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El jardín de la casa de Long Island era un paraíso privado de árboles, dos gatos y complicidad. La alegría fue parte de los últimos años de su vida y su relación con una mujer fue secreto escondido bajo siete llaves. Durante años, en Chile, Lucila Godoy Alcayaga, más conocida como Gabriela Mistral, fue “La maestra”, un encasillamiento que ella detestaba. La historia la despojó de la pasión propia de una mujer y su vida personal siempre estuvo envuelta en una especie de nebulosa; en Chile fue inmortalizada como una señora asexuada y triste que escribió rondas de niños para todos los hijos que no pudo tener. Oír cantar a la poeta tonadas mexicanas en los audios de Locas mujeres, el documental que acaba de estrenarse en las salas de Santiago, fue inyectarle vida y repensarla de una forma distinta. Fue mirar con nuevos ojos a una especie de tía abuela solitaria de quien se desconocía su faceta de amante y compañera apasionada. En las grabaciones se distinguen los maullidos de los gatos, las recriminaciones que se hacía a sí misma, inconforme con sus poemas tachados una y otra vez, y una disciplina autoimpuesta de papeles rasgados con destino a la basura. “No lo rompas”, se escucha que suplica Doris, su “chiquita”, como Mistral gustaba llamarla. Aquella casa blanca fue el refugio donde se tejió la historia de un gran amor. Nada más importa. Locas mujeres, de María Elena Wood, muestra los últimos años de Gabriela Mistral junto a Doris Dana, su compañera y no su secretaria o asistente como trataron de contar aquí y allá. Dana tuvo el alivio de aclararlo cuatro años antes de morir en una entrevista, donde también esquivó todas las preguntas sobre su relación con la poeta. Tras la muerte de Doris Dana en el 2006, 168 cajas con 860 documentos, 500 cartas, cinco álbumes de fotos y decenas de objetos quedaron bajo el cuidado de Doris Atkinson, su sobrina, quien llevó este tesoro al Archivo del Escritor de la Biblioteca Nacional de Chile. Con este material quedan despejadas las dudas sobre aquel terreno baldío que parecía ser la vida amorosa de la poeta. Eternas compañeras Doris se parecía a Audrey Hepburn, su delgadez, el cabello oscuro, pómulos sobresalientes y tez de leche la aproximaban más a una delicada bailarina de porcelana que a la mujer de carácter fuerte que fue. Era caprichosa, pero también determinada, sobre todo para convencer a Mistral de que su amor era real, y que si bien se escapaba por momentos, nunca se iría de su lado. “Soy tuya en todos los lugares del mundo y del cielo”, le escribió. La vida apenas le daba una tregua a Gabriela Mistral cuando conoció a Doris. Tras el suicidio de Yin yin, como llamaba cariñosamente a su sobrino-hijo Juan Miguel Godoy, la poetisa parecía esperar la muerte. En noviembre de 1945 había recibido el Premio Nobel sola, alejada de sus amistades. Había viajado a Londres, París, Roma, Washington y Nueva York. Sólo en California tomó un descanso y compró una de sus dos casas. En ese tiempo, fue la ex primera dama Eleanor Roosevelt quien la invitó a Nueva York, para ver una presentación en Barnard College de mujeres de la Universidad de Columbia. Allí estaba Doris Dana, quien la vio y quedó cautivada con la vehemencia e inteligencia del discurso de Mistral. Pero el encuentro vino después. Doris Dana había colaborado con el crítico Charles Neider en la traducción del libro La estatura de Thomas Mann y en ese trabajo fue supervisada por Gabriela Mistral. Así comenzaron el primer intercambio epistolar. En ese tiempo, Dana era parte de la clase alta neoyorkina. Su padre había tenido un buen pasar heredado de su abuelo y sus negocios en Wall Street, que con el tiempo sucumbieron a la gran depresión de 1929. Doris Dana estudió actuación, su hermana mayor, Ethel, se hizo doctora y Leora Dana, la más pequeña, quien también heredó ese aire de diva, fue una estrella de las tablas. Dana sabía muy bien de tristezas cuando conoció a Gabriela Mistral; su madre era una mujer que había entrado y salido de clínicas psiquiátricas. Pero Doris guardaba una aflicción mayor a su propio coqueteo con las pastillas y el alcohol, una pena que la vincularía a Mistral: su padre se había suicidado. Esta fue la cicatriz de ambas y una sutura que terminó por unirlas. Doris Dana representaba tanto a Yin yin como a su ex novio Romelio Ureta, cuyo suicidio dejó profundas huellas en su poesía. El sobrino y Doris Dana fueron las dos grandes pasiones de Mistral y a veces ambos convertían en uno. “Duerme, querida, cabecita de cobre, ojos de Yin, discreta y fina según el marfil, color de la flor del manzano, duerme. Dios te junte los párpados”, escribió. Doris Dana en vida negó cualquier tema sobre su relación con Mistral y destruyó parte de sus cartas a la poeta, pero lo más importante sobrevivió. El escritor Pedro Pablo Zegers, autor de Niña errante, libro en el que narra este intercambio epistolar, lo corrobora. Comenta que las cartas fueron las encargadas de desmentir lo que Dana desestimó públicamente. Atkinson escribió el epílogo del libro de Zegers donde habla descarnadamente de su familia. “Doris plantea la bipolaridad de su tía; un día estaba proclive a hablar de Mistral, otro día no decía nada y en otras ocasiones la desheredaba”, recuerda. Para Zegers, en las cartas de la poeta se puede apreciar de qué manera la figura gramatical masculina “tuyo” comienza a aparecer para firmar los recados y misivas a Doris. Según el especialista, las letras también revelan una relación de cierta pasión física, pero donde lo más relevante es la unión a través de las carencias, de ahí la profundidad de las cartas. “Se devela a dos personas que se quieren mucho, pero que también se necesitan”. Si bien Zegers perfila a Dana como una mujer díscola, también la ve como una mujer visionaria. “Guardó hasta el último papel, incluso la factura del ataúd de Mistral. Eso denota una preocupación más allá de lo normal”, comenta. Al final de la historia Doris hace gala nuevamente de sus arranques mezquinos y al morir deja cláusula leonina para este legado. Su sobrina tuvo seis meses para determinar el destino de los archivos, si no lo lograba, el patrimonio quedaría en la biblioteca del Congreso de Washington. Atkinson había viajado a Chile sólo meses antes de que muriera su tía y aunque no sabía nada de la poeta, vio el rostro de Gabriela Mistral en los billetes de cinco mil pesos y en algunas estatuas. Al tomar la decisión supo que el material merecía quedar en este país. ¿Qué pasaría con las cartas que demostraban la relación entre ambas? Atkinson pensó una certeza que hoy repite Zegers. “Si Doris Dana hubiera querido que esto no se publicara, las habría eliminado”. El mito de Gabriela Para los chilenos, Mistral era una mujer hosca de mirada impenetrable o una especia de beata maestra de niños. Su vida fue una biografía que se llenó de fábulas y terminó por santificarla. Pensar o especular sobre el lesbianismo de Mistral sólo alcanzaban el estatuto de chisme, construido siempre por asistentes, secretarias y amigas que la rodeaban y ayudaban en su trabajo, como Laura Rodig. El escritor Jaime Quezada, estudioso de su obra, señala que este documental rompe la aureola que se posó sobre la cabeza de Gabriela Mistral. De algún modo, la vigencia de su obra fue olvidada y ella confundida con la profesora de versos que quedaron inmortalizados en los textos escolares de al menos tres generaciones chilenas. Para sus investigadores, su obra alcanza ribetes de genialidad y tiene una multiplicidad de voces que la mayoría desconoce. “Gabriela Mistral vivió en una época en que la mujer, sobretodo en Chile, estaba marginada de la vida pública, de la vida social y ni siquiera tenía derecho a sufragio. Ella empezó escribir sobre ello, aunque no era una rematada feminista, estaba preocupada de las reivindicaciones de la mujer”, explica. Para el escritor, la imagen de la poeta siempre ha estado rodeada de leyenda, una maraña hilada con cada una de sus circunstancias: una mujer que nace en el Valle del Elqui, al norte del país, que tiene que enseñar desde muy temprano, y que tiene ciertos amores que terminan trágicamente. Quezada recuerda que su verdadera obra empieza a publicarse muchos años después, Mistral quiere su tierra, pero sabe que es distinta. “El reconocimiento de ella viene desde el extranjero, una vez que empieza a publicar su obra. Acá la desconocían, estaba olvidada. Si no era publicada en las antologías, ¿cómo íbamos a conocerla?” Si bien la visión a veces trágica de la vida de la poeta fue la columna vertebral de su obra, Quezada considera que es en Lagar donde están los temas que ella ya venía tratando. Aparecen las distintas mujeres, o el tema “mujeril” como le gustaba decir. Una vanguardista que hoy está más vigente que nunca y que se puede releer. “En esos tiempos estaba preocupada de temas como el indigenismo, el conflicto mapuche en la Araucanía, la desigualdad y la educación”, aporta Quezada. Para el estudioso mistraliano, al igual que las lecturas que se hacen con novelistas o poetas hombres, con Mistral no se puede escindir su obra de su vida amorosa por ser mujer. “Si la gente se sorprende de algo es porque no conocían muy bien a Gabriela Mistral, nunca la leyeron realmente. Con el tema de su sexualidad, no se nos viene abajo, al contrario, ella queda en su estatua, como mujer y como la gran escritora que fue”, sentencia. Las revelaciones de un largometraje Mistral no murió sola y en todo momento fue asistida por Doris Dana. El documental dibuja a una mujer llena de afectos y sentimientos, todos elementos que supo desplegar con maestría en sus poemas. En los audios se descubre a una pareja en toda su intimidad, con recuerdos de aniversarios y apasionados recados que van guiando a una confirmación que, en definitiva no es tan relevante. “No quiero comer avena, quiero comer Doris”. Es entonces cuando aparece una Gabriela Mistral más humana, más real. –Yo te quiero, ¿tú me quieres?– pregunta Dana. –No sé cómo tú te portes después, todavía no creo yo en ti– le responde Mistral. –¡Siete años y no crees! Siete años que estamos juntas. Desde el 48. Es muy bonito esto, ¿no? Gabriela Mistral siempre fue una rara avis en su país. Provinciana, humilde y mujer, tres factores que lamentablemente nunca colaboran con el éxito ni en la actualidad ni en su tiempo. Se fue de Chile a los treinta y tres años y se sepultó la verdadera historia. La razón es evidente: homofobia. Dos ejemplos lo demuestran: en el año 2002, la académica puertorriqueña Licia Fiol-Matta escribió Una madre homosexual para la nación: el Estado y Gabriela Mistral, libro que nunca pudo darse a conocer en Chile. Luego hubo intentos de una película (La pasajera, dirigida por Francisco Casas y Yura Labarca), pero hasta hoy nada se sabe en qué quedó ese proyecto. María Elena Wood explica que, en un principio, no hubo planificación durante el rodaje del filme sino más bien un impulso similar a la poesía. Durante 2006 se fijó en una pequeña nota que informaba sobre la muerte de Doris Dana, en la que sólo se aludía a su calidad como “secretaria” de Gabriela Mistral. La sorpresa de Wood radicaba en el desapego con que se miraba la historia de la poetisa y la de su compañera, quien custodiaba su obra. Meses más tarde leyó una crónica del escritor Luis Vargas Saavedra quien describía su maravilloso encuentro con ese cofre de alhajas que parecía ser la obra inédita de Mistral. “Estas crónicas me emocionaron mucho. Un día me llama una amiga por teléfono y me dice ‘María Elena tú tienes que hacer esto’, pero le contesté que se olvidara, que tenía que partir a Estados Unidos y no había ninguna posibilidad”. La historia parecía perseguirla y en julio de 2007, ella junto a la co-realizadora, Rosario López, viajaron a Estados Unidos. “Sabíamos que había archivos, pero no sabíamos que había poesía inédita. Como nos interesa el tema de la memoria fuimos a ojos cerrados”, cuenta López. Allí las recibió Doris Atkinson, quien además aparece entrevistada en el documental. Un departamento funcionaba como bodega para las montañas de papeles, escritos y documentos. Ir develando los sentimientos y el trabajo de Gabriela Mistral fue, para Wood, uno de los episodios más emocionantes de su carrera. Aparecía la última foto de Yin yin y unas notas que él le escribía a Gabriela Mistral sobre sus pesadillas y primeras preguntas sobre la muerte. También aparecen los documentos que confirman que Juan Miguel Godoy fue el sobrino de Mistral y no su hijo, como se especuló durante mucho tiempo. El tratamiento de la intimidad de la poetisa fue un dilema que por momentos paralizó a Wood hasta llegar a cuestionarse sobre la validez de escarbar en la vida personal de Mistral. “Cuando con Rosario nos dimos cuenta de la riqueza de este material, nos asustamos, pero pensamos que si había sobrevivido medio siglo y había sido cuidado por Gabriela y Doris significaba, aunque fuera de manera inconsciente, que querían que esto existiera”, recuerda. Wood finalmente pensó que si Gabriela Mistral no hizo evidente su homosexualidad fue porque vivía de la corresponsalía a diversos periódicos latinoamericanos y también dependía de un pensión que recibía de Chile. “Debía cuidar sus fuentes de trabajo, si ella generaba cualquier escándalo podía perderlas. Hay una opción drástica, también puede que haya sido una opción íntima”, aclara. En medio del documental sigue apareciendo una Gabriela, más genuina, más entregada y otras veces suspicaz. También aparece un público que enmudece, se emociona y comprende. –Pero tú lo quieres echar a perder– dice Mistral. –¿Yo? Yo te quiero, te quiero más y más y más... – dice Dana, su amiga, cómplice y gran amor.

Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock". Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis". En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio. La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977). Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982). En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires", "Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados. Este material fue presentado en un imponente recital - ante 25.000 personas - en el estadio de Ferrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982. En la apertura del show, Charly llegó al escenario a borde de un Cadillac rosa y, en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la ciudad que formaba el decorado, mientras sonaban los últimos acordes de "No bombardeen Buenos Aires". En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios". Este material fue presentado los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park, acompañado por Pablo Guyot (guitarra), Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo (coros) y un joven rosarino en los teclados: Fito Páez. Este disco no fue bien entendido por el público, pues incluía - por primera vez en Argentina - temas «bailables», es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta entonces concepto primordial del Rock Nacional. La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo Hoteles" y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros. En 1985 no grabó ningún disco (fue editada una recopilación, "Grandes Exitos". Quedó trunco un proyecto con Luis Alberto Spinetta, del cual sobrevivieron algunos recitales y el tema "Rezo por vos" (incluído en dicho disco). Ese mismo año fue protagonista del Festival Rock & Pop, organizado por Daniel Grinbank, donde compartió el escenario con Nina Hagen, INXS y Los Abuelos de la Nada, entre otros, que se llevó a cabo a principios de noviembre en Velez. Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Este material fue presentado en la discoteca Paladium el 26 de marzo. Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más. Paralelamente, renovó su banda, entonces integrada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Samalea (batería), la vuelta de Calamaro y Melingo. Esta agrupación se denominaba "Las Ligas". En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros. El 15 de octubre de 1988, Buenos Aires tuvo el privilegio de ser la sede del cierre de la gira de Amnesty International, que deambuló por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por los Derechos Humanos. Ese día, más de 80.000 personas asistieron a la cancha de River para aplaudir a grandes músicos internacionales, como Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen, acompañados por los negros Tracy Chapman y Youssou N'Dour. Como representantes locales, León Gieco cantó su eterna "Sólo le pido a Dios" y "Hombres de Hierro", y Charly arremetió con "Demoliendo Hoteles", "Nos Siguen Pegando Abajo", "Los Dinosaurios" y "La Ruta del Tentempié". Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado. Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales. "Mi Buenos Aires Rock" fue el nombre del festival organizado por la Municipalidad que convoca a cien mil personas en la 9 de Julio, para presenciar a García, Spinetta, Fabiana Cantilo y La Portuaria. Si bien estaba pautado que cada artista tocara media hora, García actuó por más de dos horas y terminó con su versión del Himno Nacional en un escenario iluminado con luces celestes y blancas. Ese disco mostró claramente la influencia de Prince en el estilo de García, influencia que se vería más notoriamente en "Tango 4", un disco compuesto e interpretado a dúo con Pedro Aznar. La idea era grabar un álbum con Gustavo Cerati, de Soda Stereo, que se llamaría "Tango 3". El puntapié inicial fue "No te mueras en mi casa" (incluido en "Filosofía Barata..." y continuó con "Vampiro", de "Tango 4". Sin embargo, por causas que siempre evadieron comentar, el proyecto quedó en la nada. El 22 de diciembre de 1991, como hacía casi nueve años, García reunió a 26.000 personas en Ferro para el recital Despedida del Año. En esa oportunidad, ingresó al escenario dentro de una ambulancia: era la forma que había elegido para burlarse de su internación en una clínica, a mediados de ese año. Las versiones periodísticas indicaban que Charly había ingresado con una fuerte sobredosis, hecho que quedaría confirmado con una publicitada relación amistosa con el Pastor Carlos Novelli (director del Programa de rehabilitación Andrés), que terminó en escándalo de acusaciones recíprocas. La banda de músicos para ese segundo Ferro fue la misma que lo estuvo acompañando desde hacía un tiempo, ahora bautizada "Los Enfermeros". Entre los invitados, estuvieron Mercedes Sosa, Fito Páez y el dúo de rappers Illya Kuryaki & The Valderramas. En 1992, García representó al rock argentino en Les Alumées, una muestra de la cultura porteña que se realizó en Nantes, Francia. Viajaron tangueros, obras de teatro, pintores y rockeros: Charly convocó a 6.000 personas y fue recibido por el Alcalde de la ciudad. En ese mismo año se dio lo que muchos esperaban: el reencuentro con Lebón, Aznar y Moro para revivir a Serú Girán. Con una placa en estudios ("Serú '92", recitales en Córdoba, Rosario y dos estadios de River colmados, durante los cuales se registró otro álbum doble, el reencuentro no dio para mucho más. 1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación. «¿No te da miedo vivir así?», le preguntaron. «No, me gusta. Es parte de la religión. Los que tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si me tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si me dieran la mitad de ese espacio cada vez que saco un disco, vendería millones», contestó (Clarín, 16/02/93). Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros. En julio de 1994 se lanza su muy publicitada ópera-rock "La Hija de la Lágrima". Como tal, este trabajo incluye muchos pasajes instrumentales y de virtuosismo. "La sal no sala" (junto a Juanse) y "Fax U" son los hits que sobresalen. En septiembre, "La Hija..." se presenta en diez funciones colmadas del Gran Rex. En febrero del '95 se presentó en el Festival Internacional de la Canción, en el estadio Mundialista de Mar del Plata, junto a Paralamas, Antonio Birabent y Fabiana Cantilo. Repasó algunos de sus éxitos y adelantó material de su nuevo disco "Estaba en llamas cuando me acosté" (1995), al frente de la banda ahora bautizada "Casandra Lange". Todos los temas fueron grabados en vivo, durante la gira por los balnearios de la costa. La placa tiene solamente dos canciones propias: "15 forever", que había quedado afuera de "Tango 4", y "Te recuerdo invierno", una melodía que García compuso antes de Sui Generis. Por otra parte, incluye once covers, entre ellos: "There's a Place" y "Ticket to Ride", de Los Beatles; "Positevely 4th Street" (Bob Dylan) y "Simpathy for the Devil", de los Rolling Stones. "Sweet Dreams", de Eurythmics, es el único tema que no respeta la época: «Lo que pasa es que conocí a Annie Lennox en Nueva York cuando estaba por grabarlo y me lo cantó a capella. No podía dejarlo afuera», se justificó Charly. Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. El material fue tocado en vivo en el teatro Gran Rex, a fines del '95. En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Ese mismo año volvió a la polémica, al organizar un recital privado para el presidente Carlos Menem. Ese show quedó registrado en "Charly & Charly" un disco de edición limitada que no salió a la venta. Tres años debieron pasar para que García regresara al disco, y al formato de canción en sus creaciones. "Influencia" (2002) tuvo en "Tu vicio" el corte difusión, pero el resto del material es bastante más interesante que esa melodía pegadiza pero superflua. A fines del 2006 comenzaron a circular por internet "adelantos" de "Kill Gill", el nuevo disco de Charly. La compañía discográfica se negó a publicar oficialmente el material al asegurar que "ya fue descargado por todo el mundo". El propio García denunció que fue traicionado e incluso sugiere que se trató de "una maldad" de su propio hijo, Migue. En 2008 fue detenido en Mendoza, luego de causar destrozos en un hotel. Fue internado en un hospital, donde se le diagnosticó en primera instancia neumonía. Luego, mediante la intervención judicial y el consentimiento de sus familiares, quedó internado en un instituto neuropsiquiátrico para iniciar un tratamiento por excitación psicomotriz. Se recluyó un tiempo en la quinta de Palito Ortega (con quien había grabado "Kill Gill" y volvió a ser internado en otra institución psiquiátrica, en Capital. En agosto de 2009 se anunció su regreso, con un tema nuevo (supuestamente compuesto durante su internación, aunque se encontraron versiones en vivo anteriores) y una gira que culminaría en Velez, el día de su cumpleaños. Ese show, bajo una torrencial lluvia, fue registrado en alta definición con 18 cámaras y editado en DVD, con el título "El concierto subacuático". Con cuatro años de demora, finalmente en diciembre de 2010 anunciaron la edición de "Kill Gil", con 11 temas y un DVD con animaciones de las pinturas hechas a mano por Charly durante el proceso de composición del álbum. Discografía Pubis Angelical (1982) Yendo de la cama al living (1982) Clics Modernos (1983) 12 años (1984) Piano Bar (1984) Terapia intensiva (1984) Tango (1985) Grandes éxitos (1986) Parte de la Religión (1987) Lo que vendrá (1988) Cómo conseguir chicas (1989) Filosofía barata y zapatos de goma (1990) Tango 4 (1991) Radio Pinti (1991) 87-93 (1993) La hija de la lágrima (1994) Oro (1994) Estaba en llamas cuando me acosté (1995) Hello! MTV Unplugged (1995) Oro II (1995) Say No More (1996) Alta Fidelidad (con Mercedes Sosa) (1997) El aguante (1998) Demasiado Ego (1999) Obras Cumbres, vol 2 (1999) Obras Cumbres, vol 1 (1999) Charly & Charly (1999) Obras cumbres (1999) Influencia (2002) Oro (2003) Rock and roll yo (2003) Música del alma (reedición) (2006) Kill Gil (2010) El concierto subacuático (2010) este es mi post dedicado a charly garcia y lo iba a ser en desmotivaciones pero internet es muy lenta y no pude hacerlo sepan entender gracias y esas dos desmotivaciones las saque de un post que lo vot a poner en la fuente una motivacion que no pude hacer es que motiva que una persona alla salido de la droga despues de tantos años y se alla recuperado de lo mejor

soy la comadreja I Am Weasel (Soy la Comadreja en Hispanoamérica y Soy Comadreja en España) es una serie animada de televisión norteamericana creada por David Feiss y transmitida por el canal de televisión Cartoon Network. I Am Weasel era originalmente una parte de Cow and Chicken, transmitido a menudo por medio de tres segmentos, entre dos de Cow and Chicken. Posteriormente I Am Weasel tuvo su propia serie, trasmitida entre los años 1997 y 2000, con nuevos episodios y los episodios que se transmitían en Cow and Chicken incluidos en esa serie (como Pinky y Cerebro cuando estaban dentro de los Animaniacs o como "Demonio con Carne" dentro de Las Macabras Aventuras de Billy y Mandy). personajes!! jaimico Es un mandril muy desaliñado, habla incorrectamente (Por ejemplo "I.R." significa "I are", que en español sería "Yo ser", muy envidioso del éxito de "Soy la Comadreja" o "Comadreja". A menudo hace lo contrario de lo que sería considerado sensato, mostrando en algunos episodios una conducta obsesiva/compulsiva (como en el episodio «The Hole», cuando se obsesionó con tapar cada agujero del mundo). I.R. Baboon tiene pocas habilidades (en lo social o práctico), y lleva sólo una camiseta escrita a mano que dice “I.R”, en la cual la letra R está invertida. Sus enormes nalgas rojas suelen ser motivo de burla y tiene la costumbre de olerse el dedo índice. Intenta superar a Soy la Comadreja o Comadreja en todo, y cuando cree que ha tenido éxito, realiza su baile de la victoria, que consiste en poner las manos en las caderas mientras salta en círculos, a la vez que canta una declaración de éxito repetidamente. Es una comadreja muy inteligente, además de ser experto en la mayoría de las profesiones conocidas: Profesor, Científico, Filósofo, etc. Suele tener como compañeros a Loulabelle, con quien suele tener algún tipo de relación sentimental (en mayor o menor grado) y a Mandril. Normalmente es el único personaje con cierto éxito en los episodios. No utiliza ninguna vestimenta, con excepción de aquella referente a sus actividades (como una chaqueta del laboratorio al trabajar como doctor o científico). Su frase más común es "Soy Comadreja"/"Soy la Comadreja". Es muy servicial con toda la gente y algo egocéntrico. Como en Cow and Chicken, Rojo juega el papel de diablo, usando nuevamente su frase: "¡¡Hola!!, ¡¡Soy yo!! Seguida del nombre. Normalmente lleva su trasero al descubierto y grita mucho. No apareció en la serie hasta la segunda temporada, en el episodio, "I.R. la Mamá." otros personajees!! Loulabelle: Es la ayudante de Comadreja, que normalmente viste como una enfermera. Almirante Bullets: El Almirante Bullets es un superior de la Armada que a menudo confía en Comadreja. Él hizo las apariciones en los episodios, "Este Puente, No el "Puente del Comadreja y "I.R. la Mamá." Bebé Grampa (Bebé "Hola Abuelo, ¿Cómo estas tú?" en Hispanoamérica), "Abuelete" en España: En el episodio, "I.R. la Mamá", Jaimico/Mandril adopta a un niño que él nombra de Grampa (Abuelete). Al final del episodio, él se ve como un hombre crecido que se pone una camiseta similar a la de Mandril/ Jaimico, de la manera que su nombre está escrito al revés. Personajes de Vaca y Pollo (España) o Vaca y Pollito (Hispanoamérica): Además de Rojo, algunos otros personajes de Vaca y Pollo han hecho sus apariciones en Mandril y Comadreja desde la Serie 2. Éstos incluyen a Vaca (y Supervaca), Pollo/ Pollito, Flem, Earl, Mamá, Papá y la maestra de la escuela. videos para recordar un poco mas!! link: http://www.youtube.com/watch?v=JBsKo-4_Oxs link: http://www.youtube.com/watch?v=5FC4XWKLSJQ

link: http://www.youtube.com/watch?v=BrZYlXU_Eok Mauricio Rajmín Borensztein, más conocido por su nombre artístico Tato Bores, (Buenos Aires, Argentina, 27 de abril de 1927 – 11 de enero de 1996) fue un humorista y presentador de televisión argentino. Si bien actuó en cine, teatro y televisión, es en este último medio donde con su humor político marcó a generaciones de argentinos. Es apodado el Actor Cómico de la Nación. Hizo reír a varias generaciones de habitantes a lo largo de su carrera de más de 50 años. Fue una de las figuras más respetadas y queridas del país. Participó en 19 películas y una infinidad de ciclos de TV y obras teatrales. Fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires en 1992. A través del humor, dijo lo que nadie podía o quería decir. La sagacidad de sus comentarios, la crítica sutil que evitaba la censura cautivó a los televidentes. Tato Bores renovó absolutamente el lenguaje del humor político. Asistido por los mejores guionistas de cada época, transformó el estilo de los monólogos de Pepe Arias en un torrente frenético y surrealista de escenas imaginarias entre los personajes del momento. Justamente, esta forma de recitarlos, a una velocidad increíble, hablaba mucho más de la realidad política del momento que el contenido mismo. La función que el periódico tenía en el humor de Pepe Arias, en Tato lo ocupó el teléfono, uno de los elementos emblemáticos de su personaje.