Daniel_Vidal

Si te gustan las maquetas esto te encantara... BUENO AMIGOS ESPERO LES HALLAN GUSTADO Y QUE TRABAJO PARA LOS QUE HICIERON LAS MAQUETAS NO? BUENO AMIGOS NOS VEMOS EN EL PROXIMO POST.

BUENO AMIGOS AHORA LES TRAIGO EN ESTE POST MUCHAS FORMAS DE COMO HACER ALGUNOS EFECTOS EN SUS FOTOS Y CON SUS RESPECTIVOS TUTORIALES, IMÁGENES DE MUESTRA, LO QUE SE NECESITA PARA CREARLAS, ETC. ES UN POST MUY LARGO ASÍ QUE DEJEN QUE CARGE UNOS SEGUNDOS Y DESPUÉS PUEDEN EMPEZAR A LEER. PRINCIPALMENTE YO USO PHOTOSHOP PARA TODOS ESTOS EFECTOS... SOLO ME QUEDA DECIR QUE DISFRUTEN Y APRENDAN Hacer Fotos de Estelas de Luz ¿Alguna vez te has preguntado cómo se hacen esas fotos en las que salen estelas de luz de los faros de los coches? ¿Y se te ocurre qué tipo de cosas podrías hacer para mejorar tus fotos de estelas? En este post cubro los fundamentos de este tipo de fotografías y te doy una serie de consejos para mejorar tus fotos de estelas de luz. Si quieres saber cómo hacer fotos de estelas o mejorar tu técnica y composición en este tipo de fotos, dedícame unos minutos y no te pierdas este post. Introducción Recuerdo como de niño me quedaba embobado viendo las fotos de las postales en las que aparecía mi ciudad por la noche con sus edificios y monumentos iluminados y las calles llenas de estelas de luces rojas, anaranjadas, amarillas y blancas. Probablemente ese fue uno de mis primeros contactos con la fotografía que hicieran que más mayor quisiera aprender a toda costa. Me repetía cosas como "quiero hacer fotos como esas". Sin duda, uno de los elementos más atractivos de la fotografía nocturna en entornos urbanos son las estelas de luz. Esas estelas que dejan las luces de los vehículos en movimiento y que en nuestras fotos quedan recogidas como líneas de colores que dibujan formas más o menos caprichosas. El atractivo de este tipo de fotos se debe a varios motivos. Por un lado, las líneas tienen una fuerza compositiva muy grande, y se convierten en un recurso muy útil a la hora de dirigir la atención en nuestras fotos y marcar un camino a la hora de recorrerla con los ojos. Por otro lado, en este tipo de fotos conseguimos captar algo irreal, algo que no vemos con nuestros propios ojos, convirtiendo el movimiento en formas de colores. Las bases de la fotografía de estelas de luz Uno de los ajustes que podemos realizar si nuestra cámara lo permite es el del tiempo de exposición. Cualquier elemento que se mueva delante de nuestro objetivo más rápido que el tiempo de exposición que hayamos seleccionado en nuestra cámara saldrá movido en la foto. Si usamos un tiempo de exposición lo suficientemente prolongado, este movimiento se convertirá en una estela, y dentro de los objetos que se muevan delante de nosotros, conseguiremos recoger mejor aquellas partes que cuenten con más luz. Esas partes, en el caso de los vehículos, son sus luces. Sencillo, ¿verdad? Pues ahora vamos con los consejos. 1. Usa un trípode Como habrás supuesto, si vas a hacer fotos con tiempos de exposición prolongados necesitarás un buen trípode. Como ya te recordáramos en su momento, las estelas de luz y en general la fotografía nocturna es una de esas situaciones que justifican sobradamente el uso de un trípode. 2. Usa un disparador remoto ontar con un biuen trípode muchas veces no es suficiente para que las fotos no salgan movidas. Al accionar el disparador podemos mover la cámara o provocar vibraciones que hagan que nuestra foto no salga todo lo nítida que debiera. Con un disparador remoto se soluciona esta situación por muy poco dinero. Tienes disparadores remotos por apenas 3 euros o por 30 si los quieres con intervalómetro para hacer fotos más creativas aún. Si no cuentas con un disparador remoto, prueba a disparar con el temporizador activado, de modo que la foto se haga unos segundos después de apretar el botón de disparo de tu cámara. 3. Usa el ISO más bajo que puedas Es el mismo consejo que doy siempre que disponemos de condiciones ideales para que las fotos no salgan movidas independientemente del ISO. Con los ISOs más altos aparece más ruído en nuestras fotos. Hay veces que necesitamos usar ISOs altos porque las condiciones de apertura y tiempo de exposición no permiten hacer las fotos con garantías de que no salgan movidas o trepidadas. Puesto que en este caso estamos trabajando con trípode, no tenemos problemas en ese sentido. Además, al usar ISOs más bajos necesitaremos más cantidad de luz que si utilizáramos valores altos, por lo que podremos exponer durante más tiempo y nuestras estelas serán más largas. 4. Prueba el modo de reducción de ruído Hay cámaras que traen incorporados sistemas de reducción de ruído para exposiciones prolongadas. Si tu cámara cuenta con esta funcionalidad, te recomiendo que revises su funcionamiento y hagas pruebas con el sistema de reducción de ruído activado y desactivado, para ver qué resultados obtienes con cada uno de ellos, no sea que te lleves una sorpresa desagradable. 5. Juega con los tiempos de exposición Como decía, la longitud de las estelas dependerá del tiempo de exposición (y por supuesto de la velocidad de los objetos en movimiento). Realiza las pruebas necesarias para que las estelas salgan como deseas, compensando el tiempo de obturación con la apertura del diafragma, garantizando que las fotos salagn correctamente expuestas. 6. El encuadre es fundamental: Imagina las líneas Hasta ahora los consejos han sido meramente técnicos. Aplicando todos los puntos que he repasado antes conseguirás una foto técnicamente bien ejecutada. Pero una foto "correcta" no tiene por qué tener interés alguno. La clave está en la composición. Busca un punto seguro para hacer las fotos, con un encuadre interesante, y trata de imaginar las líneas que recogerás en la foto. Repasa el significado de las líneas en composición fotográfica y trata de aplicar algún criterio a la hora de recogerlas. Si estás haciendo fotos de una carretera, puedes buscar un punto en una autopista donde exista un nudo con cambios de sentido, incorporaciones, etc., que formen figuras interesantes. También puedes jugar con formas en "S", o líneas diagonales que dirijan la vista a un punto determinado. 7. Añade elementos de interés Otra muy buena opción es buscar un elemento de interés y utilizar las estelas de luz para trasladar esa sensación de movimiento y centrar la mirada en el punto de interés. Tratándose de fotografía urbana, puede ser un monumento o un edificio que quede rodeado por las estelas, siendo el elemento estático de la foto. Fotografía Nocturna: Creando Esferas de Luz Uno de los efectos más llamativos en el LightPainting, son las esferas de luz. La técnica es bien sencilla, pero hasta que no la ves y te la explican, la cosa se complica algo. Hoy vamos a ver la base de cómo se hacen. El único truco que tenemos que tener en cuenta, es la práctica para que nos salgan perfectas. Materiales Son evidentes los primeros... Cámara de fotos Trípode Linterna Cuerda Una piedrecita Vamos paso por paso comentando cada ingrediente... La cámara de fotos, lo ideal sería que pudiéramos accionarla de manera remota para no tocarla y así evitar trepidaciones. A lo largo de toda la serie de artículos sobre fotografía nocturna ya hemos comentado las alternativas, disparador remoto, intervalómetro... etc. El trípode es fundamental para poder poner la cámara en la posición que queramos, y es evidente que no podemos sujetar la cámara durante toda la toma. Linterna. Aquí es donde vamos nos vamos a para un poco más. ¿Qué tipo de linterna nos servirá? A priori, nos podría valer cualquiera, preferiblemente una linterna no muy potente, y con el sistema de encendido descentrado de la linterna, así podremos encenderla y apagarla en mitad de la toma. Pero como ese tipo de linternas escasean, y sólo lo podremos tener si hacemos algún bricolaje, vamos a centrarnos en las linternas más comunes. Aunque nos podría valer cualquier tipo de linterna, os recomiendo utilizar el tipo de linterna que os he adjuntado en el artículo. Una linterna que tenga la bombilla al descubierto. Quiero decir, que alumbre tanto de frente como por los lados. Así nos aseguraremos que cuando estemos haciendo el giro, nos de luz tanto de frente como de lado. Compraremos también una cuerda larga. Y ajustaremos la longitud a nuestro gusto. Para atar la cuerda a la linterna, os recomiendo el uso de un mosquetón pequeño. Creo recordar que en total me salió por dos euros. ¿Una piedrecita? Sí, una piedrecita, un trozo de papel, plástico... lo que sea. Esta pieza será la que nos sirva de guía durante la ejecución de la esfera. Esta guía la pondremos en el suelo, y giraremos alrededor de ella, como veremos más adelante. Haciendo esferas Bueno, ya tenemos todo el material, ya sabemos dónde vamos a hacer la esfera... Y ahora empezamos! Os voy a contar una guía de trabajo válida para hacerlas. Técnicas y herramientas hay cientos. Aquí lo importante es la imaginación, y que cada uno se adapte a sus necesidades y gustos. Primero lo que vamos a hacer en poner la guía en el suelo (Con el tiempo, esta guía ya no os será necesaria, seguro). Una vez que hayamos puesto la guía, ajustaremos la cuerda enrollada en una mano (en mi caso en la derecha). Una vez ajustada la longitud de la cuerda, encenderemos la linterna y juntando los pies haremos que la linterna esté totalmente perpendicular a la guía. La idea es ir realizando giros con la muñeca (NO CON EL BRAZO), realizando giros de 360º sobre la guía. A su vez, deberemos ir realizando un círculo con pasos cortos alrededor de la guía. Así hasta realizar otros 360º respecto a la guía. La idea es hacer giros con la muñeca, mientras giramos alrededor de la guía. Además, intentaremos mantener la verticalidad del giro de la muñeca. Os aconsejo que pongáis la mano derecha (la que coge la linterna), sobre la tripa (altura del ombligo), y con la izquierda os sujetéis la muñeca de la mano derecha. Así ganaremos un poco de estabilidad en los giros. Ahora de manera completa cómo sería la escena completa. Con la ayuda de un compañero, nos podremos en posición y cuando hayamos empezado a realizar la esfera, con la linterna encendida, y tengamos controlado el movimiento, nuestro compañero accionará la cámara. En ese momento, empezamos a hacer todo el giro. Cuando vemos que hemos acabado, sin movernos del sitio, y haciendo la esfera, nuestro compañero se pondrá delante del objetivo. Así podremos dejar de hacer la esfera, y apagaremos la linterna. Ahora, nuestro compañero podrá quitarse de delante de la cámara, y terminaremos la escena. Un ejemplo En el artículo, os he traído una esfera con una casa y unas luces rojas que salen de la casa. ¿Cómo he realizado la escena? Primero, como he comentado antes, me he posicionado en la guía, y he comenzado la esfera. Cuando he visto que tenía la verticalidad conseguida, he avisado a mis compañeros para que accionaran las cámaras. He ido realizando el giro de los 360º, y cuando estaba acabando, mis compañeros se han puesto delante de las cámaras. Esto me permitió apagar la linterna sin preocuparme de que el movimiento residual se reflejara en la fotografía. A continuación mis compañeros se han retirado de los objetivos, y procedí a realizar la iluminación del resto de la escena con un flash filtrado con gel rojo. Cuando dimos por terminada la escena, paramos las cámaras. Y éste es el resultado. No obstante, como es complicado explicaros con palabras toda la técnica, mejor os he grabado un vídeo. Espero que os sirva de utilidad. link: http://www.youtube.com/watch?v=YqXYZAjY5rc&feature=player_embedded Recuerda... Linterna con bombilla visible de frente y por los costados. Puedes hacer esferas de colores, poniendo un celofán de color alrededor de la bombilla. Procura que el principio y el final de la esfera no salga en la toma. Ropa oscura (zapatos también) para que el reflejo de la luz no nos impregne de luz. Así no saldremos en la toma. Como todo el LightPainting, es mejor sin luz de luna o residual de farolas. Los colores saldrán más intensos. Si vas a hacer tomas de esferas al aire libre, cuida la luna. No pongas una guía muy voluminosa, ya que saldrá en la toma. Siempre puedes clonar con cualquier programa de retoque para eliminar la guía. La linterna si tiene correa será mejor para atarla con un mosquetón a la cuerda. La cuerda mejor larga, así podremos ajustarla a nuestras necesidades. En terreno plano será mejor hacer el giro de nuestro cuerpo. Pasos cortos, y mientras ejecutemos la escena, procurar hacer un círculo perfecto. Mantener la verticalidad de la cuerda. ¿Nos hacemos un Timelapse? Ahora que nos están invadiendo los timelapse por todo Internet, me he decidido a hacer mi primer vídeo y contaros cómo lo he hecho, y con qué dificultades me he encontrado. En el artículo de hoy, vamos a ver la introducción, y como tal, vamos a ver cómo hacer uno sencillo, sin transiciones, sin movimientos. Sé que los que son espectaculares, son los que tienen movimientos, y la cámara se va moviendo lateralmente, o bien de manera vertical, pero hoy sólo veremos el comienzo. Es mejor tener clara la técnica básica, y luego iremos añadiendo más dificultad Para realizar un timelapse estático, de los que vamos a hablar hoy, realizaremos varias tomas de encuadre antes de comenzar la sesión. Cuando tengamos el encuadre deseado, ajustaremos el trípode para que no se mueva en toda la serie, intentando que no se mueva ni por el viento, ni por nuestra interactuación con la cámara. Para ello, necesitaremos un disparador remoto, y la cámara ajustarla en modo "bulb". Ambos vídeos que os traigo, están realizados con un disparador remoto. Aunque lo ideal sería un intervalómetro. El intervalómetro en este tipo de tomas es altamente recomendable, porque una vez configurado el tiempo de todas las tomas, accionamos la serie y no tenemos que estar pendiente ni de los tiempos, ni del número de tomas. Vamos a poner un ejemplo. Para el vídeo del paisaje, he realizado 210 fotografías con intervalo entre foto y foto de 4 segundos. Así que he tenido que estar pendiente de toda la serie de hacer 1 fotografía cada 4 segundos. El aburrimiento, el factor error humano y el llevar la cuenta de las fotografías, hizo la experiencia en algo tediosa. Sin embargo, si hubiera tenido un intervalómetro, hubiera configurado 210 fotografías con un intervalo de 4 segundos entre toma y toma, y hubiera podido disfrutar del paisaje en todo momento. Todo lo que podamos automatizar mejor. Tipo de Timelapse. No hay nada escrito sobre los tipos que hay, pero yo voy a hacer dos distinciones, seguramente haya más. Por un lado los de naturaleza, y por el otro... el resto. ¿Y por qué hago esta diferenciación? Naturaleza. Este tipo de timelapses son muy especiales, ya que el objeto a capturar en la naturaleza, con sus variantes y sus peculiaridades... Lluvia, tormentas, viento, nubes... Luna, estrellas, sol... Como veremos más adelante, creo que lo mejor es realizar mucha cantidad de fotografías aunque sea para un corto espacio de tiempo el resultado final. Así nos garantizaremos unas transiciones naturales más suaves y mucho más agradables.No te asuste hacer 500 o 600 fotografías, ¿por qué no? A más información por segundo, más fluido será el movimiento (fps). El resto. O informativa. Quiero decir, vamos a retratar la evolución de algo. Una construcción, lo que pasa en una calle... En definitiva, donde la fluidez no sea vital para el resultado visual final. Por ejemplo el vídeo de la playa que acompaña el artículo.Lo que intenta reflejar es cómo evoluciona una construcción, sin importar los saltos de los elementos que haya en la escena. En definitiva, un tipo de timelapses que necesite fluidez, y otro que no. ¿Qué formato utilizo, jpg o RAW?. Muy buena pregunta... El formato ideal, sin duda es RAW, porque en casa podremos revelar las fotografías adecuando la exposición y demás valores. Pero recordar que para el vídeo que os he traído han sido 210 fotografías y el el otro 285. Así que si las tenemos que revelar... Será un tiempo costoso en el revelado. Yo para esta prueba las hice en jpg, y así me he ahorrado el tiempo de revelado. Esto es a gusto del artista. Y de lo perfeccionistas que queráis ser. ¿Qué modo de la cámara pongo?. Manual, con prioridad, auto... A ver, yo lo he hecho en manual, con una exposición fija desde el principio hasta el final (El vídeo de naturaleza, para el de la playa, con prioridad a la obturación). Esto puede ser un problema, y a mí me ha salido relativamente bien. Pero hay que tener en cuenta que el sol no siempre ilumina igual, y este factor es vital y más si no vamos a hacer un timelapse de 20 minutos. Si lo hiciéramos a lo largo de un día, yo aconsejaría disparar con alguna prioridad, y más si no tenemos soltura en calcular la exposición fácilmente. A lo largo del día, evidentemente, la luz cambia, y mucho! Música. Es vital. En el vídeo, es importantísimo para apoyarnos en el mensaje. Yo os aconsejo que elijáis bien el tipo. A ser posible sin letra y más si cabe, si no sabemos lo que se dice en ella. Quizás y sin quererlo, podamos hacer un cóctel peligroso... Por otro lado, conoce la música, y edítala sin miedo para enfatizar los momentos del vídeo con ciertos momentos álgidos de la música. Verás cómo gana el mensaje. ¿Cómo lo monto? Bueno, pues ya tengo las 210 fotografías en casa, sí en jpg pero las 210 fotos. Os voy a contar los pasos que hice y cómo hacerlo más fácilmente. Como era el primero, hice lo siguiente. Unión de las imágenes. Primero me fui a un programa de esos para realizar una presentación con las imágenes, dejando un intervalo de 0,2 segundos entre foto. Tipo Memories TV, o Proshow, por ejemplo, y exporté el vídeo. El vídeo. Una vez exportado el vídeo, pude comprobar que no iba lo suficientemente fluido. Así que decidí aumentar la velocidad, pero no de intervalo entre imagen e imagen, sino el vídeo en general. Para ello, me descargué un programa gratuito que funciona bastante bien para montar vídeos muy sencillos, y aumentar la velocidad de vídeo, el "PhotoStage Slideshow Producer". Con este programa, aumenté en un 50% la velocidad de reproducción, convenciéndome el resultado final.Luego desde el mismo programa, añadí mi cabecera, y los textos. Una vez que ya tengo el resultado final, con el programa que os he comentado, se podría haber hecho todo en uno. ¿Hay mejores editores? Por supuesto. Pero he querido hacerlo con un software gratuito para facilitar las cosas. Conclusión... En el vídeo de la playa, me gusta mucho el resultado intercalando diferentes velocidades de intervalo entre toma y toma. Lo importante es ver cómo crece el castillo, y no tanto la suavidad de transiciones. Además, ver el efecto de la gente cómo aparece y desaparece es muy llamativo. Para este vídeo, utilicé 285 fotografías, con unos intervalos entre foto y foto de unos 30 o 40 segundos. Es más, la persona que se encargó de accionar el disparador, decidía el intervalo sin importarle este factor, dependiendo de la fase en que se encontraba la construcción. Podía realizar intervalos de 10 segundos, o bien de más de un minuto. Es más, el vídeo original tiene 678 fotografías. El resto de las secuencias que no aparece he decidido quitarla porque no funcionó el experimento. Os pongo este dato para que veáis que el número de fotogramas se puede alcanzar es infinito. El modo de exposición fue con prioridad al diafragma, siendo f/11 el elegido por la cantidad de luz que había. Y la velocidad, a cargo de la Nikon D50. Por supuesto, el enfoque en automático al principio sobre el castillo, y cuando se empezó la sesión, se fijó a manual. Ahora bien. Para realizar timelpases de paisajes, con nubes, estrellas, sol, la cosa cambia... No me gusta del todo el resultado de transición entre toma y toma, así que yo os recomiendo que bajéis el tiempo de intervalo entre foto y foto... Y más si hay mucho viento. En la siguiente, probaré a realizar fotografías de intervalo de 2 segundos o incluso 1. A ver qué pasa. Como os he comentado antes, para este timelapse, las tomas tuvieron un intervalo de 4 segundos. Me comprometo a traeros los resultados. Para el vídeo se hizo con enfoque final pasado a manual, y los parámetros de exposición los realicé de forma manual. link: http://www.youtube.com/watch?v=7LgSospGUCE&feature=player_embedded link: http://www.youtube.com/watch?v=cApFZa6V7J8&feature=player_embedded Efecto LOMO en Photoshop en 3 sencillos pasos Se lo que me van a decir los más puristas: LOMO es una forma de vida difícilmente reproducible en cámaras digitales. Vale, lo acepto, pero hay que dar alguna opción que se parezca lo más posible a los usuarios de cámaras digitales, porque de momento no existen cámaras LOMO digitales. Así que, trabajando con focales concretas, utilizando puntos de vista o ángulos poco convencionales, disparando sin pensar, y aplicando posteriormente el proceso que describiré en las siguientes líneas podréis conseguir un resultado parecido al que hubiérais logrado con una de estas cámaras, sin el trastorno de tener que revelar luego el carrete. Así que, sin más dilación, vamos a ello. Paso 1: Brillo/Contraste Vamos a crear una capa de ajuste de tipo Brillo/Contraste. Para ello vamos al menú Capas -> Nueva capa de ajuste -> Brillo/Contraste... En la ventana de dialogo vamos a mantener el brillo como está y subiremos el contraste un 20%, marcando previamente la opción "Usar heredado". Paso 2: Duplicamos la foto original y la superponemos Seleccionamos la capa Fondo, que es la que contiene la capa original. COn el botón derecho sobre la capa seleccionamos la opción duplicar capa. También lo podemos hacer con la opción de menú Capa -> Duplicar capa. Una vez tenemos la capa duplicada, cambiamos su posición en la ventana de capas para que quede por encima de la capa de ajuste de brillo/Contraste que habíamos creado en el paso 1. Una vez la tenemos arriba del todo, vamos a cambiar el modo de fusión de Normal a Superponer, y bajaremos la opacidad de la capa al 80%. Paso 3: Viñeteando la foto Para hacer el viñeteo vamos a utilizar una capa de relleno con un gradiente. Esto lo conseguimos con el menú Capa -> Nueva capa de relleno -> Degradado. Seleccionamos el modo de fusión Superponer. En el tipo de degradado seleccionamos el que va del negro al blanco. En estilo seleccionamos Radial. Subimos la escala a 120% y marcamos la opción Invertir. Antes de pulsar "Ok", vamos a ajustar las opciones de degradado. Pulsando sobre la caja en la que aparece el degradado que acabamos de seleccionar se abrirá una nueva ventana. En la parte inferior de esta ventana vamos a pulsar sobre la cajita negra superior izquierda y en opacidad vamos a seleccionar un valor de 70%. Pulsamos "Ok", y volvemos a pulsar "Ok". Ya tenemos la primera parte del viñeteo. Ahora vamos a duplicar la capa que acabamos de crear. Como habíamos hecho antes, simplemente seleccionamos la capa en la ventana de Capas y vamos al menú Capa -> Duplicar Capa. Creamos una nueva capa de degradado (Capa -> Nueva capa de relleno -> Degradado). Esta vez el degradado lo haremos de blanco a transparente. Mantenemos la opción "Radial" e "Invertir": Hacemos la misma operación que en el anterior para ajustar la opacidad, y esta vez la pondremos en el 50%. Y listo. Ya tenemos nuestra foto con el efecto LOMO aplicado. A continuación podéis ver la foto original y la resultante después de aplicar el efecto LOMO. Fácil, ¿verdad? Mi recomendación es que, si te gusta el efecto, crees una acción en Photoshop para poderlo aplicar tantas veces como quieras de forma inmediata en cada una de tus fotos. Es muy sencillo. Como multiplicar gente en una foto Bueno ahora les quiero enseñar un truco muy potente visualmente y razonablemente sencillo de utilizar. Es probable que lo hayas visto alguna vez, y seguro que te habrás preguntado cómo se hace. Se trata de multiplicar a los personajes que salen en tus fotos. Siempre que veo una foto de este tipo vuelvo a asombrarme. Lo irreal de la situación hace que no pueda levantar la cista de la foto. Pues aunque no te lo creas, es mucho más sencillo de lo que parece. Con estos sencillos consejos y aplicando la técnica que te contaré a continuación, no habrá foto que se te resista. ¿Practicamos? Como te digo, este truco es realmente fácil, pero es probable que nunca se te haya ocurrido ponerlo en práctica o hayas pensado que es más complicado de lo que realmente és. Yo lo llamo multiplicar personas o clonar personas, aunque es posible que tenga otro nombre más acertado. Si lo conoces de otra manera, te agradeceré que me digas cómo llamas a este efecto. Sin más, vamos con los consejos. Punto 1 Trucos y Consejos Lo primero que necesitarás es un trípode. Es indispensable. Si no tienes uno aún y te faltaban motivos para comprar un trípode, ya tienes otro más. Y es que necesitamos un trípode porque vamos a realizar varias fotos, y es muy importante que el encuadre sea exáctamente el mismo en todas las fotos. Repito, exáctamente el mismo. Si al revisar las fotos después de hacerlas te das cuenta de que el trípode se ha movido, repite la sesión y vuelve a hacer más fotos. Punto 1.1 Qué Tripode Elegir (y Comprar) El buen aficionado a la fotografía sabe que su cámara requiere una serie de complementos: batería o juego de pilas adicional, otra tarjeta... y un trípode. El trípode es necesario para evitar el efecto movido que se produce en fotos que requieren un elevado tiempo de exposición y en condiciones de baja iluminación. También es útil cuando quieres tomar una foto de grupo y tú quieres estar en ella, para sostener tu cámara. Pero ¿qué características debe cumplir un buen trípode?. Existe la creencia popular de que cuanto más ligero y pequeño un trípode mejor es: nada más lejos de la realidad. Te daré algunos consejos para que aciertes en la elección de tu trípode. Un trípode debe ser estable La estabilidad es una de las principales propiedades que se le deben exigir a un trípode. Es necesario comprobar su estabilidad con las patas completamente extendidas. Conviene revisar la robustez mecánica de los ajustes, tuercas o pinzas, y tratar de prever cual puede ser su estado después de muchos usos. Debes tener presente en todo momento qué tipo de cámara tienes: su peso y su volumen. No se requiere el mismo trípode para una SLR con un importante objetivo que para la última ultracompacta. Rótula Se trata de la parte del trípode a la que se fija la cámara. Los trípodes de gama superior ofrecen la posibilidad de intercambiar las rótulas, mientras que los más económicos traen rótula fija. Echa un vistazo a los diferentes tipos de rótulas y decide si necesitas diferentes tipos o no. La rótula nos permitirá conseguir diferentes inclinaciones, ejes de giro y ángulos. No siempre cuantos más ejes mejor: a veces es preferible tener un control más fino sobre los ángulos de posición que otra cosa. Verás que las hay de diversos tipos: 3D, de cremallera, de bola, etc. a los que corresponden también diferentes precios. Mini trípode (tabletop) En muchos usos y situaciones en los que hay que reducir al máximo el equipo fotográfico que debes llevar contigo, te puede ser interesante disponer de un mini-trípode. Típicamente proporcionan a la cámara una altura no superior a los 40 cm. Como su propio nombre indica, están pensados básicamente para sujetar la cámara en un ángulo determinado sobre una superficie (no el suelo). Los tabletop son recomendables como segundo trípode, para aquellos casos en los que no es viable llevar un trípode normal. Punto 2 Apaga el Flash Lo siguente, la luz. Por lo general, el flash no es buen amigo de estas fotos. En principio podrías pensar que si, pero la experiencia me dice que las condiciones de iluminación de una habitación si estás haciendo fotos en interior pueden cambiar notablemente entre unas fotos y otras. Así que, aunque no quiero desanimarte a que lo intentes, ve pensando en desprenderte de él en esta ocasión. EL problema de no usar el flash en estas condiciones es que necesitarás realizar exposiciones más largas de lo normal. No hay problema porque se te vaya a mover la cámara, ya que tienes el trípode. Pero si es un inconveniente a la hora de que la gente que salga en las fotos esté lo suficientemente estática. En todo caso, y si se mueven, tampoco tiene porqué ser un problema. Simplemente transmitirán movimiento a la foto, y eso no tiene por qué ser malo en absoluto. Punto 3 Haz muchas fotos Dicho esto, no tienes más que empezar a hacer fotos. Pide a las personas que estén participando en el proyecto que se muevan y se sitúen en sitios diferentes con poses distintas. Realiza unas cuantas fotos durante la sesión. Cuantas más, mejor. Ya decidiremos más adelante cuales utilizar y cuales no. Punto 4 Un truco: Cámbialos de aspecto Si hay un efecto más potente aún que ver a la misma persona repetida en una foto es ver a esa persona con diferentes aspectos. Funcionan muy bien acciones como cambiarlos de ropa o de peinado, salir antes y después de afeitar... Este tipo de detalles crearán un efecto magnético en la foto que hará que no puedas retirar la vista de ella. Punto 5 Se paciente a la hora de retocar A la hora de trabajar con tu Photoshop o tu programa de edición, ten mucha paciencia. Este es uno de esos trabajos en los que la delicadeza en el trabajo se verá reflejada en el resultado final. Ve con cuidado y dedícale el tiempo necesario y conseguirás un resultado fantástico. No quieras correr, porque las prisas no son buenas consejeras. Punto 6 Respeta las sombras A la hora de recortar a las personas, piensa también en sus sombras. La iluminación es crítica en la escena. Es probable que nunca pienses en términos de iluminación y cómo ésta proyecta las sombras, pero te aseguro que si la sombra no aparece en la foto, notarás algo muy extraño aunque no llegues a saber qué es. Punto 7 Trabajando con Photoshop Una vez revisados los consejos, vamos a ponernos manos a la obra. En mi caso, el proceso que he seguido ha sido el siguiente: De entre todas las fotos, selecciona una que vaya a actuar como foto de fondo. Esa será la foto sobre la que incorporemos el resto. Foto a foto, ve seleccionando la silueta de la figura y su sombra con la herramienta lazo. Recórtala y pégala en una nueva capa. Si ves dos siluetas que no se solapan, puedes fusionarlas juntas en la misma capa para no manejar demasiadas capas. Las capas con figuras recortadas puedes situarlas tranquilamente sobre la capa de fondo. Si notas alguna pequeña diferencia en el contorno por el nivel de luz de cada foto, puedes repasarlo tranquilamente con la goma de borrar para disimular esas imperfecciones, seleccionando en la goma unos valores de dureza y flujo bajos. También es posible que tengamos que utilizar el tampón de clonar para ajustar las sombras en algunas zonas. Después de un rato, podrás obtener resultados como éste. Efecto dZoom Si echas un vistazo a la foto, quizás puedas ver que el Efecto dZoom consiste en una desaturación selectiva por colores a la que añadimos un poco de enfoque y un "barniz" de sepia. Dicho esto, seguro que algunos de los más expertos del lugar ya serían capaces de reproducir el efecto. Si eres de los que necesitas más pistas, tranquilo, que te cuento paso a paso cómo lograrlo. Eligiendo la Foto de Partida El Efecto dZoom queda especialmente bien en fotos de colores muy intensos y saturados, en concreto cuando hay 1 o 2 colores muy intensos. Paso 0: Limpiemos la Foto Estos pasos son opcionales, pero el resultado final es mejor si los aplicamos. Vamos a intentar reducir el nivel de ruido y enfocar: Filtro -> Ruido -> Reducir Ruido... Puedes enfocar con alguna de las técnicas que te contamos en la serie de enfoque, por ejemplo con el método Dan Margulis Paso 1: Desaturación Selectiva Pongámonos manos a la obra. En el Efecto dZoom el primer paso es "matar" uno o varios de los colores más intensos. Para ello, vamos a crear una capa de ajuste de tono/saturación: Capa -> Nueva Capa de Ajuste... -> Tono/Saturación En la ventana que aparece, jugaremos con el nivel de saturación de los diferentes colores. En el caso de nuestra foto fijé el valor de saturación a -100 en azules y verdes, precisamente porque son esos dos tonos los que quería "matar" en la foto. Dependiendo de la foto, te interesará desaturar (o saturar un poco más) los diferentes colores. Si no sabes muy bien con cuál jugar, no te preocupes, porque más tarde, al final, podrás volver a este menú y reajustar los valores hasta conseguir el toque que buscas. Paso 2: Superponer un Virado Sepia No te asustes: es muy sencillo. Vamos a crear una nueva capa de ajuste tono/saturación: Capa -> Nueva Capa de Ajuste... -> Tono/Saturación En la ventana que te aparece chequea la opción Colorear y asegúrate de fijar los siguientes valores: Tono 42, Saturación 25, Luminosidad 0 Con los valores anteriores obtendrás un virado a sepia. Si juegas con el valor de tono podrás jugar con diferentes tipos de virado. Si quieres conseguir virados de calidad echa un vistazo aquí. Por último, en el modo de fusión de capas, elije uno de los siguientes modos: superponer, luz suave, luz fuerte. El valor a elegir dependerá de tu foto. Prueba los tres y te quedas con el que más te guste. Si la foto te ha quedado demasiado oscura o contrastada, puedes jugar con el valor de opacidad de la capa y bajarla, por ejemplo al 80%. Y... Este es el Resultado Mola ¿no crees? Otro Ejemplo: Red Tulips He preparado otro ejemplo a partir de una foto de fhisa. En este caso hay dos tonos muy intensos: rojo y azul. Los valores que he utilizado en este caso en la capa de tono/saturación del paso 1 han sido: Rojos: Saturación -45 Amarillos: Saturación +31 Verdes: Saturación +40 Azules: Saturación -71 El resto... valores por defecto Y este es el resultado... ¿Todavía con Dudas? Aquí Está el Videotutorial Como en los otros tutoriales de retoque, el Efecto dZoom no iba a ser menos. Aquí tienes el videotutorial explicativo. ¿Queda más claro ahora? Espero que sí. link: http://www.youtube.com/watch?v=IV-QlQkF2dM&feature=player_embedded Efecto Gretty Lo Que Vas a Conseguir Puedes jugar con diferentes valores en el proceso que te voy a contar. Así podrás conseguir tu propia versión del efecto Gretty. Pero más o menos, se trata de conseguir el efecto que ves a continuación. ¿Te gusta? Duplica la Capa Este es un buen consejo siempre que intentes aplicar algún efecto de retoque en alguna de tus fotos. Así, activando/desactivando capas, podrás comparar en todo momento el antes y el después. Para ello, pulsa Crtl+J o si lo prefieres haz Capa -> Duplicar Capa... Capa de Ajuste de Desaturación Llega el momento de desaturar un poquito. Con el objeto de que en cualquier momento puedasajustar el nivel de desaturación que aplicas, te recomiendo que crees una capa de ajuste: Capa -> Nueva Capa de Ajuste... -> Tono Saturación. Varía el nivel de saturación a tu gusto. Si al final ves que quieres aumentar o disminuir la saturación, haz doble clic sobre la capa de ajuste y modifca el valor de saturación. Por último, añade ruido a tu gusto. Existen diferentes técnicas para añadir ruido: puedes elegir tu preferida. Si no sabes ninguna, tranquilo: te cuento una. Crea una nueva capa: Capa -> Nueva -> Capa... Rellénala de gris al 50%: Edición -> Rellenar... Filtro -> Ruido -> Añadir ruido. Elige ruido monocromático uniforme. La cantidad, a tu gusto, dependerá del tamaño de la imagen que estás trabajando Por último, elige el modo de fusión de capa Superponer (por defecto suele estar activado el Normal (en la paleta de Capas)) Juega con la opacidad de la capa para ajustar el nivel de ruido que quieres El Resultado Final Después de seguir estos pasos, deberías obtener un efecto parecido al de la imagen. Consejo: no te canses nunca de jugar con diferentes valores en los diferentes pasos que te contamos y dale siempre a tus fotos tu toque personal. Aquí está el Videotutorial link: http://www.youtube.com/watch?v=iiHhPuTgRwU&feature=player_embedded Efecto Dramatizado: Retratos Espectaculares con el Filtro Paso Alto Selecciona la Foto de Partida Hoy vamos a jugar a dramatizar un retrato. El punto de partida es muy importante, porque no toda expresión es dramatizable. Suelen funcionar muy bien rostros serenos, de personas mayores o con arrugas. En el caso de hoy, este ha sido nuestro punto de partida (gracias voobie) y el resultado final. http://www.dzoom.org.es/dzdn/img/0108/paso-alto-antes-despues.jpg Paso 1: Acentuamos los Ojos Estamos intentando conseguir una mirada penetrante. Cuando tienes un modelo de grandes ojos, los efectos suelen ser realmente espectaculares. ¿Cómo lo conseguiremos? Sigue los siguientes pasos: Duplica la capa de fondo: Capa -> Duplicar Capa... Fija el modo de fusión de capa a Trama Añade una máscara de capa y rellénala de negro Pinta con la herramienta pincel y color blanco sobre la zona de los ojos Tras realizar estos pasos, verás que la paleta de capas queda como aparece en la imagen. Si quieres aumentar el efecto de acentuar los ojos, puedes duplicar la capa recien creada (Capa -> Duplicar Capa...) y fija el modo de fusión a tipo Trama. Si no quieres duplicar el efecto, sino incrementarlo ligeramente, puedes jugar con la opacidad de la capa. Paso 2: Filtro Paso Alto Empezamos con el enfoque de deteminadas zonas. Sigue los siguientes pasos: Mezcla las capas en una sola (Capa -> Combinar Visibles) Duplica la capa de fondo: Capa -> Duplicar Capa... Aplica un filtro de paso alto a la capa superior: Filtro -> Otro -> Paso Alto... El radio dependerá de la resolución de tu foto. Un buen consejo puede ser que aumentes el radio todo lo que puedas antes de empezar a ver colores en la previsualización. Te quedará una imagen como la que puedes ver Ahora nos toca modificar el modo de fusión de capa y fijarlo a Luz Fuerte. Podrás comprobar que la imagen se enfoca considerablemente. Paso 3: Seleccionando las Zonas a Enfocar Como queremos aplicar el enfoque sólo a zonas con gran detalle (arrugas de los ojos, barba, cabello en general), vamos a crear una mascara y pintar sobre las zonas que queremos enfocar. En una tarea como esta es cuando una tableta gráfica nos puede facilitar realmente la tarea. Nosotros hemos hecho el trabajo con nuestra Wacom Bamboo: económica pero muy funcional. Estos son los pasos que tienes que seguir. Creamos una nueva máscara de capa. Si pinchas en el icono con Alt pulsado, verás que la máscara aparece rellena de negro Selecciona la herramienta pincel con color blanco y repasa las zonas en las que quieres más enfoque. En nuestro caso, las arrugas alrededor de los ojos, la barba y el cabello Nuevamente, si quieres acentuar el efecto, todo lo que debes hacer es duplicar la capa superior: Capa -> Duplicar Capa... Paso 4: Ajustes Finales El efecto está prácticamente conseguido. Para finalizar, puedes aplicar un efecto viñeteado en negro para centrar más la atención en los ojos de tu modelo. ¿Cómo conseguirlo? Hay muchas formas posibles. Una de ellas, está detallada a continuación: Crea una nueva capa: Capa -> Nueva -> Capa... Rellénala de negro: Edición -> Rellenar Crea una nueva máscara de capa. Pulsa Alt al tiempo que pinchas en el icono de creación y verás como la máscara se llena de negro Selecciona la herramienta degradado y selecciona un patrón circular. Asegúrate de que está seleccionado el modo Invertir Para suavizar el efecto, ajusta la opacidad de la capa Puedes pintar con el pincel en negro para aclarar algunas zonas importantes si así lo deseas Por último, y si lo ves necesario, realiza un reencuadre de la foto con la herramienta Recortar. Y... este es el resultado final. Videotutorial, para Aclarar Dudas Sí... ya sé que este puede no ser el tutorial más sencillo. Aquí tienes el videotutorial para resolver las dudas que te hayan quedado... link: http://www.youtube.com/watch?v=1y7keGQy3yg&feature=player_embedded Consigue el Efecto Orton en Photoshop en 3 Minutos Michael Orton es un conocido fotógrafo de naturaleza, autor del libro Photographing Creative Landscapes. Pero sobre todo, Orton es conocido por un aspecto especial que consigue con sus fotografías. En este post te enseño a conseguir un efecto parecido en Photoshop de una forma muy sencilla: el Efecto Orton. La idea es conseguir un efecto lo más parecido a la técnica utilizada por Michael Orton en muchas de sus fotografías. A l resultado de aplicar esta técnica le llamaremos Efecto Orton digital. El proceso aparente es sencillo. Lo que probablemente hiciera Michael Orton en fotografía analógica fuera realizar dos exposiciones ayudado por un trípode y realizar una fusión posterior en laboratorio. En fotografía digital todo es mucho más sencillo, ya que ni siquiera necesitamos dos exposiciones. Simplemente tenemos que duplicar las capas. Efecto Orton en Photoshop Para aplicar el efecto Orton hemos utilizado la siguiente imagen. Los pasos a realizar para conseguir el efecto Orton son los siguientes. Partiendo de la imagen original, vamos a duplicar la imagen para no perderla. Con la imagen original abierta, vamos al menú Imagen -> Duplicar... A continucación, con la nueva imagen que tenemos, hacemos Imagen -> Aplicar imagen. En la combo Fusiones seleccionamos el modo Trama, y en la opacidad aplicamos 100%. Duplicamos la capa mediante el menú Capa -> Duplicar capa... Sobre la capa recien creada, aplicamos un filtro de desenfoque gaussiano, con un valor a elegir entre 15 y 50. En la ventana de Capas, cambiamos el modo de fusión de la capa desenfocada, que por defecto será Normal, por Multiplicar. Y ya tenemos nuestra imagen con un cierto efecto Orton. Solamente nos queda acoplar las capas y guardar nuestra foto. Fácil, ¿verdad? El Videoturial Por si algún punto no ha quedado claro, aquí tienes un video explicativo con los pasos más importantes. link: http://www.youtube.com/watch?v=XD0PO66Zw3k&feature=player_embedded Efecto Dragan de Joey Lawrence En la práctica con Photoshop que os proponemos hoy describimos paso a paso el postprocesado de la fotografía mostrada en la galería del foro con el nombre "Efecto Dragan". Ajustes básicos, draganizer, saturación del color, y sobreexposición y subexposición selectiva. Con un poco de pciencia se pueden obtener resultados casi inimaginables. En esta sesión de laboratorio vamos a seguir los pasos dictados por Joey Lawrence para tratar de conseguir su "efecto grunge". El postprocesado es algo complejo, por lo que habrá que tener algo de paciencia. La elección de la foto Lo primero que haremos es seleccionar una imagen "normal", según ha salido de la cámara, a la que aplicaremos una serie de correcciones y efectos con Photoshop. Si conviene explicar que la imagen debe tener ya un cierto toque "oscuro" en su composición: muchas sombras y ausencia de luz solar. Para ello, Joey ha elegido una imagen con elementos como la expresión de la cara o las texturas de los elementos que acompañan al sujeto de la fotografía. En mi caso, al no disponer de muchas fotografías a mano, elegí una que, por la expresión de la mirada, me pareció a priori que podría tener alguna posibilidad, si bien estaba hecha con luz natural y eso podía ser un hándicap. También le acompañaban las texturas de la madera de la silla y de la pared de ladrillo del fondo. El efecto Draganizer Sobre la imagen elegida se aplican correcciones básicas de reencuadre (crop), ajuste de curvas y brillo/contraste. A partir de ahí, Joey basa la primera parte del postprocesado en la aplicación de una acción photoshop llamada Draganizer. La podeis descargar desde el siguiente enlace: http://www.atncentral.com/download.htm Para los que no esteis muy acostumbrados a trabajar con acciones, no os asusteis. La ejecución de esta acción Photoshop lleva algo de tiempo, sobre todo porque hay que ir tomando decisiones durante la ejecución, donde irán apareciendo mensajes emergentes, indicando lo que hay que ir haciendo (en inglés), para luego continuar. Es posible que no os salga el efecto deseado a la primera, pero no os de miedo equivocaros. Sobre esta acción Photoshop, Joey aplica sus propias "recetas". Cuando la acción nos indica que debemos repasar con el pincel negro al 13% las zonas que queremos aclarar o resaltar de la foto, Joey repasa una y otra vez con el pincel aquellas áreas que desea resaltar hasta dejarlas completamente expuestas: en nuestro caso, la cara y la mano, junto con el pelo y la punta del brazo de la silla. Para ello, ajustar el diámetro de la brocha para poder trabajar de manera cómoda. Cuando la acción pide ajustar el brillo y contraste, normalmente Joey mantiene el contraste alto y baja el brillo, para hacer la imagen más oscura. Cuando la acción da paso al oscurecimiento de los bordes, Joey usa poco esta opción. La justificación es que cualquier fallo en este punto estropearía todo el trabajo realizado con la acción, pudiendo realizar este oscurecimiento de los bordes más adelante por una vía alternativa. Lo cierto es que la imagen está quedando ya bastante oscura de por sí, por lo que siempre se pueden subexponer las esquinas al final. Con esto, pasamos a completar la ejecución de la acción. Las recetas de Joey Lawrence Con la finalización de la acción, nuestro proceso no ha concluído. A partir de este momento Joey sigue los siguientes pasos: Con el menú Tono/Saturación (Hue/Sat; Ctrl+U), desatura un 30% del color aproximadamente. Con esto consigue dar más palidez al rostro, dando un toque "frío" a la fotografía. El el caso de la foto, el color de la camiseta no acaba de encajar con el objetivo de frialdad buscado, por lo que desatura aproximadamente un 60% del Magenta en Tono/Saturación. A continuación trabaja con el equilibrio del color (Color Balance; Ctrl+B) de la fotografía. En este apartado se pueden trabajar con los tonos claros, medios y oscuros. Para cada uno de ellos sube un poco el amarillo y baja el rojo. El ajuste de estos colores es mínimo, tan solo alguno puntos. Lo siguiente es la sobreexposición (Dodge; O). Ajusta la sobreexposición de los tonos claros un 5%, y a partir de ahí lo aplicamos a la cara y la mano. Pasamos a la subexposición (Burn). Lo ajusta también al 5%, y lo aplicamos a la camiseta, y algunas partes de la cara para resaltar el contraste de luces y sombras. Subexposición de los medios tonos. Fijado al 5%, lo aplicamos a las esquinas de la foto. Con esto conseguimos ajustar únicamente las sombras. Se podría aplicar también el mismo proceso con la herramienta Dodge. Ya está el resultado final. Hemos puesto un marco a la foto seleccionando el color de la camiseta para hacer el borde (selección del color, tamaño del lienzo, relativo, 2 pixels, color seleccionado; tamaño del lienzo, relativo, 30 pixels; negro). En algunas ocasiones, Joey superpone otra foto de una superficie "grungy" como por ejemplo una pared. Se situa la foto de la pared en una capa duplicada superpuesta varias veces con diferentes opacidades. A pardir de ahí, se aplican subexposiciones, subexposiciones y borrado de de elementos sobre la superficie de la pared, combinado con pinceles. BUENO AMIGOS ESOS ERAN LOS EFECTOS QUE SE USAR, LA MAYORÍA MUY FÁCILES Y MUY ÚTILES PARA CREAR IMÁGENES DE GRAN CALIDAD. ESPERO LES HALLA GUSTADO MI POST Y RECUERDEN QUE COMENTAR ES AGRADECER. BYE.