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1. Si viste Regreso al Futuro 2;, tal vez recuerdes que en el almanaque de los récord decía que en 1997 el equipo de Florida ganaría la Serie Mundial. En la época en que la película fue hecha (en los años 80), Florida ni siquiera tenia equipo. Sin embargo, el día 26 de Octubre de 1997, Florida quedó campeón de las Series Mundiales, tal y como decía el almanaque de la película. 2. Cuando vayas a McDonalds, observa que te servirán la comida con la M mirando hacia ti (o por lo menos así debería ser) 3. Los CDs fueron diseñados para tener una capacidad de 74 minutos de música porque esa es la duración de la Novena Sinfonía de Beethoven. 4. Los ratones no pueden vomitar 5. La silla eléctrica fue inventada por un dentista. 6. En el siglo IX el Papa ordeno que colocaran un gallo en los campanarios de las iglesias para simbolizar el hecho de que San Pedro negara tres veces a Jesús antes del canto del gallo según se nos dice en el Evangelio de San Marcos. Como los campanarios de las iglesias ya estaban adornados con veletas para medir la dirección del viento, pusieron el gallo en la punta, estableciendo así la costumbre.. 7. En Asia el numero 4 nunca aparece en ningún modelo de teléfono celular Nokia, debido a que el numero cuatro es considerado de mala suerte en muchos lugares del Sur de Asia. 8. La Coca Cola era originalmente verde. 9. Multiplicando 111.111.111x111.111.111 se obtiene: 12.345.678.987.654.321 10. En los conventos, durante la lectura de las Sagradas Escrituras al referirse a San José, decían siempre "Pater Putatibus" y por simplificar "P.P.". Así nació el llamar "Pepe" a los José.

Registrate y eliminá la publicidad! Un dia como hoy nacio René François Ghislain Magritte (Lessines, Bélgica, 21 de noviembre de 1898 - Bruselas, Bélgica, 15 de agosto de 1967) fue un pintor surrealista belga. Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Realiza sus primeros cursos de pintura en Ch"telet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918 estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920 junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 participa con Lissitzky, Moholy-Nagy, Feininger y Paul Joostens de maria florecen una exposición en el Círculo Real Artístico. Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran las influencias del cubismo, del orfismo, del futurismo y del purismo. En 1922 ve una reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de De Chirico. En obras como La túnica de la aventura (1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa. En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París. En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate. En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París. En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días. El realismo magico A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe, cuestionando la realidad pictórica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma. Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión. En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York. En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas. La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca. "Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason). A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas. En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica. Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston. Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica. Durante el año siguiente viaja a Israel. Allí visita a su célebre amigo Iván González Bustelo. Golconda Golconda (en francés, Golconde) es una pintura al óleo sobre lienzo, pintado en 1953. En la actualidad está ubicada en la colección Menil en Houston, Texas. La pieza describe una escena idéntica de hombres vestidos de oscuro y overcoats jugador sombreros, que parecen estar disminuyendo, como la lluvia o flotantes, como globos de helio-(aunque no hay ninguna indicación real de movimiento), contra un telón de fondo de los edificios y cielo azul. Es humorístico, pero con una evidente crítica a la convencional de borrar la individualidad. Magritte él mismo vivía en un entorno similar suburbanas, y vestidos de manera similar. El bombín era una característica común de gran parte de su trabajo, y aparece en pinturas como El Hijo del Hombre. Charly Herscovici, que se legó los derechos de autor sobre la obra del artista, comentó en Golconda: "Magritte estaba fascinado por la seducción de las imágenes. Por lo general, se puede ver una imagen de algo y cree en él, usted es seducido por ella; usted toma su honestidad por sentado. Pero Magritte sabía que las representaciones de cosas pueden mentir. Estas imágenes de los hombres no son los hombres, sólo las imágenes de ellos, por lo que no tienen que seguir todas las normas. Esta pintura no solo es divertida, sino que también nos hace conscientes de la falsedad de la representación"[1]. Infancia En realidad, son varios los acontecimientos de la niñez de Magritte cuyo influjo puede detectarse en su producción plástica. Por ejemplo, dio sus primeras clases de dibujo en el umbrío altillo de una tienda de dulces de Ch"telet, donde residió temporalmente su familia. En esa clase de dibujo, constelada de formas misteriosas y penetrada de los aromas de bombones y pasteles, Magritte era el único alumno varón. Más adelante, en Bruselas y al margen de la guerra que asolaba toda Europa, Magritte produjo sus primeras obras de influencia impresionista y poco después comenzó a estudiar en la Académie des Beaux Arts de la capital belga, donde tuvo como profesores de pintura a los artistas Emile Vandamme-Sylva, Constant Montald y Gisbert Combaz. Poco antes, en una feria en Charleroi ha conocido a la que será su esposa, Georgette Berger. Ella tiene 12 años y él 15. No volverán a encontrarse hasta siete años más tarde y se casarán en 1923. En 1918 y 1919 vieron la luz pública las primeras obras de Magritte. Su primera venta es el diseño de un cartel para la marca de sopas Derbaix. La revista de arte Au volant, que editan Victor y Pierre Bourgeois, publicó dibujos suyos y la recién inaugurada sala Centre d'Art de Bruselas acogió su primera exposición de proyectos para carteles. A partir de entonces, Magritte entra de lleno en el singular ambiente de las nacientes vanguardias artísticas belgas, que reciben la temprana influencia de los futuristas italianos, los incipientes surrealistas franceses y el movimiento dadaísta. A través de un amigo, el músico E. L. Mesens, Magritte conoce al compositor Erik Satie y a Tristan Tzara, uno de los impulsores del dadaísmo. En ese periodo, la pintura de Magritte registra las influencias del purismo y el cubismo y se halla en la línea de pintores como los franceses Férnand Léger y Delaunay. En 1923, el año de su matrimonio, comienza a participar en exposiciones colectivas internacionales. Se siente profundamente impresionado por el descubrimiento de la obra de Giorgio de Chirico, uno de cuyos cuadros, El canto del amor, le hace estallar en lágrimas. El influjo del arte metafísico y post-simbolista de De Chirico será lentamente reelaborado por Magritte y no se notará en su obra hasta años más tarde. El surrealismo A partir de los primeros años veinte, tanto la producción de obra como la difusión de Magritte experimentan una aceleración. Sus contactos con los vanguardistas franceses, como Francis Picabia, se intensifican y crece el núcleo de artistas, escritores y músicos belgas alineados con las nuevas corrientes creativas. A partir de 1925, Magritte comienza a pintar en un estilo inconfundiblemente surrealista, con potentes influencias de De Chirico y Max Ernst, de quien toma la idea de trabajar con papeles pegados sobre los cuadros. Entre 1926 y 1930, a raíz de un contrato con la galería Le Centaure de Bruselas, Magritte pintará 280 telas, una cuarta parte de su producción pictórica total. El 24 de agosto de 1928 fallece en Bruselas su padre, Léopold. La relación de Magritte con los surrealistas, sobre todo con André Breton, experimentará a partir de entonces una serie de altibajos que continuarán hasta 1947, en que el pintor belga será excomulgado por el Sumo Pontífice surrealista, que condenará un escrito de Magritte titulado El surrealismo a pleno sol en el que apunta una concepción más optimista del surrealismo futuro, con la palabra "placer" como punto clave. Entretanto, la fama de Magritte ha cruzado el Atlántico y su reputación se afianza en Estados Unidos a través de exposiciones como la individual de la galería neoyorquina Julien Levy, o la colectiva organizada por Alfred Barr en el flamante Museo de Arte Moderno de Nueva York, titulada Fantastic Art. Dada. Surrealism. Durante esos años de plenitud entre mediados de los treinta y finales de los cincuenta, René Magritte consolida, investiga y expande su peculiar universo plástico. Es la etapa de sus Metamorfosis, ejemplificada en cuadros como In memoriam Mack Sennet (1936), Le Grand Siècle (1954) o los ocho grandes cuadros realizados en 1953 para la decoración mural del casino de la localidad belga de Knokke, que el artista titulará Le domaine enchanté (El territorio encantado). Un texto escrito por Magritte en 1958 a propósito de su cuadro Les vacances de Hegel esclarece su aproximación cada vez más filosófica y metafísica hacia sus imágenes y ayuda a comprender sus fuentes de inspiración y su método de trabajo: "¿Cómo podía mostrar un vaso de agua en un cuadro de forma que no fuera indiferente, ni fantasioso, ni arbitrario, ni débil, sino -osemos decirlo- genial? (sin falsa modestia). Empecé por dibujar muchos vasos de agua, siempre con un solo trazo para el vaso: al cabo de 100 o 150 dibujos, el trazo se fue ensanchando y adoptó la forma de un paraguas; después situé el paraguas dentro del vaso y, para acabar, debajo del vaso, que es la solución exacta a la pregunta inicial: ¿Cómo pintar un vaso de agua con genio? Después pensé que a Hegel (otro genio) le habría interesado este objeto, que tiene dos funciones opuestas: no querer agua (rechazarla) y quererla (contenerla). Se habría sentido seducido, creo, o divertido (como en vacaciones) y por eso titulé el cuadro Les vacances de Hegel". Los últimos 10 años de vida de René Magritte estuvieron jalonados de exposiciones retrospectivas en todo el mundo (en Dallas y Houston en 1960-61; en Knokke en 1962; en el MOMA neoyorquino en 1965 y en Chicago, Pasadena y Berkeley en 1966; Rotterdam y estocolmo en 1967), honores y estudios sobre su vida y su obra. Pese a la fama y el reconocimiento mundiales, Magritte padeció hasta el final dificultades financieras y siguió llevando junto a su esposa la existencia tranquila de siempre. En enero de 1967 tuvo la idea de realizar esculturas a partir de ocho de sus cuadros. Su último viaje fue en la primavera de ese año a la fundición Gibiesse de Verona (Italia), donde corrigió y firmó los moldes en cera de sus obras. Las versiones originales en bronce no las vería nunca, porque falleció el 15 de agosto de 1967 a causa de un cáncer de páncreas, llevándose a la tumba el secreto profundo de su obra única y fascinante. Muerte Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam. Mas obras de él: La Manzana El espejo falso (este es el OJO que todo lo ve ) Intermision The Discover of fire Fuentes: http://www.avizora.com/publicaciones/biografias/textos/textos_m/0026_magritte_rene.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Ren%C3%A9_Magritte

Lo siguiente fue escrito por Audrey Hepburn acerca de: Para labios atractivos: Habla con palabras amables. Para ojos adorables: Busca lo bueno en las personas. Para una figura esbelta: Comparte tu comida con los que tienen hambre Para un cabello hermoso: Deja que un niño pase sus dedos a través de ellos una vez al día. Para el porte: Camina con el conocimiento de que nunca caminarás sola. Las personas, aún más que las cosas tienen que ser reafirmadas, renovadas, revitalizadas, reclamadas, y redimidas; nunca pases por encima de nadie. Recuerda, si alguna vez necesitas una mano que te ayude la encontrarás al final de tu propio brazo. A medida que envejeces, descubrirás que tienes dos manos, una para ayudarte, la otra para ayudar a los demás. La belleza de una mujer no está en las ropas que usa, la figura que ella tiene, o la forma que peina su pelo. La belleza de una mujer debe verse en el interior de sus ojos, porque esa es la puerta al corazón, el lugar donde habita el amor. La belleza de una mujer no está en su rostro, pero la verdadera belleza en una mujer está reflejada en su alma. Es el cuidado que amorosamente da, la pasión que ella muestra, y la belleza de una mujer solo crece con el pasar de los ¡años!. fuente:http://analisalou.com/2008/06/20/%C2%BFcomo-ser-una-mujer-hermosa-para-siempre-audrey-hepburn-te-dice-como/

hola taringueros queria comentarles que soy adicta a hacerme sonar los huesos del cuello y de la espalda siento que me descontractura y me relaja pero muchas personas dicen que esto hace mal le dejo un poco de info para que sepan los huesos de los dedos poseen finas articulaciones con un grado de libertad, en general flexion extencion(refiriendome a las falanges) estas articulaciones, interfalangicas, poseen una capsula sinovial(sacos con liquido) amplia q permite la lubricacion y la nutricion de estas, ademas unos sacos posteriores y anteriores q permitiran una amplitud de ese movimiento. Cada hueso, al articular, para poder deslizarlo posee una capa de cartilago q cubre las superficies articulares. Al hacer sonar las articulaciones, ese cartilago se ira triturando rompiendo, y la sinovial, perdiendo liquido. Por lo tanto no abra buena nutricion, de las articulaciones y estas por ir rompiendo el cartilago, perderan la suavidad q permite un correcto deslizamiento. A futuro podrias tener dolores articulares, artritis que es muy doloroso. Son concecuencas a futuro, ningun click articular, es bueno, por estas causas. Fuente(s): Estudiante kinesiologia."