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Buenas! les traigo una reseña de algunos de los grandes (a mi entender) directores de cine de todos los tiempos. DISFRUTENLOS! ALFRED HITCHCOCK (1899 - 1980) Biografía Sus primeros años Fue criado en una familia de clase media. Sus padres, William (1862 - 1914) y Emma (1863 - 1942), eran tenderos de una estricta educación católica y sus hermanos (William y Eileen) eran mayores que él. Su estricta educación, unida a su aspecto algo grueso, hizo que el pequeño Alfred fuera un niño tímido y apocado, elementos de su personalidad que lo acompañarían durante toda su vida. Hitchcock fue enviado al Saint Ignatius College, Londres, pero debido a la muerte de su padre cuando contaba con 14 años tuvo que abandonar el colegio en 1915 para comenzar a trabajar en la Compañía telegráfica Henley. Hitchcock siempre fue un ávido admirador de Charles Dickens y Edgar Allan Poe y un amante del cine, especialmente tras haber visto ´´El nacimiento de una nación´´ de David Wark Griffith. Su ingreso al mundo del cine En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine. Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. En la Famous Players Lasky conoció a Alma Reville, que trabajaba como montadora, y con la que se casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas de su marido. El 7 de julio de 1928 nació su hija Patricia, que participaría como actriz en Extraños en un tren y en Psicosis. En el lado profesional, Hitchcock estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección de Graham Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción se detuvo y la película quedó inacabada. De todas maneras, la posibilidad de acabar un largometraje apareció poco después, ya que dirigió en Múnich, en 1925, su primera película completamente acabada: El jardín de la alegría, una coproducción germano-británica que se haría muy popular. Poco después, el realizador londinense dirigió la primera película de cine sonoro de Inglaterra: Blackmail, en 1929. Durante el rodaje, recibió la visita sorpresiva de Isabel Bowes-Lyon, duquesa de York, quien sería la madre de la actual monarca. Con pocos trabajos, Hitchcock se convirtió en el icono genial de una industria bastante discreta como era la británica. Películas como ¡Asesinato! (Murder!, 1930), El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1934) y especialmente 39 escalones (The 39 Steps, 1935) lo convirtieron en todo un emblema internacional del nuevo cine británico. Anecdóticamente, era famoso por su costumbre de hacer bromas pesadas, especialmente a los actores. El arribo a Hollywood El 22 de agosto de 1937 visitó con su familia Nueva York para entrevistarse con David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó, quien lo contrató el 14 de julio de 1938. Las condiciones del productor convencieron a Hitchcock y se trasladó junto a su familia a Estados Unidos en 1939. El primer trabajo que Selznick encargó a Hitchcock fue la adaptación de la novela de Daphne du Maurier Rebeca (1940). Este melodrama gótico explora los miedos de una ilusionada y joven esposa (Joan Fontaine), que se traslada a Gran Bretaña y debe luchar con un marido distante (Sir Laurence Olivier), un ama de llaves demasiado posesiva (Judith Anderson) y la memoria de la fallecida primera esposa de su marido: la bella y misteriosa Rebeca. El film obtuvo once nominaciones al premio Oscar. Pero John Ford se llevó ese año el premio al mejor director por Las uvas de la ira, arrebatándoselo al británico, que jamás ganaría una estatuilla, salvo el premio en memoria de Irving Thalberg, de carácter honorífico. Aparte de esto, empezaron a surgir los primeros problemas entre Selznick y Hitchcock. Y es que el director británico no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del productor. La segunda película americana de Hitchcock volvería a estar centrada en Europa. Foreign Correspondent también fue nominada a mejor película. El film fue rodado en el primer año de la Segunda Guerra Mundial y estaba inspirada en los rápidos cambios que experimentaba Europa en esos momentos, descritos por el corresponsal de un diario norteamericano, Joel McCrea. El film mezcló decorados construidos en Hollywood con escenas de la Europa real. Conforme a la censura del Código de Producción de Hollywood, la película evitó referencias directas a Alemania y a los alemanes.1 A partir de este momento y durante las tres décadas siguientes, dirigió películas en Hollywood a razón de una por año, reservándose en todas ellas una breve aparición (cameo), siempre sin diálogo. Estas breves apariciones se convirtieron en la firma particular que Hitchcock introducía en todas su películas. Paulatinamente, fue situando dichas apariciones cada vez más próximas al inicio de la película, porque, tal como le contó a François Truffaut, el público sabía que dicha aparición se produciría y esto causaba un efecto de distracción con respecto al desarrollo del film. Posteriormente llegaría Suspicion (La sospecha/Sospecha) (1941), protagonizada por Cary Grant, con quien mantuvo una gran amistad. Alfred Hitchcock siempre procuraba escoger para sus películas actores y actrices ya conocidos por alguna faceta, ya fuera la de la sensualidad, la simpatía o la seducción, pensando que así el papel quedaba más fácilmente definido desde el principio. Otro de sus grandes actores fetiche sería James Stewart, con quien coincidió por primera vez en La soga en 1948. El 26 de septiembre de 1942 murió en Londres su madre a la edad de 79 años. Además, al año siguiente, falleció también su hermano William. Preocupado por su obesidad mórbida (pesaba 135 kilos), llegó a perder 40 kilos en pocos meses. En 1944 creó su propia productora junto con Sidney Berstein: la Transatlantic Pictures. Ese mismo año, comenzó a trabajar con Ingrid Bergman, la primera rubia ´´hitchcockiana´´, por la que sentía fascinación. Rodó Encadenados (1946), protagonizada con Cary Grant. Según el propio Hitchcock refirió en una entrevista, prefería protagonistas rubias porque las consideraba más misteriosas. Junto con Ingrid Bergman y Gregory Peck rueda Spellbound (conocida como Recuerda en España, Cuéntame tu vida en Argentina), una película sobre el psicoanálisis, cuyo detalle más importante es la colaboración de Salvador Dalí, que diseñó y elaboró los decorados de la escena del sueño. Un apodo bien ganado: El maestro del suspenso En 1958 recibió varios premios: el Globo de Oro a la mejor serie de televisión y la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por ´´Vértigo (De entre los muertos)´´ (1958) protagonizada por James Stewart y Kim Novak. Por desgracia, ese mismo año le diagnosticaron un cáncer a su mujer, lo que le afectó profundamente. En 1959 rodó North by Northwest (Con la muerte en los talones), protagonizada por Cary Grant y Eva Marie Saint. La imagen de Cary Grant huyendo de una avioneta por los campos es ya una imagen inolvidable para los cinéfilos. Es considerada una de sus mejores películas. En 1960 dirigió Psicosis, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh. Fue uno de los mayores éxitos de su carrera. La película contiene una de las escenas más impactantes de la historia del séptimo arte: el asesinato de su protagonista, Janet Leigh, en la ducha, a mitad de la película. En 1963 filmó Los pájaros, protagonizada por Tippi Hedren y Rod Taylor. Su protagonista se convirtió en la nueva musa rubia, con la que mantuvo una actitud muy posesiva y junto con la que más tarde rodaría Marnie la ladrona (1964, protagonizada junto a Sean Connery). Es en este film, en su relación con Tippi Hedren en que se revela un rasgo de la personalidad posesiva y manipuladora de Hitchcock estableció casi siempre presiones maliciosas y una posesividad fuerte, presiones que había ejercido sobre otras actrices que eran de su agrado, como Grace Kelly. Entre 1966 y 1969 las críticas se volvieron en su contra. Cortina rasgada, con Paul Newman y Julie Andrews, y Topaz, con Frederick Stafford y Claude Jade, no tuvieron apenas éxito. Se decía que se esperaba un cambio de estilo. El propio Hitchcock lo buscaba, como prueban las imágenes encontradas en Frenesí (1972), protagonizada por Jon Finch, donde encontramos técnicas cinematográficas, desnudos y secuencias de una actualidad sorprendente. Pero el proyecto resultaba tan revolucionario como arriesgado y eso podía suponer la caída definitiva de Hitchcock como director. Así que los estudios Universal Pictures le denegaron el proyecto. En 1968 recibió un Óscar Honorífico, el premio en memoria de Irving Thalberg a toda su carrera, en la ceremonia de los Premios de la Academia. Aunque nunca recibió un Óscar competitivo, siempre se le ha considerado como el maestro del suspense. En 1972 confesó a Luis Buñuel, en una cena que celebraba George Cukor en su casa en honor a él por haber recibido un Oscar por su película El discreto encanto de la burguesía, ser un gran admirador suyo, recibiéndole con los brazos extendidos y diciendo ´´el mejor y más modesto de todos nosotros´´. Recibió un homenaje en Nueva York por la Sociedad Cinematográfica del Lincoln Center, acudiendo con Grace Kelly a la ceremonia. Cuatro años más tarde, J. Russel Taylor publicaba la primera biografía autorizada de Alfred Hitchcock. En 1976 dirigió La trama, protagonizada por Karen Black y Bruce Dern. En 1979, el American Film Institute le otorgó el premio a la labor de toda una vida. Ese mismo año, la reina Isabel II del Reino Unido le concedió el título de Sir. Un año más tarde, el 29 de abril de 1980, falleció en su casa de Los Ángeles a los 80 años de edad. En la actualidad son muchos los directores que reconocen la influencia que ha ejercido sobre sus obras el legado de Alfred Hitchcock. Filmografía Como Director en Cine: 1922 - Number 13 (Número 13), inacabada y recientemente encontrada 1925 - The Pleasure Garden (El jardín de la alegría) 1926 - The Mountain Eagle (El águila de la montaña) 1927 - The Lodger: A Story of the London Fog (El enemigo de las rubias / El inquilino) 1927 - The Ring (El ring) 1927 - Downhill 1927 - Easy Virtue (Dudosa virtud) 1928 - Champagne 1928 - The Farmers Wife (La esposa del granjero) 1929 - The Manxman 1929 - Blackmail (Chantaje / La muchacha de Londres) 1930 - Elstree Calling (Elstree llama) 1930 - Juno and the Paycock 1930 - Murder! (Asesinato) 1931 - Mary 1931 - Rich and Strange (Ricos y extraños / Lo mejor es lo malo conocido) 1931 - The Skin Game (Juego sucio) 1932 - Number Seventeen (Número diecisiete) 1933 - Waltzes from Vienna (Valses de Viena) 1934 - The Man Who Knew Too Much (El hombre que sabía demasiado), versión británica de 1934 1935 - The 39 Steps (39 escalones) 1936 - Sabotage (Sabotaje), basada en la novela de Joseph Conrad ´´El agente secreto´´ (no confundir con su siguiente película, Secret Agent, ni con la de 1942 titulada Saboteur) 1936 - Secret Agent (Agente secreto / El agente secreto), no confundir con la novela de Conrad ´´El agente secreto´´ (filmada por Hitchcock en 1936 con el título de Sabotage) 1937 - Young and Innocent (Inocencia y juventud) 1938 - The Lady Vanishes (Alarma en el expreso / La dama desaparece) 1939 - Jamaica Inn (La posada de Jamaica / La posada maldita) 1940 - Rebecca (Rebeca / Rebeca, una mujer inolvidable) 1940 - Foreign Correspondent (Enviado especial / Corresponsal extranjero) 1941 - Mr. and Mrs. Smith (Matrimonio original / Su amado enemigo) 1941 - Suspicion (Sospecha /La sospecha) 1942 - Saboteur (Sabotaje / Saboteador), no confundir con su película de 1936 titulada Sabotage 1943 - Shadow of a Doubt (La sombra de una duda) 1944 - Bon Voyage (Buen viaje), cortometraje en francés de propaganda durante la 2ª Guerra Mundial 1944 - Aventure malgache (Aventura malgache), cortometraje en francés de propaganda durante la 2ª Guerra Mundial 1944 - Lifeboat (Náufragos / 8 a la deriva) 1945 - Spellbound (Recuerda / Cuéntame tu vida) 1946 - Notorious (Encadenados / Tuyo es mi corazón) 1947 - The Paradine Case (El proceso Paradine / Agonía de amor) 1948 - Rope (La soga / Festín diabólico) 1949 - Under Capricorn (Bajo el signo de Capricornio, Atormentada) 1950 - Stage Fright (Pánico en la escena) 1951 - Strangers on a Train (Extraños en un tren / Pacto siniestro) 1953 - I Confess (Yo confieso / Mi secreto me condena / Mi pecado me condena) 1954 - Dial M for a Murder (Crimen perfecto / Con M de muerte / La llamada fatal / Llamada fatal (crimen perfecto) 1954 - Rear Window (La ventana indiscreta) 1955 - To Catch a Thief (Atrapa a un ladrón / Para atrapar al ladrón) 1955 - The Trouble with Harry (Pero... ¿quién mató a Harry? / El tercer tiro) 1956 - The Man Who Knew Too Much (El hombre que sabía demasiado / En manos del destino), remake en la etapa estadounidense de su película de 1934 1956 - The Wrong Man (Falso culpable / El hombre equivocado) 1958 - Vertigo (Vértigo / De entre los muertos) 1959 - North by Northwest (Con la muerte en los talones / Intriga internacional) 1960 - Psycho (Psicosis) 1963 - The Birds (Los pájaros) 1964 - Marnie (Marnie la ladrona / Marnie) 1966 - Torn Curtain (Cortina rasgada) 1969 - Topaz 1972 - Frenzy (Frenesí) 1976 - Family Plot (La trama / Trama macabra) Alfred Hitchcock presenta: Revenge (1955) Breakdown (1955) The Case of Mr. Pelham (1955) Back for Christmas (1956) Wet Saturday (1956) Mr. Blanchards Secret (1956) One More Mile to Go (1957) The Perfect Crime (1957) Lamb to the Slaughter (1958) Dip in the Pool (1958) Poison (1958) Banquos Chair (1958) Arthur (1959) The Crystal Trench (1959) Mrs. Bixby and the Colonels Coat (1960) The Horse Player (1961) Bang! Youre Dead (1961) La hora de Alfred Hitchcock: I Saw the Whole Thing (1962) STANLEY KUBRICK (1928–1999) Stanley Kubrick (1928–1999) fue un fotógrafo, director de cine, guionista y productor estadounidense. Considerado por muchos uno de los más influyentes cineastas del siglo XX. Destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus cintas y su marcado simbolismo.La influencia de Kubrick en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No sólo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al status quo de rol del director dentro la industria cinematográfica. Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años.Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando esta se aplicaba mayormente en el campo experimental. Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural. El busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que modifican el curso la historia, creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular. Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, en base a una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa. (fuente Wikipedia) FILMOGRAFÍA COMPLETA: LARGOMETRAJES • 1953 - “Fear and Desire“ IMDB 5.8 • 1955 - “El beso del Asesino“ aka Killer´s Kiss IMDB 6.7 • 1956 - “Atraco Perfecto“ aka The Killing - Casta de malditos IMDB 8.2 • 1957 - “Senderos de Gloria“ aka Paths of Glory- Patrulla infernal IMDB 8.6 • 1960 - “Espartaco“ aka Spartacus IMDB 8.0 • 1962 - “Lolita“ IMDB 7.7 • 1964 - “Dr. Strangelove“ aka Teléfono rojo. Volamos hacia Moscú IMDB 8.6 • 1968 - “2001: Una Odisea del Espacio“ aka 2001: A Space Odyssey IMDB 8.4 • 1971 - “Naranja Mecánica“ aka A Clockwork Orange IMDB 8.5 • 1975 - “Barry Lyndon“ IMDB 8.1 • 1980 - “El Resplandor“ aka The Shining IMDB 8.5 • 1987 - “Nacido para Matar“ aka Full Metal Jacket - La chaqueta metálica IMDB 8.4 • 1999 - “Ojos bien cerrados“ aka Eyes Wide Shut IMDB 7.2 FEDERICO FELLINI Vida y obra del gran Fellini. Hubo en Barcelona una exposición con 400 piezas que recorrieron escenas emocionantes y contaron anécdotas desconocidas del gran maestro. Caleidoscopio felliniano. La mirada patética de Gelsomina, una extraordinaria Giulietta Masina, nos contempla desde una escena de La Strada. Cristo, con los brazos abiertos, enganchado a un helicóptero, vuela hacia la Basílica de San Pedro con la inmensa plaza colmada de fieles en La Dolce Vita. Una Anita Ekberg imponente despliega su carnalidad, en medio de la Fontana di Trevi, junto a un Marcello Mastroianni fascinado que la roza pero que no puede llegar a besarla como esperábamos, anhelantes, los varones de todo el mundo. La escena más lúcida y conmovedora de Federico Fellini, el desfile de los personajes de su vida en el final de Ocho y medio, nos llega al alma porque reivindica que la verdad de sus sentimientos, la integridad con que los reconoce, es su mejor alegato. El especialista Sam Stouzé se pasó cuatro años hurgando en un vasto material de más de 25.000 fotografías, posters, recortes de prensa, películas, comics y otras fuentes, algunas inéditas. El resultado es Federico Fellini: ´´El circo de las ilusiones´´ que se presentaron en Barcelona y Madrid. ´´Quería conocer el origen de las obsesiones y las fuentes de inspiración de Fellini. El objetivo era entender de dónde sacó la inspiración para crear un mundo tan extravagante´´, explica Stourze, comisario de la muestra. La exposición se propone detenerse ´´en aspectos inherentes al mundo felliniano, como la mujer en todo su polimorfismo, la ambigüedad de su sentimiento religioso, el psicoanálisis y los sueños o su relación con los medios de comunicación´´. Las primeras grandes películas del maestro tienen una presencia vital en la exposición, sobre todo La Dolce Vita, que cumple medio siglo y abrió las puertas a los dorados y cruentos años sesenta, aunque nadie se dio cuenta. Según Stouzé ´´todos pensamos en Fellini como una burbuja imaginaria pero se inspiraba en la realidad´´. La cultura popular era la principal fuente del director, desde el principio un periodista que nunca dejó de serlo. La muestra informa que el striptease famoso de La Dolce Vita lo sacó Federico de una actriz de serie B que se desnudó lentamente en el bar Rugantino del Trastevere. Anita Ekberg protagonizó una foto muy atractiva, refrescando sus pies en la Fontana, dos años antes de que la imagen se convirtiera en una de las escenas más vibrantes del film. También salió de los archivos de prensa el Cristo en helicóptero. ´´Mira, Cristo. ¿Adónde lo llevan?´´, pregunta una frívola en bikini tomando sol en la terraza. Es una de las indagaciones claves de Fellini, que construye un filme profundamente cristiano, con la angustia del holocausto atómico a flor de piel. La Iglesia prefirió rechazar una gran creación del siglo XX amparándose en sus presuntos escándalos, hoy tan inocentes. Por todos lados, también en la Exposición, pulularon los ´´paparazzi´´, un icono de la modernidad que auguraba el poder arrasador de los medios. El término viene de ´´Paparazzo´´, el fotógrafo de Marcello Mastroianni, y el nombre se le ocurrió a Fellini acordándose de que así llamaban en dialecto a su compañerito de banco en la escuela de Rimini, su ciudad natal. La muestra es una cabalgata de colaboradores geniales y personajes estrafalarios: músicos, técnicos, autores, guionistas y los actores que Fellini elegía con mano maestra. Fotos y testimonios de los ´´castings´´ adonde se acumulan rostros a veces grotescos, figurantes desconocidos, los actores de tercera que colmaba Cinecitta, que después se transformarían en obispos, poderosos de todo tipo, hombres de la calle y mujeres estrambóticas. Filmografía completa Luci del varietà (Luces de variedades) (1950) Lo sceicco bianco (El jeque blanco) (1951) I vitelloni (Los inútiles) (1953) Lamore in città (Amor en la ciudad) (1953) La strada (1954) Il bidone (Almas sin conciencia/El cuentero) (1955) Le notti di Cabiria (Las noches de Cabiria) (1957) La Dolce Vita (íd.) (1960) Boccaccio 70 (1962) Otto e mezzo (8 ½) (1963) Giulietta degli spiriti (Giulietta de los espíritus / Julieta de los espíritus) (1965) Tre passi nel delirio (Historias extraordinarias) (1968) Block-notes di un regista (1969) — TV Satyricon (Fellini Satyricon) (1969) I clowns (1971) Roma (Roma de Fellini) (1972) Amarcord (1973) Casanova (1976) Prova dorchestra (Ensayo de orquesta) (1978) La città delle donne (La ciudad de las mujeres) (1980) E la nave va (Y la nave va) (1983) Ginger e Fred (Ginger y Fred) (1986) Intervista (Entrevista) (1987) La voce della luna (La voz de la luna) (1990) AKIRA KUROSAWA Akira Kurosawa (23 de marzo de 1910—6 de septiembre de 1998) fue uno de los más célebres directores de cine de Japón. Comenzó su carrera con Sugata Sanshiro (La leyenda del gran Judo), dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashomon o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Oscar honorífico por su trayectoria. Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de 1950, y que le dio a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. También le gustaba usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashomon y en la batalla final de Los siete samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre). Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (literalmente, ´´El Emperador´´), por su estilo dictatorial como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado. En Rashomon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película. Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) sólo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren. Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para ´´establecer un vínculo´´ con la ropa. En algunos casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje. FILMOGRAFÍA COMPLETA (LARGOMETRAJES) - 1943 ´´Sugata sanshiro´´ (La leyenda del gran Judo) IMDB 6.9 - 1944 ´´Ichiban utsukushiku´´ (La más bella) IMDB 5.9 - 1945 ´´Zoku sugata sanshiro´´ (La nueva leyenda del gran Judo) IMDB 6.3 - 1945 ´´Tora-no-o fumu otokotachi´´ (Los hombres que caminan sobre la cola del tigre) IMDB 6.8 - 1946 ´´Asu o tsukuru hitobito´´ (Los que construyen el porvenir) IMDB 6.8 - 1946 ´´Waga seishum ni kuinashi´´ (No añoro mi juventud) IMDB 7.4 - 1947 ´´Subarashiki nichiyobi´´ (Un domingo maravilloso) IMDB7.3 - 1948 ´´Yoidore tenshi´´ (El ángel ebrio) IMDB 7.8 - 1949 ´´Shizukanara ketto´´ (Un duelo silencioso) IMDB 7.5 - 1949 ´´Nora inu´´ (El perro rabioso) IMDB 7.8 - 1950 ´´Shubun´´ (Escándalo) IMDB 7.4 - 1950 ´´Rashomon´´ IMDB 8.4 - 1951 ´´Hakuchi´´ (El idiota) IMDB 7.4 - 1952 ´´Ikiru´´ (Vivir) IMDB 8.3 - 1954 ´´Shichinin no samurai´´ (Los siete samuráis) IMDB 8.8 - 1955 ´´Ikimona no kiroku´´ (Crónica de un ser vivo) IMDB 7.3 - 1957 ´´Kimonosu-jo´´ (Trono de sangre) IMDB 8.2 - 1957 ´´Donzoko´´ (Los bajos fondos) IMDB 7.5 - 1958 ´´Kakushi toride no san-akunin´´ (La fortaleza escondida) IMDB 8.0 - 1960 ´´Warai yatsu hodo yoku nemuru´´ (Los canallas duermen en paz) IMDB 8.0 - 1961 ´´Yojimbo´´ (El mercenario) IMDB 8.4 - 1962 ´´Tsubaki Sanjuro´´ (Sanjuro) IMDB 8.1 - 1963 ´´Tengoku to jigoku´´ (El infierno del odio) IMDB 8.3 - 1965 ´´Akahige´´ (Barbarroja / Bondad humana) IMDB 8.1 - 1970 ´´Dodes ka-den´´ IMDB 7.6 - 1975 ´´Dersu Uzala´´ (El cazador) IMDB 8.2 - 1980 ´´Kagemusha´´ (La sombra del guerrero) IMDB 7.9 - 1985 ´´Ran´´ (Caos) IMDB 8.3 - 1990 ´´Los Sueños, de Akira Kurosawa´´ (Sueños) IMDB 7.6 - 1991 ´´Hachi-gatsu no kyoshikyoku´´ (Rapsodia en Agosto) IMDB 7.2 - 1992 ´´Madadayo´´ (Espera un poco / Todavía no) IMDB 7.3 MARTIN SCORSESE Martin Charles Scorsese (Flushing, Queens – New York, 17 de noviembre de 1942). Director, Guionista, Actor y Productor de cine estadounidense, mejor conocido como Martin Scorsese. Uno de los más grandes directores de su generación. La filmografía de Scorsese se caracteriza por exposición de violencia made in USA, vista desde una variedad de topicos: Mafia, Machismo, Juventud Trasviada, Pandillas, Sociopatas, Gangsters, Tráfico, Racismo, y hasta Boxeo. Todo esto mezclado con dosis de religiosidad y cinismo. También ha realizado musicales de alta factura que contrastan radicalmente con su obra violenta. Claro que nada serviría si no fuera un maestro en el arte de plasmar el guión con tomas arrojadas y precisas, además de contar con el ojo clínico para descubrir y dirigir actores que trascienden hacia el estrellato después de estar a sus ordenes. Filmografía (largometrajes) • 1967 - ´´¿Quién llama a mi puerta?´´ - I Call First aka Who´s that knocking at my door? • 1972 - ´´El tren de Bertha´´ - Boxcar Bertha • 1973 - ´´Calles peligrosas´´ - Mean Streets aka Malas calles • 1974 - ´´Alicia ya no vive aquí´´ - Alice Doesn´t Live Here Anymore • 1976 - ´´Taxi Driver´´. • 1977 - ´´New York, New York´´. • 1978 - ´´El último rock´´ - The Last Waltz aka El último vals (documental, musical). • 1980 - ´´Toro salvaje´´ - Raging Bull • 1983 - ´´El rey de la comedia´´ - The King of Comedy • 1985 - ´´Después de horas´´ - After Hours aka Jo, ¡qué noche!. • 1986 - ´´El color del dinero´´ - The Color of Money . • 1987: ´´Bad´´ (vídeoclip de Michael Jackson). • 1988 - ´´La última tentación de Cristo´´ - The Last Temptation of Christ • 1989 - ´´Historias de Nueva York´´ - New York Stories: ´´Life Lessons´´ • 1990 - ´´Buenos muchachos´´ - Goodfellas aka Uno de los nuestros. • 1991 - ´´Cabo de miedo´´ - Cape Fear aka El cabo del miedo • 1993 - ´´La edad de la inocencia´´ - The Age of Innocence (). • 1995 - ´´Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano´´ - A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (documental). • 1995 - ´´Casino´´ • 1997 - ´´Kundun´´. • 1999 - ´´Vidas al límite´´ - Bringing Out the Dead aka Al límite • 2001 - ´´The Concert for New York City: ´´The Neighborhood´´ (documental, musical). • 2002 - ´´Gangs of New York´´ aka Pandillas de Nueva York. • 2004 - ´´El aviador´´ - The Aviator • 2005 - ´´No Direction Home: Bob Dylan´´. • 2006 - ´´Infiltrados´´ - The Departed aka Los infiltrados • 2008 - ´´Shine a Light:The Stones´´ (documental, musical). • 2010 - ´´La Isla Siniestra´´ - Shutter Island . • 2011 - ´´La invención de Hugo Cabret´´- Hugo INGMAR BERGMAN (1918 – 2007) Guionista y director de teatro y cine sueco. Considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, reconocido como uno de los más consumados e influyentes de la historia, para muchos, el más importante de la cinematografía mundial. Estuvo activo por más de 6 décadas, en 1976 su carrera fue amenazada por una investigación de evasión de impuestos, situación que lo obliga a internarse en un hospital psiquiátrico y exiliarse de Suecia por 10 años en Alemania donde continuó sus trabajos. “Dediqué mi interés por el misterioso mundo de la iglesia, los arcos, los gruesos muros, el olor de la eternidad, la colorida luz del sol temblando encima de la extraña vegetación de las pinturas medievales y figuras talladas en los techos y paredes. Había de todo lo que la imaginación pueda desear: ángeles, santos, dragones, profetas, demonios, seres humanos” Era un director con un estilo muy particular en sus cintas, con una narrativa visual deliberadamente lenta, una fotografía muy limpia, escenografías extremadamente detalladas y un sumo cuidado en la dirección actoral. La mayor virtud de Bergman consistía en transmitir emociones y provocar sentimientos, siempre en una atmósfera cargada de dramatismo, en ocasiones agobiante, tensa o desesperanzadora, haciendo que sus planos mesurados y secuencias largas no caigan en la monotonía y por el contrario den la oportunidad al espectador de reflexionar e inquietarse, además de conectarse con la intensidad y densidad del drama. Sus historias no siempre se alcanzan a interpretar del todo debido a algunos de sus recursos oníricos y simbólicos. Aún así la belleza de sus montajes y lo enigmático de sus escenas resultan desde interesantes hasta hipnotizantes. “Yo no intento hacer filmes meramente intelectuales. Quiero que las audiencias perciban, que sientan mis películas. Esto para mi es mucho más importante a que las entiendan”. Sus cintas manejan temas como la soledad, la mortalidad, el deseo sexual, la represión emocional, y la fe religiosa, este último aspecto muy marcado en sus primeros filmes hasta El Silencio (1963) donde, según declara, marca el fin de la era en que los conflictos religiosos eran una preocupación en sus películas. Sus personajes suelen cargar con pesados lastres emocionales e internarse en viajes introspectivos que los llevan a la iluminación o simplemente a la devastación. Se trata de trayectorias que los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. Muchas de las propias inquietudes, creencias y eventos de la niñez de Bergman suelen ser retratados en sus cintas. “Casi toda nuestra educación estuvo basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios”. La transmisión de esos estados de conflicto interno de sus personajes, originan historias angustiosas y lacerantes, como pocos directores de cine han podido comunicar a su público, y éste es el mayor logro del director sueco. Su última cinta y además gran ogra maestra que significó la despedida de la gran pantalla (a pesar de que en 2003 volvió a filmar Saraband para la televisión que se exhibió en cine), es Fanny y Alexander (1982) que se mostró en cine y como miniserie para la televisión sueca, es autobiografía y ficción, la infancia y la inocencia perdida por la fuerza, los usos sociales, la vanidad, el amor, la amistad y la familia, el mundo adinerado y del teatro, etc., que se dan cita en la película más popular de Bergman para espectadores de todas las generaciones, y casi su mejor película. Sus 285 minutos en versión íntegra proporcionan al espectador un placer incomparable, intelectual y sentimental que supone cerrar todo un ciclo en cuanto a la manera de narrar, temática y estilos, finalizando todo con una búsqueda de la esencia, de lo aprendido y de las bases de un cine que será siempre eterno. Premios Óscar FILMOGRAFÍA (no incluye cortometrajes) • 2003 Saraband (TV ) • 2000 Bildmakarna (TV) • 1997 En presencia de un payaso [Larmar och gör sig till] (TV) • 1995 Sista skriket (TV) • 1993 Backanterna (TV) • 1992 Markisinnan de Sade (TV) • 1986 Los escogidos (TV) • 1986 Dokument Fanny och Alexander (documental) • 1985 Dom Juan (TV) • 1984 Tras el ensayo (TV) • 1983 Hustruskolan (TV) • 1982 Fanny och Alexander [Fanny y Alexander] [CALIFICACIÓN PERSONAL: 8.5] • 1980 Documento sobre Farö 1979 (TV documental) • 1980 Aus dem Leben der Marionetten [De la vida de las marionetas] (TV) • 1978 Höstsonaten [Sonata de otoño ] • 1977 The Serpent´s Egg [El huevo de la serpiente] • 1976 Ansikte mot ansikte Cara a cara al desnudo • 1975 La flauta mágica (TV) • 1974 Misantropen (TV) • 1973 Scener ur ett äktenskap Secretos de un matrimonio (mini-serie) • 1972 Viskningar och rop Gritos y susurros [CALIFICACIÓN PERSONAL: 9] • 1971 Beröringen [La carcoma] • 1970 Fårödokument 1969 (TV documental) • 1969 En passion [Pasión ] • 1969 Riten [El rito] (TV) • 1968 Skammen [La vergüenza ] • 1968 Vargtimmen [La hora del lobo ] • 1967 Stimulantia (segmento ´´Daniel´´) • 1966 Persona [MI CALIFICACIÓN PERSONAL: 9/10) • 1965 Don Juan (TV) • 1964 För att inte tala om alla dessa kvinnor [¡Esas mujeres!] • 1963 Tystnaden [El silencio] • 1963 Ett drömspel (TV) • 1963 Nattvardsgästerna [Los comulgantes] • 1961 Såsom i en spegel [Como en un espejo] • 1960 Djävulens öga [El ojo del diablo ] • 1960 Jungfrukällan [El manantial de la doncella] CALIFICACIÓN PERSONAL: 8.5 • 1960 Oväder (TV) • 1958 Ansiktet [El rostro] • 1958 Rabies (TV) • 1958 Nära livet [En el umbral de la vida] • 1958 Venetianskan (TV) • 1957 Smultronstället Fresas salvajes CALIFICACIÓN PERSONAL: 8.5 • 1957 Herr Sleeman kommer (TV movie) • 1957 Det sjunde inseglet El séptimo sello CALIFICACIÓN PERSONAL: 8.5 • 1955 Sommarnattens leende [Sonrisas de una noche de verano] • 1955 Kvinnodröm [Sueños ] • 1954 En lektion i kärlek [Una lección de amor] • 1953 Gycklarnas afton [Noche de circo] • 1953 Sommaren med Monika [Un verano con Mónica] • 1952 Kvinnors väntan [Tres mujeres] • 1951 Sommarlek [Juegos de verano] • 1950 Sånt händer inte här [Esto no puede ocurrir aquí] • 1950 Till glädje [La alegría] • 1949 Törst [Tres amores extraños] • 1949 Fängelse [Prisión] • 1948 Hamnstad [Ciudad portuaria] • 1948 Musik i mörker [Música en la oscuridad] • 1947 Skepp till India land [Barco a la India] • 1946 Det regnar på vår kärlek [Llueve sobre nuestro amor] • 1946 Kris ORSON WELLES George Orson Welles fue productor, director, guionista y actor de nacionalidad norteamericana. Welles nació en Kenosha, Wisconsin (Estados Unidos), el 6 de mayo de 1915. Su padre era el empresario e inventor Richard Head Welles, y su madre, llamada Beatrice Ives, se dedicaba a ofrecer conciertos de piano. Orson era el hijo menor de la pareja, siendo su hermano mayor Dickie, quien sufriría múltiples problemas mentales que le llevaron a ser recluido en una institución psiquiátrica. Beatrice y Richard se divorciaron en 1921. Tras consejos del doctor de la familia, Maurice Bernstein, quien descubrió la genialidad del niño a temprana edad, la madre de Welles comenzó a instruir a su hijo en todo tipo de expresiones artísticas, como la música, la literatura la pintura o el dibujo. Beatrice falleció en 1924 y Orson pasó a custodia de su alcohólico progenitor. Bernstein, admirador de las facultades del joven, fue el verdadero impulsor en la educación de Welles, quien acudió en su infancia a estudiar a la Tool School de Illinois. En 1930 Orson sufrió la pérdida de su padre, quien falleció a causa de su adicción a la bebida. Admirador de la obra de William Shakespeare desde su infancia, antes de desembarcar en Hollywood, Welles ya había ganado cierta reputación en el mundo del teatro. A la edad de 18 años emigró a Irlanda, trabajando en el experimental Gate Theatre a comienzos de los años 30. Más tarde debutó con la compañía de Katherine Cornell tras ser recomendado por Thornton Wilder y Alexander Woollcott. En este período apareció en numerosas producciones basadas en obras de Shakespeare, debutando en Broadway con la representación de ´´Romeo y Julieta´´. Cuando sus avanzadas ideas sobre la expresión artística le llevan a salir del Federal Theatre, Welles funda junto a Houseman el Mercury Theatre, consiguiendo el éxito con sus representaciones radiofónicas y teatrales, entre ellas otras adaptaciones shakesperianas, como “Macbeth” y “Julio César”. El suceso que cambió su vida profesional ocurrió en el año 1938. Con actores de su compañía, Orson representó la obra de H. G. Wells “La guerra de los mundos” en una versión radiofónica tan realista que provocó una gran conmoción y pánico entre sus oyentes, quienes, después de escuchar la presunta invasión de New Jersey por los alienígenas, salieron corriendo atemorizados a las calles pensando que el ataque extraterrestre era cierto. Este extraordinario suceso elevó la fama del joven Welles, provocando que su nombre llegara a oídos de los estudios de Hollywood. Welles contrajo matrimonio con Rita Hayworth, con quien tuvo a su hija Rebecca, nacida en 1944. Con anterioridad, en el año 1937, Orson había tenido junto a Virginia Nicholson a su primogénito Christopher Feder. Antes de volver a aparecer acreditado como director, Welles intervino en películas como “Estambul” (1942) de Norman Foster, “Alma rebelde” (1944), film de Robert Stevenson que adaptaba la novela gótica ´´Jane Eyre´´ de Charlotte Brontë con el co-protagonismo de Joan Fontaine, o “Duelo al sol” (1946), película de King Vidor a la que puso su voz como narrador. En “Alma rebelde” y “Estambul” se aprecian claramente las influencias cinematográficos de Welles, llegando incluso a afirmarse que fue el propio Orson Welles el responsable de la dirección. En 1946 realizó su tercera película gracias a la ayuda de Sam Spiegel, un productor independiente con el que grabó “The Stranger” (1946), un film con temática nazi co-protagonizado por Edward G. Robinson y Loretta Young. Se trata de un film menor pero disfrutable, inferior a sus obras previas y a la siguiente, “La dama de Shangai” (1948), estupendo film negro con las constantes visuales de su director que fue rodado junto a su esposa Rita Hayworth, con quien se hallaba en pleno proceso de divorcio. Con exigua fortuna en la taquilla y admirado por la crítica, el autor dio inicio a su extraordinaria trilogía sobre las obras de William Shakespeare con “Macbeth” (1948), cuyo fracaso comercial indujo a que Orson abandonase los Estados Unidos y emigrara a Europa, en donde rodó varias películas, trabajando también como actor en innumerables producciones con el afán de conseguir el lucro necesario para sus propios films como director. Algunos de sus mejores títulos en tierras europeas fueron “El tercer hombre” (1949), película de Carol Reed narrada con un estilo muy semejante al de Welles, o “Moby Dick” (1956), adaptación del clásico de Herman melvilla que dirigió John Huston. También puso su voz como Dios en la película “Don Camilo” (1952) de Julien Duvivier. En Italia presentó la segunda parte de su trilogía, la excelente “Otelo” (1952), película que consiguió ganar en el Festival de Cannes. Con financiación española estrenó “Mr. Arkadin” (1955), un film con una disposición similar a “Ciudadano Kane” que no consiguió los resultados de su precedente a pesar de ser una muy estimable película. Después de diez años alejado de Hollywood, Orson Welles retornó a su país para filmar uno de sus mejores títulos. “Sed de mal” (1958), sensacional film noir co-protagonizado por Charlton Heston y Janet Leight. En Europa rodó “El proceso” (1962), absorbente comunión entre Welles y el escritor checo Franz Kafka con Anthony Perkins como Joseph K. De regreso a Europa culminó su trilogía shakesperiana en España con “Campanadas a medianoche” (1965), una amalgama de cinco obras del dramaturgo inglés. Con posterioridad, filmó para la televisión francesa “Una historia inmortal” (1968), adaptación de un relato de Isak Dinesen, preludio de su última obra acabada, el documental “Fraude” (1973). Hombre de gran personalidad y carácter independiente, Orson Welles, debido a su perfeccionismo enfermizo dejó muchos proyectos inconclusos, entre ellos una versión del Quijote comenzada en 1955, que sería posteriormente restaurada y estrenada después de la muerte de su autor, acontecida en Los Angeles el 9 de octubre de 1985 a la edad de 70 años. Filmografía como director 1941 - Citizen Kane (Ciudadano Kane / El ciudadano) 1942 - The Magnificent Ambersons (Soberbia4 / Los magníficos Amberson / El cuarto mandamiento) 1942 - Its all true - Película inacabada 1942 - Tanques (Tanks) - Película inédita y desconocida 1945 - The Stranger (El extraño) 1947 - The lady from Shanghai (La dama de Shanghái) 1947 - Macbeth (Macbeth) 1952 - Othello (Otelo) 1955 - Mr. Arkadin (Mister Arkadin/Confidential report) 1957 - Touch of Evil (Sed de Mal / Sombras del mal) 1962 - El proceso (The Trial), basada en la novela El proceso de Franz Kafka. 1965 - Campanadas a medianoche (Falstaff / Chimes at Midnight) 1967 - The Deep - Película inacabada 1968 - Una historia inmmortal (The immortal story) 1969 - Don Quijote de Orson Welles - Película inacabada (aunque montada en 1992 por Jesús Franco).5 1970 - Al otro lado del viento - Película inacabada. 1973 - F for Fake (F de Falso / Falso / Fraude) 1978 - Filming Othello ROMAN POLANSKI Considerado uno de los pocos directores verdaderamente internacionales, Polanski es afamado por su impecable estilo visual, su innovador uso del sonido, sus guiones perfectamente enmarcados y sobre todo por su compleja descripción de la psicología humana. Como persona es igualmente famoso por sobrevivir al holocausto, perder a su esposa embarazada víctima del conocido asesino Charles Manson y de abandonar los Estados Unidos por cargos de violación de una menos de 13 años. El genio de Polansky, al igual que su vida está inmerso en el horror de la psiquis humana. La capacidad del hombre de cometer los más indecibles actos de maldad es recurrente tanto en sus filmes como en su vida. Nacido en París, Francia en 1933 bajo el nombre de Rajmund Roman Thierry Polanski hijo de padres polacos, comienza trabajando como actor en radio, teatro y algunas películas como Pokolenie, 1954, año en que entra a la escuela de cine Lodz donde hace sus primeros cortometrajes. En 1962 hace su primer largometraje “El Cuchillo en el agua” (Noz w wodzie), primer filme polaco de la post-guerra que no estuvo asociado con el tema de la guerra, consiguiendo la nominación al óscar a mejor película de habla no inglesa, derrotada por “8 y medio” de Federico Fellini. Desde entonces ha recibido 5 nominaciones y ganado la estatuilla como director por El Pianista (2002) junto con 2 Baftas (Academia Británica de Artes, Cine y Televisión), 4 césares (el premio del cine francés), un globo de oro y la palma de oro de Cannes. Hasta la fecha suma un total de 69 premios y 45 nominaciones. Sus primeros cortos mostraron su gusto por el humor negro y el interés por las relaciones humanas bizarras. En 1965 comienza a filmar en Inglaterra, ganando el oso de plata y de oro en el festival de Berlín por Repulsión (1965) y Callejón Sin Salida (Cul-de-sac) (1966). En 1968 viaja a Hollywood donde filma su Thriller psicológico Rosemarys Baby. Luego del brutal asesinato de su esposa a manos de la ‘familia’ Manson, decide volver a Europa. En 1974 vuelve a rodar una cinta estadounidense, Chinatown obteniendo 11 nominaciones al óscar, ganando por mejor guión original. Cuando parecía iniciar una prometedora carrera en Hollywood los cargos de abuso a una menor lo hacen exiliarse de Estados Unidos para evitar la prisión. Pese a que fue obligado a tener una evaluación psiquiátrica en prisión y liberado con la promesa de no ser encarcelado, se le aconsejó tomar residencia en países donde no pudiera ser extraditado, viviendo desde entonces en Francia principalmente. Por esta razón no asistió, por ejemplo, a la ceremonia del óscar en 2002 donde obtuvo el premio. Polansky ha destacado por dar realce, en lugar de disimular, la posición del espectador como ‘voyeur’ entrometido que fisga en la vida de los personajes. Sus obras han inspirado a diversos directores incluyendo los hermanos Coen, Ayom Egoyan, Darren Aronofsky, Park Chan-wook, Abel Ferrara y Wes Craven. FILMOGRAFÍA: El cuchillo en el agua (Noz w wodzie) (1962). Polonia. Las más famosas estafas del mundo (Les plus belles escroqueries du monde / Le più belle truffe del mondo / De wereld wil bedrogen worden) (1965). Francia / Italia / Holanda / Japón. Film de sketches los demás son debidos a Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, Ugo Gregoretti y Hiromichi Horikawa. El episodio de Polanski se titula: ´´Lhomme qui vendit la Tour Eiffel´´. Repulsión (Repulsion) (1965). RU. Cul-de-sac - Callejón sin salida (Cul-de-sac (1966). RU. El baile de los vampiros (The Fearless Vampire Killers or: Pardon Me, But Your Teeth Are in My Neck) (1967). USA. La semilla del diablo (Rosemarys Baby) (1968). USA. Macbeth (Macbeth) (1971). RU. ¿Qué? (Che? / Quoi? / Was?) (1973). Italia / Francia / Alemania. Chinatown (Chinatown) (1974). USA. El quimérico inquilino (Le locataire / The Tenant) (1976). Francia / USA. Tess (Tess) (1979). RU / Francia. Piratas (Pirates) (1986). Francia / Túnez. Frenético (Frantic) (1988). Francia / USA. Lunas de hiel (Bitter Moon / Lunes de fiel) (1992). RU / Francia. La muerte y la doncella (Death and the Maiden / La jeune fille et la mort) (1994). RU / USA / Francia. La novena puerta / The Ninth Gate / La neuvième porte (1999). España / USA / Francia. The Pianist / La Pianiste (2002). Francia / Alemania / Polonia / RU Carnage / Un Dios Salvaje (2011). Francia / Alemania / Polonia / España. QUENTIN TARANTINO BIOGRAFIA: Quentin Tarantino, (Knoxville, Tennessee, EEUU, 27 de marzo de 1963). Guionista, director y actor estadounidense ganador del Premio Óscar y de la Palma de Oro de Cannes. Cuando tenía dos años, su madre (soltera) se mudó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos décadas.Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años 70. Se puso a trabajar en el videoclub Video Archives en Manhattan Beach junto a otros entusiastas del cine, entre ellos Roger Avary, donde discutían de cine y de las recomendaciones a los clientes. Prestó mucha atención a los tipos de películas que le gustaba alquilar a la gente y ha citado la experiencia como fuente de inspiración para su carrera como director. El propio Tarantino ha dicho: ´´Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo, ‘no, fui al cine‘´´. Carrera cinematográfica Empezó a escribir junto con Avary y otros amigos, pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de lo difícil que resultaba poder hacer una ´´película de verdad´´ para un escritor desconocido como director, escribió en 1991 Reservoir Dogs, con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigotes de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, el ambicioso productor Lawrence Bender leyó el guion de Reservoir Dogs, le fascinó y pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar convertirlo en esa ´´película de verdad´´. Fue Bender quien hizo llegar el guion al actor Harvey Keitel y fue el entusiasmo de éste lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía al propio Keitel (que también se encargó de co-producirla), Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino. Reservoir Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo. De repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de Reservoir Dogs se vendieron enseguida: fueron True Romance (Amor a quemarropa, 1992, dirigida por Tony Scott) y Natural Born Killers (Asesinos natos, reescrita y dirigida por Oliver Stone en 1993). También le ofrecieron algunos proyectos, como Speed y Men in Black,9 pero prefirió retirarse a Amsterdam a trabajar en su guion de Pulp Fiction, un collage de ficción interpretado por John Travolta y Uma Thurman estrenado en 1994, que supuso otro éxito para Tarantino y varias nominaciones a premios, de los que consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y el Oscar, Globo de Oro y BAFTA al mejor guion original. Tras esto dirigió el cuarto episodio de Four Rooms, The Man From Hollywood, un homenaje a Alfred Hitchcock. El resto de episodios de la película fueron dirigidos por Allison Anders, Alexandre Rockwell y Robert Rodriguez. Actuó y escribió el guion de Abierto hasta el amanecer, película que dirigió su amigo Robert Rodriguez, y que dio lugar a dos secuelas, en las cuales Tarantino y Rodriguez sólo ejercieron como productores ejecutivos. Su tercera película fue Jackie Brown en 1997, que escribió y dirigió. Fue una adaptación de Rum Punch, novela de Elmore Leonard. Un homenaje a las películas de blaxploitation, protagonizada por Pam Grier, quien actuó en muchas de las películas del género en los años 70, y que le valió la nominación tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su papel, y el coprotagonista Robert Foster fue nominado al Oscar en la categoría de mejor actor de reparto. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro, Bridget Fonda y Michael Keaton. Había planeado hacer a continuación una película bélica provisionalmente titulada Inglourious Bastards, pero lo pospuso para escribir y dirigir Kill Bill (estrenada en dos partes, Vol. 1 y Vol. 2), una película de venganza que tomaba elementos de Wuxia (arte marcial chino), Jidaigeki (género cinematográfico japonés) y spaghetti westerns. Se basó en el personaje (la Novia) y la trama que Uma Thurman y él habían desarrollado durante el rodaje de Pulp Fiction. En el 2005 Tarantino fue director invitado en Sin City, película dirigida por Robert Rodriguez. En ella dirige la escena del coche protagonizada por Clive Owen y Benicio del Toro. Su siguiente proyecto fue Grindhouse, co-dirigida junto a Robert Rodriguez y estrenada en 2007. Tarantino dirigió el segmento titulado Death Proof. Su rendimiento en los cines no fue el esperado a pesar de tener una crítica favorable. Su siguiente película fue Inglourious Basterds, una historia sobre un grupo de soldados estadounidenses en la Francia ocupada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La filmación comenzó en octubre de 2008. La película se estrenó el 21 de agosto de 2009 (en Estados Unidos) cosechando críticas muy positivas y llegando al primer puesto de recaudación mundial. Es la película de Tarantino que mayor recaudación ha conseguido tanto en los Estados Unidos como a nivel mundial. En 2011 comenzó la producción de Django Unchained, una película sobre la venganza de un ex-esclavo contra su antiguo amo. La película surgió del deseo de Tarantino de hacer un spaghetti western en el sur profundo de Estados Unidos, que Tarantino ha llamado un ´´southern´´,afirmando que quería ´´hacer películas que trataran del horrible pasado de Estados Unidos con la esclavitud y esas cosas, pero como lo hacen los spaghetti westerns, no como películas sobre un gran problema. Quiero hacerlo como si fueran películas de género, pero se enfrentan con todo lo que Estados Unidos nunca se ha ocupado porque se avergüenza de ello, y otros países no tratan sobre ello porque no sienten que tengan derecho a hacerlo.´´ Tarantino terminó el guion el 26 de abril de 2011, y se lo entregó a The Weinstein Company. Christoph Waltz fue elegido para interpretar a un alemán cazador de recompensas. Para el papel protagonista se rumorearon Will Smith e Idris Elba, pero finalmente Jamie Foxx ha sido el elegido para hacer de Django.También estará Samuel L. Jackson, como Stephen, un esclavo fiel y Leonardo DiCaprio en el papel de Calvin Candie, el principal antagonista en la película. Su estreno está previsto para el 25 de diciembre de 2012. Filmografía (Como Director) • 1987 – “El cumpleaños de mi mejor amigo” – My Best Friends Birthday (Reconstruída/inconclusa) (corto) • 1992 – “Reservoir dogs” • 1994 – “Tiempos violentos” – Pulp Fiction • 1995 – “Four Rooms” • 1997 – “Jackie Brown” • 2003 – “Kill Bill Vol.1” • 2004 – “Kill Bill Vol.2” • (2005) - Sin City (Director Invitado) • 2007 – “A prueba de Muerte” – Grind House: Death Proof • 2009 – “Bastardos sin Gloria” – Inglorious Basterds • 2012 – ´´Django sin cadenas´´ – Django Unchained Bueno como el post llegó al máximo de carácteres no puedo seguir agregando info, porque obviamente quedaron un monton afuera, asiq si gusta seguiré en otro momento con la segunda parte! Espero que les haya gustado

Qué pensás al ver esto...? QUÉ ES LA ANOREXIA ? La anorexia nerviosa se puede considerar como una alteración por defecto, de los hábitos y/o comportamientos involucrados en la alimentación. Las personas que lo padecen dedican la mayor parte de su tiempo a temas alimentarios y todo lo que esté relacionado con ello. La preocupación por la comida y el temor a ganar peso forman lo esencial de este trastorno, junto con la inseguridad personal para enfrentarse a este problema. Niegan la enfermedad y se perciben gordas en alguna parte de su cuerpo a pesar de presentar un aspecto esquelético. Sobreviene la irregularidad menstrual y más tarde la amenorrea o la impotencia en varones. SINTOMAS DE LA ANOREXIA 1- Negativa a mantener el peso corporal por encima de un peso normal mínimo parar edad y altura 2- Intenso temor a aumentar de peso o engordar, aun cuando tenga peso insuficiente. 3- Percepción distorsionada del peso, tamaño o figura de su cuerpo. 4- En las mujeres, la ausencia de por lo menos tres ciclos menstruales consecutivos. En general, usted puede estar absolutamente seguro de que una persona tiene anorexia si observa: 1- Peso corporal anormalmente bajo 2- Mantenimiento deliberado de ese peso corporal mediante dieta, ejercicio, abuso de laxantes o diuréticos, o una combinación de los tres. 3- Síntomas de inanición El razgo común de este desorden alimenticio, es el intentar a como de lugar, mantener el control sobre la cantidad de comida que se ingiere. Periodos de ayuno, conteo obsesivo del contenido calórico de los alimentos, el ejercicio compulsivo, y/o la purgación después de una comida regular. En muchos casos estas personas aparentan tener hábitos alimenticios normales con algunos periódos de restricción. Los anoréxicos son conocidos por comer "galguerías", particularmente dulces, toman grandes cantidades de café y/o fuman. CONSECUENCIAS FISICAS DE LA ANOREXIA Corazones pequeños Niñas de 17 años con corazones del tamaño de una de siete. Quedarse, literalmente, en los huesos está provocando alteraciones en el funcionamiento y en el tamaño del corazón. Un total de 130 niñas anoréxicas españolas han participado en un estudio. Sus resultados: la mayoría poseía un corazón pequeño y sufría alteraciones. Antonio Bayo, jefe de la sección de Cardiología del Hospital Niño Jesús de Madrid y líder del trabajo, afirma: «Nos hemos encontrado con una alta incidencia de anomalías: la mitad de los casos debido a un prolapso en la válvula mitral (mal funcionamiento de dicha válvula); otras sufrían derrame pericárdico (agua fuera del corazón). También se encontraron trastornos del ritmo cardiaco». Los expertos desconocen aún si la recuperación del peso devolverá la normalidad al funcionamiento cardiaco. Niñas menopáusicas La amenorrea (pérdida de la menstruación) es uno de los tres síntomas que sirven para el diagnóstico de la anorexia nerviosa. Dicha pérdida ha sido asociada, junto a un aumento de los niveles de ciertas hormonas, como el cortisol, con la aparición de osteoporosis. Dos años de seguimiento de 42 pacientes han servido para constatar que existía una pérdida de densidad ósea, no recuperable ni con un año de tratamiento con estrógenos. La doctora María Teresa Muñoz Calvo, de la sección de Endocrinología del Hospital Niño Jesús, afirma: «No sabemos si más años de administración de estrógenos servirán para recuperar masa ósea. Sin embargo, hemos comprobado que las que recuperan la menstruación de forma natural sí aumentan la fortaleza de sus huesos». Hay una serie de posibles consecuencias de ambas enfermedades, una vez que se vuelvan extremas. A saber: Relaciones afectivas conflictivas Ulcera de estomago y esófago Riesgo de paro cardiaco por falta de potasio. Problemas dentales Crecimiento anormal del vello capilar Caída del pelo Baja la temperatura corporal Sequedad en la piel Alteraciones menstruales Muy bajo rendimiento intelectual y físico Dificultadas para relacionarse sexualmente Riesgo de muerte: entre un 4 y un 20 por ciento de los casos de bulimia y anorexia extremas son mortales. COMPLICACIONES DE LA ANOREXIA NERVIOSA Perspectivas a largo plazo En este momento ningún programa de tratamiento para la anorexia nervosa es completamente eficaz. Dos estudios a largo plazo (10 á 15 años) reportaron recuperación después del tratamiento en entre 76% y 90% de los pacientes. En un estudio, sin embargo, la mayoría siguió comiendo menos de lo normal y en ambos estudios la bulimia y el comer excesivo continuaban siendo muy comunes al final del estudio. Riesgo de muerte Muchos estudios de pacientes anoréxicos han encontrado tasas de mortalidad que oscilan entre un 4% y 20%. El riesgo de muerte es significativo cuando el peso es menos de 60% de lo normal.El suicidio se ha calculado que comprende la mitad de las defunciones en la anorexia. (Razonablemente se puede tomar la posición de que todos los casos de anorexia son intentos de suicidio.) El riesgo de muerte prematura es dos veces más alto entre anoréxicos bulímicos que entre los tipos de dieta-restrictor. Otros factores de riesgo de muerte prematura incluyen estar enfermo durante más de seis años, obesidad previa, trastornos de la personalidad y matrimonios disfuncionales. Los hombres con anorexia están a un riesgo específico de problemas médicos potencialmente mortales, probablemente porque se diagnostican generalmente más tarde que las niñas. Cardiopatía La cardiopatía es la causa médica más común de muerte en las personas con anorexia severa. El corazón puede desarrollar ritmos de bombeo anormales peligrosos y ritmos lentos conocidos como bradicardia. Se reduce el flujo sanguíneo y la presión arterial puede descender. Además, los músculos del corazón llegan a padecer de hambre, perdiendo tamaño. Los niveles de colesterol tienden a subir. Los problemas del corazón son un riesgo específico cuando la anorexia es agravada por la bulimia y el uso de ipecac, el medicamento que causa vómitos. Desajustes de electrolito Los minerales como el potasio, el calcio, el magnesio y el fosfato se disuelven normalmente en el líquido del cuerpo. El calcio y el potasio son particularmente críticos para el mantenimiento de las corrientes eléctricas que causan que el corazón lata regularmente. La deshidratación e inanición de anorexia pueden reducir los niveles de líquido y contenido mineral, una enfermedad conocida como desajustes de electrólito, que puede ser muy grave a menos que los líquidos y los minerales se reemplacen. Anormalidades reproductivas y hormonales La anorexia causa niveles reducidos de hormonas reproductivas, cambios en las hormonas de la tiroides y mayores niveles de otras hormonas, como la hormona de estrés cortisol. La menstruación irregular o ausente (amenorrea) a largo plazo es común, lo cual con el tiempo puede causar esterilidad y pérdida de hueso. La reanudación de la menstruación, indicando niveles de estrógeno restaurados, y aumento de peso mejora las perspectivas, pero incluso después del tratamiento, la menstruación nunca regresa en un 25% de pacientes con anorexia severa. Las mujeres que quedan encinta antes de recuperar un peso normal, afrontan un futuro reproductivo precario, con pesos bajos al nacimiento, abortos espontáneos frecuentes y una tasa alta de niños con defectos congénitos. El peso bajo solo quizá no sea suficiente para causar amenorrea; los comportamientos extremos de ayunamiento y purgación pueden desempeñar un papel aun mayor en el trastorno hormonal. La pérdida de minerales óseos (osteopenia) y la osteoporosis causada por niveles bajos de estrógeno y aumento de hormonas esteroideas resulta en huesos porosos y sujetos a fracturas. Dos tercios de niños y niñas adolescentes con anorexia no desarrollan huesos fuertes durante este período de crecimiento crítico, una enfermedad potencialmente irreversible. Entre más tiempo persiste la enfermedad, mayor la probabilidad de que la pérdida de hueso sea permanente. Los pacientes que se rehabilitan a una edad temprana (15 años o menores) tienen mayor probabilidad de lograr una densidad ósea normal. Tan sólo la rápida restauración de la menstruación regular puede proteger contra la pérdida ósea permanente; el aumento de peso no es suficiente. Los niños y adolescentes con anorexia también pueden experimentar crecimiento retrasado debido a niveles reducidos de la hormona de crecimiento. Problemas neurológicos Las personas con anorexia severa pueden sufrir daño nervioso y experimentar convulsiones, pensamiento desordenado y cosquilleo, pérdida de sensación u otros problemas nerviosos en las manos o los pies. Las exploraciones cerebrales indican que partes del cerebro experimentan cambios estructurales y actividad anormalmente alta o baja durante los estados anoréxicos; algunos de estos cambios regresan a la normalidad después del aumento de peso, pero existe evidencia de que algún daño puede ser permanente. Problemas sanguíneos La anemia es un resultado común de la anorexia y la inanición. Un problema sanguíneo particularmente grave es la anemia perniciosa, que puede ser causada por niveles severamente bajos de la vitamina B12. Si la anorexia se torna extrema, la médula ósea reduce extraordinariamente su producción de glóbulos, una enfermedad potencialmente mortal llamada pencitopenia. Problemas gastrointestinales La inflamación y el estreñimiento son ambos problemas muy comunes en las personas con anorexia. ENTENDIENDO EL PORQUE ES DIFICIL DECIR BASTA Sensación de logro o poder Una vez que una persona ha logrado emaciación, una sensación de logro y condición social podrían ser los motivadores principales de la perpetuación de la anorexia. La pérdida de peso trae un sentimiento de triunfo sobre la impotencia. En un país donde la obesidad es epidémica, las mujeres jóvenes que logran adelgazar creen que han alcanzado una victoria cultural y personal importante; han superado las tentaciones de las galguerías, y al mismo tiempo, autocreado una imágen corporal idealizada por los medios de comunicación. Esta sensación de logro falsa a menudo es reforzada por la envidia de sus amigos más gordos quienes pueden percibir a los pacientes anoréxicos como emocionalmente más fuertes y más atractivos sexualmente que ellos. Efectos de la inanición El hambre a menudo intensifica la depresión, lo cual puede reducir aun más la autoestima y la confianza, aumentando la necesidad de vigilancia renovada sobre el control del peso, por lo tanto perpetuando el ciclo. Por otro lado, algunos expertos creen que ciertas personas anoréxicas heredan una cantidad inusual de narcóticos naturales que se secretan en el cerebro durante condiciones de inanición y pueden promover una adicción al estado de hambre. La inanición también puede crear una sensación de llenura debido a la actividad reducida del estómago, haciendo cada vez más fácil el no comer. ...y esto? QUE ES LA BULIMIA? En el origen de esta enfermedad intervienen factores biológicos, psicológicos y sociales que desvirtúan la visión que el enfermo tiene de sí mismo y responden a un gran temor a engordar. El enfermo siempre se ve gordo, aun cuando su peso es normal, pero no puede reprimir sus ansias de comer. Generalmente la bulimia se manifiesta tras haber realizado numerosas dietas dañinas sin control médico. La limitación de los alimentos impuesta por el propio enfermo le lleva a un fuerte estado de ansiedad y a la necesidad patológica de ingerir grandes cantidades de alimentos. Hasta el momento se desconoce la vulnerabilidad biológica implicada en el desarrollo de la enfermedad y son más conocidos algunos factores desencadenantes relacionados con el entorno social, las dietas y el temor a las burlas sobre el físico. Muchos de los factores coinciden con los de la anorexia, como los trastornos afectivos surgidos en el seno familiar, el abuso de drogas, la obesidad, la diabetes mellitus, determinados rasgos de la personalidad y las ideas distorsionadas del propio cuerpo. SINTOMAS DE LA BULIMIA 1- Episodios recurrentes de atracones de comida. 2- Una sensación de perdida del autodominio durante los atracones de comida. 3- El uso regular de vomito autoinducido, laxantes o diuréticos, dieta estricta o ayuno, o ejercicio muy energético para evitar el aumento de peso. 4- Un mínimo de dos episodios de atracón de comida a la semana durante al menos tres meses. 5- Preocupación exagerada por la figura y el peso corporal. Las bulímicas están continuamente obsesionadas por su aspecto y trabajan duro para ser lo más atractivas posibles. 6- Antecedentes de dietas frecuentes. Muchos estudios han revelado que casi todas las personas que desarrollan bulimia han realizado frecuentes intentos de controlar su peso. 7- Síntomas de depresión. Incluyen pensamientos melancólicos o pesimistas, ideas recurrentes de suicidio, escasa capacidad de concentración o irritabilidad creciente. 8- Excesivo temor a engordar. En un estudio reciente, el 92 por ciento de las pacientas bulímicas encuestadas dijeron que sentían pánico o mucho temor a engordar. 9- Comer en secreto o lo más inadvertidas posible. 10-Mantenimiento de al menos un estándar normal mínimo de peso. A diferencia de las anoréxicas, las bulímicas no tienen una figura demacrada que las traicione. Por supuesto, muchas mujeres con anorexia también desarrollaran bulimia. En síntesis Los bulímicos son capaces de ingerir grandes cantidades de comida en poco tiempo y, luego, se generan conductas purgativas como autoprovocarse vómitos o consumir laxantes y diuréticos en forma indiscriminada. La rutina la rematan con desayunos compensatorios que, finalmente, los llevan a repetir el ciclo. Los anorexicos a diferencia de los bulimicos tiene una marcada tendencia a la inanición, acompañada por un temor e irracional hacia los alimentos. Se niegan a comer, tienen terror a aumentar de peso, se vuelven incapaces de reconocer los riesgos que eso provoca y oscilan permanentemente entre la hiperactividad y la depresión La adicción a las drogas es una característica bastante frecuente entre estas pacientes así como su tendencia a la depresión y a la ansiedad. Además, suelen fracasar en sus relaciones sentimentales. COMPLICACIONES DE LA BULIMIA Perspectivas a largo plazo. Existen pocos problemas mayores de salud para las personas bulímicas que mantienen el peso normal y no llegan a convertirse en anoréxicas. En general, las perspectivas son mejores para la bulimia que para la anorexia. Debe observarse, sin embargo, que en un estudio de pacientes bulímicos, después de seis años la tasa de mortalidad fue de 1% en las mujeres en terapia. Otro estudio encontró que el 20% de las mujeres con bulimia todavía estaban luchando contra el trastorno después de diez años. Problemas médicos. La erosión de los dientes, cavidades y los problemas con las encías son comunes en la bulimia. Los episodios bulímicos también pueden resultar en la retención de agua e hinchazón e inflamación abdominal. Ocasionalmente, el proceso de comer excesivo y purgación resultan en la pérdida de líquido y niveles de potasio bajos, que pueden causar debilidad extrema y casi parálisis; esto se revierte cuando se administra potasio. Los niveles peligrosamente bajos de potasio pueden resultar en ritmos cardíacos peligrosos y a veces mortales. Los incidentes de esófagos rotos debido a los vómitos forzados se han asociado con dificultad aguda del estómago e inclusive con ruptura del esófago o el tubo alimenticio. Rara vez, las paredes del recto pueden debilitarse tanto debido a la purgación que llegan a salirse por el ano; ésta es una condición grave que requiere de cirugía. Problemas psicológicos y comportamiento auto-destructor. Las mujeres con bulimia están propensas a la depresión y se encuentran también en peligro de coportamientos impulsivos peligrosos, como promiscuidad sexual y cleptomanía, los cuales se han reportado en la mitad de las personas con bulimia. El abuso de alcohol y drogas es más común en las mujeres con bulimia que en la población en general o en las personas con anorexia. En un estudio de mujeres bulímicas no anoréxicas, el 33% abusaban el alcohol y el 28% abusaban las drogas, con un 18% con sobredosis repetidamente. La cocaína y las anfetaminas fueron las drogas con mayor frecuencia abusadas. En el mismo estudio, fueron comunes otros tipos de comportamiento autodestructor, entre otros el auto-cortado y el robo. Medicamentos sin prescripción. Las mujeres con bulimia con frecuencia abusan los medicamentos sin prescripción como los laxantes, supresores del apetito, diuréticos y las drogas que inducen el vómito --por lo general ipecac. Ninguno de estos medicamentos está libre de riesgo. Por ejemplo, se han notificado casos de intoxicación por ipecac, y algunas personas se tornan dependientes de los laxantes para el funcionamiento intestinal normal. Las pastillas de dieta, inclusive las hierbas y los medicamentos sin prescripción, pueden ser peligrosos, en particular si son abusados. EFECTOS PERSONALES Y SOCIALES DE LA BULIMIA Antes de empezar la comilona, la mayoría de las mujeres se sienten tensas e inquietas, tienen palpitaciones o empiezan a sudar. Durante la comilona sienten una sensación de libertad; se desvanece la inquietud o la preocupación que tenían y ya no tiene pensamientos inquietos ni negativos. Si decide vomitar puede que asocie su disminución de tensión con el acto de vomitar. Al final de la comilona, la mayoría de las bulímicas se sienten menos tensas e inquietas, pero puede que no se sientan a gusto consigo mismas por lo que han hecho a sus cuerpos. Puede que se sientan culpables por inducirse el vómito y teman que la comilona pueda causarles una ganancia de peso. Esto, a su vez, puede conducirles a más inquietud y tensión, con el resultado de que empiecen a comer vorazmente de nuevo. Se establece un círculo vicioso. Si la bulímica no puede aliviar su inquietud y tensión, por ejemplo, si le interrumpen o descubren cuando está comiendo, su comportamiento puede cambiar hacia la agresión, la ira o la agresión. También es frecuente que si una mujer con bulimia no reconoce la tensión o la inquietud o no tienen otras maneras de soportarlas, entra fácilmente en un círculo vicioso y haga comilonas con mucha frecuencia. Como se verá, un objetivo principal del tratamiento es romper este círculo vicioso de comportamiento alimentario. ENTENDIENDO PORQUE ES TAN DIFICIL DECIR BASTA Algunos expertos creen que el metabolismo se adapta al ciclo bulímico de comer excesivo y purgación, disminuyendo su ritmo, así aumentando el riesgo de aumento de peso inclusive sólo a través de la ingestión normal de calorías. El proceso de vomitar y el uso de laxantes puede estimular la producción de opioides --narcóticos en el cerebro, lo cual causa una adicción al ciclo bulímico. Durante la etapa de dieta entre los períodos de comer excesivo, las personas se tornan a menudo irritables, deprimidas, y pueden tener una tendencia mayor a expresar trastornos de la personalidad. Los sentimientos positivos tan sólo pueden ser restaurados con otro período de comer excesivo; y así siegue el patrón. El comer dulces también aumenta la serotonina, un producto químico en el cerebro que reduce la depresión y el estrés. Hospitales publicos: Trece hospitales públicos municipales de la ciudad de Bs. As tienen Equipos de Salud Interdisciplinarios Especializados que se ocupan de la prevención y asistencia de la Bulimia, Anorexia Nerviosa y Trastornos de la Conducta Alimentaria no especificados. La atención asistencial en estos hospitales públicos municipales es gratuita. Centro: Hospital General de Agudos Juan Fernández – Tel.: 4808-2800 Hospital de Niños Ricardo Gutiérrez – Tel: 4964-4962 / 9247 Hospital Bernardino Rivadavia - Tel: 4809-2000. Sur: Centro de Salud Mental Nº3 “Ameghino”- Tel.: 4863-0092 Hospital Ramos Mejía - Tel: 4931- 6971 Hospital Cosme Argerich - Tel: 4362-5555 Hospital Elizalde – Tel: 4307-7491 / 5842 Hospital Borda – Tel: 4304-2305 Hospital Penna – Tel: 4911-7300. Sudoeste: Hospital General de Agudos D.F. Santojanni – Tel.: 4642-5401 /0751. Centro Oeste: Hospital Durand – Tel.: 4982-5770/1050. Norte: Hospital Neuropsiquiátrico Alvear – Tel: 4521-8385 al 08 Hospital Pirovano – Tel: 4542-4011. Cómo tratamiento privado: ALUBA - Casa Central ( Sedes en: Banfield, Rosario, Tandil, Bahia Blanca, Mar del Plata, Cordoba, Rio cuarto, Resistencia, Tucuman, Parana(Entre Rios), Catamarca, Montevideo (uruguay,Pocitos), España)Combate de los Pozos 2193 - Buenos Aires Tel./fax: 4306-9786 / 4306-9789 / 4304-8081 e-mail: [email protected] Saludos.