre los músicos más destacados de la música industrial están Throbbing Gristle, SPK, Boyd Rice, Cabaret Voltaire y Z'EV. Los precursores que influyeron sobre el desarrollo del género fueron proyectos como el grupo de electrónica Kraftwerk, bandas de rock experimental como The Velvet Underground y Frank Zappa, artistas de rock psicodélico como Jimi Hendrix, compositores como John Cage, escritores como William S. Burroughs y filósofos como Friedrich Nietzsche. Aunque el término fue inicialmente utilizado solo por un pequeño círculo de individuos asociados con Industrial Records en los 1970, se amplió para incluir a artistas influidos por el movimiento original o que adoptaban la estética "industrial". Estos artistas expandieron el género al empujarlo en direcciones más ruidistas y electrónicas. Con el tiempo, su influencia se extendió, pasando la música industrial a fusionarse con otros estilos como la música folk, el ambient y el rock, fusiones que se catalogan como música post industrial. Entre los géneros híbridos más populares se encuentran el rock industrial y el metal industrial, con grupos como Nine Inch Nails y Ministry, que llegaron a lograr discos de platino en los años 1990. El electro-industrial es un desarrollo más moderno. Estos tres géneros suelen ser conocidos simplemente como industrial. link: http://www.youtube.com/watch?v=ovIgisf_ZgU link: http://www.youtube.com/watch?v=dqNvZ49Z7no Subgeneros: -Aggrotech -Cybergrind -Electro-Industrial -Dark electro -Electronic body music -Futurepop -Industrial metal -Industrial rock -Neue Deutsche Härte -Japanoise -Power electronics -Death industrial -Power noise -Witch house/Drag Artistas: -16volt -Acumen Nation -Android Lust -Angelspit -Attrition -Aural Vampire -The Axis of Perdition -Boyd Rice -Benea Reach -Bile -Blut Aus Nord -Brighter Death Now -Cabaret Voltaire -Celldweller -Chemlab -Chris & Cosey -Chrome -The Clay People -Clock DVA -Coil -Collide -Combichrist -Controlled Bleeding -Crash Worship -Crocodile Shop -Crossbreed -Current 93 -Das Ich -Dawn of Ashes -Delerium -Death in June -Depeche Mode -D'espairsRay -Die Form -Die Krupps -Die Warzau -Digitalis Purpurea -Doubting Thomas -Einstürzende Neubauten -Eisbrecher -Emigrate -Eve of Destiny -Faderhead -Feindflug -Filter -Flesh Field -Fetus -Front 242 -Front Line Assembly -Genitorturers -Godhead -Godflesh -God Lives Underwater -Gravity Kills -Greater Than One -Haujobb -Head of David -Muzzle -In Strict Confidence -In the Nursery -Informatik Swells -Intermix -Jerk -Kraftwerk -Kidneythieves -Killing Joke -KMFDM -Laibach -Leæther Strip -Lights of Euphoria -Machines of Loving Grace -The Mad Capsule Markets -Marilyn Manson -Meat Beat Manifesto -Mindless Self Indulgence -MINIM -Ministry -Missing Foundation -Mortal -Mortiis -My Life With The Thrill Kill Kult -The Neon Judgement -N17 -Nine Inch Nails -Nitzer Ebb -The Newlydeads -Gary Numan -Numb -Nurse With Wound -Pain -Pankow -Peace, Love and Pitbulls -Pigface -Pitchshifter -Pop Will Eat Itself -Razed in Black -Rammstein -The Retrosic -Revolting Cocks -Rorschach Test -Rotersand -Sister Machine Gun -Skinny Puppy -Snake River Conspiracy -Snog -Spahn Ranch -SPK -Stabbing Westward -Suicide Commando -Swamp Terrorists -Test Dept -Throbbing Gristle -Tweaker -Undercover Slut -Vampire Rodents -Velvet Acid Christ -The Velvet Underground -Videodrone -Vertical Section -Whitehouse -White Zombie -Wumpscut -X Marks the Pedwalk -YelworC -The Young Gods -Z'ev -Zeromancer -Rob Zombie IDM Intelligent dance music (IDM) describe un género de música electrónica que surgió a principios de los años 1990 en Gran Bretaña en el contexto del final de la escena rave. Este género toma elementos de diferentes estilos musicales, especialmente del detroit techno, el breakbeat y del ambient. Estilísticamente, la IDM se caracteriza más por la experimentación individual que por estar dotada de un conjunto de características musicales fijas. De ahí que pueda abarcar música y músicos muy dispares. Se cree que el término "IDM" se formó en Estados Unidos en 1993 a partir de la creación de la IDM list, una lista de correo que nació con el objetivo de comentar y discutir sobre un grupo de artistas de techno inglés que estaban surgiendo en la época. Especialmente todos aquellos asociados al sello discográfico Warp Records y a la serie de recopilatorios y discos Artificial Intelligence. El nombre puede rastrearse en grupos de discusión de Internet hasta 1991. Antes de la adopción del término eran comunes otros nombres como "braindance" (preferido por el sello Rephlex Records), "electronic listening music", "listening techno", "art techno" y "experimental techno". link: http://www.youtube.com/watch?v=hWGUnrIiOoI Subgeneros: -Glitch -Braindance -Post-Soft-Techno Artistas: -Aphex Twin -Amon Tobin -Apparat -Autechre -Arovane -B12 -Beaumont Hannant -The Black Dog -Boards of Canada -Cylob -The Future Sound of London -Gescom -Isan -Jega -Kettel -Kid 606 -Kirk Degiorgio -LFO -Luke Vibert -Múm -Monolake -Mike Paradinas -Paul Kalkbrenner -Proem -Squarepusher -Venetian Snares -Vladislav Delay -Wisp Jungle Jungle es el nombre dado a un estilo de música electrónica que incorpora influencias tanto del primer hardcore (también conocido como "breakbeat hardcore" y techno como de la escena jamaicana existente en Inglaterra en los años 1980. Toma de la cultura del sound system elementos del reggae y del dub. Existe un importante debate acerca de la diferenciación entre jungle y drum and bass, pues ambos términos se utilizan indistintamente en numerosas ocasiones. Históricamente, el término drum and bass no empieza a utilizarse hasta mediados de los 1990, con discos recopilatorios como "The Dark Side - Hardcore Drum & Bass Style". link: http://www.youtube.com/watch?v=_JgNcbf5DNM Subgeneros: -Darkcore jungle -Hardcore jungle -Raggacore -Ragga-jungle Artistas: -4hero -A Guy Called Gerald -Alex Reece -Andy C -Aphrodite -Congo Natty -Dillinja -DJ Dextrous -DJ Hype -DJ Krust -DJ SS -DJ Trace -DJ Zinc -Ed Rush -Foul Play -Goldie -Grooverider -LTJ Bukem -Micky Finn -Omni Trio -Pascal -Rebel MC -Shy FX -Stevie Hyper D -General Malice Post-Disco El post-disco o dance, es un tipo de música electrónica de baile con gran influencia dub y funk que surgió en un período histórico significativo en la historia de la música popular, empezando con la reacción contra la música disco en los Estados Unidos a finales de 1970 y terminó con la aparición de la corriente principal de la música house de finales de 1980. Se caracterizaba por sus muchos instrumentos musicales electrónicos, así como por batería (o caja de ritmos) y sus vocales. Las tendencias musicales suaves, seguidas por los DJ y productores e impulsada, cada vez más por la electrónica y el lado experimental de la música disco, son parte de este mainstream el estilo de dance-pop, boogie, italo disco y el Alternative Dance. El Techno y House tienen sus raíces en el post-disco. link: http://www.youtube.com/watch?v=_XOY7lsBVpo Subgeneros: -Boogie -Dance-pop -Dance-rock Artistas: -Prince -Kool & the Gang -Earth, Wind & Fire -Indeep -Evelyn King -KC -Michael Jackson -David Bowie -New Edition -Miami Sound Machine -Starpoint -Timex Social Club -Madonna -SOS band -Pleasure -Luther Vandross -BB&Q Band -Gayle Adams Techno El techno es un género de música electrónica de baile que surgió en Detroit, Estados Unidos, hacia mediados de los años 1980. La primera grabación que empleó la palabra techno como referencia a un género musical data de 1988. En la actualidad existen multitud de estilos de techno, si bien está generalmente aceptado que la génesis del género se encuentra en el detroit techno y en sus precursores. El origen del techno se encuentra en la fusión de ciertas corrientes de música europea, basadas en el uso experimental del sintetizador, con diferentes estilos de música de raíz afroamericana como el funk, el free jazz o el primer electro. A esto se añade la influencia de una estética y temática de corte futurista, basada tanto en la ciencia ficción como en algunas ideas de la obra de Alvin Toffler. El propio término techno deriva del concepto de "techno rebels" presente en el libro La Tercera Ola del sociólogo estadounidense. Esta combinación de ideas acerca el techno a un tipo de estética afrofuturista y cyberpunk. Estilísticamente, el techno es generalmente música instrumental de bucles melódicos repetitivos, a menudo producido para su uso en un DJ set continúo. El componente rítmico central es más a menudo en el tempo común (4/4), donde el tiempo se marca con un bombo en cada pulso de cuarto de nota, un ritmo de fondo desempeñado por snare o clap en el segundo y cuarto pulso de la barra, y un charles abierto suena cada segundo por corchea. El ritmo tiende a variar entre aproximadamente 120 a 150 bpms, en función del estilo de techno. El uso creativo de la tecnología en la de producción de música techno, como las cajas de ritmos, sintetizadores, y estaciones de trabajo de audio digital, es visto como un aspecto importante de la estética de la música. Muchos productores utilizan retro-dispositivos musicales electrónicos para crear lo que ellos consideran que es un sonido tecno auténtico. Cajas de ritmos de la década de 1980 como de Roland TR-808 y TR-909 son muy apreciados, y emulaciones de software de este tipo de tecnología retro son muy populares entre los productores de techno. Periodistas de la música y los fans del techno son generalmente selectivos en su uso del término, por lo que una clara distinción puede hacerse entre estilos a veces relacionados pero a menudo cualitativamente diferente, como tech house y trance. "Techno" también es confundido comúnmente por descriptores generalizados con la Música Electrónica y el EDM. link: http://www.youtube.com/watch?v=EAPdmSGdLnY Subgeneros: -Acid techno -Detroit techno -Free tekno -Ghettotech -Hardtechno -Minimal techno -Nortec -Rotterdam techno -Schranz -Symphonic techno -Tecno brega Artistas: -The Advent -Dave Angel -Juan Atkins -Mike Banks -Blake Baxter -Si Begg -Daniel Bell -Joey Beltram -Adam Beyer -C. J. Bolland -Frankie Bones -Thomas Brinkmann -Basic Channel -Dave Clarke -Carl Cox -Carl Craig -Kirk Degiorgio -Vladislav Delay -The Black Dog -Drexciya -Dominik Eulberg -A Guy Called Gerald -Laurent Garnier -Fred Giannelli -Hardfloor -Richie Hawtin -DJ Hell -Robert Hood -Ken Ishii -Speedy J -Kenny Larkin -Cari Lekebusch -LFO -Chris Liebing -Derrick May -Jeff Mills -Moritz Von Oswald -Paulo Nascimento -Orbital -James Pennington -Regis -DJ Rush -Kevin Saunderson -Anthony Shakir -Slam -Luke Slater -Pan Sonic -808 State -Surgeon -System 7 -Keith Tucker -Umek -UR -Underworld -Octave One -Sven Väth -Ricardo Villalobos -Cristian Vogel -Joris Voorn -Adam X -Oliver Ho Si quieres volver a la primera parte del post, haz click en la siguiente imagen: Link a la Tercera Parte (Click en la imagen): Otros Aportes Discografia de Feed Me (MEGA) Megapost Tributo a Daft Punk - El Post que se Merecen! 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GIF Para estar al tanto de todos mis aportes, seguime @Mighoet. Cualquier duda, envienme un MP, soy muy activo. Borro comentarios fuera de lugar. La Historia de la Musica Electronica - Parte 1: Origines Siempre quise hacer esta clase de post, de donde viene algo tan glorioso como la Musica Electronica merece ser contado, traduje y complemente lo que ven escrito en este post, espero les guste, Disfruten!!! La música electrónica es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador. La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile. Finales del siglo XIX hasta comienzos del XX La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, si bien no es absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no estaba hecho para reproducirlos de nuevo. En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula audión, del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones. Con anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se suele considerar como el primer instrumento electrónico el Theremin, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920. Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet. Lastimosamente en esa época aun no había forma de grabar sonido, así que no existe una grabación de cómo sonaba un Telharmonium. Así es una Ondes Martenot: link: http://www.youtube.com/watch?v=v0aflcF0-ys Así es un Theremin: link: http://www.youtube.com/watch?v=w5qf9O6c20o Nueva estética de la música En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: "solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el arte". Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, tuvo Busoni un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse. Futurismo En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el "ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente como musicales. El "Manifiesto Técnico de la Música Futurista" de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: "presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad". El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto "El arte de los ruidos" (en italiano en original, "L'arte dei Rumori". En 1914, organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en París. link: http://www.youtube.com/watch?v=BbbmPD7NuDY 1920-1930 Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El primer instrumento, el Etherophone, fue creado por Léon Theremin (nacido Lev Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrad, aunque fue posteriormente renombrado como el Theremin. Gracias a él se realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpretada por primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista. Además del Theremin, el Ondes Martenot fue inventado en 1928 por Maurice Martenot, quien debutó en París. El año siguiente, Antheil compuso por primera vez para dispositivos mecánicos, aparatos productores de ruidos, motores y amplificadores en su ópera inacabada Mr. Bloom. La grabación de sonidos dio un salto en 1927, cuando el inventor estadounidense J. A. O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No obstante, fue un desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a producir el Órgano Hammond, basado en los principios del Telharmonium junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación. El método foto óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo posible obtener una imagen visible de la onda de sonido, así como sintetizar un sonido a partir de una onda de sonido. En la misma época, comenzó la experimentación del arte sonoro, cuyos primeros exponentes incluyen a Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Filippo Tommaso Marinetti y otros. link: http://www.youtube.com/watch?v=LbCT36qJyF8 1940-1950 Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre magnético de baja fidelidad (lo-fi).4 y a comienzos de los años 1930 la industria cinematográfica comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas.5 En esta época la empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico, el "Magnetophon" K-1, revelado en el Berlin Radio Show en agosto de 1935.6 Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica AC bias, que incrementó dramáticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una frecuencia alta inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB7 sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo. En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo. No obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final de la Guerra, cuando varios de estos aparatos fueron capturados y llevados a Estados Unidos por Jack Mullin y otros. Estos grabadores capturados sirvieron de base para los primeros grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos, el Model 200 producido por la empresa Ampex, con el apoyo del actor Bing Crosby, que se convirtió en uno de los primeros artistas en grabar programas de radio y grabaciones originales de estudio en cinta. La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era relativamente barata y muy confiable, y su fidelidad en la reproducción mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Más importantemente, y a diferencia de los discos, ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede editarse también físicamente, incluso sólo segmentos de la cinta. O unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen continuamente determinados patrones de material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron todavía más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas de eco para producir de modo complejo, controlable y con gran calidad efectos de eco y reverberación (lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos). La difusión de las grabadoras finalmente condujo al desarrollo de la música de cinta electroacústica. El primer ejemplo conocido fue compuesto en 1944 por Halim El-Dabh, estudiante en El Cairo, Egipto. Grabó los sonidos de una antigua ceremonia zaar con un grabador de alambre pesado, y en los estudios de Radio Oriente Medio proceso el material con la reverberación, eco, controles de tensión y de re-grabación. El trabajo resultante se titulo “La expresión de Zaar” y fue presentado en 1944 en una galería de evento de arte en El Cairo. Mientras que sus primeros experimentos en la composición basada en cinta no eran ampliamente conocidos fuera de Egipto en la época, El-Dabh es también notable por su trabajo posterior en la música electrónica en el Columbia-Princeton Electronic Music Center a finales de 1950. link: http://www.youtube.com/watch?v=NGT7J-SNC6w Música concreta Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Las primeras piezas de "musique concrète" fueron creadas por Pierre Schaeffer, quien colaboró con Pierre Henry. En 1950, Schaeffer dio el primer concierto (no emitido) de música concreta en la École Normale de Musique de Paris. Posteriormente ese año, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. En París en 1951, en lo que se convertiría en una tendencia global, RTF creó el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos y voces concretos. link: http://www.youtube.com/watch?v=q2o9VyuJSD4 Elektronische Musik Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y posteriormente durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia en Alemania. En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, inició actividades en la radio de la NWDR en 1951, después de que el físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert (que se convertiría en su primer director, hasta 1962), convencieran al director de la NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. El mismo año de su creación, ‬1951,‭ fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa vespertino de la propia radio y presentados en los‭ Cursos de Verano de Darmstadt.‭ ‬En‭ ‬1953‭ ‬hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas.‭ ‬Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert ‬Eimert,‭ ‬Karel ‬Goeyvaerts,‭ ‬Paul‭ ‬Gredinger,‭ Henry ‬Pousseur y Karlheinz Stockhausen. En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música enteramente desde señales producidas electrónicamente. De esta manera, la Elektronische Musik se diferenciaba abruptamente respecto a la musique concrète francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas. Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant garde, cuando se empezó ya a combinar sonidos generados electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. Ejemplos significativos son Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). Stockhausen afirmó que sus oyentes le decían que su música electrónica les daba una experiencia de "espacio exterior", sensaciones de volar, o de estar en "un mundo de ensueño fantástico". link: http://www.youtube.com/watch?v=zhDhj_Jmjno Así era un Trautonium: link: http://www.youtube.com/watch?v=-tQQEChMq1A Musica Electronica Japonesa Si bien los primeros instrumentos eléctricos como el Ondes Martenot, el Theremin y el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas. Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo", una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type. En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros estaban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952 y 1953. Musica Electronica Americana En los Estados Unidos, la música electrónica estaba siendo creada ya en 1939, cuando John Cage publico Imaginary Landscape, No. 1, utilizando dos tornamesas de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano silenciado, y platillos. John Cage compuso cuatro " Imaginary Landscape" más entre 1942 y 1952, los cuales incluyen los componentes electrónicos. En 1951, Morton Feldman, quien más tarde colaboraría con Cage, produjo una pieza titulada Marginal Intersection, grabada para vientos, metales, percusión, cuerdas, 2 osciladores y efectos de sonido de remachado y la puntuación utiliza la notación gráfica de Feldman. The Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman), y duró tres años, hasta 1954. Cage escribió de esta colaboración: "En esta oscuridad sociales, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman, y Christian Wolff sigue presentando una luz brillante, por la sencilla razón de que en los distintos puntos de la notación, el rendimiento y la audición, la acción es provocativa”. Cage completa Williams Mix en 1953 mientras trabajaba con la TMMTP. El grupo no tenía instalación permanente, y tenía que depender de tiempo prestado en estudios de sonido comerciales, incluyendo el estudio de Louis y Bebe Barron. link: http://www.youtube.com/watch?v=GLDxqnksY80 Musica Estocástica Un importante desarrollo lo constituyó la aparición de ordenadores utilizados para componer música, en contraposición de la manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se conoce como "musique stochastique" o música estocástica, un método de componer que emplea sistemas matemáticos de probabilidad estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis utilizó papel gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los glissandos para su composición orquestal Metastasis (1953-1954), pero posteriormente pasó a utilizar ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta. link: http://www.youtube.com/watch?v=n2O8bMlEijg Mediados hasta finales de los 1950 y el Columbia-Princeton Center En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II, la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora. En 1955, aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron notables la creación del Studio de Fonologia, un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi, y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960. La banda sonora de Forbidden Planet, de Louis y Bebe Barron, fue compuesta completamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956. El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC, que fue diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, el CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas. El impacto de los computadores continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología de vocoder fue otro importante desarrollo de esta época. En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la primera gran obra del estudio de Colonia, basado en un texto del Libro de Daniel. Un importante desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert Moog. El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot, era difícil de usar, requería una extensa programación, y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, donde sigue actualmente. Posteriormente, Milton Babbitt, influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica. También en 1957, Kid Baltan (Dick Raaymakers) y Tom Dissevelt lanzaron su álbum debut, Song Of The Second Moon, grabado en el estudio de Phillips. El público sigue interesado en los nuevos sonidos que se crean en todo el mundo, como puede ser deducida por la inclusión de la Varèse Poème électronique, que se presento con más de cuatrocientos altavoces en el Pabellón Phillips de la Feria Mundial de Bruselas en 1958. Ese mismo año, Mauricio Kagel, un compositor argentino, compuso Transición II. El trabajo se realizó en el estudio WDR de Colonia. Dos músicos tocan en un piano, uno de la manera tradicional, y el otro tocando las cuerdas, el marco, y la caja. Otros dos artistas utilizan la cinta para unir a la presentación de sonidos en vivo con el futuro de los materiales pregrabados de un “pretérito incierto” y su pasado de las grabaciones hechas antes de la actuación. link: http://www.youtube.com/watch?v=x7MmrfRr0Hg link: http://www.youtube.com/watch?v=D7AIiTeKBUc 1960-1970 Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la música académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador iba volviéndose más accesible. Hacia esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos que se habían establecido y estaban creciendo. 1960 fue testigo de la composición Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", recuerda a las técnicas de "cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte. El primer de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla. Apareciendo en 1963, fue producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton Subotnick. El theremin había sido utilizado desde los años 1920 pero mantenía una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 1950 (por ejemplo The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). Durante los años 1960 el theremin hizo aparaciones ocasionales en la música popular. En Reino Unido en este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de Doctor Who, compuesto por Ron Grainer, según algunos la pieza más conocida de música electrónica del mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell, desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sintonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio. . En 1961 Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro. Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador (llamada Composition for Synthesizer) que fue creada mediante el RCA en el CPEMC. Las colaboraciones ocurrían superando las barreras de los océanos y de los continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC y en otros sitios inspiró la creación en San Francisco del Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick, con otros miembros adicionales como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y Anthony Martin. En el otro lado del Atlántico tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica, en 1964 en Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen. Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos. Uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog, el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado, llamado Minimoog, que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose muy popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach de Wendy Carlos. En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfícies de audio-video y una plantilla de músicos y video artistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta. link: http://www.youtube.com/watch?v=K6pTdzt7BiI link: http://www.youtube.com/watch?v=gbzw8VNkA5o link: http://www.youtube.com/watch?v=usl_TvIFtG0 link: http://www.youtube.com/watch?annotation_id=annotation_449329&feature=iv&src_vid=WY2AeD0Tn4Y&v=sJ5593eQL_U Musica por Ordenador CSIRAC, el primer computador en tocar música, lo hizo públicamente en agosto de 1951. Una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como computer music (en inglés, "música por ordenador" fue una emisión nacional pre grabada en la red NBC para el programa Monitor el 10 de febrero de 1962. En 1961, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Iowa State University (un derivado del Illiac) para tocar canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico. Los últimos 1950, los años 1960 y la década de 1970 vieron también el desarrollo de grandes marcos operativos para síntesis informática. Desde 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, culminando en MUSIC V, un lenguaje de síntesis directa digital. En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por computador, desarrollando el sistema informático Sogitec 4X, que incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real. Répons (1981), obra para 24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces. Electronica en vivo En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primer vez en los años 1960 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan, entre los que estaban Gordon Mumma y Robert Ashley, por individuos como David Tudor hacia 1965, y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras obras de electrónica en vivo. Los compositores y músicos de jazz Paul Bley y Annette Peacock fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de los 1960. Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio. link: http://www.youtube.com/watch?v=XBWvAptaoNU Popularización: 1970-1980, Década de los Sintetizadores. Moog, a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el Moog Modular Synthesizer El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado en sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y el negocio despegó. La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose más conocida cuando Wendy Carlos edita el álbum Switched on Bach. Bob diseño y comercializó nuevos modelos, como el Minimoog la primera versión portátil del Moog Modular, el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc. Moog, no supo gestionar bien su empresa y esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo pedido. Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando instrumentos musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a pique poco después. KORG, en 1967 Kato se acercó al Ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado y 18 meses después Mieda le presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg, hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés (Organ). Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60' y principios de los 70' pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70' y 80' bajo la marca Korg. http://www.youtube.com/channel/HCo7JD7x6uSAY link: http://www.youtube.com/channel/HCo7JD7x6uSAY Nacimiento de la música electrónica popular A finales de 1960, músicos de rock y pop, como The Beach Boys y The Beatles, comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el Theremin y el Mellotron, para complementar y definir su sonido. A finales de la década, el sintetizador Moog tuvo un lugar destacado en el sonido de las bandas emergentes del rock progresivo, como Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer, y Génesis haciéndolos parte de su sonido. El rock progresivo instrumental fue particularmente importante en la Europa continental, lo que permitió que bandas como Kraftwerk (considerados los padres de la electrónica contemporánea), Tangerine Dream, Can, Faust y de eludieran la barrera del idioma para hacer música electrónica global. Su sintetizador pesado, denominado "Kraut Rock", junto con el trabajo de Brian Eno (por una tiempo, el teclista de Roxy Music), sería una gran influencia en la posterior synth rock. El rock a nivel electrónico también fue producido por varios músicos japoneses, incluyendo Isao Tomita's Electric Samurai: Switched on Rock (1972), que contó con sintetizadores Moog haciendo interpretaciones de canciones de pop y rock contemporáneo, y el álbum de rock progresivo “Benzaiten” de Osamu Kitajima (1974). A mediados de la década de 1970 se vio el surgimiento de músicos de arte electrónico como Jean Michel Jarre, Vangelis y Tomita, quienes con Brian Eno fueron una influencia significativa en el desarrollo de la música New Age. Después de la llegada del punk rock, una forma de básica de rock sintetizado en crecimiento, se utilizaban cada vez más más nuevas tecnologías digitales para sustituir a otros instrumentos. Bandas pioneras incluyen Ultravox con su sencillo de 1977 "Hiroshima Mon Amour", Yellow Magic Orchestra de Japón, Gary Numan, Depeche Mode, The Human League, Orchestral Manoeuvres In The Dark Army y Tubeway del Reino Unido, y Devo de los EE.UU. Yellow Magic Orchestra, en particular, surgió como pionero del SynthPop, ayudado con su álbum homónimo (1978) y Solid State Survivor (1979). La definición del sistema MIDI y el desarrollo de audio digital hicieron que el desarrollo de música puramente electrónica fuera mucho más fácil. Estos desarrollos también llevaron al posterior crecimiento del synthpop, que después de su aprobación por el movimiento New Romantic, permitió a los sintetizadores dominar el pop y el rock de los años 80. Grupos clave incluyen Duran Duran, Spandau Ballet, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk, Japón y los Eurythmics. El Synthpop a veces utilizaba sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, hasta que el género comenzó a sufrir de anti-popularidad a mediados de la década de 1980. link: http://www.youtube.com/watch?v=cNd4eocq2K0 El nacimiento del MIDI En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz que los nuevos instrumentos pudiesen utilizar para comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y equipos. Esta norma fue apodada Musical Instrument Digital Interface (MIDI) y es el resultado de una colaboración entre los principales fabricantes de circuitos secuenciales inicialmente, Oberheim, Roland, y más tarde, otros participantes que incluyeron Yamaha, Korg y Kawai. Un documento fue escrito por Dave Smith de SC que propuso a la Sociedad de Ingeniería de Audio en 1981. Luego, en agosto de 1983, el MIDI 1.0 se terminó. La tecnología MIDI permite que una sola pulsación de tecla, movimiento de la rueda de control, el movimiento del pedal, o el comando de un microordenador active todos los dispositivos en el estudio a distancia y en sincronía con cada dispositivo de respuesta de acuerdo con condiciones predeterminadas por el compositor. Los instrumentos y software de la norma MIDI hicieron posible un potente control de instrumentos sofisticados fácilmente al alcance de muchos estudios y particulares. En eso, los sonidos acústicos se reintegraron en las posteriores grabaciones a través de estudios de sampleo. Miller Puckette desarrolló el software gráfico de procesamiento de señales para 4X llamado Max (en honor a Max Mathews) y más tarde portado a Macintosh (con Dave Zicarelli, que extiende la operación del código abierto) para el control MIDI en tiempo real, con lo que la disponibilidad de composición algorítmica para la mayoría de los compositores con modestos conocimientos de programación informática. Sintesis Digital En 1975, la empresa japonesa Yamaha licencia los algoritmos para la síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM) de John Chowning, que había experimentado con FM en la Universidad de Stanford desde 1971. Ingenieros de Yamaha empezaron a adaptar el algoritmo de Chowning para su uso en una sintetizadora digital de frecuencias, la adición de mejoras, tales como el método de "escalamiento clave" para evitar la introducción de distorsión que normalmente se produjo en los sistemas analógicos durante la modulación de frecuencia. Sin embargo, el primer sintetizador digital comercial para ser lanzado sería de la compañía australiana Fairlight, el Fairlight CMI (Computer Musical Instrument) en 1979, como el primer sistema práctico y polifónico sintetizador/sampler digital. En 1980, Yamaha finalmente lanzó el primer sintetizador digital FM, la Yamaha SG-1, pero a un precio bastante elevado. En 1983, Yamaha introdujo el primer sintetizador independiente digital, el DX-7, que también utiliza la síntesis FM y se convertiría en uno de los sintetizadores más vendidos de todos los tiempos. El DX-7 era conocido por sus reconocibles tonalidades brillantes que se debió en parte a una frecuencia de muestreo de 57 kHz. link: http://www.youtube.com/watch?v=nmp9yqhsjqg El uso de la música en los videojuegos, Chiptune La nueva disponibilidad de ordenadores personales de bajo costo en los años 80 y 90 llevó a la aparición del Chiptune. Chiptunes, chipmusic, o la música chip es música escrita en formatos de sonido donde muchas de las texturas sonoras se sintetizan o se secuencian en tiempo real por medio del chip de sonido de una consola de videojuegos o un ordenador, a veces incluyendo la síntesis basada en muestras y reproducción de muestras de bits baja. Muchos dispositivos de sintetizadores de Chiptune eran presentados junto con la reproducción de samples con una baja tasa de reproducción por bit. El sonido lo-fi característico de la música de chips inicialmente fue el resultado de las limitaciones técnicas de las primeras tarjetas de sonido, sin embargo, el sonido se ha convertido en las más reconocidas características de los primeros videojuegos (1980-85), como Super Mario Bros de la compañía nipona Nintendo. link: http://www.youtube.com/watch?v=uhscMsBhNhw 1980-1990 Hacia finales de los años 1980, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. Esta tendencia ha continuado hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el mundo. En eso, se empiezan a distinguir los géneros de la música electrónica (Italo disco, Música electro, Techno, Música house, Acid house, Rave, Jungle, Drum and Bass y Música trance). En los años 1990, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos. Otros avances recientes son el la composición Begin Again Again de Tod Machover (MIT y IRCAM) para “Hyperchelo”, un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del chelista. Max Mathews desarrolló el programa "Conductor" para control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un tema electrónico. link: http://www.youtube.com/watch?v=rYP1ymJHOIQ El inicio del nuevo siglo, el 2000 A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la producción musical se hace posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica utilizando ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos. En esta década surgen diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software, entre los que destacan productos como Reason de Propellerhead y Ableton Live, que se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen de alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical llevando a un incremento masivo en la producción musical casera disponible para el público en internet. El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos antiguamente solo existentes como hardware estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plug-ins de los software. Algunos de los softwares más populares son Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y ChucK. link: http://www.youtube.com/watch?v=Qg-nIAnUZwE Circuit Bending El Circuit Bending (o circuitos flexibles) es la personalización creativa de los circuitos dentro de los dispositivos electrónicos de bajo voltaje, como pedales de guitarra que funcionan con baterías, juguetes de niños pequeños e incluso los sintetizadores digitales, con el fin de para crear nuevos instrumentos musicales y visuales. Haciendo hincapié en la espontaneidad y el azar, las técnicas de Circuit Bending se han asociado comúnmente con la música ruidosa (como el Kraut Rock), aunque muchos músicos contemporáneos más convencionales y grupos musicales han llegado a experimentar con instrumentos ya "doblados". El Circuit Bending por lo general implica el desmantelamiento de la máquina y la adición de componentes tales como interruptores y potenciómetros que alteran el circuito. Con el renovado interés de “doblar” circuitos de sintetizadores analógicos, el Bending se convirtió en una solución barata para muchos músicos experimentales para crear sus propios generadores de sonido analógico individual. Hoy en día muchos esquemas se pueden encontrar en los generadores de sonido y sintetizadores, resultado del Circuit Bending, como la consola de Atari Punk o el Dub Siren, así como modificaciones sencillas para juguetes como los famosos Speak & Spell que a menudo son modificadas por dobladores automáticos. Reed Ghazala, que comúnmente se conoce como el "Padre de Circuit Bending", debido a sus descubrimientos iníciales con el Speak & Spell, ha ocupado el aprendizaje y talleres desde el inicio de su trabajo. Si no cogiste nada del post, te dejo este video: link: http://www.youtube.com/watch?v=bhvPNOsMZyA Link 2da Parte (haz click en la imagen) GIF Otros Aportes Discografia de Feed Me (MEGA) Megapost Tributo a Daft Punk - El Post que se Merecen! 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