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Joan Miro Joan Miró i Ferrà (* Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo \"infantil\" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.[1] En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de \"matarlos, asesinarlos o violarlos\", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de Nueva York. Biografía Familia Joan Miró nació en 1893, en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, donde su padre Miquel Miró i Adzeries, hijo de un herrero de Cornudella, tenía un taller de orfebrería y relojería. Allí conoció a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje del Crédito, donde nacieron sus dos hijos Joan y Dolors.[3] Se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929, y se instalaron en París en un apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo su única hija, Dolors. Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona, realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Mont-roig. Se encontraba en esta última población cuando estalló la guerra civil española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París era cada vez más tenso. Pasaron alguna temporada en una casa ofrecida por su amigo el arquitecto George Nelson en Varengeville-sur-Mer en la costa de Normandía; se encontró bien en la zona, pues le acercaba más a la naturaleza tal y como estaba acostumbrado en Mallorca o en Mont-roig, y terminó alquilando una casa. En la primavera de 1940, los amigos habían ido desapareciendo de Varengeville y junto con Pilar decidió volver a Cataluña y después de una pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942 retornó a Barcelona. Falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado en el Cementerio de Montjuïc, en Barcelona. Estudios Estudió comercio, según deseo de su padre para tener una preparación y conseguir ser “alguien en la vida”. Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela Llotja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases nocturnas, su padre aceptó la petición, como un pasatiempo del muchacho.[3] En Llotja, se vio influenciado por dos maestros Modest Urgell y Josep Pascó. Los dibujos datados del año 1907 que se guardan en la Fundación Miró son una buena prueba de esta influencia clara con Modest Urgell; otros dibujos, de poco antes del fallecimiento de Miró, realizados con una simple pero firme línea horizontal y la inscripción: \"en record de Modest Urgell\" resumen el gran cariño que guardó siempre para su maestro. De las clases recibidas por Josep Pascó, profesor de artes decorativas, quedan también unos dibujos de aire modernista del año 1909 como diseño de unos broches representando un pavo real y una serpiente. De este profesor aprendió la simplicidad de expresión y las tendencias artísticas del momento. Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Mont-roig del Camp. Cuando regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor y aunque con reticencias, también contaba con el permiso paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d\'Assís Galí, donde conoció las últimas tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en 1915. Mientras también asistía a clases de dibujo del natural, en el Círculo Artístico de Sant Lluc, donde hizo amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos ellos el grupo artístico Agrupación Courbet cuya fundación hizo pública el 28 de febrero de 1918 en La Publicitat.[1] Premios y reconocimientos * 1954 Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia * 1959 Gran Premio de la Fundación Guggenheim. * 1962 Nombrado Chevalier de la Legión de Honor en Francia. * 1966 Premio Carnegie de pintura. * 1968 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Harvard. * 1978 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña, siendo el primer catalán en recibir tal distinción. * 1979 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Barcelona. * 1980 recibió, de manos del rey Juan Carlos I de España, la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Primeras exposiciones La primera exposición individual de Joan Miró se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918, con la presentación de sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia con las tendencias francesas, postimpresionismo, fauvismo y cubismo; en las pinturas Ciurana, el pueblo (1917) y Ciurana, la iglesia (1917) se ve la cercanía con los colores de Van Gogh y los paisajes de Cézanne reforzados con una pincelada oscura. Una de las pinturas que llama más la atención es la llamada Nord-Sud, como la revista francesa en la que en su primer número del año 1917, Pierre Reverdy, se escribía sobre el arte del cubismo. En este cuadro Miró mezcla los rasgos de Cézanne con la inclusión de rótulos dentro de la pintura, como en las obras cubistas de Juan Gris o Pablo Picasso; en los retratos presentados como el Retrato de V. Nubiola, muestra la fusión del cubismo con el agresivo color fauve. En esta misma primavera expuso en el Círculo Artístico de Sant Lluc junto con los miembros de la Agrupació Coubert. Como era su costumbre y continuaría haciendo durante años, Miró pasó ese verano en Mont-roig, donde abandonó los colores empleados hasta entonces y las formas duras por las más minuciosas, según explicó en una carta dirigida a su amigo Ricart fechada el 16 de julio de 1918: Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación. De esta manera se observa en los paisajes pintados durante este tiempo un arquetipo por medio de un vocabulario nuevo de iconografías y de signos meticulosamente seleccionados y organizados siendo el agente estructurador el dibujo. En Viñas y olivos de Mont-roig se ven las raíces dibujadas debajo de la tierra completamente individualizadas para conseguir la conexión física con la tierra. El primer viaje a París lo realizó en marzo de 1920 y después de pasar nuevamente el verano en Mont-roig, regresó para establecerse en París donde conoció al escultor Pablo Gargallo que tenía un taller en la calle Blomet, que solo usaba durante los meses de verano, y llegó a un acuerdo con él para utilizarlo solo en la temporada de invierno. Las gestiones hechas por el galerista Dalmau le proporcionaron una exposición individual en la Galerie La Licorne que se inauguró el 29 de abril de 1921; a pesar de no obtener ninguna venta, la crítica fue favorable. En la comunidad artística que se agrupaba en Montparnasse, conoció a André Masson, vecino de la calle Blomet y con quien coincidía en las reuniones de Max Jacob. Otro asiduo de este grupo era Pablo Picasso que le compró el Autorretrato de 1919 y más adelante la Bailarina española de 1921. Surrealismo Instalado en el taller de Pau Gargallo, en París, tuvo contacto con artistas provenientes del movimiento Dadá, que fundaron en 1924, con el poeta André Bretón al frente, el grupo del surrealismo. A Miró le sirvió principalmente para abandonar su época detallista y sintetizar la magia ya apuntada en esa etapa. Es, en el potencial que le ofrecía el surrealismo, en lo inconsciente y lo onírico, donde encontró el perfecto material para sus futuras obras. Así se aprecia en Tierra labrada, con clara alusión a La masía, pero con elementos surrealistas como el ojo y una oreja junto al árbol de la pintura. En Cabeza de fumador, la influencia se ve en la síntesis empleada para la descripción del personaje. Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La inauguración se realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos, completamente llena. Las ventas fueron tan buenas como la crítica En 1926, Joan Miró colaboró con Max Ernst en diseños para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, en la obra Romeo y Julieta. El 4 de mayo de 1926, se representó por primera vez en Montecarlo y el 18 de mayo en el teatro Sarah Bernhardt de París. Se sabía que estaba en los ánimos de los surrealistas y comunistas, alterar el estreno del \"burgués\" Diaghilev y los \"traidores\" Ernst y Miró, y así fue, al empezar la función, entre silbatos, se lanzó una lluvia de folletos de color rojo con un texto de protesta, firmado por Louis Aragon y André Breton. Sin embargo, al cabo de poco tiempo, la revista La Révolution Surréaliste, que editaba Bretón, siguió con la reproducción de obras de los dos artistas. Otros materiales Cerámica En 1944 empezó a colaborar con su amigo de la adolescencia Josep Llorens i Artigas en la producción de cerámicas, investigando en la composición de las pastas, tierras, esmaltes y colores; la forma de las cerámicas populares representó para él, una fuente de inspiración; en estas primeras cerámicas poca diferencia hay con las pinturas y litografías de la misma época. En el año 1947 residió durante ocho meses en Nueva York donde realizó un mural en pintura de 3 x 10 metros destinado al restaurante del Cincinnati Terrace Hilton Hotel, a la vez que hizo unas ilustraciones para el libro L\'antitête de Tristan Tzara. Más tarde ya en Barcelona y ayudado también por el hijo de Josep Llorens, Joan Gardy Llorens, pasó temporadas en la masía-taller que poseían los Artigas en Gallifa, donde se hicieron todo tipo de pruebas, tanto en las cocciones como en los esmaltes; finalmente el resultado es de 232 obras que fueron expuestas en junio de 1956 en la Galería Maeght de París y después en la Galería Pierre Matisse de Nueva York. En este mismo año de 1956, se trasladó a vivir a Mallorca, donde dispuso de un gran taller, proyectado por su amigo Josep Lluís Sert. Fue entonces cuando recibió el encargo de realizar dos murales cerámicos para la sede de la Unesco ubicado en París, de 3 x 15 metros y 3 x 7,5 metros, que fueron inaugurados en 1958. Aunque había trabajado en grandes formatos nunca lo había hecho en cerámica; junto al ceramista Josep Llorens Artigas, consigue la posibilidad técnica de la cocción que se elaboró al máximo para obtener un fondo con texturas parecidas a las pinturas de esa época Estos murales de la UNESCO, fueron el prototipo para todos los siguientes. En 1960 el de la Universidad de Harvard para substituir el de pintura que había hecho en el año 1950; en 1964 realizó el de Handelshochschule de Sankt Gallen en Suiza y el de la Fundación Maeght para Saint-Paul-de-Vence; en 1966 el del Guggenheim Museum; en el año 1970 uno para el aeropuerto de Barcelona y tres para la exposición internacional de Osaka; al siguiente año el de Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen; en 1977 es la Universidad de Wichita en Estados Unidos el que le encargó uno y finalmente se inauguró en 1980 el mural del nuevo Palacio de Congresos de Madrid. Escultura En 1946 trabajó en esculturas para fundición en bronce que en algunas ocasiones fueron cubiertas con pintura de colores vivos. En la escultura le interesó buscar volúmenes y espacios e incorporar objetos cotidianos o simplemente encontrados, piedras, raíces, cubiertos, tricornios, llaves de agua, que funde a la cera perdida. El sentido de los objetos identificables, lo pierden, al unirse mediante la fundición con otros objetos. Así formó en 1967 El reloj del viento que realizó con una caja de cartón y una cuchara, fundidas en bronce y ensambladas, constituyendo un objeto escultórico que solo mide la intensidad del viento. Construyó junto con Joseph Llorens i Artigas una gran escultura de cerámica La diosa del mar que la sumergieron en Juan-les-Pins. Efectuó en el año 1972, unas exposiciones de esculturas en el Walker Art Center de Minneapolis, al Clevelan Art Museum y al Art Institute de Chicago. A partir de 1965 realizó gran cantidad de esculturas para la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence, entre ellas están el Pájaro lunar, Pájaro solar, Lagarto, Diosa, Horquilla y Mujer con el cabello revuelto. En abril de 1981 se inauguró en Chicago una escultura monumental de 12 metros de altura, conocida como Miss Chicago; el 6 de noviembre otras dos esculturas fueron colocadas en la vía pública en Palma de Mallorca; en Houston se inauguró en 1982, la escultura Personaje y pájaro y en colaboración con Joan Gardy Artigas realizó su última escultura para Barcelona, Dona i ocell (Mujer y pájaro), en hormigón y recubierta de cerámica. Fue inaugurada en 1983 sin la presencia de Miró debido a su delicado estado de salud. Situada en el parque de Joan Miró de Barcelona, al pie de un gran lago artificial, la escultura con 22 metros de altura, representa una forma femenina con sombrero y sobre éste la imagen de un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y ahuecada. Por todo su exterior se encuentra recubierta con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y azules (los más comunes del artista) tratados como trencadís. Grabados Siempre le habían interesado los grabados para la realización de litografías, y en estos últimos años se adentró mucho más en ello; en su viaje a Nueva York en 1947, trabajó durante un tiempo en el Atelier 17 dirigido por Hayter, a través del cual aumentó todos sus conocimientos sobre la calcografía; durante estos meses en Nueva York, realizó las planchas para Le Desesperanto uno de los tres volúmenes de que consta la obra L’antitête de Tristan Tzara. Un año más tarde colaboró nuevamente con este autor en un nuevo libro Parler seul, haciendo 72 litografías en color. A partir de aquí, trabajó en diversos libros de bibliófilo en colaboración con amigos poetas, como Breton en Anthologie de l’humour noir en 1950 y La clé des champs en 1953; con René Cher, Fête des arbres et du chasseur en 1948 y A la santé du serpent en 1954; con Michel Leiris en 1956, Bagatelles végétales; y con Paul Éluard, A toute épreuve con ochenta xilografías realizadas en madera de boj. La ejecución de este trabajo se llevó a cabo entre los años 1947 y 1958. Entre el 9 de junio y 27 de septiembre de 1969 realizó una exposición individual «Oeuvre gravé et lithographié» en la Galería Gérald Cramer de Ginebra y en este mismo año una gran retrospectiva de obra gráfica al Pasadena Art Museum de Pasadena (California). Sus Obras: Still-Life with a rose (1916) Hermita de Sant Joan de Horda (1917) La masia (1922) Terra llaurada (1924) Carnaval del arlequin (1925) Interior holandes (1928) Pintura segun un collage (1933) Personajes en presencia de una metamorfosis (1936) Retrato IV (1938) Personages in the Night Guided by the Phosphorescent Tracks of Snails (1940) Dawn Perfumed by a Shower of Gold (1954) Azul 3 (1961) Gota de nieve sobre nieve rosa (1968) Personaje delante del sol (1968) Tapiz Tarragona (1970) la leccion de ski Mujer y pajaro (1982) (Escultura) Mujer (1983) (Escultura) Jardin El oro del azul El gallo Maig o Mayo Espero q haya servido y la idea de esto era darle mas conocimientos a las personas q no conocian a JOAN MIRO, su vida obra y su arte. Fuente: wikipedia SI TE INTERESO ESTE POST PODES VER LOS DEMAS:: Psicologia: http://www.taringa.net/posts/info/5172723/Complejo-de-Edipo---Te-suena.html http://www.taringa.net/posts/info/5144725/Complejo-de-Peter-Pan---Lo-Tenes-averigualo.html http://www.taringa.net/posts/info/5127544/Que-es-el-Acto-Fallido-.html http://www.taringa.net/posts/info/5086057/Que-es-el-inconsciente-y-como-se-encara--te-animas_____.html Artes Plasticas http://www.taringa.net/posts/info/5166898/No-conoces-a-Escher-entra-y-sorprendete.html http://www.taringa.net/posts/info/5128325/Saturno-devorando-a-su-Hijo--.html Artes Marciales http://www.taringa.net/posts/apuntes-y-monografias/5013689/Kenpo-Karate---Ven-como-el-viento,-vete-como-relampago.html SEE YOU NEXT TIME

Mitologia Escandinava y Filandesa ****¬¬ kraken ¬¬**** “Bajo los truenos de las superficie, en las honduras del mar abismal, el Kraken duerme su antiguo, no invadido sueño sin sueños. Pálidos reflejos se agitan alrededor de su oscura forma; vastas esponjas de milenario crecimiento y altura se inflan sobre él, y en lo profundo de la luz enfermiza, pulpos innumerables y enormes baten con brazos gigantescos la verdosa inmovilidad, desde secretas celdas y grutas maravillosas. Yace ahí desde siglos, y yacerá, cebándose dormido de inmensos gusanos marinos hasta que el fuego del Juicio Final caliente el abismo. Entonces, para ser visto una sola vez por hombres y por ángeles, rugiendo surgirá y morirá en la superficie” Alfred Lord Tennyson poeta ingles El Kraken es una criatura marina de la mitología escandinava y finlandesa descrita comúnmente como un tipo de pulpo o calamar gigante que, emergiendo de las profundidades, atacaba barcos y devoraba a los marinos. La leyenda puede realmente haberse originado de avistamientos de calamares gigantes reales que tendrían estimadamente de 13 a 15 metros de largo, incluyendo los tentáculos. ****¬¬ Etimología ¬¬**** Kraken es la forma en artículo definitivo de krake, una palabra escandinava que designa un animal enfermizo, o algo retorcido. En el alemán moderno, Krake (plural y declinado en singular: Kraken) significa pulpo, pero puede también referirse al legendario Kraken. El nombre de Kraken suele asociarse popularmente a la especie de calamar gigante "Architeuthis Dux", de la cual hoy en día poco se sabe, debido a la gran profundidad a la que habita. ****¬¬ Historia ¬¬**** Aunque el nombre kraken nunca aparece en las sagas noruegas, hay monstruos marinos similares, el hafgufa y lyngbakr, ambos descritos en la saga Örvar-Odds y en los textos noruegos de 1250, Konungs skuggsjá. Carolus Linnaeus incluyó al kraken como cefalópodo con el nombre científico de Microcosmus en la primera edición de su Systema Naturae (1735), una clasificación taxonómica de organismos vivos, pero excluyó al animal en ediciones posteriores. El Kraken también es extensivamente descrito por Erik Pontoppidan, obispo de Bergen, en su Historia Natural de Noruega (Copenhagen, 1752–3). Cuentos antiguos, incluyendo los de Pontoppidan, describen al kraken como un animal "del tamaño de una isla flotante" (se decía que el dorso de un Kraken adulto tenía una longitud de 2,4 kilómetros.[6] ), cuyo verdadero peligro para los marineros no es la criatura misma, sino el remolino que crea después de sumergirse rápidamente en el océano. Sin embargo, Pontoppidan también describe el potencial destructivo de la gran bestia: "Se dice que si se aferra al mayor buque de guerra, podría tirar de él hasta el fondo del océano" (Sjögren, 1980). El Kraken fue siempre distinto de las serpientes marinas, también comunes en la tradición escandinava (Jörmungandr por ejemplo). Según Pontoppidan, los pescadores noruegos a menudo corrían el riesgo de atrapar a los peces sobre el Kraken, cuando la pesca era tan buena. Si un pescador tenía una inusualmente buena pesca, uno le decía al otro, "Debes haber pescado sobre un Kraken". Pontoppidan también alegó que el monstruo a veces es confundido con una isla, y que en algunos mapas se incluyen islas que sólo a veces eran visibles e indicaban un Kraken. Pontoppidan también propone que un joven espécimen de un monstruo fue hallado muerto en tierra en Alstahaug (Bengt Sjögren, 1980). Desde fines del siglo XVIII, el Kraken se ha representado en varias formas, principalmente como grandes criaturas similares a pulpos, y a menudo se ha afirmado que el Kraken de Pontoppidan podría haberse basado en observaciones de marineros de calamares gigantes. En las primeras descripciones, sin embargo, las criaturas eran más similares a cangrejos parecidos a pulpos y, en general, poseen rasgos que se asocian con las grandes ballenas en lugar de con los calamares gigantes. Algunos rasgos del kraken se asemejan a las actividades volcánicas submarinas que ocurren en la región de Islandia, incluida el agua burbujeante, las corrientes peligrosas y la aparición de nuevos islotes. En 1802, el francés malacologista Pierre Dénys de Montfort reconoce la existencia de dos tipos de pulpos gigantes en Histoire Naturelle Générale et Particulière des Mollusques, una descripción enciclopédica de moluscos. Montfort afirma que el primer tipo, el pulpo kraken, ha sido descrito por los marineros noruegos y balleneros de América, así como antiguos escritores como Plinio el Viejo. Sobre la segunda categoría más grande, el pulpo colosal (se muestra en la imagen de arriba), se informó acerca de un ataque a un buque velero de Saint-Malo, frente a las costas de Angola. Montfort luego se atrevió a hacer más afirmaciones. Él propuso que diez barcos de guerra británicos que misteriosamente desaparecieron una noche en 1782 debieron ser atacados y hundidos por pulpos gigantes. Desafortunadamente para Montfort, los británicos saben qué le pasó a las naves, resultando en una desgraciada revelación para Montfort. La carrera de Pierre Dénys de Montfort nunca se recobró y murió hambriento y pobre en París alrededor de 1820 (Sjögren, 1980). En defensa de Pierre Dénys de Montfort, cabe señalar que muchas de sus fuentes, para el "pulpo kraken" probablemente describen al verdadero calamar gigante, cuya existencia se probó en 1857. En 1830, posiblemente influido por el trabajo de Pierre Denys de Montfort, Alfred Tennyson publicó su popular poema El Kraken (esencialmente un soneto irregular), que difundió al Kraken en en el idioma inglés con su posición superflua de the. El poema, en sus tres últimas líneas, también tiene similitudes con la leyenda del Leviatán, un monstruo marino, que subiría a la superficie en el final de los días. La descripción de Tennyson aparentemente influyó en Julio Verne que imaginó al famoso calamar gigante en Veinte mil leguas de viaje submarino en 1870. Verne también hace numerosas referencias al Kraken y al obispo Pontoppidan en la novela. Hoy en día se han encontrado varias pruebas de existencia de calamares gigantes en las profundidades del mar, de aproximadamente 15 a 20 metros. Según la cultura popular sabemos más de Marte de lo que hay en el fondo del mar. Bernard Heuvelmans, un zoólogo, piensa que el mundo está lleno de criaturas aun no descubiertas (Franco Henostroza). Fuentes: *http://es.wikipedia.org/wiki/Kraken *http://sobreleyendas.com/2008/05/12/kraken-el-fabuloso-monstruo-marino/ ****************************************************************************************** SI TE INTERESO ESTE POST PODES VER LOS DEMAS:: Interes General http://www.taringa.net/posts/info/5199421/Quien-es--BUDA--entra-y-alcanza-el-nirvana.html Psicologia http://www.taringa.net/posts/info/5172723/Complejo-de-Edipo---Te-suena.html http://www.taringa.net/posts/info/5144725/Complejo-de-Peter-Pan---Lo-Tenes-averigualo.html http://www.taringa.net/posts/info/5127544/Que-es-el-Acto-Fallido-.html http://www.taringa.net/posts/info/5086057/Que-es-el-inconsciente-y-como-se-encara--te-animas_____.htm Artes Plasticas http://www.taringa.net/posts/info/5212092/Andy-Warlhol-----El-genio-del-Pop-Art.html http://www.taringa.net/posts/info/5191718/Joan-Miro:-El-post-q-se-merece.html http://www.taringa.net/posts/info/5166898/No-conoces-a-Escher-entra-y-sorprendete.html http://www.taringa.net/posts/info/5128325/Saturno-devorando-a-su-Hijo--.html Artes Marciales http://www.taringa.net/posts/apuntes-y-monografias/5013689/Kenpo-Karate---Ven-como-el-viento,-vete-como-relampago.html SEE YOU NEXT TIME MY FRIEND *****************************************************************************************

Psicologia Objetivo del post: el objetivo del post es compartir sabiduria e informacion para q cuando termines de leer el post aprendas algo nuevo q te ayude en tu vida. Complejo de Peter Pan No es una cuestión de edad. Existen ejemplares de 30, 40, 50, 60 años y los hay que mueren siendo Peter Pan, a pesar de la infatigable inversión que dedican a soslayar la vejez. El psicólogo norteamericano Dan Kiley denominó como Síndrome de Peter Pan al conjunto de rasgos que tiene aquella persona que no sabe o no puede renunciar a ser hijo para empezar a ser padre. El hombre/niño que se resiste a crecer es incapaz de cuidar y proteger a nadie así como de intercambiar papeles igualitariamente en el contexto de una pareja. Exhibe un desfase patológico entre su edad cronológica y su madurez afectiva. Hombres que presumen de joviales, simpáticos, alma de las fiestas, deportistas, aplicados seductores de jovencitas a edades notoriamente inadecuadas, con frecuencia no son más que "peter panes" afectivamente inmaduros y promotores de mucha desdicha en las relaciones de pareja. Se trata de hombres que no han aprendido la diferencia entre haber crecido y ser adultos. El Peter Pan actual Por mucho que pueda pesar, el paso del tiempo es ineludible y nadie escapa a él, ni siquiera estos Peter Pan modernos. Su comportamiento sigue siendo como el de un adolescente. Pese a su sonrisa casi imperecedera y a tratarse de personas muy divertidas y con unas inmensas ganas de disfrutar de todo los aspectos de la vida, tras esa apariencia se esconde alguien tremendamente inseguro con un terrible miedo a la soledad. Esa inseguridad también se plasma en el campo afectivo. A pesar de una aparente seguridad en sí mismos, son personas que necesitan grandes dosis de afecto y la necesidad de una mujer a su lado que se lo pueda ofrecer. Sin embargo, pese a esta dependencia, cuando la relación se torna en algo más serio y empieza a requerir dosis cada vez más altas de compromiso y responsabilidad, se asusta y acaba produciendo la ruptura de la pareja. Esto es una de las causas de que cambien continuamente de pareja, buscando incluso chicas más jóvenes, que impliquen menos planes de futuro y a su vez puedan contagiarse de su inmadurez. En el caso de coincidir en una pareja un Peter Pan y una Wendy, es posible que con el paso del tiempo cada uno acabe en la casa de sus padres. ¿Y si se le olvida volar? Si al nuevo Peter Pan todo le sale bien, disfrutará durante muchos años, pero llegará un momento de reflexión donde comenzará su crisis. Aunque él goce de éxito profesional y económico, se da cuenta de que en su vida no hay nada estable ni firme. Durante el tiempo que se está bajo este síndrome, se vive con vistas a muy corto plazo, la persona se siente insatisfecha con lo que le rodea pero no hace nada para solucionarlo. Su búsqueda de satisfacción en cada momento, le puede hacer recurrir al alcohol y las drogas como forma instantánea de obtenerla. Buscan siempre la culpabilidad de todo lo que sucede a su alrededor en los demás, sin que nunca se sienta realmente parte del problema, y ni siquiera de la solución. Atreverse a crecer Ante todo, el Peter Pan tendría que concienciarse de que tiene un problema. Muchos de ellos se tienen por encantadores y no llegan a la autocrítica necesaria para ver que están abusando de los demás. Creen que con su presencia basta. Sin embargo, ellos son los más perjudicados por la soledad en la que desemboca su vida. Sus amigos son superficiales y circunstanciales y sus amores, al final de la vida, son interesados y falsos. No pueden desarrollar relaciones amistosas o afectivas sólidas. Si reconoces que tienes estas características, aún estás a tiempo de cambiar algunos comportamientos que podrían dificultar la formación de vínculos afectivos maduros. Aunque también es cierto que muchas madres, novias y esposas tendrían, asimismo, que dejar de producir “peter panes”. ¿Te reconoces como Peter Pan? * Peter Pan posee el deseo interno de ser cuidado, que sus demandas sean satisfechas, y da por sentado que los demás se encargarán de todo eso. Se sorprende y se enfada si no es así. Además sus necesidades son apremiantes, no se pueden postergar. * Peter Pan no cree que tenga la obligación de contribuir a amar, dar o hacer. Mas bien su inquietud se concreta en recibir, pedir y criticar. * No está hecho para la vida adulta, no puede cumplir promesas, mantener un trabajo, una pareja, una casa porque no se puede comprometer. Está comprometido con el no-compromiso. Nada puede obstaculizar su libertad. * Las necesidades básicas de Peter Pan suelen ser cubiertas por otra persona. Esa otra persona acostumbra a ser alguien a quien le gusta cuidarlo. Aunque esa otra persona siente un cierto malestar por el abuso, no hace nada al respecto para no provocar conflictos a Peter. * Peter Pan no se responsabiliza de sus emociones, siempre cree que el otro es el responsable de sus sinsabores y contrariedades. * Peter está centrado en sí mismo, sus disgustos, su rabia, su desaliento, su estrés, su trabajo excesivo... * El papel de la persona que cuida a Peter puede estar encarnado por una madre, una hermana, un padre o una esposa, la pareja que sustituye a la madre. ¿Eres recuperable? * Aprende a tolerar las frustraciones sin hacerte la víctima. * Preocúpate por el bienestar de las personas que amas. * Escucha activamente los problemas de los demás. * Acepta la pérdida de privilegios que comportan los compromisos. * Entiende que al tomar una decisión, siempre hay una desventaja que asumir. * Todos somos responsables de nuestras propias emociones. No son los demás que nos hacen enfadar, somos nosotros que nos enfadamos. * Establece relaciones más equitativas con las personas, no les pidas aquello que no eres capaz de dar. * Dar las gracias no significa rebajarse ante los demás. Ten en cuenta que nadie nació con la obligación de servirte. Resumen: El síndrome de Peter Pan, o SPP, es un trastorno psicológico que se manifiesta en las personas adultas mediante un comportamiento infantil o un rechazo frente a toda responsabilidad.

····**** ///Andy Warhol///****··· Antes de ver y conocer su vida, obra y arte es importante saber primero q nada q es el POP ART. A continuacion algo de DATA para q entiendas mejor de q estamos hablando. ¬¬¬¬||Pop Art||¬¬¬¬ El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. ¬¬¬##El arte pop estadounidense##¬¬¬ Tuvo su origen a finales de los años 1950 pero tuvo su mayor ímpetu en la década de 1960. Durante este tiempo, los anuncios norteamericanos habían adoptado varios elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. Consecuentemente, los artistas norteamericanos buscaron estilos dramáticos que distanciaran el arte de los bien designados e inteligentes materiales comerciales. A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad. Dos de los más importantes dibujantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop en este país fueron Jasper Johns y más particularmente Robert Rauschenberg. Aunque los dibujos de Rauschenberg tenían una obvia relación con los trabajos previos de Kurt Schwitters y otros dadaístas, se enfocaba en la sociedad del momento. Su acercamiento hacia la creación de elementos por medio de materiales efímeros sobre temas ordinarios de la vida diaria en Estados Unidos le dio una calidad única €€¬¬El arte pop y el cómic¬¬€€ Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca Flash (1963) de Richard Pettibone, Tricky Cad (1959) de Jess Collins, Dick Tracy (1960) de Andy Warhol y "Good Mornig, Darling" (1964) and "As I Opened Fire" (1964) de Roy Lichtenstein. Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la Survireuse (1968). Ahora si volvamos con Andy Warhol Andrew Warhola (6 de agosto de 1928 - 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas, como el documental "I Shot Andy Warhol". Una de las aportaciones más populares de Warhol fue su declaración sobre los "15 minutos de fama". Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. ###¬¬¬ Infancia ¬¬¬### Andy Warhol nació en Pittsburgh, Pennsylvania, tercer hijo del matrimonio de clase obrera entre Andrij Warhola y Ulja (Julia) Warhola. Sus padres eran inmigrantes de etnia rusyn, originarios de Miková (antiguo Imperio austrohúngaro, actualmente al noroeste de Eslovaquia). El señor Warhol padre habría emigrado a los Estados Unidos en 1914, y trabajaba en la minería del carbón. La madre se reunió con él en 1921, tras la muerte de los abuelos de Andy. Sus dos hermanos mayores habían nacido en Europa. La familia vivió en el 55 de la calle Beelen, y posteriormente en el 3252 de Dawson Street, en el barrio de Oakland, en Pittsburgh. La familia era creyente del rito católico bizantino, y asistía al templo católico bizantino de San Juan Crisóstomo. En tercero de primaria, Warhol sufría de Corea de Sydenham (también llamado baile de San Vito), una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades, que se cree relacionada con la escarlatina, ésta provoca desórdenes en la pigmentación de la piel. El joven Andy fue desde entonces un hipocondríaco, y desarrolló auténtico pavor a los doctores y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre. Mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. Warhol definió esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos. ~~~|| Principios de su carrera ||~~~ Warhol mostró un talento artístico precoz y decidió estudiar "arte comercial" en la escuela de Bellas Artes del Instituto Técnico de Carnegie de Pittsburgh (actualmente la Carnegie Mellon University). En 1949 se desplazó a Nueva York, donde comenzó una exitosa carrera como ilustrador en revistas y publicidad. Durante la década de los 50 ganó cierta reputación por sus caprichosas ilustraciones para unos anuncios de zapatos. Eran unos dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados, y figuraban entre la obra expuesta en una de sus primeras exposiciones en Nueva York, en la Bodley Gallery. Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer -entre otros artistas freelance- para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional. ¬¬¬### Los años 60 ###¬¬¬ Su primera exposición individual en una galería de arte fue el 9 de julio de 1962 en la Ferus Gallery de Los Ángeles, California. La exposición marcó el debut del pop art de la West Coast. La primera exposición individual de Warhol en Nueva York fue en la Stable Gallery de Eleanor Ward, del 6 al 24 de noviembre de 1962. La exposición ya incluía obras como "El díptico de Marilyn", "100 Latas de sopa", "100 botellas de cola" y "100 billetes de dólar". En dicha exposición el artista se encontró por primera vez con John Giorno, que con el tiempo actuaría en la primera película de Warhol, "Sueño" (1963). Fue durante los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento muy similar. En esta época funda "The Factory", su estudio y al mismo tiempo un ineludible punto de reunión de la vanguardia neoyorquina por la que pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebridades del pujante underground. El taller, cubierto de hojas de papel de aluminio y decorado en color plata, estaba en la calle 47th (más tarde se mudaría a Broadway). Plásticamente, empezó a producir grabados serigráficos. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y los fines del arte. Series de latas de sopa campbell fue conocida como una de sus obras mas importantes en 1962 Warhol desarrolló una imaginería personal a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los medios de masas -periódicos y carteles, pero sobre todo televisión- para definir un Olimpo particular compuesto de símbolos de la cultura americana, como la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles, o retratos de celebridades. La botella de Coca-Cola se convirtió para él en un tema pictórico. ¬¬¬|||| Atentado||||¬¬¬ El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol. Antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory. Redactó el "Manifiesto SCUM"(Society for Cutting Up Men) , un alegato feminista separatista contra el patriarcado (y que, con el paso de los años, adquirió cierta resonancia).Solanas también aparecía en la película de Warhol "I, A Man" (1968). Al parecer, el día del atentado, Solanas había sido expulsada de la Factory tras reclamar la devolución de un guión que le había dado a Warhol y que, al parecer, había sido traspapelado.Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta ese mismo día. Warhol, sin embargo, recibió seis disparos y apenas sobrevivió a la intervención de urgencia de seis horas de duración -durante la que los médicos tuvieron que abrirle el pecho y masajear su corazón para estimular el ritmo cardíaco de nuevo-. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol. Solanas fue arrestada al día siguiente de disparar. Como justificación a su ataque, declaró que "él tenía demasiado control sobre mi vida", tras lo cual fue sentenciada a 3 años bajo el control del departamento de reinserción. Tras el tiroteo, el acceso a la Factory quedó rígidamente controlado, y en opinión de muchos esto causó el fin de la época de "la Factory de los 60". El atentado, sin embargo, quedó bastante desdibujado en los medios debido al asesinato de Robert F. Kennedy, dos días después. A raíz del atentado sufrido, Warhol declaró que "antes de que me disparasen, siempre pensé que estaba un poco poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida. ¬¬~#### Años 70 ####~¬¬ Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 60, los 70 fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor. Según Bob Colacello, Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. La lista incluía a Mick Jagger, Liza Minelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973). También fundó, con el apoyo de Gerard Malanga la revista "Interview", y publicó "La filosofía de Andy Warhol" (1975), en la que exponía su pensamiento con rotundidad y sentido del humor:"Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte". Warhol solía frecuentar diversos clubes nocturnos de Nueva York, como el Max's Kansas City, el Serendipity 3 y, más adelante, el célebre Studio 54. Normalmente se comportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso observador. El crítico de arte Robert Hughes le llamó "el lunar blanco de Union Square". Su estilo inicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía con retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En los años 70 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54, entre ellos Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. Es también en esta época cuando es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera que llamen la atención, entre ellos la firma BMW. Así se creó el art car. Dichos vehículos participaban sobre todo en las famosas 24 horas de Le Mans. Son famosas sus cápsulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón, como expone en Philosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos Portraits of the Seventies (Retratos de los Setenta). Bmw M1 decorado por Andy Warhol ###¬¬¬ Los años 80 ¬¬¬### Warhol tuvo una segunda juventud para la crítica -y los negocios- durante los 80, gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras el arte, que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel momento: Se trataba de personajes como Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo. Warhol también frecuentaba la compañía de artistas del movimiento de transvanguardia europea, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Por entonces Warhol era acusado de haberse convertido en un "artista de los negocios". En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los 70, críticas en las que su obra se tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre "Genios Judíos"(1980), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad. Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la "superficialidad" y "comercialidad" de Warhol "uno de los reflejos más brillantes de nuestra época", señalando que "Warhol ha capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años setenta".Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood. Disco Made In Spain En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli y Uccello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco Made In Spain, también utilizada para el disco Milano-Madrid de este mismo artista. Según las malas lenguas, la compañía discográfica de Bosé pagó una fortuna por la colaboración de Warhol, quien hasta entonces apenas conocía al cantante. Luego le mencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». Warhol también apareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas. En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no sólo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar polaroids de empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos. En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung. Lenin autorretrato ####//¬¬ Muerte ¬¬//#### Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987. Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificultades de una operación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debido a una repentina arritmia post-operatoria. También se ha señalado cierto exceso de líquidos por intoxicación de agua. Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente, Warhol había intentado retrasar los reconocimientos, debido sobre todo a su pavor a los hospitales y los médicos. El cuerpo de Warhol fue devuelto por sus hermanos a Pittsburgh para el funeral. El velorio tuvo lugar en el Thomas P. Kunsak Funeral Home y fue una ceremonia corpore insepulto. El ataúd era una pieza de bronce macizo, con adornos dorados y soportes blancos. Warhol llevaba puesto un traje negro de cachemira, una corbata de estampado también de cachemira, una peluca plateada y sus características gafas de sol. Tenía en las manos un pequeño breviario y una rosa roja. El funeral se celebró en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, en el North Side de Pittsburgh. Monseñor Peter Tray pronunció su encomio.Yōko Ono también se presentó. El féretro quedó cubierto por rosas blancas y brotes de esparraguera. Tras la liturgia, el ataúd fue llevado al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista, en Bethel Park (un barrio apartado al sur de Pittsburgh). Allí el sacerdote pronunció una breve oración y asperjó con agua bendita el ataúd. Antes de proceder al descendimiento del mismo, Paige Powell dejó caer un ejemplar de "Interview", una camiseta de la misma revista y una botella del perfume Beautiful, de Estée Lauder. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre, y unas semanas más tarde se repitió un oficio conmemorativo para Warhol en Manhattan. El testamento de Warhol legaba toda su propiedad -con excepción de algunos modestos detalles- a miembros de su familia, con el fin de crear una fundación dedicada al "avance de las artes visuales". Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby's necesitó nueve días para subastar sus bienes tras su muerte, y la suma total excedía los 20 millones de dólares. Su riqueza total era aún mayor, debido principalmente a astutas inversiones realizadas a lo largo de toda su vida. En 1987, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituyó la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La fundación no sólo sirve como representante legal de Andy Warhol, sino que defiende su misión de "espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo", y se declara "centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor. ****¬¬ Obras mas importantes ¬¬**** Andy WARHOL : "Marilyn Monroe "Renaissance" "Campbell soup" Gun Double Mona Lisa Brooklyn Bridge The Art of Mickey Mouse 10 Marilyns Signe du dollar Portrait de Maurice Daisy blue on blue Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol http://www.passion-estampes.com/deco/indexwarhol-es.html ****************************************************************************************** SI TE INTERESO ESTE POST PODES VER LOS DEMAS:: Interes General http://www.taringa.net/posts/info/5199421/Quien-es--BUDA--entra-y-alcanza-el-nirvana.html Psicologia: http://www.taringa.net/posts/info/5172723/Complejo-de-Edipo---Te-suena.html http://www.taringa.net/posts/info/5144725/Complejo-de-Peter-Pan---Lo-Tenes-averigualo.html http://www.taringa.net/posts/info/5127544/Que-es-el-Acto-Fallido-.html http://www.taringa.net/posts/info/5086057/Que-es-el-inconsciente-y-como-se-encara--te-animas_____.html Artes Plasticas http://www.taringa.net/posts/info/5191718/Joan-Miro:-El-post-q-se-merece.html http://www.taringa.net/posts/info/5166898/No-conoces-a-Escher-entra-y-sorprendete.html http://www.taringa.net/posts/info/5128325/Saturno-devorando-a-su-Hijo--.html Artes Marciales http://www.taringa.net/posts/apuntes-y-monografias/5013689/Kenpo-Karate---Ven-como-el-viento,-vete-como-relampago.html SEE YOU NEXT TIME ****************************************************************************************

Psicologia Complejo de Edipo En psicoanálisis, el complejo de Edipo se refiere al agregado complejo de emociones y sentimientos infantiles caracterizados por la presencia ambivalente de deseos amorosos y hostiles hacia los progenitores. Se trata de un concepto central de la teoría psicoanalítica presentada por Sigmund Freud dentro de los marcos de su primera tópica. En términos generales, Freud define el complejo de Edipo como el deseo inconsciente de mantener una relación sexual (incestuosa) con el progenitor del sexo opuesto y de eliminar al padre del mismo sexo (parricidio). Sin embargo, Freud describe también dos constelaciones diversas en las que se puede presentar el conflicto: edípico: * Complejo de Edipo positivo: odio hacia el progenitor rival del mismo sexo y atracción sexual inconsciente hacia el progenitor del sexo opuesto. * Complejo de Edipo negativo: amor hacia el progenitor del mismo sexo, así como rivalidad y rechazo hacia el progenitor del sexo opuesto. Freud había distinguido en el desarrollo psicosexual de los niños tres etapas principales: la oral, la anal y la fálica. El período de manifestación del complejo de Edipo coincide con la llamada fase fálica (pregenital) del desarrollo de la libido, es decir aproximadamente entre los 3 y los 6 años de edad y se acaba con la entrada en el período de latencia. De acuerdo con la teoría freudiana, el complejo se revive en la pubertad y esta reaparición declinaría a su vez con la elección de objeto, que abre paso a la sexualidad adulta. sigmund freud El complejo de Edipo es considerado la piedra angular de la teoría de Freud. Es en un concepto clave del psicoanálisis y sus derivados actuales, tanto en general, como fundamento de la teoría, como para la clínica: * Para la teoría, porque constituye el eje central de la teoría pulsional y de la metapsicología con la que Freud pretende explicar el funcionamiento psíquico y la estructuración de la personalidad; * para la clínica, debido a que del desarrollo, evolución y forma de resolución de la conflictiva edípica derivará la estructura y la forma en que se presentarán los síntomas en las distintas modalidades patológicas. La historia del psicoanálisis en su conjunto está fuertemente ligada a la historia del complejo de Edipo y a las discusiones en torno a su significación. El concepto también ha suscitado desde su origen muchas críticas, tanto internas al psicoanálisis como desde otras disciplinas y corrientes teóricas. edipo y la esfinge Historia del complejo de Edipo El concepto fue desarrollado por Sigmund Freud, quien se inspiró para su denominación en el mito de Edipo de la mitología griega clásica, más precisamente, en la versión que entrega Sófocles en la tragedia Edipo Rey: Edipo asesina a Layo y se casa con Yocasta para más tarde descubrir que estos son sus padres. Cuando Yocasta descubre que Edipo es su hijo se suicida. Edipo, incapaz de soportar el horror que el parricidio y el incesto le provocan, se saca los ojos y en total humillación, abandona la ciudad para vagar como un pordiosero por toda Grecia, atendido por su hija Antígona. La primera vez que el complejo de Edipo aparece mencionado en la obra freudiana es en 1910, aunque existen razones para suponer que cuando en 1908 se refiere a los “conflictos nucleares” (Kernkonflikte)[5] está ya aludiendo a la conflictiva edípica. Carl Jung desarrolló de forma análoga el complejo de Electra y lo describe como la atracción sexual inconsciente que siente una niña hacia su padre. Freud nunca aceptó esta idea de Jung porque se contraponía con las teorías que él venía desarrollando, particularmente en dos aspectos: * La importancia que tiene para la niña la inclinación inicial por la madre (en la fase preedípica) y * la preponderancia central del falo en el desarrollo de los sujetos de ambos sexos en la fase fálica del desarrollo libidinal. En la teoría freudiana el complejo de Edipo es un fenómeno que aparece en el desarrollo de todos los seres humanos, tanto en el sexo masculino como en el femenino. Esto no significa, sin embargo, que tenga igual evolución en ambos sexos: para Freud el complejo de Edipo femenino no es simétrico al del niño. Tótem y tabú (1913). Freud argumenta aquí la universalidad del complejo de Edipo. Se trata además de un fenómeno universal, que ocurre con indepencia de factores como la educación, la pertenencia étnica o la cultura. Freud desarrolla esta idea en su obra Tótem y tabú[7] sirviéndose de una metáfora, de una suerte de "mito científico" propio para argumentar la universalidad del complejo de Edipo. Freud plantea el escenario en que podría haberse instaurado el tabú del incesto e inaugurado la cultura: En una época indeterminada de las hordas primitivas, los hombres vivían en pequeñas agrupaciones dominadas por un macho poderoso y tiránico (el padre) que tenía el privilegio de poseer a las hembras. Un día los machos jóvenes de la horda primitiva deciden rebelarse contra el padre, lo asesinan y se comen su cadáver. La cena totémica habría involucrado además una dimensión simbólica muy importante: no sólo se habrían comido el cuerpo, sino que principalmente también sus atributos espirituales, lo que da por resultado una identificación con el padre. El arrepentimiento y los sentimientos de culpa que surgieron tras el asesinato los llevaron a instaurar un nuevo orden social basado en la exogamia, es decir, en la prohibición (o tabú) de poseer a las mujeres del clan, al tiempo que instauraron el totemismo (tabuización de dar muerte al tótem (figura que sustituye simbólicamente al padre). El padre asesinado, sin embargo, tiene más poder y autoridad que el padre vivo, concluye Freud, puesto que la obediencia retroactiva que se le presta se basa en el sentimiento de culpa. Las prohibicioes del totemismo (el incesto y matar al tótem) representan los dos deseos inconscientes centrales del conflicto edípico. Concluye Freud en esta obra que el complejo de Edipo es la condición central del totemismo, por lo tanto, universal y fundante de la cultura en cualquier sociedad de seres humanos. edipo se arranca los ojos en la trajedia se sofocles Implicaciones del complejo de Edipo La conflictiva edípica debe ser cancelada (no necesariamente por el mecanismo psíquico de la represión) para posibilitar el desarrollo de la sexualidad del niño. En el inconsciente se pone en funcionamiento el llamado complejo de castración, que aporta al niño una respuesta rudimentaria al enigma que le plantea la diferencia anatómica de los dos sexos (posesión o privación del pene), que el niño atribuye al cercenamiento del pene en la niña. El niño teme el cercenamiento del pene como castigo por sus deseos incestuosos y actividades sexuales, lo cual le provocará una intensa angustia de castración. En la niña, la ausencia de pene es percibida como un daño que, según el psicoanálisis, ella misma intentará negar, compensar o reparar durante su desarrollo. Según Freud, mientras el complejo de castración posibilita la salida del complejo de Edipo en el niño (el niño descubre que la madre está castrada y depone sus deseos incestuosos por temor a la castración) representa para la niña la entrada al complejo de Edipo, es decir la niña se dirigiría hacia el padre en busca del falo faltante en la madre. El interés del niño por los genitales desaparece durante el período de latencia y reaparece con la pubertad. Cuando ve la falta en una niña, advierte la posibilidad de la castración pero la amenaza adquiere su efecto con posterioridad (nachträglich, en el original en alemán). Solución del conflicto Se sustituye la investidura de objeto por la identificación, se introyecta a la autoridad del padre y se forma el núcleo del Superyó, que severamente prohíbe el incesto y el retorno de las investiduras de objeto. Las aspiraciones libidinales son desexualizadas y sublimadas por una parte, e inhibidas en sus metas y mudadas en mociones tiernas, por otra parte. Con esto se da inicio al periodo de latencia. En rigor, el complejo de Edipo no es objeto de la represión, sino que más bien opera una cancelación y destrucción del complejo. La niña percibe inicialmente que su clítoris es un pene pequeño que ya crecerá pero, al advertir que las mujeres adultas no poseen pene, intuye que ha sido castrada. El Superyó se instituye como resultado de la educación y el amedrentamiento externo. La niña se acerca al padre en busca de lo que la madre no tiene. Simbólicamente el falo pasa del pene al hijo, su complejo culmina en el deseo del recibir de regalo un hijo de su padre, el cual permanece en lo inconsciente como el del pene y constituye la base para su futura función sexual. En la generalidad de los casos, el niño trata, en su deseo de superarlo, de parecerse a su rival. Acaba entonces por identificarse con él, en una especie de solidaria convivencia, en la que el padre se vuelve un modelo para el niño. Lo mismo ocurre, aunque no de manera simétrica, entre la niña y su madre. Crítica y recepción El concepto original de Freud ha sido recogido y aplicado con distintos matices y modificaciones por diversas orientaciones del psicoanálisis, como asimismo por otras escuelas psicológicas ajenas a éste, ya sea como modelo explicativo válido del desarrollo psicosexual del niño o bien como elemento estructural de la formación de la personalidad. El primer desarrollo ulterior divergente de la teoría original de Freud es el de Carl Jung con la introducción en 1913 del complejo de Electra en Ensayo de exposición de la teoría psicoanalítica. En este período Jung critica a Freud por centrar demasiado los descubrimientos del complejo de Edipo en las experiencias de su propia persona y aboga además por la desexualización de la teoría. Es en este contexto que se produce el rompimiento definitivo. A pesar de que la mayor parte de los psicoanalistas freudianos no acepten la denominación jungiana de «complejo de Electra», todos coinciden en la importancia de diferenciar estos procesos en el niño y en la niña, ya que por sus distintos rasgos y posesiones deben ser tratados de forma distinta entre uno y otra. Jacques Lacan hace una lectura diferente del concepto freudiano y lo reconstruye en varios aspectos esenciales. Lacan destaca que Freud se basó en un mito, es decir no en un hecho, sino en una ficción, en algo que ocurre no en la esfera de lo real, sino en el ámbito de lo simbólico, es decir, en algo que sucede en el lenguaje. Para Lacan el padre que juega un papel en el complejo de Edipo no es un padre real sino que es una función: la función paterna, un lugar en la estructura que puede ser ocupado por otros representantes, no necesariamente el padre real. Lo que resulta relevante para Lacan es la ficción de una instancia que representa la ley (es decir la prohibición del incesto). Lacan denomina a esta instancia el Gran Otro y puede estar asumida por diversas figuras de la autoridad (jueces, policías, maestros, profesores, clérigos, etc.). Es el momento de la subordinación del niño a esta instancia lo que permite su entrada en el orden de lo simbólico, es decir del lenguaje, del discurso del mundo social y de sus normas. Para Lacan la salida del complejo de Edipo es entonces la renuncia a la madre y el comienzo de los intentos de llenar ese lugar estructural de la falta con otros «objeto causa del deseo» (también denominado «pequeño otro» u «objeto a»). Melanie Klein recoge algunos aspectos de la descripción freudiana del concepto, pero sitúa el Edipo en el primer año de vida del niño, postulando además que la fase tiene un trascurso similar en ambos sexos. Para Melanie Klein, la relación con el pecho materno sería el factor fundamental que rige todo el desarrollo psicosexual del niño. Son las relaciones de satisfacción y frustración experimentadas con este primer objeto las que permiten orientar el deseo hacia nuevos objetos, en su teoría, primeramente hacia el pene del padre. Pero la frustración inevitable que representa este objeto haría que el lactante regresara al objeto primario. De este modo, el pecho y el pene constituyen los primeros objetos de deseo oral del lactante. Los seres humanos contarían, de acuerdo con su teoría, con un saber congénito acerca de la existencia del pene y la vagina. El Edipo se configura porque el lactante desea una satisfacción constante, por lo que al no obtenerla, aparecería la frustración y la agresión. Ocurriría entonces una idealización del pecho bueno (la madre buena) y una dirección de la agresión hacia el pecho malo, que se transformará en el prototipo de todas las relaciones objetales frustrantes posteriores. La teoría ha sido también muy fuertemente criticada al interior del psicoanálisis. Por ejemplo, en la interpretación que Erich Fromm hace del complejo de Edipo freudiano. Para Fromm el Edipo no se trataría en primera línea de un conflicto desencadenado por deseos incestuosos. Si bien reconoce que la estructura descubierta por Freud es contrastable con fenómenos que ocurren en la realidad del desarrollo infantil, eso no tendría necesariamente que ver con la sexualidad, sino que en el centro y en el origen del odio y rivalidad con el padre estaría la rebelión contra la autoridad paterna y las estructuras sociales patriarcales que representa. Asimismo, la psicoanalista alemana Karen Horney hace una crítica profunda a las ideas que sostienen el concepto freudiano, planteando que la envidia del pene constituye una ofensa a las mujeres. La universalidad cultural del complejo de Edipo también ha recibido objeciones desde otras disciplinas y por investigadores ajenos al psicoanálisis. Es así como Bronislaw Malinowski, antropólogo británico de origen polaco y fundador de la antropología funcionalista, intentó refutar la pretendida universalidad con datos empíricos. Mostró, por ejemplo, como entre los habitantes de las Islas Trobriand en Papúa Nueva Guinea un niño era una creatura de su madre y del espíritu de sus ancestros, quedando vacío el lugar del padre. El tabú del incesto estaba allí referido a la hermana y no a la madre. En respuesta a esta crítica desde la antropología, Ernest Jones defendió en su momento de manera ortodoxa la validez universal del complejo de Edipo aduciendo que en el sistema matriarcal de los trobriandeses lo que existía era una negación del rol del padre en la reproducción y un desplazamiento hacia la figura del tío. Hasta hoy la discusión continúa y el problema no ha podido ser zanjado de manera definitiva, ni por parte del psicoanálisis, ni por parte de la antropología. Bueno aca aca te dejo unos videos para q lo entiendas un poco mejor: link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=Nme4KINGIds link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=1TGZBDNGCN0&NR=1 Bueno la idea de este post es q aprendas un poco mas del complejo de edipo o el complejo de castracion y lo puedas entenerder con palabras simples. espero q te haya gustado. See you soon

Kenpo Karate - El kenpo Karate mas alla de ser una arte marcial efectiva en las peleas callejeras por tus tomas, agarres, patadas y disloques, pasa a mayor plano por la fiosofia de vida q tiene, si bien la mejor pelea es la q se puede evitar, uno llega entender el daño q puede causar a la otra persona y no va a ser falta q lo demuestres, como decime mi maestro, el puño en el bolsillo es un tesoro nunca lo muestres. Esta arte marcial (como tambien las demas) logran un perfecto equilibrio entre el cuerpo y la mente, en los primeros años uno se encuentra en la faseta de tigre, q representa la fuerza bruta, uno se asombra lo q puede llegar a hacer q nunca creyo poder hacerlas por eso esta contenido por la sabiduria y la experencia del maestro y aprende el autocontro, disciplina en situaciones extremas, luego alcanza la faseta de dragon ( q es la sabiduria la experiencia, por eso el logo) y uno aprende q la violencia no resuelve nada y usar nuestras manos vacias en caso de q se necesario. Bueno vamos a ver algo de historia: El Kenpo Karate es un arte marcial creado por el Gran Maestro Edmund Parker (Ed Parker) en Honolulu Hawuai, durante los años 50. Parker estudió Karate en Hawaii y se dio cuenta de que los movimientos y los conceptos básicos de la defensa, estaban pensados desde hace cientos de años, siendo poco práctico en la actualidad. Historia Cuenta una leyenda tradicional, muy antigua, que hace muchos años, un monje de la India cuyo nombre era Bodhidarma y llamado Ta-mo en la china, atravesó un largo camino para llegar al templo de Shaolín. Estando allí empezó a instruir a los monjes y al darse cuenta de que no eran capaces de mantenerse en pie durante las practicas budistas, optó por enseñarles una serie de ejercicios que le fortalecieran. Después de muchos años, este conjunto de ejercicios llamado Wu Chin Chi Hsi, llega a ser la base para uno de los sistemas de pelea más eficaces de la historia, el famoso boxeo de los monjes de Shaolín o Shaolín Chuan. Durante las invasiones a china, al darse cuenta de la eficacia del sistema de pelea de estos aguerridos combatientes, mucha gente quiso aprenderlo, pero al darse cuenta que sus intereses no eran budistas, los monjes desarrollaron un sistema que fuera mas para el populacho llamándole Chuan Fa. La historia exacta de Kenpo se ha perdido en antigüedad el tiempo, y consecuentemente no se pueden dar una fecha definitiva de cuando realmente empezó. Muchos de los registros que existen hoy día son inciertos. No podemos decir cuántos escritos han sido destruidos o cuántos de sus logros nunca han sido registrados. Indicios de información parecen decirnos que el Kenpo, como se conoce hoy día, podría haber sido practicado en India y China hace más o menos cinco mil años. Escritos en caparazones de tortuga nos cuentan que los chinos de hecho, han practicado el arte de la defensa personal desde el año 21 a. C. por eso es que no se debe de confundir el hecho de que el templo de Shaolín sea la cuna de algunas artes (como el Shaolín Chuan, el Chuan Fa o el Wing Chun entre otros) con el hecho de que muchos otros sistemas de defensa nacieron en otros lugares de oriente. A pesar de que su verdadero origen es oscuro, la popular historia que prevalece y a la que se le puede dar cierto crédito dice que su origen como ya dijimos, se le atribuye al monje indio Daruma o Bodhidarma más o menos en el año 525 d. C. sin embargo otros grandes hombres como Hu'a To (190-265 d.C,), un médico brillante, y Yueh Fei, un famoso general (que vivió durante la dinastía Sung 960-1279 d. C. y al que se le atribuye la creación de los estilos "Garra de Águila" y "Xing Yi Quan" entre otros) son considerados los predecesores o progenitores que el Kenpo moderno. Kenpo significa "ley del puño" que era un término usado por los habitantes de la isla de Okinawa para describir los sistemas chinos). De china, llegó hasta la isla donde conocido como "te", se componía primariamente de golpes, cuchillos y arañazos con las manos y los pies. De esa manera se originó el método de karate llamado Kenpo. Debido a las múltiples rutas comerciales que tenían los chinos, este arte se fue expandiendo, y uno de los clanes que más lo llegó a cultivar como arte familiar fue el clan Mitose, el 21º descendiente de este clan fue el maestro conocido como James Mitose, quien a muy temprana edad fue enviado a Japón, para que su abuelo lo instruyera en el arte familiar. Un día al darse cuenta de que la policía japonesa no era suficientemente capaz de pelear, el maestro Mitose decidió enseñarles el arte de Kenpo, lo cual siguió haciendo al llegar de regreso a Hawai. En el tiempo de la II guerra mundial, participó como miembro del ejercito estadounidense, y luego fundo un club para enseñar KENPO a los oficiales, dentro de sus alumnos desfilaron grandes personalidades como el maestro William (Kwai Sun) K. S. Chow, Arthur Keawe, Edward Lowe, Jiro Nakamura, Paul Yamaguchi y Thomas S. Young. El actual representante de la familia Mitose es Thomas Barro Mitose, Gran Maestro Nº 22 y máxima autoridad del sistema Kenpo Kosho-Shorei-Ryu. Uno de los alumnos de James M. Mitose, William K. S. Chow el famoso “Thunderbolt” Chow, crea su propia escuela, donde otorgaría el Cinturón Negro a, entre otros, Adriano Emperado (fundador del sistema Kajukenbo), Ed Kealoha Parker (fundador del Kenpo-Karate moderno o Kenpo Americano), Ralph Castro (fundador del sistema Shaolín-Kenpo), y otros. Ed Parker tomó el Kenpo aprendido de William K. S. Chow, completando su alfabeto de movimientos con sus propios conocimientos y experiencias adquiridas en Corea, Japón y Honolulu como marine americano, adecuando el Kenpo a las necesidades de la cultura occidental, y conservando lo tradicional solo cuando era útil. Por su estudio de Pasadena pasó mucha gente, hoy día famosos artistas marciales, podemos enumerar entre otros Benny Urquidez, Steve Sanders, Frank Trejo, Richard Planas, Los Hermanos Al, Jim y Will Tracy, James Ibrao, Dan Inosanto, Larry Tatum, Manny Reyes (fundador de la World Kenpo Federation en 1995) e incluso Elvis Presley (que alcanzó el grado de Cinturón Negro 8º Dan, hecho que no conoce mucha gente). Actualmente el Kenpo es uno de los estilos de arte marcial mas difundidos alrededor del mundo, muchos maestros han hecho sus propias adaptaciones al estilo, cada cual como lo ha creído más conveniente, muchos dicen ser quien tiene el verdadero legado del autentico Kenpo y aducen ser el único heredero universal de las enseñanzas del maestro. Muchos se han preguntado por que Parker no dejó nombrado un sucesor, la respuesta es simple, no puede existir “El Sucesor”, Kenpo no es un arte estático, es un arte adaptable a cada individuo según la situación. Edmund Kealoha Parke Edmund Kealoha Parker nació en Honolulu (Hawai) en 1931, en el seno de una familia acomodada. Su primer contacto con el arte del Kenpo se produjo a la edad de 16 años, cuando uno de los miembros de la iglesia a la cual pertenecía, Frank Chow, contaba a un grupo de gente cómo había vencido a un matón local. Ed, conociendo la fama de hombre duro de aquel matón, pensó que Frank estaba literalmente mintiendo en la iglesia. Sin embargo, esa idea cambió cuando observó a Frank Chow demostrar la forma en que había vencido. Esta fue la razón por la que un sorprendido Ed Parker comenzó sus estudios bajo la supervisión de Frank Chow. Después de dos años, en Septiembre del 56, Parker decide abrir su propio estudio de Kenpo en Pasadena, California. fue donde conoció a Terry Robinson, director físico del Beverly Wilshire Health Club. Terry quedó impresionado con el sistema de Kenpo de Parker y le invitó a enseñar a varias celebridades de dicho Club. Entre estos alumnos se encontraban actores, productores y directores; gracias a ellos, Parker fue capaz de introducir el Kenpo en el cine y la televisión. En este Club y gracias a Terry, Parker conoció a Elvis Presley, el cual se convertiría en fiel alumno y amigo de Parker. Con el tiempo y después de un constante entrenamiento, Elvis recibió de manos de Parker su merecido cinturón negro de Kenpo. En septiembre de 1959, Ed Parker volvió a Hawai para encontrarse con Chow y recordarle su plan de expansión común de estudios de Kenpo por Norteamérica. Chow le dió su bendición pero le dijo que lo debía hacer sin él ya que no quería dejar Hawai y creía no poder ajustarse a la vida en los Estados Unidos continentales. Después de esto, Parker respetó el deseo de su profesor y decidió proseguir con su programa de expansión él solo. A su vuelta a los Estados Unidos, Parker organizó los campeonatos internacionales de artes marciales más importantes de su tiempo: los Internacionales de Long Beach, abiertos a todos los estilos y sistemas de artes marciales. De estos campeonatos salieron un gran número de artistas marciales que más tarde alcanzarían un gran reconocimiento internacional. Maestros de la categoría de Mike Stone, Chuck Norris, Steve Sanders, Joe Lewis, Benny Urquidez, etc. fueron grandes campeones de los torneos de Parker y gracias a ellos se dieron a conocer. La intención de Parker era dar a conocer los diferentes estilos de artes marciales al gran público, con el fin de levantar el "Karate" en América. Los torneos eran la mejor forma de concentrar muchos sistemas bajo un mismo techo. La gran reputación que Ed Parker había adquirido le permitió conocer y entrenar con lo mejor del momento. De esta forma, trajo a sus internacionales a hombres como Oshima para realizar exhibiciones. Posiblemente la figura más famosa que se dio a conocer gracias a Parker fue Bruce Lee; este realizó una exhibición durante el primer internacional de Long Beach el 2 de agosto de 1964, y el resultado no pudo ser mejor. Como consecuencia del gran éxito de su demostración, Parker presentó a Bruce Lee a varios productores de cine y consiguió introducirle en el mundo del espectáculo. Durante su estancia en EEUU, Parker no cesó de investigar y de añadir nuevos principios haciendo de su Kenpo un sistema mucho más científico y preparado para la mentalidad occidental. El resultado de su constante estudio e innovación fue un sistema de Kenpo renovado y de creación propia casi en su totalidad. Fue autor de numerosos libros acerca de su arte como: "Kenpo Karate - la Ley del Puño y de la Mano Vacía", "Secretos del Karate Chino", "Ed Parker´s guía del nunchaku", "Infinitos caminos del Kenpo" (Vol. 1-5), "El Zen del Kenpo" y su "Enciclopedia del Kenpo", entre otros. El sistema del Maestro Parker rápidamente se fue extendiendo por los EEUU, así como sus escuelas; por lo tanto se hizo necesaria la creación de una asociación que uniese a todos los practicantes americanos bajo una única dirección; y así en 1956 se creó la KKAA (Kenpo Karate Association of America). La KKAA fue cambiada a IKKA (International Kenpo Karate Association) en 1960 cuando miembros de la asociación empezaron a emigrar a otros países. El primer cinturón negro en introducir el Kenpo fuera de los EEUU fue John McSweeney, que se convirtió en el pionero del Kenpo en Irlanda. A su vez Arturo Petit fue el responsable de su introducción y extensión por Sudamérica desde Chile; y Rainer Schulte fue el pionero del Kenpo en Alemania. El 15 de diciembre de 1990 el Maestro Parker regresó a Hawai, donde un desgraciado y repentino ataque al corazón acabó con su vida. Las circunstancias quisieron que la muerte le llegase a su regreso a casa. A su muerte, el mundo del Kenpo quedó consternado y se sintió un enorme vacío. La mayoría de sus cinturones negros avanzados abandonaron la asociación, ya que sin la figura de Parker no entendían que la IKKA continuase como única asociación de Kenpo en el mundo. Según su pensamiento, la IKKA era la prolongación de la figura del propio Parker; por ello, el Maestro Parker no dejó sucesor para liderar su asociación. Tras su inesperado fallecimiento, dichos Maestros de Kenpo Karate crearon sus propias asociaciones y organizaciones a nivel mundial quedándose como cabeza de la IKKA la mujer y el hijo del Maestro Parker, y como máximo representante el Maestro Gilbert Velez 9º Grado. Actualmente, la IKKA continua creciendo y desarrollando la idea original de el maestro parker de ser la asociacion insignia del kenpo americano, pero independientemente de cada asociación, lo realmente importante es que todas ellas divulgan el Kenpo Karate de Ed Parker para que se conozca y practique en todo el mundo. El Senior Grand Master Ed Parker, conocido como el "Padre del Karate Americano" revolucionó el mundo de las artes marciales y nos legó uno de los sistemas más efectivos y practicados del planeta. Actualmente está considerado como uno de los grandes genios marciales de todos los tiempos. img=http://powerkenpo.com/images/american-kenpo-karate-2.jpg ==Etimología de la palabra Kenpo== por: Jorge Cadena 2do.Dan (KoFuJa-Do). La palabra kenpo resulta de la unión de dos vocablos japoneses: Ken = puño Po = ley Kenpo y Kempo: La correcta transcripción del japonés a la escritura occidental impone el uso de la "n". Aunque las dos formas están aceptadas al uso. Tanto la pronunciación Kenpo, derivada de la pronunciación japonesa como Kempo, derivada de las normas de escritura de la lengua castellana. Karate también está formada por dos lexemas del japonés: Kara: Vacío, abierto Te: mano. Interpretándose así como sistema de autodefensa basado en las técnicas sin armas, a mano vacía, también existe la teoría de que el nombre (manos abiertas) se debe a que las manos abiertas en karates son unas de sus armas más potentes, algunos maestros comparan esas armas con las espadas, especialmente los golpes con los cantos de las manos (cortes con la espada) y los golpes directos con los dedos extendidos o flexionados de tal forma que el golpe se realize con la articulación que una la primera y la segunda falange de los dedos, delante de los nudillos (pinchazos con la espada). El Escudo El escudo conocido como "La Cresta" es el símbolo más representativo del Kenpo Americano del Gran Maestro Ed Parker, fue diseñado por él mismo con la ayuda de su hermano David Parker y fue introducido en 1960 al cambiar el nombre de la organización K.K.A.A. a I.K.K.A. (International Kenpo Karate Association), como resultado de la Internacionalización del Kenpo Americano cuando algunos instructores miembros de esta organización empezaron a emigrar hacia otros países, entre éstos: México por conducto del Sifu Manuel Nájera. La consolidación y estandarización del escudo de la cresta fue en el año 1964. El significado de todos los elementos representados en el escudo tales como sus colores, la forma de la cresta, la forma de la parte baja que rodea la letra "K", el círculo gris, y la cruz en el centro implican toda una interesante lección bastante robusta en cuanto a su contenido filosófico pero destacan tres elementos básicos: El tigre: Representa la fuerza física adquirida por el alumno durante las primeras etapas del entrenamiento. Su color Amarillo puede asociarse a la primera cinta de color que obtiene el estudiante en sus inicios. El dragón: Representa la fuerza espiritual y la inteligencia emocional, que se adquieren a través de los años de práctica. El dragón, llamado "el animal perfecto" por reunir características de los 5 tipos de animales, se relaciona con los grandes Maestros quienes en sus cintas van acumulando grados que denotan su nivel y jerarquía representados por barras en color rojo, el color del dragón. La escritura oriental: Se incluye como un tributo a los antiguos maestros chinos que dieron origen al Kenpo. La columna de la derecha se lee como "Kenpo Karate" mientras que la columna a la izquierda dice: "El espíritu del dragón y del tigre"; la escencia filosófica del Kenpo. Poco tiempo después del deceso del Gran Maestro Ed Parker (1990), la I.K.K.A. registró los derechos sobre el escudo de la cresta por lo que el uso del mismo está legalmente restringido sólo miembros de esta organización. El Juramento "Vengo hacia ti con mis manos vacías. No tengo armas, pero, si estoy obligado a defenderme, a defender mis principios o mi honor, sea cuestión de vida o muerte, de derecho o de injusticia, entonces aquí están mis armas: mis manos vacías" Utilidad del Kenpo En la actualidad, el Kenpo Parker se entiende como un sistema de defensa personal enfocado a la calle y a situaciones reales. Los practicantes de este arte realizan a lo largo de su desarrollo como kenpoístas un minucioso estudio del movimiento y la mecánica corporal para aplicarlo al combate. Desarrollo del kenpoísta A diferencia de otras artes marciales que basan su trabajo en repeticiones de movimientos básicos, en el Kenpo Parker existe un programa de grados. Este programa se divide en cinturones de color, como en muchas otras artes marciales. Los cinturones son, por orden ascendente:Amarillo, Naranja, Purpura, Azul, Verde, Marrón 3er grado, Marrón 2º grado, Marrón 1er grado y diez grados de negro. Cada cinturón tiene en el programa una lista de técnicas, una forma, un set y una serie de conocimientos teóricos que el alumno tiene que aprender. Técnicas por grado La división por cinturones de las siguientes técnicas varía según la escuela. La diferencia suele estar en la cantidad de técnicas por cinturón que, en otros casos, llega a ser de 24 desde el cinturón Naranja inclusive, y no de 15. Por ejemplo, todas las técnicas requeridas aquí para el cinturón Azul y las primeras tres técnicas para el Verde entran en el programa de cinturón Morado (aquí llamado "Púrpura" por la traducción literal del inglés: Purple). Cinturón Amarillo 1. Delayed Sword 2. Alternating Maces 3. Sword of Destruction 4. Deflecting Hammer 5. Captured Twigs 6. Grasp of Death 7. Checking the Storm 8. Mace of Agression 9. Attacking Mace 10. Sword and Hammer Cinturón Naranja 1. Clutching Feathers 2. Triggered Salute 3. Dance of Death 4. Thrusting Salute 5. Gift of Destruction 6. Locking Horns 7. Lone Kimono 8. Glancing Salute 9. Five Swords 10. Buckling Branch 11. Scraping Hoof 12. Grip of Death 13. Crossing Talon 14. Repeating Mace 15. Shielding Hammer Cinturón Purpura 1. Striking Serpent´s Head 2. Locked Wing 3. Obscure Wing 4. Reversing Mace 5. Thrusting Prongs 6. Twisted Twig 7. Obscure Sword 8. Raining Claw 9. Crashing Wings 10. Twirling Wings 11. Snapping Twig 12. Leaping Crane 13. Swinging Pendulum 14. Crushing Hammer 15. Captured Leaves Cinturón Azul 1. Evading the Storm 2. Charging Ram 3. Parting Wings 4. Thundering Hammers 5. Squeezing the Peach 6. Circling Wing 7. Calming the Storm 8. Darting Mace 9. Hooking Wings 10. Shield and Sword 11. Gift in Return 12. Bow of Compulsion 13. Obstructing the Storm 14. Twin Kimono 15. Sleeper Cinturón Verde 1. Spiraling Twig 2. Cross of Destruction 3. Flight to Freedom 4. Begging Hands 5. Thrusting Wedge 6. Flashing Wings 7. Hugging Pendulum 8. Repeated Devastation 9. Entangled Wing 10. Defyng the Storm 11. Raking Mace 12. Snaking Talon 13. Shield and Mace 14. Retreating Pendulum 15. Tripping Arrow Cinturón Marron 3º 1. Fallen Cross 2. Returning Storm 3. Crossed Twigs 4. Twist of Fate 5. Flashing Mace 6. Gift of Destiny 7. Wings of Silk 8. Gripping Talon 9. Gathering Clouds 10. Destructive Twins 11. Broken Ram 12. Circling the Horizont 13. Obscure Claws 14. Encounter with Danger 15. Circling Destruction Cinturón Marrón 2º 1. Detour from Doom 2. Squatting Sacrifice 3. Escape from Death 4. Brushing the Storm 5. Menacing Twirl 6. Leap from Danger 7. Circles of Protection 8. Circle of Doom 9. Broken Gift 10. Heavenly Ascent 11. Capturing the Storm 12. Conquering Shield 13. Taming the Mace 14. Twirling Sacrifice 15. Cross of Death 16. Securing the Storm 17. Intercepting the Ram 18. Kneel of Compulsion 19. Clipping the Storm 20. Glancing Wing 21. The Back Breake 22. Glancing Spear 23. Thrust into Darkness Cinturón Marrón 1º 1. Circling Fans 2. Rotating Destruction 3. Falcons of Force 4. Bear and the Ram 5. Raining Lance 6. Desparate Falcons 7. Leap of Death 8. Protecting Fans 9. Deceptive Panther 10. Courting the Tiger 11. Gathering of the Snakes 12. Glancing Lance 13. Dominating Circles 14. Destructive Fans 15. Unfurling Crane 16. Grasping Eagles 17. Parting of the Snakes 18. Thrusting Lance 19. Blinding Sacrifice 20. Snakes of Wisdom 21. Entwined Lance 22. Falling Falcon Cinturón Negro 1º 1. Fatal Cross 2. Twirling Hammers 3. Defensive Cross 4. Dance of Darkness 5. Marraige of the Rams 6. Ram and Eagle 7. Escape from the Storm 8. Circling Windmills 9. Destructive Kneel 10. Bowing to Buddha 11. Reversing Circles 12. Reprimanding the Bears 13. Circling the Storm 14. Unfolding the Dark 15. Unwinding Pendulum 16. Piercing Lance 17. Escape from Darkness 18. Capturing the Rod 19. Prance of the Tiger 20. Broken Rod 21. Entwined Maces 22. Defying the Rod 23. Fatal Deviation 24. Twisted Rod. fuente: wikipedia Para completar este post les dejo algunos videos de las tecnicas q se ven en el dojo. Ataque con cuchillo frontal https://ugc.kn3.net/s/http://www.youtube.com/v/P4FckmCWhME&feature=related link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=P4FckmCWhME&feature=related Agarre de hombros https://ugc.kn3.net/s/http://www.youtube.com/v/JVjibIFHWh8&NR=1 link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=JVjibIFHWh8&NR=1 y por ultimo un compilado de tecnicas https://ugc.kn3.net/s/http://www.youtube.com/v/KrBADPU7y9k link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=KrBADPU7y9k Resumen: esto no se trata de fomentar la violencia ni nada parecido, se trata de poder mantener el autocontrol y si tu vida llegara a estar en peligro saber como reaccionar, nadie es quien para tomar la vida de nadie, un verdadero guerrero nunca pelea, vive su vida con equilibrio, paz y armonia con su entorno y las personas q lo acompañan en su camino.